Pedro Ignacio Ortega Sanz
ARTE GÓTICO
1. CONTEXTO HISTÓRICO
El gótico es el estilo que imperó en Europa occidental desde mediados del siglo XII hasta
el primer tercio del siglo XVI. En Italia en el siglo XV fue progresivamente sustituido por
el arte renacentista.
El término gótico nació en Italia en el siglo XVI, con connotaciones peyorativas. Fue
acuñado para calificar como bárbaro, propio de los godos, al arte de la Edad Media, en
oposición al ideal renacentista. El siglo XIX, en el contexto del Romanticismo, se
entusiasmó con el mundo medieval y revalorizó el arte gótico.
El contexto histórico del arte gótico fueron los siglos finales de la Edad Media, una época
de profundas transformaciones económicas, políticas y sociales. En estos siglos se
desarrollaron las ciudades, que adquirieron cada vez más peso en lo artístico, en lo político
y en lo económico. En las ciudades surgió una nueva clase social, la burguesía, que emergía
a la vez que se iniciaba el declive feudal. En las ciudades aparecieron también nuevas
instituciones culturales, las universidades, que quebraron el monopolio, aunque no el
predominio, de la cultura religiosa. Fue asimismo la época en que se consolidó el poder de
los reyes, fundamentado jurídicamente en la recuperación del derecho romano. El cambio
en la economía fue tan profundo que está en la base de las restantes transformaciones:
renació la artesanía, se desarrolló el comercio, se consolidaron los gremios, surgieron las
primeras instituciones comerciales precapitalistas.
También hubo importantes cambios culturales que se manifiestan sobre todo en la progresiva
secularización de la cultura. El trascendentalismo románico, empieza a ser sustituido por
una religión más humana, por una mayor valoración del hombre y de la naturaleza,
considerados bellos en sí mismos por reflejar la belleza divina.
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Otro aspecto importante fue la actitud de la Iglesia. En el siglo XII tuvo lugar la reforma
cisterciense, conducida por San Bernardo de Claraval. En el siglo XIII se crearon nuevas
órdenes como la de los franciscanos o las de los dominicos que se instalaban ya en las
ciudades y contribuyeron al cambio de mentalidad puesto que participaban intensamente en
los centros universitarios y difundían la idea de la belleza como obra de Dios.
No todos los siglos del Gótico fueron de progreso; en el XIV se produjo una profunda
crisis. Afectó a las actividades económicas, a las relaciones entre países (Guerra de los Cien
Años), a la demografía (Peste Negra), a la religión (Cisma de Occidente), a las conciencias y,
por supuesto, al arte. Entre las consecuencias inmediatas de la crisis hubo una exaltación de
las formas de religiosidad individual y una doble manera de entender la vida: la actitud
vitalista y mundana de unos se contraponía a los fatalistas, obsesionados por la muerte. En
paralelo surgieron dos formas de concebir el arte, una superficial, refinada y de evasión,
junto con otra caracterizada por un profundo dramatismo trascendente.
En España durante esos siglos se produjeron grandes acontecimientos históricos. Tras la
victoria de Las Navas de Tolosa (1212) contra los almohades, se llevó a cabo el mayor
avance reconquistador de los reinos cristianos que ocuparon, a lo largo del s. XIII, los
territorios de Córdoba, Sevilla, Valencia, Mallorca y Murcia. Sólo quedaba en manos
musulmanas el reino de Granada, conquistado en 1492 por los Reyes Católicos. Fue también
una época de expansión exterior de la que son los mejores ejemplos la proyección territorial
y comercial de la Corona de Aragón en el Mediterráneo y, por parte de Castilla la ocupación
de las islas Canarias y el desarrollo del comercio con Flandes. Al finalizar el periodo, el
matrimonio entre Isabel de Castilla y Fernando de Aragón puso las bases para una futura
unidad peninsular.
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2. ARQUITECTURA GÓTICA
2.1. LOS EDIFICIOS GÓTICOS. LA CATEDRAL
La aglomeración urbana precisaba de la arquitectura eclesiástica edificios más amplios y por
ello proliferaron las catedrales. La catedral es el edificio arquetípico del arte gótico, pues la
arquitectura religiosa mantuvo su papel normativo y en ella se generaron y experimentaron
las innovaciones técnicas.
• Es la iglesia urbana por excelencia, sede episcopal (la palabra catedral deriva de
cátedra, trono del obispo) y símbolo de la importancia de la ciudad. Refleja la
capacidad económica y artística de la urbe ya que se construye con las aportaciones
que hacen los ciudadanos a lo largo de generaciones. Por supuesto es también la
casa de Dios y, como tal, su forma y sus elementos tienen, como en el románico,
valores simbólicos: la luz que filtran las vidrieras abre al hombre el camino para ver
la verdadera luz de Dios.
