Comentario de Audición

Sinfonía nº2 de Mahler “Resurrección”

*imagen generada por Dalle 2 con el siguiente prompt: “Mahler's Resurrection Symphony, The
sky opens with a bright light, Neoclassical style”
Comentario de audición Álvaro Moreno Sanlés

Índice:
1. Introducción
2. Características Generales
3. Contexto de la obra
4. Parámetros musicales
a. Pequeño análisis del primer movimiento hasta el nº de ensayo 7
b. Aspectos melódicos
c. Aspecto rítmico
d. Organización sonora
e. Forma
f. Letra
5. Intención del autor
6. Opinión personal
7. Relación con la asignatura

1. Introducción:

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Comentario de audición Álvaro Moreno Sanlés

En este pequeño trabajo iba a realizar un comentario de una canción de estilo “barbershop”, el
cual es un estilo de cuarteto a capela que me gusta considerablemente y además me
encuentro en un cuarteto de este estilo.

La canción en cuestión era “The Rhythm of Life” del cuarteto ganador del campeonato
internacional de barbershop en 1994 “Joker’s Wild”. La elegí no solo por el factor a capela que
atañen a ciertos conceptos que hemos ido aprendiendo en la asignatura, como pueden ser los
armónicos que se crean, sino también con respecto al contrapunto que posee esta canción que
es inusual en el estilo; sin embargo, debido a que solo encuentro la grabación de esta canción
por este grupo, ya que fueron sus creadores, pues había ciertos matices que no lograba
entender o simplemente equivocarme debido a que aunque “The Rhythm of Life” es simple,
hay ciertos elementos que se me pueden llegar a escapar.

Así que busqué el arreglo y al arreglista, pero al ser una canción creada por ellos, no hay un
arreglo como tal, tampoco la partitura estaba en internet. Con bastante ilusión escribí un
correo al Lead de los Joker’s Wild, pero todavía no me ha contestado tras dos semanas de
espera y uno de los miembros con los que existía contacto falleció durante la pandemia y los
demás no tengo noticia alguna, así que lamentándolo mucho preferí en vez de hacer un
análisis sin ser consciente de las armonías que se crean (bastante importante en el
barbershop), pues elegir otra obra. Por si interesa, dejo un enlace para escuchar “The Rhythm
of Life”: https://soundcloud.com/jokerswild-music/the-rhythm-of-life.

Ante tal situación, pues pensé que ya que la canción se llama “El ritmo de la vida”, pues
realizar la audición con respecto a algo relacionado con esta. Véase que hace poco me he
encaprichado por escuchar la obra de Gustav Mahler y por mi cumpleaños los de mi coro me
regalaron las partituras de la sinfonía nº2 de Mahler, la cual es una sinfonía con coro que está
muy chulo. Resulta que se llama “Resurrección” y como me hizo gracia que ambas obra
coincidiesen en ese elemento temático, pues este trabajo se enfocará a analizar la sinfonía nº2
de Mahler que la verdad tiene bastantes elementos que podemos destacar como son la
acústica con la que juega el autor además del color orquestal del compositor.

Resumiendo, he de agradecer a Mahler que le gustaban las orquestas grandes con la plantilla
duplicada o triplicada (siendo necesario como mínimo para interpretar la obra seis trompas y
dos arpas) que nos permite escuchar los matices que crea entre los instrumentos y con ese
toque esperanzador con el coro final que a cualquiera se le ponen los bellos de punta. Dejo por
aquí la sinfonía entera para poder ser escuchada en este enlace:
https://www.youtube.com/watch?v=wgtSa6XYWdE.

2. Características Generales
En primer lugar daremos una pincelada sobre la obra en cuestión.

Esta sinfonía fue compuesta entre 1888 y 1894. En primera estancia, la obra que había
compuesto Mahler era un poema sinfónico en un movimiento que se inspiraba en un poema
dramático del poeta polaco Adam Mickiewicz, Dziady. Este poema trata una festividad del
pueblo eslavo y lituano donde se conmemora a los difuntos, esta festividad recibe el mismo
nombre de la obra, Dziady. Sin embargo, el autor siguió trabajando y convirtió la obra en su
sinfonía “Resurrección”. Fue estrenada el 13 de diciembre de 1895 en Berlín. Recibiéndose con
cierta hostilidad (como el resto de sinfonías, excepto la octava).

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La plantilla para interpretar es bastante grande, aunque entra dentro de los parámetros de
magnitud de la época:

- 4 Flöte (Flautas), que cambian también a

o 4 Piccolos
- 4 Oboes cambian también a
o 2 Engl. Horn (Corno Inglés)
- 3 Clarinette (Clarinetes) (Bb, A, C), uno cambia a
o Bass-Clarinette (Clarinete bajo) (Bb)
- 2 Eb Clarinette (Clarinetes), uno cambia a
o Clarinette (Clarinetes) (ambos doblan a los clarinetes en fortísimo)
- 3 Fagott (Fagot)
- Contra-Fagott (Contra-Fagot), cambia a
o Fagott

- 10 Horn (Trompa) (F), cuatro fuera del escenario (in die Ferne)
- 8-10 Trompete (Trompetas) (F, C), cuatro o seis fuera del escenario
- 4 Pousane (Trombones)
- Contrabasstuba (Contra-tuba)

