Artes decorativas

Las artes decorativas son las actividades relacionadas con el arte y la artesanía destinadas a producir
objetos con una finalidad a la vez utilitaria y ornamental. Son por lo general obras realizadas con una
elaboración industrial o artesanal pero persiguiendo una cierta finalidad estética. El concepto es sinónimo
de las llamadas artes aplicadas o artes industriales, también llamadas a veces artes menores en
contraposición a las artes mayores o bellas artes. En cierto sentido, las artes decorativas es un término
aplicado preferentemente a las artes industriales, así como a la pintura y la escultura, cuando su objetivo
no es el de generar una obra única y diferenciada, sino que buscan una finalidad decorativa y ornamental,
con una producción generalmente seriada.1 ​

Las artes decorativas incluyen procedimientos y técnicas como la cerámica, el mosaico, la ebanistería, la
orfebrería, la glíptica, el esmalte, la taracea, la metalistería, el textil, la tapicería, la corioplastia o la
vidriería. También a menudo engloba las artes gráficas (grabado) y la miniatura, así como algunas obras
de arquitectura, pintura y escultura destinadas a la ornamentación y concebidas en serie, no como obras
individuales.2 ​

Las artes decorativas han estado presentes en mayor o menor medida en todos los períodos de la historia
del arte en general, bien por solitario o bien en conjunción con otras artes, especialmente la arquitectura.
En muchos casos han marcado de forma determinante algún período histórico, como el arte bizantino, el
islámico o el gótico, de tal forma que no sería posible valorarlo adecuadamente sin la presencia de este
tipo de realizaciones. En otros casos, especialmente el de culturas nómadas, es el único tipo de
realización artística llevado a cabo por estos pueblos, como es el caso de los escitas o de los pueblos
germánicos que invadieron el Imperio romano. En muchas culturas las artes decorativas han tenido un
estatus similar al resto de las artes, como es el caso de la cerámica griega o la laca china. Cabe también
valorar la estrecha relación entre las artes decorativas y la cultura popular, que a menudo ha tenido en este
medio su principal vía de expresión.3 ​

Concepto
Este tipo de técnicas entra dentro del concepto de arte (del latín ars, artis, y este del griego τέχνη téchnē),
4 ​ una manifestación creativa del ser humano entendida generalmente como cualquier actividad o

producto realizado con una finalidad estética y comunicativa, mediante la cual se expresan ideas,
emociones o, en general, una visión del mundo, a través de diversos recursos y materiales. El arte es un
componente de la cultura, que refleja en su concepción los sustratos económicos y sociales, así como la
transmisión de ideas y valores inherentes a cualquier cultura humana a lo largo del espacio y el tiempo.5 ​

La clasificación del arte ha tenido una evolución paralela al concepto mismo de arte: durante la
antigüedad clásica se consideraba arte todo tipo de habilidad manual y destreza, de tipo racional y sujeta a
reglas, por lo que entraban en esa denominación tanto las actuales bellas artes como la artesanía y las
ciencias.6 ​En el siglo ii Galeno dividió el arte en artes liberales y artes vulgares, según si tenían un origen
intelectual o manual. En el Renacimiento empezó a considerarse que la arquitectura, la pintura y la
escultura eran actividades que requerían no solo oficio y destreza, sino también un tipo de concepción
 intelectual que
las hacían
superiores a otros
tipos de
manualidades. ​7

En 1746, Charles
Batteux
estableció en Las
bellas artes
reducidas a un
Interior de estilo modernista de la casa único principio la
Vicens (Barcelona, 1883-1888), de concepción Ebanistería: Bureau du Roi, escritorio de
Antoni Gaudí actual de bellas Luis XV de Francia (1760), de Jean-
artes, donde François Oeben y Jean-Henri Riesener
incluyó la
pintura, la escultura, la música, la poesía y la danza, mientras
que mantuvo el término «artes mecánicas» para el resto de
actividades artísticas, y señaló como actividades entre ambas
categorías la arquitectura. Con el tiempo esta lista sufrió
variaciones y, a fecha de hoy, no está del todo cerrada, pero
en general sentó una base comúnmente aceptada.8 ​

