BERTOLT BRECHT

Poner todo en cuestión

BRECHT, EL PERSONAJE
Dramaturgo alemán más influyente del s. XX y creador del teatro épico o 1
dialéctico. Comunista convencido, buscaba con sus obras objetivos
políticos.

Con la llegada de Hitler al poder (33) huyó de Berlín a Dinamarca, Suecia y

Finlandia y la Unión Soviética. En 1944 viajó a EEUU de donde fue
expulsado por sus ideas. En 1947 viajó a Suiza y volvió a Alemania en
1948, (Al Berlín Este).

Hay una relación directa entre Brecht y su obra. Sentía y proclamaba una
clara animadversión a la violencia. Brecht era enemigo de lo oscuro, de lo
secreto, de lo romántico y de lo irracional.

Para salvar la censura comunista empezó a adaptar clásicos (algo que

también hizo Heiner Müller) (Don Juan de Moliere, El proceso de Juana de
Arco de Anna Sehers o Fausto de Goethe)

Al igual que Stanislavski difirió de su propia teoría en el último periodo de

su vida.

Períodos creativos:

1.-Expresionismo crítico: Fantasías expresivas y conceptuales

2.-Didactismo: Con el pedantesco didactismo siempre criticado, se acaba

haciendo evidente algo que no se pretende; la ruindad de los pobres.

3.-Maestría. Conjugación de fantasía y política. Superación poética de la

propia ortodoxia. No es una construcción; es un proceso vivo.
LA FILOSOFÍA BECHTIANA: EL DISTANCIAMIENTO
EL ARTE SOLO PODÍA TRANSFORMAR LA SOCIEDAD TRANSFORMANDOSE
A SÍ MISMO. “Nuevos contextos necesitan nuevas formas”

“No hay que partir del hombre, sino ir hacia el hombre”. “ No solamente
debe mirarse el hombre tal como es, sino también tal como podría ser”.
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Debo ponerme frente a él, no en su lugar.

SUS APORTACIONES AL TEATRO.

El objetivo del trabajo de Brecht es: descifrar la realidad a través del Arte.
Mostar lo que sucede detrás de los sucesos. Busca que el arte (teatro)
creara una nueva forma de transmisión de la obra de arte.

El objeto de la representación en Brecht es siempre el tejido de relaciones

sociales entre los hombres.

La observación es un aspecto fundamental del arte escénico. No buscamos

la imitación, sino la reflexión sobre lo que se hace.

La menor unidad social no es un hombre, son dos, porque en la vida

también nos construimos mutuamente.

El teatro es ofrecido en dos vertientes: como entretenimiento y como

pedagógico (didáctico). Representa la realidad estática y por tanto puede
confirmar o rebatir, puede recordar o profetizar pero debe dejar surgir la
realidad desnuda, no manipularla para potenciar la discusión y el debate.

No contemplación lírica del relato. El teatro contemporáneo tiende a

desconfiar del relato político directo, prefiere la FÁBULA para reflexionar.

No se puede dirigir sin crítica y sin réplica. Hay que evitar el monopolio de
las ideas y admitir el desacuerdo para fomentar la dialéctica. Para Brecht
no hay personajes heroicos, solo personas enfrentándose a problemas
éticos.

Evitar la catarsis y la identificación. Se busca el pensamiento. Teatro épico.

Su rechazo a la catarsis tiene en la experiencia del fascismo y su grotesca
acentuación de lo emocional. Hay que comprender no sentir. Hay que huir
de los sentimentalismos.

Para evitar la identificación es obligatorio hacer consciente el hecho

teatral y evitar que el actor se “transforme” en el personaje. Borrando la
ilusión escénica mediante las desubicación del espectador, mediante la
aparición de canciones y/ o de carteles. Con proyecciones, mapas, fotos.

Efecto distanciamiento. ( Efecto V)

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Lo que pretende es indagar sobre ese tipo de mirada que permite avanzar
porque no da las cosas por sentadas.

Distanciar una acción o un personaje significa quitarle a la acción o al

personaje los aspectos familiares o conocidos y provocar el asombro y la
curiosidad.

Se debe limpiar el escenario de todo elemento mágico y no dejar que se

formen campos hipnóticos.

Conseguiremos que el espectador ya no vea representados a los hombres

como algo inmutable, como seres incapaces de ser influidos y entregados
irremisiblemente a su destino.

Se obliga al espectador a tomar una actitud, a apoderarse del mundo para

cambiarlo.

Da a los personajes un carácter de masa. Crea un agente de la seguridad

(p.ej) no el señor Sánchez. Se procuraba cierta clase de deshumanización.

Para aclararlo escribió…

EL PEQUEÑO ORGANÓN
El primer precepto del teatro es DIVERTIR (Por ser la función más noble).

La fábula y su sentido pedagógico es el alma del drama.

La crítica de Brecht jamás es amarga, sino alegre, indirecta y dialéctica.

Divertir útilmente. Debe investigar para que sus propuestas puedan influir
en el espectador, pero como en un juego:
.- Con la solución imaginativa de los problemas

.- Con la ira de los oprimidos

.-Con el respeto hacia lo respetable.