- 7 Pauken (Timbales), seis en el escenario, uno fuera del escenario

- 2 pares de Becken (Platillos), uno fuera del escenario
- 2 Triangle (Triángulos), uno fuera del escenario
- Kleine Trommel (Caja) (más de una si fuera posible)
- Glockenspiel (Lira) 7
- 3 Glocken (Campanas) (varilla de acero con profundidad, sonido sin afinar) Percusionistas
- 2 Grosse Trommel (Bombos), uno fuera del escenario con son necesarios
o Ruthe (varillas)
- 2 Tam-Tam (Gongs) (agudo y bajo)

- Harfe (Arpa) I, II

- Orgel (Órgano)

- Violine (violines)
- Viola (Violas) Máximo nº de instrumentista en toda la cuerda
- Cello (Cellos)
- Contrabass (Contrabajos)

- Sopran-solo (Solista Soprano)

- Altistimme (Solista Alto)
- Soprane (Sopranos)
- Alte (Altos)
- Tenore (Tenores)
- Bässe (Bajos)

Esta sinfonía está compuesto en cinco movimientos:

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1. Allegro Maestoso. Mit durchaus ernstem und feierlichem Ausdruck (Allegro Maestoso,
Con expresión absolutamente severa y solemne)
2. Andante moderato. Sehr gemächlich. Nie eilen. (Ante moderato. Muy tranquiilo. Nunca
correr).
3. In ruhig fliessender Bewegung (En movimiento fluido y tranquilo).
4. “Urlicht.” Seher feierlich, aber schlicht. (“Luz primordial.” Muy solemne, pero simple)
5. Im Tempo des Scherzo’s. Wild herausfahrend. “Aufersteh’n”. (En ritmo de Scherzo. Salida
salvaje. “Resurrección”)

En un principio, en su estreno, Mahler diseñó un programa narrativo donde se explica el

carácter de cada parte de la obra; sin embargo, Mahler no lo hizo público, aunque fue
preservado por sus amistades y actualmente se entrega dicho programa. El primer movimiento
representa un funeral. El segundo es un recuerdo de los momentos felices de la vida por esa
razón es el más pastoril de los cinco. El tercero resulta ser la pérdida de fe, es decir, cuando se
observa la vida como algo carente de sentido y por ende se desconfía profundamente en Dios.
El cuarto movimiento, que resulta ser un Lied bellísimo, reivindica esa vuelta a la Fe, a la
creencia en un Dios. Lo entenderemos posteriormente analizando la letra, (“Yo soy de Dios, y
retornaré a Dios”). Y el último movimiento que es emblemático, se puede decir que es una
síntesis de toda la obra, no solo porque se recuperan temas del primer y tercer movimiento,
reivindicando las dudas que causa la fe, sino también porque se da respuesta a todo ello
mediante el magnífico final donde se acepta a Dios y por tanto a su resurrección.

Esta obra puede entenderse como una obra religiosa y que por tanto asume un dogma en
específico. Pero desde mi punto de vista Mahler se escapa de esa forma de ver el mundo
espiritual, y es que como luego veremos en los textos, se habla de la resurrección desde un
plano diferente al católico. Este lo comprenderemos más tarde, ya que, al fin y al cabo el
compositor (que en muchos casos inevitablemente le denominaremos director) era de origen
judío que se había convertido al catolicismo por diferentes circunstancias, como son: El
creciente antisemitismo que reinaba en toda Europa y sobretodo en el Imperio Austro-
Húngaro, sobretodo, teniendo en cuenta (esta es otra de las razones) que los judíos no podían
dirigir en la capital. También habría que sumarle la prensa antisemita de la época que era muy
crítico con la obra de Mahler, pero luego detallaremos la vida espiritual del director con más
detalle.

Por último debemos explicar cómo se enfoca dicha obra en la época en que fue creado. Esta
obra resulta ser una sinfonía coral totalmente clásica con un estilo post-romántico que posee
todas las cualidades para formar parte de la banda sonora de cualquier película, y es que cabe
destacar que ciertos motivos recuerdan soberanamente a ciertas películas como son “Indiana
Jones” o por ejemplo, el cuarto movimiento de la sinfonía es bastante similar a cualquier tema
de las bandas sonoras de compositores como Ennio Morricone, ya que poseen elementos
como una música cantada, muy parecida a la película “por un puñado de dólares”. Resulta
jocoso pensar que un checo poco exitoso a nivel compositivo de finales del siglo XIX podría
haber influenciado en la música de una época setenta años posteriores a la suya.

3. Contexto de la obra
Nos encontramos en 1895, en la última década del siglo XIX, específicamente en el antiguo Imperio
Austro-Húngaro, exactamente en Viena. Este mundo resulta ser imperialista, además de
encontrarse en continua tensión política y social, y esto se debe a que nos situamos en el ápice
de los imperios europeos del siglo XIX, es decir, una exaltación de la figura nacional que se

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Comentario de audición Álvaro Moreno Sanlés

enfocaba a enfrentar las sociedades de la época entre sí por una serie de objetivos políticos,
económicos y demográficos. Y es que nos encontramos en los años de movimientos
nacionalistas como las reunificaciones de Alemania e Italia o los intentos independentistas de
ciertos territorios de los diferentes imperios europeos, véase los territorios de los Balcanes, o
dentro del propio imperio Austro-Húngaro. Además del movimiento sionista que tomaba cada
vez más fuerza frente al antisemitismo generalizado.