• La catedral tiene una o tres fachadas, la más monumental a los pies y las otras dos
en los brazos del transepto. Responden a un modelo formado por un cuerpo central,
cuya altura alcanza la de la nave mayor, y dos torres laterales mucho más elevadas,
que algunas veces acaban en terraza pero la mayoría culminan en agujas. En la parte
inferior se abren los portales, que son muy abocinados, con los arcos frecuentemente
subrayados por gabletes. Sobre ellos puede haber galerías con arcos o frisos con
esculturas y un gran rosetón. Abundan los elementos decorativos.
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• El alzado más usual viene caracterizado por la notable elevación de la nave central,
constituida por tres alturas: las arquerías que comunican con las naves laterales, el
triforio (pasillo abierto hacia la nave mediante arcos, que sustituye a la tribuna
románica) y el claristorio de ventanales.
• La planta típica de la catedral gótica es la basilical, con una nave central amplia y
muy elevada y una o dos laterales a cada lado. Tiene transepto y en el crucero un
cimborrio exterior, que a veces presenta forma de flecha. La cabecera es
generalmente macrocéfala, formada por una capilla central profunda y una o dos
girolas con corona de capillas radiales.
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2.2. ESTRUCTURA ARQUITECTÓNICA
La estructura del edificio gótico está constituida por un esqueleto equilibrado y dinámico
formado por arcos, bóvedas, pilares, arbotantes y contrafuertes, que se completa con muro y
vidrieras. Para evitar que la lluvia deteriore las bóvedas, las protegen con un tejado de doble
vertiente. Es un sistema orgánico, de elementos especializados y articulados, que recogen las
cargas verticales y trasladan las presiones laterales, y que permite construir edificios de gran
altura y aligerar los muros para abrir amplios ventanales.
• Los elementos sostenidos de la arquitectura gótica son el arco apuntado y la bóveda
de crucería.
o El arco apuntado está formado por dos segmentos de circunferencia que se
cortan. Es el elemento estructural que, por su esbeltez y por transmitir las
cargas más verticalmente que el arco de medio punto, permitió el aumento
en altura del edificio y la apertura de grandes vanos. El arco gótico clásico
tiene la misma anchura que altura, pero en el siglo XIV fue muy frecuente el
alancetado (muy apuntado) y en el XV el rebajado, además de dos arcos
nuevos, el carpanel y el conopial.
o La bóveda de crucería está formada por un armazón estructural de
nervios. La más sencilla es la cuatripartita cuyo esqueleto consta de dos
arcos formeros y dos fajones, que delimitan un rectángulo, y dos ojivas
diagonales que refuerzan las aristas y, al cruzarse, originan la clave. Los
huecos que quedan entre los nervios se rellenan con paños cóncavos,
llamados elementos. En el siglo XIV surgieron las bóvedas de terceletes, con
nervios menores, y en el XV se añadieron múltiples nervios pequeños y
combados dando lugar a las bóvedas estrelladas.
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• Los elementos sustentantes del esqueleto gótico son los pilares, los contrafuertes y
los arbotantes.
o Los pilares reciben, en el interior, las cargas verticales de las bóvedas y las
trasladan hasta el suelo. Son soportes robustos que están recorridos
verticalmente por finas columnas adosadas en que se apean las ojivas y arcos
de las bóvedas. Cuando, en el gótico final, estas finas columnas
(baquetones) se multiplican originan el pilar fasciculado. Los pilares suelen
adornarse con un capitel corrido que une todas las columnas a modo de
cinta, decorada con motivos vegetales.
o En el exterior, los arbotantes (arcos aéreos rampantes) transmiten los
empujes laterales de las bóvedas a los contrafuertes o estribos. Sirven
también para canalizar el agua que baja de los tejados y la expulsan a través
de las gárgolas.
o Los contrafuertes reciben, en torno al edificio, las presiones laterales y las
trasladan hacia el suelo. Sobre los contrafuertes, con una función a la vez
ornamental y de contrapeso, se disponen unos pequeños pilares
apiramidados, llamados pináculos.
• El muro modifica su función arquitectónica tradicional. Pierde gran parte de su
papel sustentante y queda casi limitado a cerrar el espacio, por lo que puede abrirse
en múltiples y amplios vanos, sean ventanales verticales o rosetones circulares.
Unos y otros tienen maineles(o parteluces) y tracerías caladas para soportar las
vidrieras. La forma de las tracerías evoluciona a lo largo de los siglos. Así, en el
XIII, un mainel divide en dos el vano y lleva pequeños rosetones trifoliados de
lóbulos curvos, cobijados bajo el arco mayor del ventanal. En el XIV aumenta el
número de maineles y los lóbulos se hacen apuntados. En el siglo XV se imponen las
tracerías flamígeras con curvas y contra curvas que parecen llamas.