Los términos «artes decorativas», «artes aplicadas», «artes Mosaico: Pastoral celeste (c. 400-450),
industriales» o «artes menores» surgieron por oposición a las mausoleo de Gala Placidia, Rávena
«bellas artes» o «artes mayores», aunque a menudo la
frontera no está del todo clara.9 ​ En general, dentro de las
artes plásticas la función decorativa se considera secundaria:
así, si la pintura tiene por sí sola una autonomía como obra
de arte, en su aplicación a un objeto pierde esa singularidad
para cumplir una función subordinada, la de embellecer ese
objeto. Si la pintura puede representar una visión del mundo
en la libertad conceptual del artista, la pintura decorativa se
moverá en un círculo cerrado de temas y motivos.10 ​ Vidriera: Moisés en el monte Sinaí y
Moisés ante el faraón (siglo xiii), catedral
Probablemente la separación entre artes mayores y menores de Colonia
vino de la distinción por parte de la crítica de arte de lo
«bello» y lo «útil»: a lo primero se le concedió una categoría
más elevada, pues parecía dirigirse más directamente al
intelecto y/o el espíritu, mientras que lo segundo tenía una
finalidad más práctica y mundana. Esta distinción no dejaba
de ser subjetiva, puesto que una actividad como la
arquitectura, englobada en las artes mayores, es ciertamente
útil, mientras que muchas artes menores, aun siendo útiles,
pueden ser bellas.11 ​
 Cerámica: plato mudéjar del siglo xv,
Burrell Collection, Glasgow

Cama con forma de carro triunfal a la

romana (c. 1804-1830), caoba, chapa de
palma de caoba, limonero de Ceilán,
pino, roble y madera dorada y pintada,
Museo del Diseño de Barcelona
Orfebrería: máscara funeraria de
Agamenón (siglo xvi a. C.), Museo
Aunque las artes decorativas eran consideradas como un arte
Arqueológico Nacional de Atenas
menor, desde el siglo xviii adquirieron cierta autonomía y,
desde entonces, se empezó a valorar más su aspecto estético
frente al utilitario y numerosas de sus producciones fueron
valoradas como obras de arte con una singularidad propia.10 ​
Sin embargo, las artes decorativas aplicadas a la industria —
más propiamente llamadas hoy día «artes industriales»— se
fueron separando de este concepto, por cuanto en este tipo de
objetos la decoración es por lo general algo secundario; así,
la estética funcionalista tendió a valorar más los objetos por
su utilidad, rechazando una decoración a menudo
Forja: Reja de entrada a los pabellones
sobreañadida.10 ​ Güell (1883-1887), de Antoni Gaudí

El término «artes decorativas» se forjó en el tercer tercio del

siglo xix, principalmente como sustitución del término «artes
menores», que resultaba peyorativo.12 ​ En la génesis de las
artes decorativas o industriales están indefectiblemente
unidos la practicidad y la estética. Así, la producción de
objetos englobados en este término debe tener en cuenta la
finalidad del producto (enseres, vestidos, utensilios,
mobiliario) tanto como su aspecto formal. Así, no entrarían
en esta categoría un objeto utilitario que sea posteriormente
decorado o, por el contrario, otro de aspecto artístico que no Tapiz: El oráculo de Decio Mus (c. 1650),
tapiz de Jean Raes sobre un cartón de
cumpla una función práctica.13 ​ Pese a todo, a menudo se
Peter Paul Rubens, Rubenshuis,
han considerado artes decorativas productos con una simple
Amberes
función ornamental, pero producidos en serie, con lo que se
alejarían del concepto de obra única del arte con mayúsculas.
14 ​

Un factor decisivo en la nueva concienciación de las artes decorativas fue la publicación entre 1860 y
1863 del libro Der Stil in den technischen und tectonischen künsten der praktische Aestetik, de Gottfried
Semper, donde prestaba una especial atención a las artes decorativas dentro de la historia del arte. Esta
obra influyó en el historiador formalista Alois Riegl, quien en sus análisis de la historia del arte en
función del estilo incluyó igualmente las artes decorativas. Para Riegl, quien fue conservador del Museo
de Artes Decorativas de Viena, las técnicas usadas en la producción artística marcaban la evolución de las
formas artísticas.15 ​

Terminología
A las artes relacionadas con la decoración se les ha aplicado a lo
largo de la historia numerosos términos más o menos sinónimos,
que si bien pueden tener algunas diferencias de matiz en general
expresan el mismo concepto:

Artes decorativas: el término incide en la finalidad

decorativa de este tipo de artes, por cuanto su finalidad es
la de ornamentar un espacio determinado, motivo este por
el que se las considera especialmente ligadas a la
El ángel de la Resurrección (1904), arquitectura. En general se considera el término más
vidriera de Louis Comfort Tiffany, adecuado y que otorga una mayor dignidad, prueba de ello
First Presbyterian Church, es que la mayoría de museos dedicados a este tipo de
Indianápolis obras suelen denominarse Museos de Artes Decorativas.16 ​
Artes menores: surgió en confrontación con la idea de
artes mayores o bellas artes (arquitectura, escultura y
pintura), si bien resulta peyorativo y marca unas fronteras que no son reales, ya que la
pintura y la escultura pueden ser consideradas en ciertos casos como artes decorativas.17 ​
Artes útiles o utilitarias: este término pone énfasis en el aspecto práctico de este tipo de
realizaciones, lo que minusvalora su componente estético, al tiempo que cabría discutir si la
utilidad de algunas bellas artes como la arquitectura las rebajaría a este nivel.18 ​
Artes funcionales: de forma análoga al anterior, se incide en el aspecto funcional de estas
obras, lo que origina un debate similar, al que se puede añadir si las artes mayores no
tienen también una función.19 ​
Artes aplicadas: este término proviene de la relación entre este tipo de disciplinas
artísticas y su producción de tipo artesanal o industrial, ya que por lo general son creadas
mediante diversas técnicas y procedimientos especializados que necesitan una formación
profesional o semiprofesional. Así, la mayoría de escuelas donde se aprenden estos oficios
suelen denominarse Escuelas de Artes Aplicadas (o de Oficios Artísticos).20 ​
Artes auxiliares: se incide aquí en el aspecto secundario de este tipo de disciplinas por
cuanto sus producciones están destinadas a decorar las obras «mayores»,
preferentemente espacios arquitectónicos. Nuevamente es un término peyorativo y que no
engloba todas estas realizaciones, que en muchos casos pueden tener una autonomía por
sí mismas.16 ​
Artesanía, oficios artísticos: en esta acepción se incide en el aspecto productivo de estas
obras en cuanto a la profesionalidad de sus artífices, en la consideración de ser objetos
hechos a mano, sin un proceso de fabricación mecánico. Buena parte de este concepto
viene del movimiento Arts and Crafts (Artes y Oficios), surgido en el Reino Unido en el
siglo xix.21 ​
Artes manuales: término poco empleado en general, incide en la manualidad de este tipo
de obras, lo que excluye su producción mecánica en muchos casos.21 ​
Artes industriales: en contraposición al anterior, se expresa aquí el proceso de
mecanización y de producción fabril de muchas de estas obras, especialmente desde la
Revolución Industrial. Cabría discutir aquí si este tipo de fabricación se hace en menoscabo
 del proceso creador del artista o es simplemente una herramienta que ayuda en su
realización. Quizá propiamente solo sea aplicable a aquellas obras producidas en serie.22 ​
Artes suntuarias: el término suntuario significa «perteneciente o relativo al lujo»,23 ​ por lo
que se aplica preferentemente a aquellas artes decorativas realizadas con materiales
preciosos (oro, plata, joyas).

Factores determinantes
En la génesis de las obras de arte decorativas intervienen diversos
factores. El primero a tener en cuenta es su artífice y la consideración
del mismo como artesano o como artista. Dejando aparte el hecho de
que muchos artistas (pintores, escultores) han realizado este tipo de
obras como complemento a su actividad principal, la mayoría de
artífices que trabajan en este terreno lo hacen como oficio, tras unos
años de aprendizaje en un taller, gremio o escuela. Así, por lo general,
se les considera artesanos, aunque hay que tener en cuenta diversos
Huevo de la Coronación imperial matices: decía Horst Waldemar Janson que un artista es un «creador»
(1897), de Peter Carl Fabergé, y un artesano un «hacedor»;24 ​ sin embargo, muchos hacedores
Museo Fabergé, San ejercen también de creadores cuando realizan sus propios diseños o
Petersburgo introducen novedades técnicas o estilísticas en sus obras. De igual
forma, muchos artistas realizan sus obras partiendo de técnicas o
estilos introducidos por otros anteriormente, sin un ejercicio de
innovación, tan solo de imitación —como se ha reprochado a menudo al arte academicista—.25 ​Aun así,
por regla general el artífice de artes decorativas está encorsetado por las reglas, técnicas y materiales de
su oficio, dentro del cual puede moverse con restricciones.26 ​ Ello conlleva, según Dino Formaggio, que
las obras de arte decorativas expresen cierta «impersonalidad», por cuanto la impronta del que las realiza
no es perceptible en la mayoría de casos, al tiempo que son fruto de una determinada «sociabilidad», al
ser productos provenientes del trabajo colectivo derivado de la tradición y el oficio.27 ​

De entre estos artífices se suelen considerar tres tipos (según René Huyghe): «artesanos de tradición»,
que ejercen su oficio con unos conocimientos transmitidos por generaciones —generalmente dentro de
una misma familia—, con innovaciones y aportaciones individuales pero dentro de una misma línea (aquí
se engloban la mayoría de artífices hasta el siglo xix); «artesanos de arte», los que no proceden de una
tradición sino que ejercen esta actividad de forma voluntaria y con una formación propia (generalmente
ya en el siglo xx); y «artesanos ejecutantes», que designaría a aquellos operarios que se limitan a ejercer
su oficio, sin mediar ningún acto creador.28 ​