Y es que ante todo, sería importante hablar sobre dicho antisemitismo europeo que afectó
directamente al propio compositor. Debemos entender que esta forma de pensar permitía a
los imperios juntar a la población bajo una misma bandera y en contra de cualquier enemigo
que le convenga a sus gobernantes. Debido a ello, el pueblo judío fue siempre víctima de esta
denominación de enemigo. Los motivos son muy variados, siendo una sociedad
soberanamente religiosa, pues sucede que aquellos diferentes a ti viven bajo el yugo de una
falsa creencia. Súmesele el factor de que desde el siglo pasado familias de origen judeo-
alemán habían formado bancas tan influyentes y que manejaban los préstamos de los países
como la familia Rothschild, lo cual no beneficiaba a los gobiernos que se encontraban en
continuas guerras cada vez más costosas y que luego tuvieran que devolver el dinero a las
bancas. Todo ello impulsó a ese antisemitismo que incluso los propios conversos sufrían como
es el caso de nuestro compositor.

Afortunadamente, en el proceso de creación de esta sinfonía estaba trabajando en Hamburgo

como director jefe de la ópera estatal de Hamburgo (Stadttheater), obtuvo el apoyo del
director Hans von Bülow; sin embargo, la figura de Mahler como compositor no estaba tan
establecida tras sus intentos en su juventud. Además de que cuando el director le enseñó el
primer movimiento de la sinfonía a Von Bülow, este se mostró reacio al estilo de Mahler.

Independiente a esta opinión, el compositor continuará trabajando en lo que en ese momento

transformaría de poema sinfónico a su segunda sinfonía. Para ello, Gustav en sus vacaciones
como director se marchaba a pequeñas cabañas que él denominaba “Komponierhäuschen”
(cabañas de composición). En este primer periodo, esta campaña se situaba en Steinbach.
Además que era bastante perfeccionista con sus obras y por ende revisaba tanto obras
anteriores (incluso las quemaba, de ahí que no tengamos composiciones de su época inicial),
como en su proceso de composición.

Uno se preguntaría a que se debe que Mahler tenga esa aura tan tétrica y dramática dentro de
su obra, sobre todo teniendo en cuenta que su primera sinfonía es considerada como una obra
tétrica, que además compuso “Kindertotenlieder” (canciones a los niños muertos) o que su
segunda sinfonía el comienzo represente un funeral. Esta forma de componer está muy ligada
a su propia vida, y es que el autor fue el segundo hijo de los catorce que llegaron a tener la
familia Mahler. Fue testigo de la muerte de muchos de sus hermanos, además de que en el
momento de componer esta obra había perdido recientemente a sus padres y a dos de sus
hermanos. En base a esto, podemos comprender lo amarga que le resultaba la vida y que la
muerte siempre acecha.

Y en base a esto, debemos tratar como visualizaba la muerte el autor, la cual puede ser
comprendida de forma distinta a lo que la sociedad contemplaba. Proveniente de una familia
humilde, Mahler vivió en un ambiente de taberna, donde en la puerta delantera se daban
fiestas al olor de la buena cerveza y con el continuo sonar de la música y en la puerta trasera
salían los cadáveres de los hermanos que vio morir en total nueve en la etapa temprana de su
vida.

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Comentario de audición Álvaro Moreno Sanlés

Comprendido esto, podemos profundizar en la mente de Mahler. Un hombre que respetaba

tanto a la muerte que toda la obra que llegó a componer estaba relacionada directamente a
esta. La segunda sinfonía es entonces una pregunta fría y concisa a la existencia misma y el
sentido de la muerte, y es que el autor tiene ese toque agnóstico que a pesar de encontrar
solución en el último movimiento, se denota cierta ambigüedad en sus palabras. Él como
creyente acepta la figura de Dios: “Ich bin von Gott und will wieder zu Gott” (Yo soy de Dios y
debo retornar a Dios); no obstante, el autor también refleja un catolicismo poco dogmático, o
más exotérico que el que se daba en la época: “Der Herr der ernte geht Und sammelt Garben
Uns ein, die starben” (El señor que siega y recolecta gavillas. A nosotros, los muertos). Esta
frase es totalmente mágica, no solo por su significado y lo que ello conlleva, sino también
porque es en ese momento cuando empieza sonar las trompetas y pasa de pianissimo a un
fuerte crescendo que libera al coro del silencio.

El significado que adquiere dicha frase podría pensarse como metafórico o despiadado, la
imagen de un Dios recolector que siega la vida de los hombres como la mismísima Parca suena
aterrador y desesperanzador; sin embargo, es ahí donde reside la simpleza de la metáfora, en
el campo y la siega del trigo cuando se seca apilándose en gavillas las cuales se utilizarán como
alimento de los animales que los futuros hombres utilizarán como alimento, es decir, es una
resurrección del alma pero dándole la importancia que merece al cuerpo terrenal donde
únicamente Dios siega y resucita a la humanidad.