“Necesitamos un teatro que no solo procure sensaciones, ideas o

impulsos, sino que aplique y produzca aquellos pensamientos y
sentimientos que juegan un papel en la transformación del mismo”.
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“Es necesario hacer evidente la transitoriedad de las estructuras sociales
con el fin de hacer evidente que la nuestra también es transitoria. Hacer
hincapié en que las cosas cambian y que nuestra época también
cambiará”.

El teatro debe hacer que el público se extrañe, que las cosas dadas como
evidentes se muestren como problemáticas para que pueda descubrir.
Debe desconfiar de aquello que es familiar porque nos parece inmutable y
no lo es. (Debe tener una mirada “distanciadora”)

(El ingeniero de canales)

Todo está cambiando perpetuamente mostrando lo contrario de lo que

cabría esperar.

La avidez y la desmesura; lo que aseguran es su alcance y su optimismo.

El erotismo es la herramienta de la sociedad mercantilista.

La justicia y su injusticia

El amor: Cuestión de avatares burgueses. Para Brecht el amor es un

sentimiento vecino a la amistad y lleno de bondad.

No expresar ninguna clase de mística. Lucha contra las idealizaciones del

tipo que sean (madres, amor justicia), “No es tan sencillo ser bueno,
muchas veces cuesta caro” La buena persona del SZezuan

La música juega un papel bien definido: Es autónoma en relación al texto.

A menudo es su negación.
Pide una actuación llena de ritmos y de contraste que eviten que el
espectador se sumerja. El escenario es realista, pero fragmentario y
alusivo.

LA ACTUACIÓN EN BRECHT
Se abandona la cuarta pared, el actor puede dirigirse directamente al
público.

No debe producirse la identificación con el personaje, pero si ese fuera un 5

medio para obtener el fin siempre se puede utilizarse.

“Para evitar una composición de los personajes y las acciones demasiado

impulsiva y desprovista de crítica se pueden hacer más ensayos de los
habituales”. “El actor ha de leer su papel con la actitud de discrepante. No
debe aceptar ninguna situación como dada, o como”

El personaje no solo aparece representado como es, sino como podría ser.

Se debe evitar la creación de atmósferas para evitar colocar al espectador

en ningún tipo de trance. Hay que neutralizar con determinados medios
técnicos la tendencia del público a embarcarse en ilusiones.

“Saquemos a Lear de su furia. Cuestionemos esa reacción. No la

validemos como inmutable y tendremos una reflexión”

También se incita al artista a entender el mundo como algo mutable y

conocido y a proporcionar imágenes que den esa información. Mostrar el
mundo como algo dominable. Lo que no hace el personaje debe de esta
contenido en lo que hace. Todas las frases son decisiones.

PARA EL INTÉRPRETE…

No se permite llegar a la transformación total en el personaje que

representa.

Habla con verdad, pero no intenta convencerse a sí mismo de que se ha

transformado.
Algunas formas de hacerlo

.- Traspasar acción y texto a la 3ª persona.

.-Trasponer acción y texto al pasado

.-Decir al mismo tiempo todas las indicaciones y comentarios del texto.

.-Intercambiar los papeles con los compañeros, a veces copiándoles, a

veces mostrando otra visión del personaje.
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.- En los ensayos se puede utilizar la identificación como medio de
experimentación o cualquier otro medio que veamos conveniente.

.- Se debe sacar hacia fuera todo lo emocional y convertirlo en gesto. El

actor ha de encontrar una expresión externa adecuada para las emociones
de su personaje.

.- Puesto que el actor no se identifica con el personaje puede ofrecer su

punto de vista o su opinión e invitar al espectador a hacer lo mismo.

.-Se muestra el acto de mostrar.

.-Se busca una manera de actuar que vuelva llamativo lo corriente y

asombroso lo acostumbrado. No se acepta a los hombres como
naturalezas inalterables, como hace un actor naturalista. El principio
mimético es sustituido por el principio gestual.

.-El actor ha de leer su papel con la actitud del que se asombra y del que
se contradice. Antes de memorizar, debe marcar en que momentos se ha
sorprendido y en cuales ha replicado.

.-La escenografía se reduce a lo necesario.

.-La iluminación es blanca, uniforme y potente como símbolo de la fuerza

y la razón luminosa. Los trajes sobrios y de colores neutros.

.-Se muestra el acto de mostrar. Cambios de vestuario en escena. Luces y

cambios en total evidencia de que estamos actuado.
MATERIALISMO DIALECTICO
Cada cosa lleva en ella su propia contradicción. Materialismo Dialectico

Materialismo Dialectico:

Todo existe en tanto que se transforma, o sea, en contradicción consigo

mismo.

Además los sucesos que ocurren no son aislados tiene relación. 7

(Unidad y lucha de contrarios y transformación de cambios cuantitativos y
cualitativos)

Se debe trabajar para crear unas condiciones experimentales: que siempre

resulte posible imaginarse un experimento contradictorio.