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2.3. ESPACIO Y VOLÚMENES DEL EDIFICIO GÓTICO
En la arquitectura gótica predomina el vano sobre el macizo, de lo que deriva una de las
principales características de su espacio interior: la luz coloreada y fragmentada que
penetra por las vidrieras crea un ambiente metafísico y espiritual. El interior gótico es,
además, un espacio en tensión entre dos impulsos, uno vertical y ascendente, creado por la
elevación de la nave, la altura a que están situados los vanos, las forma de los arcos
apuntados y los baquetones de los pilares; y otro longitudinal hacia la cabecera promovido
por el ritmo de las arcadas y los pilares que conducen hacia el ábside como ocurre en todas
las plantas basilicales.
Los volúmenes exteriores quedan definidos por la apariencia monumental, el carácter
atectónico y la tensión ascendente. La monumentalidad deriva de las grandes dimensiones
del edificio, mientras que la tendencia ascensional viene dada por los arbotantes rampantes,
la verticalidad de los pilares, la altura de las torres acabadas en flechas, la aguja del crucero,
la forma apuntada de pináculos y gabletes, y la decoración, que en su mayor parte está
formada por motivos verticales. Es también una construcción atectónica, de formas poco
definidas y apariencia relativamente liviana. Es la consecuencia de los pináculos emergentes,
de las torres caladas y salientes, de las agujas y flechas, del carácter aéreo de los arbotantes
que permiten que el aire circule entre ellos; todo lo cual integra al edificio en el espacio y
desdibuja los volúmenes.
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2.4. ARQUITECTURA GÓTICA EUROPEA
El país en que nació el gótico, donde evolucionó y en el que se encuentra la mayoría de las
obras maestras, es Francia.
• Al gótico inicial (segunda mitad del siglo XII) pertenecen la catedral de Laon y la
catedral de Notre Dâme de París, que poseen una monumental fachada en H y son
los primeros grandes edificios construidos con arbotantes.
• En la primera mitad del siglo XIII encontramos el gótico clásico en el que él se
impuso la bóveda cuatripartita y la nave central de tres alturas con arquerías, triforio
y claristorio. La catedral de Chartres tiene unas proporciones tan equilibradas que la
convierten en el paradigma del clasicismo. La catedral de Reims destaca por la
unidad de estilo y su notable profundidad, idónea para el ceremonial real ya que en
ella eran coronados los reyes de Francia. La catedral de Amiens, además de su
mayor verticalidad, presenta como novedad el triforio calado que permite la entrada
de mayor cantidad de luz; es el punto de partida del gótico radiante. Las tres tienen
magníficas fachadas.
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• El gótico radiante predomina en la segunda mitad del siglo XIII. Se le llama así por
la abundancia y tamaño de los ventanales que prácticamente eliminan el muro. El
mejor ejemplo es la Capilla Santa (Sainte Chapelle) de París, cuyo comitente fue el
rey San Luis.
• En el gótico flamígero (siglo XV) se acentúa la decoración, se diversifican los tipos
de arco, se complican los nervios de las bóvedas, y se multiplican las claves, muchas
de las cuales son colgantes. Está relacionado con los Países Bajos donde tuvo gran
desarrollo. En esta etapa se inician pocas obras nuevas pero muchas catedrales se
completaron con agujas, torres o capillas añadidas. La ciudad flamígera por
excelencia fue Rouen: Saint Maclou.
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2.5. ARQUITECTURA GÓTICA EN ESPAÑA
Las primeras grandes catedrales góticas españolas se construyeron en el siglo XIII, en la
Corona de Castilla, si bien algunas iglesias del románico tardío, en la segunda mitad del siglo
XII, usaron ya la bóveda de crucería (Catedral de Zamora). También se iniciaron algunos
edificios protogóticos como la catedral de Ávila.
Las grandes catedrales castellanas del siglo XIII, las de Burgos, Toledo y León,
se inspiran en modelos clásicos franceses.
La catedral de Burgos se comenzó en 1221, con el patrocinio del rey Fernando III.
Su planta es de tres naves con crucero muy marcado y cabecera macrocéfala con
girola. Tiene un espléndido triforio con tracerías caladas. La monumental fachada se
terminó a finales del XV y, años más tarde, fueron eliminados los portales góticos.