Resulta curioso que el último movimiento de esta sinfonía se le ocurriese durante el funeral de
Von Bülow, ya que cierra perfectamente el círculo temático de la obra. En cierto modo, ese
primer movimiento furioso que representa el funeral y el contraste lírico y alegre del quinto
movimiento que terminó justo después de asistir al funeral de aquel a quien presentó la obra
en primer lugar.

4. Parámetros musicales
a. Pequeño análisis del primer movimiento hasta el nº de ensayo 7
Quise en un principio analizar el primer y cuarto movimiento ya que ambos poseen todos los
temas de la obra; sin embargo solo empezando el primer movimiento me he dado cuenta de
que es bastante complejo (que lo suponía) y que me quedo sin tiempo.

Afortunadamente, esta sinfonía es muy agradecida y no es tan compleja como uno pensaba
(las modulaciones dentro de lo que uno pensaba, no están ligadas a ese atonalidad que
empezaba a nacer en Viena), los motivos son preciosos pero a la vez fáciles de definir. Este
pequeño análisis estará lleno de fallos pero mediante este podremos observar los elementos
generales que componen la obra.

Este análisis lo acompañaré con fotografías de la obra.

El comienzo es claro, primer movimiento: Allegro maestoso “con

expresión absolutamente severa y solemne” en do menor.
Empieza la sinfonía con la cuerda exclusivamente, tremolo en sol
por violines primero y segundo y violas, se indica además que el
trémolo no sea dividido.

El comienzo es fuerte, indicando desde el principio ese carácter

que quiere Mahler (agresividad), ya que además alguien ha

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Comentario de audición Álvaro Moreno Sanlés

muerto, seguramente nosotros mismo, y nos encontramos rabiosos en su funeral.

Aparecen entonces en el segundo compás,

afirmando la tonalidad, los contrabajos y los
cellos. El autor deja escrito salvaje, junto a un
sforzando. Luego, repite lo mismo pero una
tercera ascendente y tras esto, asciende mediante
una escala melódica y utiliza el siguiente ritmo: corchea, silencio de semicorchea y
semicorchea, acompañados por los fagotes.

En general, los motivos rítmicos que utiliza a lo largo de su obra no son muy variados, por lo
que es propenso a variar dichas células y darles un nuevo significado.

Todo este comienzo se caracteriza por la melodía que

tienen los contrabajos y los cellos, estos tendrán la
progresión de tresillos de corcheas hasta que vuelve
al tema principal nuevamente. Cuando se repite la
melodía inicial, entran los oboes con el corno inglés.

Esta entrada del oboe como una trompeta triunfante

también lo veremos en el cuarto movimiento “Urlicht”, donde tras la introducción con el solo
de soprano, se acelera el movimiento melódico del movimiento, y es que en el primer
movimiento ocurre lo mismo, una pequeña introducción dominada por la cuerda hasta el
contraste del viento.

Dos compases después de los oboes entrarán los

clarinetes e incluso la trompa. Todo esto apuntará
hasta la entrada del violín I con la entrada de las
trompetas imitando a la trompa.

Esta conversación entre violín y trompa es

considerable dentro de la sinfonía, cosa que no
acostumbro a ver en la música orquestal. Por ello,
investigué si ciertamente esa combinación era posible, descubrí entonces que existe un trío
para trompa, violín y piano de Brahms (Y si algo es compuesto Brahms significa que funciona).
El trío es curioso porque existe mucho contraste de timbre entre ambos instrumentos, es
decir, la afinación era cuidada y no se produjo en ningún momento un choque melódico que
desentonase. Investigué y es cierto que los armónicos que consigue cada instrumento son los
mismo (cada uno en su octava).

Luego de dicha respuesta inusual, aparece la cabeza que mostraron ambos instrumentos pero
encabezados por el oboe, la flauta (apareciendo en escena) y el clarinete. Responde cuerda
con el motivo inicial del oboe y responde el viento madera, todo esto mientras el bajo sigue
tocando el tema del principio pero en sol y no en do.

Posterior a esto, la orquesta empieza un crescendo que es marcado por el violín en

contratiempo hasta un piano súbito que permite crecer a la orquesta hasta el clímax de toda
esta frase. Todo este movimiento errático del violín queda controlado por las trompas
nuevamente que detienen a la orquesta mediante el uso de blancas.

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Comentario de audición Álvaro Moreno Sanlés

Se llega entonces al clímax de este primer trozo con

ascenso de todas las voces (incluido los trombones que
aparecen por vez primera) con un fortísimo que va
decayendo descendentemente hasta alcanzar el sol y
cadenciar mediante una dominante-tónica que queda
reforzado con los vientos metales y el fagot que
brutalmente enarbolan la nota do.

Con esto comienza la

sinfonía pero no ha
terminado ya que solo es
el minuto 2 y el
movimiento dura 20.

Mientras sucede todo

esto, en la parte de
timbal se indica que cambie el tono de do a mi y de sol a si por lo
que intuimos entonces la modulación que se va a dar en unos
instantes.

Finalizada la cadencia, el viento madera vuelve a mostrar el tema

del oboe con el cello y el contrabajo dándole ritmo al nuevo
tema y a la modulación.