La estilización debe acrecentar lo natural (Con Poesía, coreografía y

música)

DIFERENCIAS ESTRE EL TEATRO DRAMÁTICO Y ÉPICO

Básicamente la diferencia está en la forma de construcción. Sus reglas son
trazadas en dos ramas diferentes de la estética.

(Ver esquema adjunto)

FORMAS DE APLICAR SUS TEORÍAS EN EL ESCENARIO

Los adelantos técnicos permitieron Interrumpir las narraciones del
discurso dramático:

.-Con la aparición de pancartas sobre otros acontecimientos simultáneos.

.-Con Información que confirma o desmiente lo expuesto por el personaje.

.-Los actores evitan la transformación completa exigiendo su crítica a la

acción. Deben distanciare y emitir su criterio al respecto.

.- Lo natural debe ser llamativo para sacar a la luz la ley de causa y efecto.

.- Todo puede ser de una manera, pero también puede ser de otra.
.-Hay que provocar que el espectador diga: “No lo hubiera imaginado” “Así
no se debe hacer”, “ En esta historia nada es obvio”.

.- Hay coros que informan al espectador de contextos desconocidos.

.- Se muestran acontecimientos de todo el mundo.

.-Se ofrece material estadístico.

.-Al pasar los trasfondos a primer plano, la acción del hombre queda
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expuesta a la crítica.

.-Se muestra la forma de actuar errada y correcta.

.-El aprendizaje debe ser gozoso, combativo y alegre.

.-No hay héroes, sino personajes singulares que despiertan asombro.

LA ESTRUCTURA

Fragmentada. Espacial y temporalmente dispersa.

Estructura de combate de boxeo

La parábola como género dramático respondía a su principal criterio: la

utilidad

La renuncia de lo psicológico. El objeto principal del drama ya no es el

hombre, sino el mundo.

El hombre es su función social.

El personaje no actúa solo reacciona.

El escenario no es el lugar de la apariencia, sino de la revelación

Para Brecht la abstracción no era útil, porque en ella se encerraba tan

poca verdad como en la apariencia. Prefería espacios físicamente
reconocibles. La escenografía con elementos mínimos fue su opción
siguiendo el expresionismo, pero reconocible, esquemática pero sin
romper la relación semántica.
Mantuvo la precisión en las acciones físicas.

Alternancia de géneros ( verso, prosa, cabaret…)

Comentario de los acontecimientos por narradores

Doble perspectiva narrativa (lo narrado y como se narra). Interpretación

demostrativa de los actores.

Lo decorativo sustituido por lo informativo (el teatro documento de

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Piscator) Mapas, tablas, estadísticas.

(Textos que resumen la acción, el cine, los documentos/ documentales, la

banda sinfín, la escena giratoria, ascensores)

BRECHT Y EL EXPRESIONISMO
Mostrar las falsedades en palabras y gestos.

Pretendió refundar la estética mediante el materialismo histórico que

también guiaba a construcción del socialismo.

“Las dificultades casi insuperables de combatir el imperativo estético

nihilista con el imperativo ético marxista dieron lugar a numerosas
controversias intelectuales”.

Brecht, a diferencia de los expresionistas, no hacia al individuo

protagonista de su obra artística, sino sujeto receptor de la misma.

El expresionismo fue un arte confuso, compuesto por locas y

desarraigadas utopías, objetivos imaginarios, formas distorsionadas
debido a la crisis existente.

Importante para el expresionismo y para Brecht es la deconstrucción de lo

heróico.

El individualismo. ¿Cómo conseguir que el individuo ingrese

voluntariamente en la colectividad?
EL TEATRO DEBÍA:

Disgregar la cadena sintáctica

Alejarse de la relación mimética

La disgregación de la subjetividad y de las estructuras unitarias.

Había que liberar a las palabras de sus habituales significados, y crear un

lenguaje autónomo.
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Quiebre de las estructuras espacio-temporales

Actúa un principio de simultaneidad en espacio y tiempo, pero los

objetivos de aceleración y no-lugar no fueron alcanzados.

Cancelación de lo Psicológico. (Consecuencias: Se produjo un efecto no

esperado. Si no hay psicologismo es difícil que los personajes se relacionen
entre sí, y peligra la continuidad del drama.

Se reducen los personajes a abstracciones, son personificaciones de ideas

Se introduce el coro para disolver lo psicológico, pero los personajes

quedan aislados. Reducidos a una estructura esencial.

Todo esto había que experimentarlo y ver cómo funcionaba….

CONTRADICCIONES
Brecht se dio cuenta de que la eliminación de la cuarta pared no daba
lugar a una negación del ilusionismo, sino a un ilusionismo de otro tipo.

LA PREGUNTA DE LA IZQUIERDA:

¿Se puede hacer al mismo tiempo arte y política?

No lo consiguió porque:

La ejecución resultó cuando menos problemática.

La fragmentación hacía imposible cualquier complejidad narrativa.

Si el texto era simple, ¿Cómo explicar lo complejo?

Esquematismo y simplificación eran opuestos a propósitos profundos.

El alejamiento de lo psicológico significa actores aplastados por lo

mecánico y alienados por el propio espectáculo.

Si el individuo es presentado como masa, el espectador difícilmente se ve

apelado como individuo.
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