La catedral de Toledo es la más original e hispana. Fue promovida por el arzobispo
Ximénez de Rada, en 1227, y se edificó en el solar de la antigua mezquita mayor, por
lo que su planta es muy ancha, de cinco naves escalonadas, con doble girola y el
transepto no marcado en planta. Los dos rasgos más originales son los arcos lobulados
entrecruzados que hay en el triforio de la cabecera, y la doble girola resuelta con
alternancia de tramos rectangulares y triangulares.
La catedral de León, iniciada a mediados del siglo XIII, es la que imita de modo más
fiel los modelos franceses. El principal arquitecto fue el Maestro Enrique, que también
había trabajado en la catedral de Burgos. León copia la planta de la catedral de Reims,
aunque mucho más corta, y su alzado recuerda a la de Amiens por el triforio calado,
que confiere a su interior una diafanidad incomparable. La fachada, terminada en el
siglo XV, tiene dos torres, pero separadas del cuerpo central.
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El siglo XIV se caracteriza por la decadencia del gótico castellano y por el auge
artístico de la Corona de Aragón, sobre todo en Cataluña, Valencia y Mallorca, sus
estados marítimos mediterráneos. La Corona aragonesa alcanzó en la primera mitad
del siglo XIV una notable prosperidad económica. Las actividades comerciales
impulsaron la creación de un imperio mediterráneo e hicieron posible el desarrollo de
la burguesía, especialmente próspera en Cataluña. Por eso, además de los edificios
religiosos tuvieron gran importancia las construcciones civiles (lonjas, palacios…).
Los edificios religiosos del gótico mediterráneo se caracterizan por los paramentos
lisos y las ventanas pequeñas, ya que el clima es muy luminoso. La nave central suele
ser ancha, las laterales elevadas y los soportes interiores delgados y airosos: por eso,
el espacio interior es diáfano, de notable amplitud espacial. No suelen tener triforio o
lo tienen atrofiado. En el exterior, robustos contrafuertes recogen las presiones, casi
siempre sin arbotantes. La decoración es escasa tanto dentro como fuera del edificio.
La catedral de Barcelona, tiene en la cabecera un sistema de pilares muy esbeltos, se
continúa con nave única, diseñada por Jaime Fabre.
Santa María del Mar, la iglesia del barrio de los mercaderes, tiene tres naves cuyas
bóvedas arrancan a igual altura sobre los esbeltos pilares lisos; su dilatado y armónico
espacio interior de es uno de los más bellos de la arquitectura española.
La catedral de Palma de Mallorca, también muy espaciosa, llama la atención por su
aspecto exterior de fortaleza debido a la gran cantidad de contrafuertes.
Siglo XV. Castilla recuperó la primacía, al quedar la Corona de Aragón muy
debilitada tras la crisis del siglo XIV. En la primera mitad del siglo se construyó la
mayor iglesia de España, la catedral de Sevilla, de cinco naves, en el solar de la
Mezquita mayor almohade. La cabecera es renacentista.
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En la Segunda mitad del siglo se impuso el gótico flamígero, al que en España se
denomina estilo Hispano flamenco o Reyes Católicos. La exuberancia decorativa
recuerda el horror vacui de la tradición musulmana. El inventario de motivos es
inagotable: elementos heráldicos como el águila de San Juan, escudos, reyes de armas,
yugos y flechas; estatuas adosadas, bolas, conchas, puntas de diamante, cadenas... En
todo el edificio la decoración es abundante, pero se concentra sobre todo en las
fachadas, decoradas como si fueran retablos. Hay dos focos principales, uno en Burgos
y otro en Toledo.
En Burgos trabajó el alemán Simón de Colonia autor de la cartuja de
Miraflores y de la capilla del Condestable, en la catedral; la espléndida bóveda
estrellada de esta capilla impacta por su plementería calada y sus nervios
cairelados.
El principal maestro del foco de Toledo fue el flamenco Juan Guás que
fusionó las formas flamencas flamígeras con la tradición islámica (arcos
mixtilíneos, por ejemplo). Su obra más suntuosa es San Juan de los Reyes, hecha
con el mecenazgo de la reina Isabel. El piso superior del claustro tiene arcos
mixtilíneos y la iglesia, de una sola nave, lleva la cabecera cuajada de decoración.
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En el resto de Europa también hay importantes ejemplos de edificios góticos:
• En Italia, las catedrales de Siena y Milán.
Tanto en la esfera eclesiástica como en la civil, el crecimiento de las ciudades planteó
nuevos problemas arquitectónicos. Se necesitaban nuevos tipos de edificios acordes con las
necesidades de las instituciones de gobierno municipal, de los gremios, del comercio y hasta
de los nobles que fijaban su residencia en las ciudades. Por eso, con el arte gótico asistimos a
un inusitado florecimiento de la arquitectura civil. Se construyen ayuntamientos (Bruselas)
y otros palacios para organismos públicos (palacio de la Señoría de Florencia o el Palacio
Comunal de Siena), lonjas comerciales (Ypres, Valencia), palacios urbanos (palacio Ducal
en Venecia), castillos (Bellver en Palma de Mallorca), etc.