Ahora observaremos entonces como suavemente modula

Mahler durante gran parte de la obra. En este caso, mientras los vientos desarrollan
nuevamente su tema, el bajo desciende un semitono, pasando de esta manera de Do menor a
Dob menor, el cual enarmónicamente en Si m, por lo que pasa de Dob menor a Si Mayor y
cambia completamente la atmósfera.

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Comentario de audición Álvaro Moreno Sanlés

El autor cambia el carácter completamente. Nos encontrábamos en la pesadumbre y dureza

del primer tema, con una cuerda enfadada y agresiva. Cambia a un carácter totalmente
amable en el cual la melodía se desarrolla en movimiento contrario a las trompas
(nuevamente).

Sería un error considerarlo, pero estos cambios son continuos en la sinfonía. El primer
movimiento acaba con un descenso de toda la orquesta (exceptuando la percusión, las
trompetas, los trombones y el arpa) muy parecido al clímax que hemos observado y luego de
esto el segundo movimiento es andante idílico que dista en gran medida al primer
movimiento. Esto mismo sucede entre el tercer movimiento y el cuarto y también dentro del
quinto movimiento.

Volviendo al primer movimiento, en el nº de ensayo 7, donde acabaré de analizar, cambia de

tonalidad a Sol mayor, desde donde lo hemos dejado (nº de ensayo 3) hasta ese cambio de
carácter se dan nuevamente una serie de cambios armónicos que debo hacer mención. De Si
mayor pasaremos Fa# mayor que es el quinto de Si para volver nuevamente a Si, luego
descenderá a Sib menor y posteriormente cambiará a Mib menor para acabar nueva en Do
menor en una pequeña exposición del tema inicial que luego especificaremos. El tema
principal descenderá cromáticamente pasando de Do menor a Sib menor y luego a La menor
para acabar en Lab mayor que es el quinto de Reb mayor y que cambia Mib mayor para
afianzar Lab mayor (nº de ensayo 5). Posteriormente, de Lab pasa a Sol y acto seguido a Fa#
menor con séptima menor para viajar a Sol menor. Este acorde se mantendrá hasta cambiar a
Re mayor dentro de un pequeño clímax que cadencia en Sol menor (nº de ensayo 6) llegando
silenciosamente al nº 7 de ensayo con Sol mayor.

Tras este análisis armónico, quiero desmigar lo

que sucede en la orquesta desde el nº de ensayo
3. La melodía es absorbida por los violines
siendo apoyadas por los clarinetes y por
supuesto las trompas hasta un molto crescendo
que acaba en un fortísimo con la cuerda y el
viento encontrándose en Sib menor.

Continúa entonces con una exposición nuevamente del tema inicial con los contrabajos en Do
menor, tras esto no cabe a destacar nada en particular excepto un motivo en el nº de ensayo 5
en que el viento mental poseen una melodía contrastante para dar paso al clímax en el
pesante.

En dicho clímax se destaca que la

trompa la viola y el cello comparten
una melodía descendente que repiten
como una chacona para ir poco a
poco disminuyendo el carácter fuerte
de movimiento.

Alcanzando de esta manera y

mediante una cadencia con los
contrabajos que usan el movimiento
de la canción de Rey Charles “Hit the Road Jack”, el nº de ensayo 7 en Sol mayor muy parecido
a lo ocurrido en el nº de ensayo 3.

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Comentario de audición Álvaro Moreno Sanlés

b. Aspectos melódicos
Dentro de lo ya analizado anteriormente, podemos ver que melódicamente no estamos
hablando de Schubert, pero tampoco carece de importancia las melodías que utiliza
Mahler en su obra.
Primeramente podemos ver que el rango de cada instrumento no suele ser amplio
(exceptuando el violín que puede poseer movimiento melódicos entre un do
sobreagudo hasta un C4, es decir, 3 octavas de diferencia), los instrumentos no tocan
en registros incómodos incluso cuando la música se encuentra en momentos de
máxima tensión.
Vocalmente sucede lo mismo, el aria de mezzosoprano a pesar de ser compleja, por el
simple hecho de que la orquesta no se coma “literalmente” a la cantante, se encuentra
en un registro cómodo pero sumamente exigente. Lo mismo sucede a la solista
soprano, alcanza un sib agudo pero existen obras más comúnmente interpretadas que
son mucho más exigentes.
Sin embargo, la extensión del coro es diferente, ya que, aunque imita a un coro de
iglesia, es música de Mahler y por tanto debe tener la extensión de una orquesta. Esto
conlleva que ciertas tesituras sean increíblemente amplias. Los bajos tienen que llegar
al si bemol debajo del pentagrama de clave de fa. Además cuando se dice “in einem
Un!” los bajos necesitan alcanzar un sol encima del pentagrama de clave de fa, es decir,
2 octavas y una quinta de tesitura, casi tres octavas. Por ende es sumamente
complicado para los bajos (Se debe entender que los bajos están divididos en bajos y
barítonos por lo que la tesitura se amplía).
La razón misma de que las tesituras no sean tan amplias se debe principalmente a que
al ser una obra con una gran orquestación cada instrumento tiene su lugar dentro del
acorde y por ende no tiene porqué salirse de esa amplitud, véase el caso de las flautas,
ellas podrían tener notas realmente agudas, pero para qué le interesa eso si el autor
puede utilizar un piccolo que puede tocar dichas notas sin tener que excederse.
Por último, en términos del ritmo melódico, el autor es cuidadoso a la hora de extender
demasiado las frases melódicas.
c. Aspecto rítmico
La obra utiliza dos cifrados únicamente, 4/4 y 3/8. El primer, cuarto y parte del quinto
movimiento se encuentran en su totalidad en 4/4, mientras que el segundo, el tercero y
el comienzo del quinto se encuentran 3/8.
En segundo lugar deberemos hablar sobre la figuración que se utiliza a lo largo de la
obra. Primeramente cabe destacar la utilización de notas rápidas en pocos momentos
de clímax, normalmente una notación bastante lírica con notas largas y expresivas. En el
caso del Scherzo se nota esa notación de danza con notas tenidas y el uso de puntillos
que endulzan el ritmo.

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Comentario de audición Álvaro Moreno Sanlés

Con respecto a los cambios de tempo, son notorios los cambios tan bruscos de tempo a
lo largo de la sinfonía, sobre todo con respecto a movimientos anteriores. Dentro de los
propios movimientos, la escritura está planteada para que en caso de que la orquesta
puede acelerar el pulso, siempre hay un instrumento que se encarga de mantener firme
el tempo, como puede ser el caso del contratiempo que vimos en el análisis, donde los
metales marcan las blancas para que los violines no aceleran el pulso.
d. Organización Sonora
La sinfonía fue terminada en 1895, una época de transición musical entre el
romanticismo más puro que podemos contemplar con Verdi, Wagner y el nacimiento
en la misma Viena de ese estilo atonal con el dodecafonismo de Schönberg. Es decir,
Mahler se situa justo en medio de este cambio y eso se nota en la música que escribe.
Música completamente tonal que como dije al principio de este trabajo, es la máxima
expresión de la música orquestal occidental.
En cierto también es la época en España de la música de Semana Santa y una vez que la
estuve escuchando por la calle alguien me paró y me preguntó si estaba escuchando
una marcha de Semana Santa (me especificó una que no conocía). Me hizo gracia ya
que no te esperas este tipo de cosas, y en cierta manera, pensándolo desde esa
perspectiva era verdad que se daba un aire a la música de Semana Santa.
e. Forma
La obra se compone de cinco movimientos.
- El primero resulta ser una marcha fúnebre en forma sonata muy extensa.
- El segundo es Ländler, el cual es una danza folclórica austriaca.
- El tercero un scherzo basado en un lied.
- El cuarto otro Lied.
- El último movimiento es extremadamente extenso con una duración de más de
30 minutos.

f. Letra
Primero deberemos escribir tanto la letra en alemán como su traducción al castellano:
Urlicht
Auferstehung
O Röschen rot!
Der Mensch liegt in größter Not! Chor, Sopran
Der Mensch liegt in größter Pein! Auferstehn, ja auferstehn wirst du,
Je lieber möcht ich im Himmel sein. mein Staub, nach kurzer Ruhn'!
Da kam ich auf einen breiten Unsterblich Leben
Weg; wird, der dich rief, dir geben!
da kam ein Engelein und wollt' mich abweisen. Luz Primordial
Ach nein! Ich ließ mich nicht abweisen!
Ich bin von Gott und will wieder zu Gott! ¡Oh, pequeña rosa roja!
Der liebe Gott wird mir ein Lichten geben, ¡Los hombres sufren gran necesidad!
wird leuchten mir bis an das ewig selig Leben! ¡Los hombres sufren con gran pena!
He estado alejado del cielo.
- DES KNABEN WUNDERHORN Venía por un ancho camino,

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Comentario de audición Álvaro Moreno Sanlés

cuando un angelito intentó hacerme retroceder. Chor, Sopran, Alt

¡Oh, no! ¡Rechacé regresar! Auferstehn, ja auferstehn wirst du,
¡Provengo de Dios y regresaré a Dios! mein Herz, in einem Nu!
El misericordioso Dios me dará una lucecita, Was du geschlagen,
¡para iluminar mi camino hacia la eterna gloria! zu Gott wird es dich tragen!

- El cuerno mágico de la juventud - Gustav Mahler

Resurrección
¡Para volver a florecer has sido sembrado!
Coro, Soprano El dueño de la cosecha va
¡Resucitarás, si resucitarás, y recoge las gavillas
polvo mío, tras breve descanso! ¡a nosotros, que morimos!
¡Vida inmortal
te dará quien te llamó! - Friedrich Klopstock