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3. ESCULTURA GÓTICA
Con el renacer de las ciudades, la aparición de la mentalidad burguesa, la difusión de la
cultura en las universidades y el desarrollo del pensamiento escolástico, se planteó la
búsqueda de una religiosidad más humana que vemos reflejada en la escultura tanto en su
aspecto formal como iconográfico. En esta línea es destacable la influencia de escritores
religiosos como San Bernardo (en sus Sermones habla de que el mundo no es un lugar de
pecado sino la obra bella de Dios), San Francisco de Asís (recomienda el acercamiento del
hombre a la naturaleza) y de San Buenaventura (destaca el valor de los sentimientos).
3.1. CARACTERÍSTICAS DE LA ESCULTURA
➢ La temática que más se repite es la religiosa. Aunque se siguen representando los
temas del arte románico, hay preferencia por motivos nuevos como los evangélicos,
los marianos (de la Virgen María) y los hagiográficos (vidas de santos), es decir,
aquellos que permiten acercarse a los valores humanos. Las fuentes de inspiración
iconográfica son, además de la Biblia, los Evangelios apócrifos y la Leyenda Dorada
de Santiago de Vorágine (una colección de vidas de santos y de leyendas piadosas).
➢ Podemos resumir las características estilísticas en que se busca la expresividad a
través del naturalismo. Este naturalismo se manifiesta en aspectos como:
Las figuras adquieren volumen y corporeidad, independientes del marco. Sus
proporciones varían de modo que unas veces son figuras estilizadas y otras
monumentales y plásticas.
Los pliegues de los ropajes muchas veces se adaptan a la anatomía corporal
con aire clásico, otras se acartonan en busca de plasticidad, o bien se acumulan
movidos a los pies de las figuras.
Los rostros se individualizan y se tornan expresivos. Se vuelve a representar
los sentimientos de tristeza, alegría, dolor, ternura…
Las posturas adquieren naturalidad, usándose el contraposto.
3.2. MODALIDADES Y EJEMPLOS
Imágenes de devoción. Predominan las imágenes de Cristo crucificado y de la
Virgen con el Niño. En el primero se acentúa la expresión dramática y las
manifestaciones de dolor: va coronado de espinas, tiene tres clavos y lleva un pequeño
paño de pureza; el cuerpo aparece arqueado por el peso y el dolor. La Virgen tiene
aspecto y gestos maternales. Sonríe y mira tiernamente al Niño o juega con Él. Si está
de pie su cuerpo se arquea en contraposto por el peso de su hijo. A partir del siglo
XIV, las figuras se hacen más dramáticas y aparece el tema de la Piedad.
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Escultura monumental. Aparece sobre todo en los portales de las fachadas,
aunque la encontramos en otras muchas partes del edificio como en las torres, los
pináculos, los pilares, las gárgolas, etc. La ubicación de la escultura en las portadas
mantiene básicamente la distribución románica, con algunas modificaciones como, por
ejemplo, que las figuras de las arquivoltas se disponen siguiendo la dirección de la
rosca, que las esculturas van sobre ménsula y bajo dosel, y que el tímpano se divide en
registros (en el siglo XIII en tres, en el XIV en cinco y en el XV se tiende a la escena
única).
Siglo XIII. La región de París, fue el primer hogar de la escultura gótica, del
que irradió a otras regiones de Francia y a los demás países europeos. Las cuatro
grandes catedrales francesas de París, Chartres, Amiens y Reims tienen
excelentes portadas, varias de ellas dedicadas a la Virgen.
En Amiens la imagen más importante es el Beau Dieu, situado en la fachada
principal, una figura todavía rígida, pero llena de majestad y clasicismo. En la
portada de la Virgen Dorada, de finales del siglo, la estilizada figura de María
del parteluz, sonríe al Niño con dulzura.
La catedral de Reims conserva un excelente conjunto escultórico debido a varios
maestros. Las esculturas más interesantes son el grupo de la Anunciación,
perteneciente al llamado Maestro del ángel de la sonrisa. Otro maestro destacado
es el de las figuras antiguas, que se inspira en la escultura clásica y el autor de la
Visitación, en que la acusada diferencia de edad entre la Virgen María y su prima
Isabel pone de manifiesto el humanismo gótico.
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Durante el siglo XIII hay en Castilla dos centros destacados, Burgos y León.