Wieder aufzublühn wirst du gesät! Contralto

Der Herr der Ernte geht Oh créelo, corazón mío, créelo:
und sammelt Garben ¡Nada se pierde de ti!
uns ein, die starben! ¡Tuyo es, sí, tuyo, lo que anhelabas!
¡Tuyo, lo que amabas, por lo que luchabas!
- Friedrich Klopstock
Soprano
Alt Oh créelo: ¡no has nacido en vano!
O glaube, mein Herz, o glaube: ¡No has sufrido en vano!
Es geht dir nichts verloren!
Dein ist, ja dein, was du gesehnt! Coro
Dein, was du geliebt, was du gestritten! ¡Lo nacido debe perecer!
¡Lo que ha perecido, resucitará!
Sopran
O glaube: Du wardst nicht umsonst geboren! Coro, Contralto
Hast nicht umsonst gelebt, gelitten! ¡Cesa de temblar!
¡Disponte a vivir!
Chor
Was entstanden ist, das muß vergehen! Soprano, Contralto
Was vergangen, auferstehen! ¡Oh dolor! ¡Tú, que todo lo colmas!
¡He escapado de ti!
Chor, Alt ¡Oh muerte! ¡Tú, que todo lo doblegas!
Hör auf zu beben! ¡Ahora has sido doblegada!
Bereite dich zu leben!
Coro
Sopran, Alt Con alas que he conquistado,
O Schmerz! Du Alldurchdringer! en ardiente afán de amor,
Dir bin ich entrungen! ¡levantaré el vuelo
O Tod! Du allbezeinger! hacia la luz que no ha alcanzado ningún ojo!
Nun bist du bezwungen! ¡Moriré para vivir!

Chor Coro, Soprano, Contralto

Mit Flügeln, die ich mir errungen, ¡Resucitarás, sí, resucitarás,
in heißem Liebesstreben, corazón mío, en un instante!
werd' ich entschweben Lo que ha latido,
zum Licht, zu dem kein Aug' gedrungen! ¡habrá de llevarte a Dios!
Sterben werd' ich, um zu leben!
-Gustav Mahler

Traducción obtenida de la página Kareol:

http://www.kareol.es/obras/cancionesmahler/2sinfo.htm

La letra dentro de esta obra es crucial para entender el significado global de la obra.

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Comentario de audición Álvaro Moreno Sanlés

Si observamos detenidamente el texto nos daremos cuenta que está escrito de formas
diferentes dependiendo de quienes sean los intérpretes. En caso del solo de alto del cuarto
movimiento se está hablando en 2ª persona con Dios, es decir, es una conversación muy
íntima y por tanto muy similar al movimiento místico que se observó en España en los siglos
tanto XVI como XVII.

Durante este solo, el texto trata a Dios como un ente misericordioso con el cual conversa y
trata el problema de la fe del ser humano. El texto representa una aceptación de Dios tras la
duda representada en los primeros movimientos. La vida es comparada con las flores y con el
renacer de estas en primavera.

En el último movimiento es cuando aparece el coro y por ende se habla abiertamente de la

resurrección. Como hemos dije anteriormente, la forma en que es tratada la letra cuando
canta el coro es totalmente diferente a cuando canta una de las solistas. El coro habla al
corazón y su forma de ver el mundo es completamente pesimista. La vida es considerada como
un simple trámite para resucitar, y la muerte se ve de una forma metafórica con respecto a la
cosecha. Las espigas son las vidas humanas que recoge Dios a su paso y que tras eso resucitará
y dará nuevamente vida.

Todo este último número es una llamada de esperanza a la resurrección del alma y de cómo
mediante este encontramos sentido al mundo y a nuestra propia existencia.

5. Intención del autor

Sinceramente, me resulta complicado determinar cuál es la intención de Mahler para crear
esta sinfonía. Sin lugar a dudas, el tema principal es la búsqueda del sentido de la vida a través
de la muerte. La muerte en sí no tiene tanta importancia ya que el autor la considerada no
como un punto y final sino como un nuevo comienzo.

Lo que creo que quiere hacer referencia Mahler es a ese proceso de fe que todo cristiano debe
formar parte para alcanzar la resurrección (en ningún momento se hace referencia a la
salvación ya que el autor no lo considera de esta manera). Un creyente debe de dudar de su
creencia para observar si realiza lo correcto. Tras la experimentación de dicho estado de
desasosiego, la persona debe darse cuenta de que no puede vivir sin creer, y por ende esto le
lleva a la propia resurrección.

Algo significativo es que el esa primera llamada de fe absoluta venga mediante el solo de
soprano en forma de Lied que embellece en sobremanera el resultado de dicho mensaje, es
decir, que mediante la fe la vida adquiere un color de esperanza e ilusión y que sin ella solo
seríamos testigos de la desesperación y la discordia. Este Lied ilumina de las tinieblas (de ahí
que se titule Urlicht “Luz primaria”).

También esta obra se puede ver como una interpretación más de la religión por parte de los
escritores alemanes del siglo XVIII como Friedrich Klopstock. Dicha interpretación establece la
relación con Dios como una dependiente y que permite al ser humano descansar de la vida en
la que se encuentra para luego resucitar. Es decir, es un pensamiento muy místico de la época
pero a la vez sumiso de la figura de Dios como el mayor dolor pero que mediante este no se ha
vivido en vano, sino en una esperanza que llegará mediante esta resurrección.

Diría que esta última es la que más se acerca al mensaje del autor, porque teniendo ya
analizada la letra, podemos determinar que la letra escrita por Mahler habla de la muerta
como el mayor dolor que un ser humano puede abarcar. De hecho trata a la muerte como un

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Comentario de audición Álvaro Moreno Sanlés

gran conquistador siega todo a su paso, es decir la figura de un Dios maligno que pugna sin
piedad a nuestra especie; sin embargo, es mediante este dolor, el cual el director ha sido
consciente a lo largo de toda su vida, que se alcanza el mayor regalo que el hombre puede
recibir. Además trata a la resurrección como una nueva vida y no se habla nunca de un paraíso
o lugar de salvación, sino de vivir y celebrar dicha gracia otorgada por Dios.