En la catedral de Burgos se conservan las dos portadas del transepto y otra que da
al claustro. La más importante es la del Sarmental, cuyo tema (Cristo y
Tetramorfos) es románico, aunque las figuras de los evangelistas que están
escribiendo en sus pupitres son naturalistas.
Los maestros de León funden la tradición y la novedad. La portada del Juicio
Final, en la fachada principal de la catedral, es la obra maestra: el relieve del
dintel, en el que aparecen justos y pecadores, destaca por el virtuosismo y
minuciosidad; por su parte la Virgen Blanca del parteluz, considerada la mejor
escultura castellana de la época, es muy clásica.
En el siglo XIV se decora la catedral de Toledo, con un programa en el que la
Virgen tiene la absoluta primacía: la portada más importante es la puerta del
Reloj.
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Los sepulcros pueden ser exentos o adosados bajo arcosolio. Los exentos llevan
sobre la tapa la imagen yacente del difunto, como en un lecho; si es un sepulcro
matrimonial aparecen ambos cónyuges. Los personajes están representados con los
ojos abiertos o dormidos, vestidos con ropas ceremoniales de su rango y con un
animal acostado a sus pies, un perro, si es la tumba de una mujer, un el león si es la de
un hombre. Los frentes del sepulcro se decoran con escudos heráldicos y con otros
motivos figurativos: en el siglo XIII se prefiere representar el cortejo fúnebre; a finales
del XIII y en el XIV son frecuentes las figuras de santos; desde final del siglo XIV se
pusieron de moda los plañideros encapuchados.
Uno de los mejores sepulcros del siglo XIII es el del Infante Don Felipe en
Villalcázar de Sirga, perteneciente a la escuela burgalesa, la más importante de
Europa.
Del siglo XIV es el del duque de Borgoña Felipe el Atrevido, en Dijon, hecho por
Klaus Sluter, el escultor de la corte borgoñona, que puso de moda el tema de los
encapuchados.
La obra maestra del siglo XV en España es el de los reyes Juan II y su esposa en la
Cartuja de Miraflores, de Gil de Siloé.
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En los sepulcros de arcosolio uno de los mejores es también obra de Siloé. En éstos
el difunto puede aparecer yacente pero también arrodillado, en actitud orante, o
recostado. Orando de rodillas sobre un reclinatorio está el Infante Don Alfonso, obra
de Siloé, en la Cartuja de Miraflores, mientras el Doncel de Sigüenza, de Sebastián de
Almonacid, aparece recostado leyendo.
Los retablos son conjuntos de tableros de madera ensamblados, decorados con
esculturas o pinturas, que se colocan detrás del altar. Aunque surgieron en el siglo
XIV, la época de auge del retablo gótico fue el siglo XV, en especial en los Países
Bajos, Alemania y España. La escultura de los retablos se talla en bulto redondo o en
relieve y se dora, es decir, se recubre con pan de oro. El más grandioso y monumental
de los retablos españoles de este periodo es el de la catedral de Toledo, obra de varios
maestros. Mucho menor es el tríptico de Covarrubias, que representa la Epifanía. Gil
de Siloé hizo el de la cartuja de Miraflores.
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4. PINTURA
Debido a la estructura del templo gótico, que presenta escasas superficies para la pintura
mural, se desarrollaron nuevos campos pictóricos en retablos, trípticos, vidrieras, tapices,
miniaturas, etc. La pintura de los siglos del Gótico no es homogénea estilísticamente, sino
diversa y multiforme; se presenta como un arte en evolución cronológica y con diferencias
regionales. Por ello es más correcto que hablar de pintura gótica, referirse a las escuelas
pictóricas de la época del Gótico.
4.1. CARACTERÍSTICAS
Técnica y soportes. Para la tabla, que es el soporte más utilizado, se utiliza la
técnica del temple. La pintura mural emplea el fresco seco sobre el muro enfoscado
pero tuvo poca importancia salvo en Italia y en las regiones mediterráneas de la
Corona de Aragón. Desde Flandes, en el siglo XV, se difundió el óleo sobre tabla.
Rasgos de estilo. No hay un estilo definido, sino que evoluciona desde una pintura
puramente lineal, que imita la vidriera, falta de espacio (muchas veces con fondos
dorados) y de colores planos y puros, hasta adquirir la sensación de corporeidad y de
volumen mediante la matización cromática y la gradación de la luz y la sombra.
Asimismo se inicia la búsqueda del espacio pictórico con formas de perspectiva
rudimentarias, pero progresivamente más correctas.
Se representan los mismos temas de la escultura, es decir, los evangélicos, los
marianos y los hagiográficos, enfocados de forma narrativa. Para resaltar los valores
humanos, escenas y figuras buscan el naturalismo e intentan expresar sentimientos y
emociones, aunque muchas veces pecan de ingenuidad.
4.2. PINTURA ÍTALO GÓTICA O DEL TRECENTO (siglo XIV)
Italia, una de las regiones más prósperas de la Europa bajomedieval, fue la cuna, en el siglo
XIV, de una importante actividad pictórica, mural y sobre tabla, trascendental para la
evolución del arte occidental. A estos maestros se les ha denominado primitivos, por iniciar
una tradición pictórica que desembocó en el Renacimiento Su rasgo más característico es el
acercamiento directo a la realidad, quizás por influencia de la religiosidad franciscana.
Forman dos escuelas, una en Florencia y otra en Siena.
La Escuela de Florencia fue iniciada, a finales del siglo XIII, por Cimabue
(Santa Trinitá, Uffizi), un pintor de estilo aún muy bizantino, maestro de Giotto.
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Giotto ha sido valorado como el padre de la pintura moderna por sus aportaciones
a la plasticidad pictórica. Conocemos de su vida lo que nos cuenta Vasari, que lo
presenta como el primer pintor con prestigio social y bien pagado, considerado un
renovador por sus contemporáneos. Las figuras que pinta Giotto son sólidas y
monumentales, de apariencia pesada. Solía colocar personajes en primer plano,
vueltos de espaldas, para que destaque su masa corpórea y sirvan de referencia
espacial. Intensifica los sentimientos en un afán de resaltar la humanidad de los
personajes: para ello confiere dramatismo al ambiente y busca la unidad psicológica
mediante gestos teatrales. Ambienta las escenas en marcos reales con paisajes o
ámbitos urbanos pero estereotipados como si se tratara de un decorado teatral. La luz
actúa con una doble función, plástica para acentuar la sensación de espacio, y
expresiva para dar unidad a las composiciones.
A Giotto pertenecen la Madonna ognisanti de los Uffizi y el Crucificado de Santa
María Novella, ambos en tabla, y las pinturas murales de Asís, sobre la vida de San
Francisco.
Su obra maestra son los frescos de la capilla Scrovegni, en la Arena de Padua, con
escenas tan conocidas como Abrazo ante la Puerta Dorada, Llanto sobre Cristo
Muerto y el Prendimiento.
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Escuela de Siena. Mientras Florencia se encaminaba hacia el Renacimiento a
través de los hallazgos de Giotto, Siena permaneció más ligada al Gótico. Se
mantuvo viva la tradición bizantina y predominó una concepción lineal a base de un
dibujo caligráfico y sinuoso, que se detiene en el detalle y en lo anecdótico. Los
pintores de Siena buscan lo delicado y lo agradable a través de la estilización, de la
expresión soñadora y del colorido preciosista. La plasticidad queda en un segundo
plano.
El creador de la escuela fue Duccio, autor de la Maestá de la catedral de Siena.
Simone Martín, discípulo del anterior será el principal representante. En la
Anunciación, del museo florentino de los Uffici, podemos admirar su estilo de
suaves líneas onduladas con el que crea personajes esbeltos, de rostros ovalados,
boca pequeña y ojos oblicuos.
Los hermanos Lorenzetti mezclan las características senesas con la influencia
florentina en obras como los frescos alegóricos del Buen y Mal Gobierno, en el
Palacio público de Siena.
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4.3. LOS PRIMITIVOS FLAMENCOS (siglo XV)
Se les denomina primitivos, como a los italianos, por ser los creadores de una de las
tradiciones pictóricas de mayor brillantez en la historia de la pintura europea. La pintura
flamenca nació, como un arte urbano y burgués, en las ricas ciudades de los Países Bajos, en
Brujas, Amberes, Gante, Ypres, Bruselas. La prosperidad económica de esta región se debía
a una boyante agricultura, una floreciente industria de paños y un activo comercio
internacional. El territorio estaba gobernado por los duques de Borgoña. La Iglesia, los
propios duques y sobre todo la emergente burguesía eran los mecenas de la pintura flamenca.
Características del estilo:
El soporte que utilizan es la tabla, cuidadosamente seleccionada, curada
durante años y con imprimación de blanco de plomo.
La técnica es el óleo, en el que aglutinan los pigmentos con aceite de linaza o
de nuez, a los que añaden un secativo. Su aplicación permite trabajar lenta y
cuidadosamente y superponer los colores mediante veladuras (disposición de capas
de pintura que transparentan las anteriores) que hace posible una mayor brillantez
de colorido, mejores matices y texturas y efectos de profundidad.
Para terminar el cuadro aplican un barniz protector. Consiguen obras de intensa
brillantez y acabado perfecto como si fueran de esmalte.
El colorido es de gran riqueza, con tonos vivos de infinitos matices,
luminosos y translúcidos.