6. Opinión personal
Sinceramente esta obra a resultado una gran sorpresa que desconocía completamente. Todo
el mundo conoce la 5ª o la 8ª de Mahler, pero desconocía completamente que el autor estaba
tan ligado a la música vocal. Además es sorprendente como no es solo esta obra la que
contiene música vocal, es raro pensar que nunca compusiera ninguna ópera a pesar de haber
trabajado durante años con la obra de Wagner, Weber o Mozart.

La primera vez que la escuché, esperaba que al principio escuchase los coros, pero la verdad es
que me encanta que no sea así, es decir, no es una obra coral con orquestación, es una
sinfonía que utiliza el coro como un instrumento más.

También me sorprendió el cuarto movimiento, ya que recuerda completamente a los lieder de

Strauss. En especial al “Morgen”, que en cierto modo trata la muerte de la misma forma que
Mahler aunque Strauss lo considera como algo natural agradable, mientras que Mahler a pesar
de aceptarlo le atormenta.

También me encanta como utiliza la orquesta el autor, no solo porque las trompas con los
trombones tienen un protagonismo primordial dentro de la obra, sino también porque la
cuerda la trata con bastante cuidado (a pesar de que era conocido como un director soberbio y
exigente), no solamente utiliza a las violas y los violines segundo como relleno armónico,
también les da esa importancia melódica. Los cellos y los contrabajos son increíbles y es que
cabe destacar ese tema principal que se aborda a lo largo de toda la sinfonía y que se presenta
tanto calmadamente, como furiosa e imperiosamente.

A su vez, desconocía la importancia que las arpas podrían tener dentro de una obra de
semejante calibre. Siempre el arpa ha tenido un papel secundario, (excepto con Tchaikovsky)
pero en este caso tiene esa facilidad de mitigar la densidad orquestal en un momento.

Por último, debo mencionar la forma en que Malher trata los temas de forma muy gustosa. Es
extremadamente cuidadoso en la forma de cambiar el carácter, no hay un cambio poco
orgánico en su música teniendo en cuenta sobretodo que estaba a pocos años del
dodecafonismo. Esta facilidad se observa en sobremanera en el quinto movimiento donde la
atmósfera cambia de forma suave pero muy contrastante, este movimiento varía desde el
tema del primer movimiento hasta la resurrección propiamente dicha.

7. Relación con la asignatura

En esta sinfonía se pueden destacar dos elementos primordialmente tanto la orquestación de
la obra como también elementos acústicos que utiliza como que parte de la orquesta se
encuentre en una estancia diferente a la escena principal.

Primero trataremos el componente de que en cierto momento del quinto movimiento es

necesario que cierto número de instrumentistas se sitúen fuera del escenario pero de forma
que reverbere el sonido y cree un efecto de eco que no funciona exactamente como eco de la
escena. Realmente sucede que esos instrumentos realizan una melodía que recuerda al

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Comentario de audición Álvaro Moreno Sanlés

comienzo del quinto movimiento y permiten al tema crecer de tal manera que se convierta en
una melodía furiosa y llena de energía.

Según las indicaciones que indica Mahler, estos instrumentistas se deben colocar “In die
Ferne”, lo cual se traduce como en la ventana, es decir, dentro de la sala pero alejado de la
escena principal lo suficiente para que dé ese efecto de lejanía. También tienen una
importancia en para dar pie a la parte coral, ya que imitan a un órgano lejano representando
esa relación que guarda la resurrección con la iglesia. Y es que esta especie de “pieza de
órgano” se puede interpretar como un intento de Mahler por crear un instrumento a partir de
otros y ayudándose de la acústica como medio para transmitir dicho mensaje.

Muy seguramente, esta sinfonía fuese estrenada en una gran sala de conciertos, por ende
utiliza para imitar al órgano instrumentos de viento metal y la percusión para que el sonido
llegue en forma de rebote pero que no quede tapado por la orquesta en la escena.

Por último cabe destacar la orquestación que ya se ha especificado anteriormente. Los

instrumentos que utiliza para tocar juntos un tema son siempre una serie de parejas, tríos…
Esto se debe a que cada uno posee un timbre diferente, lo cual se traduce en que cada
instrumento destaca una serie de armónicos específicos. Si dos instrumentos no destacan los
mismos armónicos entonces sucede que no suena lo que comúnmente se conoce como
empastado. Cuanto más armónicos coincidan más únicos sonarán, es decir, como si un
conjunto de violines con la misma afinación al tocar juntos sonasen como un único violín más
grande.

Es debido a ello, que una serie de instrumentos siempre tocan al mismo tiempo dependiendo
de lo que se desee resaltar. Si quiere destacar una melodía aguda, utiliza los violines y flautas
para resaltar dicha línea ya que son los instrumentos más agudos de la orquesta que poseen
un registro similar. Si quiere causar un contraste de la línea de cuerda, entonces empleará el
viento metal que posee un timbre muy diferente, como se da en muchos casos que los metales
responden a temas de la cuerda. Si quiere crear una melodía épica, será común que utilice las
trompetas, pero para engrandecer dicho tema lo acompañará con trombones.

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