Prefieren la temática religiosa, pero la novedad estriba en su tratamiento.
Influidos por los gustos burgueses, afrontan los temas con un realismo directo y
ambientan sus escenas como interiores de viviendas de la época. La temática
religiosa suele ir acompañada de un marcado simbolismo que dificulta la
interpretación de la obra. También pintan retratos y paisajes.
La búsqueda de la realidad se manifiesta en el detallismo y en el interés
por la tercera dimensión. El primoroso dibujo define las formas y los objetos
con gran minuciosidad, captando cada detalle como en una miniatura. Las
figuras tienen apariencia monumental ya que los abundantes pliegues de las
vestiduras son acartonados, de acuerdo con la tradición escultórica de Klaus
Sluter. Utilizan con mimo la luz para degradar los tonos y dar volumen a las
figuras. Con el dibujo, la luz y el color consiguen una excepcional captación de
las calidades táctiles de los objetos: paños, cristal, metales, joyas.
El espacio gana profundidad mediante el empleo de líneas de fuga, aunque
no emplean perspectiva científica sino intuitiva. Para fingir la sensación
espacial usan también otros procedimientos como el efectismo de los espejos
cóncavos o la asociación de dos espacios sucesivos (el interior se abre hacia un
paisaje exterior profundo).
Evolución de la pintura flamenca. Es frecuente hablar de tres generaciones de
pintores:
La primera generación estuvo formada por Van Eyck y Van der Weyden.
Según una tradición inexacta, los hermanos Van Eyck, Humberto y Jan, fueron
los creadores de la técnica del óleo. Realizaron conjuntamente, para la catedral
de San Bavón en Gante, el Políptico del Cordero Místico, aunque no se sabe
cuál fue la aportación de cada uno, ya que el mayor, Humberto, murió antes de
finalizada la obra. El tema del políptico es una compleja iconografía teológica
en torno a la Redención.
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Pedro Ignacio Ortega Sanz
Jan Van Eyck, el hermano menor, trabajó al servicio del duque de Borgoña y de
su corte. De él conservamos retratos como el excepcional Matrimonio
Arnolfini y cuadros religiosos de la Virgen, acompañada de donante, como la
Virgen del Canciller Rollin y la Virgen del Canónigo Van der Paele.
En todas ellas nos muestra su maestría cromática y la precisión en la apariencia
táctil de los objetos.
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Pedro Ignacio Ortega Sanz
Rogier Van der Weyden concibe las figuras con sentido escultórico en contraste
con el escaso interés que muestra por los fondos espaciales, en los que emplea
con frecuencia el oro. El Descendimiento del Museo del Prado es un
excepcional ejemplo de sus composiciones cuidadosamente elaboradas y de sus
figuras de intenso sentido dramático. La obra más monumental de Van der
Weyden es el políptico del Juicio Final.
Los pintores de la segunda generación trabajaron en la segunda mitad del
siglo XV. Hans Memling, discipulo de Van der Weyden, sigue de cerca el estilo
refinado de los Van Eyck. En el tríptico de la Adoración de los Reyes, nos
muestra figuras delicadas y alargadas, manieristas. Consigue un colorido vivo, a
veces tornasolado, acabado con primor, por el que ha sido considerado el mejor
colorista de la escuela.
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Pedro Ignacio Ortega Sanz
Hugo Van der Goes fue un pintor de gran sensibilidad e intensa expresividad,
que murió loco. Su obra principal es el tríptico Portinari que le fue encargado
por un mercader de la casa Medici en Brujas y que, cuando su dueño lo llevó a
Florencia, produjo un impacto notable en los pintores del Quattrocento.
A la tercera generación, activa en los últimos años del siglo XV y
primeros del XVI, pertenece El Bosco (1450-1516). Aunque fue un creador
original, de imaginación desbordante, enlaza con las tradiciones medievales.
Sus temas iconográficos, llenos de seres fantásticos, cuya apariencia irreal
anticipa el surrealismo, son deudores de los bestiarios. Era un técnico
formidable de colorido delicado y cuidadosa ejecución. Los temas
moralizadores, apoyados en figuras caricaturescas y seres monstruosos, le
sirven para hacer crítica religiosa y social intensa a todos los vicios de la época,
con una pintura satírica, mordaz, reflejo de la corrompida sociedad del
momento. En el Museo del Prado se encuentran la mesa de los Pecados
Capitales y el tríptico del Jardín de las Delicias. Estos cuadros parecen una
censura implacable, pero su inacabable fantasía, y el encuadre poético los hace,
a pesar de todo, divertidos y optimistas. Su ironía y burla del mundo se
contraponen al realismo hierático de Jan Van Eyck.
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