Otros elementos a tener en cuenta son:

Tipo de obras: un primer factor a tener en cuenta es la función y destino de la obra, si es

religiosa o laica, culta o popular, si es para un domicilio, una empresa, un palacio o
cualquier otra finalidad.29 ​
Técnicas y materiales: cada disciplina artística cuenta con unas determinadas técnicas y
materiales de confección, los cuales deben ser considerados para el resultado final en
función del objeto que se desee crear. Muchos de estos elementos son determinantes de
una época o estilo determinados, por lo que ayudan a su estudio y clasificación.30 ​
Forma: la forma marca el ritmo de volúmenes y proporciones de un determinado espacio,
especialmente en piezas exentas. Por otro lado, la forma expresa la función del objeto y
sus características temporales, por lo que es un reflejo del
estilo y el marco histórico y social en el que ha sido creado.
31 ​

Sistema decorativo: establece el tipo de motivo ornamental

de una pieza y la forma en que ese motivo encaja dentro
de la composición de la misma. Los tres principales
motivos ornamentales son: geométrico, epigráfico y
naturalista (vegetal, animal, humano o paisajístico), que
pueden presentarse tanto aislados como combinados entre
ellos. En función de su composición se generan diversos
lenguajes expresivos, como el naturalista, si se inspira en
la realidad de la naturaleza visible; o el estilizado, si hace
una reinterpretación subjetiva de la realidad. También Plato de porcelana de Vincennes
dentro de la composición debe tenerse en cuenta si la (1749-1753), Museo de las Artes
ornamentación se ciñe a un determinado espacio de la Decorativas de París
obra o la cubre por completo (el llamado horror vacui).
Dentro de este espacio los motivos ornamentales pueden
hacerse por repetición, por alternancia, en forma simétrica o por inversión.32 ​

Motivos geométricos: entre los principales se encuentran el punto, la línea, el

zigzag, la banda quebrada, la lacería, el meandro, el cuadrado, el losange, el
ajedrezado, el triángulo, el hexágono, el octógono, la sinusoide, la espiral, el
círculo y semicírculo, la elipse, etc.33 ​
Motivos arquitectónicos: cordón, listel, toro, bocel, escocia, gallón, cartela, etc.
34 ​

Motivos naturalistas: proceden sobre todo de la flora, la fauna, el ser humano,

los seres fantásticos y mitológicos, los elementos astronómicos, el paisaje y
objetos de todo tipo.35 ​
Motivos complejos: son básicamente la escritura y los símbolos, así como los
motivos heráldicos.36 ​

Color y luz: en el aspecto estético y formal de la obra de

arte decorativa son determinantes el color y la luz, que
influyen en la forma del objeto, en el material y en
diversas cualidades como la solidez, la refracción, la
transparencia u opacidad, el reflejo, la textura, el relieve
o los juegos de luces y sombras. También, aparte de sus
cualidades físicas, pueden expresar un determinado
simbolismo, ya que a menudo los colores se asocian a
determinados conceptos religiosos o culturales, mientras
que la luz se asocia a menudo con la divinidad y la
revelación.37 ​ Carro solar de Trundholm (c.
Ritmo y equilibrio: las artes decorativas tienen como 1300 a. C.), de bronce y oro, Museo
finalidad la ornamentación de un espacio, lo que Nacional de Dinamarca,
generalmente se consigue con la conjunción de diversos Copenhague
elementos. Por ello, un factor a tener en cuenta es la
armonía entre todas las piezas de un determinado
espacio, el equilibrio de conjunto y el ritmo espacial en que se circunscriben. Esta
armonización de elementos expresa por otro lado conceptos inherentes a una determinada
época, como la moda o el estilo, las costumbres o el pensamiento de una sociedad.38 ​
Relación espacial: la mayoría de obras de arte decorativas (menos las exentas) están
pensadas para un determinado espacio, lo que influye en su concepción y realización. En la
 valoración de este tipo de obras debe considerarse si se encuentran en su emplazamiento
original o no; una de estas obras expuesta en un museo puede ser valorada por sus
cualidades intrínsecas, pero al perder su función original pierden parte de su significado.39 ​
Economía, sociedad y moda: toda obra de arte es reflejo de un momento histórico y social
determinado, lo que supone un condicionante en su génesis productiva. En la elaboración
de estos objetos pueden ser determinantes los factores económicos que marquen su
productividad, los condicionantes sociales que determinen su función o los aspectos de
moda y estilo que condicionen su forma y aspecto. Estos condicionantes externos se unen
a otros internos, como la técnica, para determinar el proceso productivo de estas
realizaciones.40 ​
Influencias entre las artes: las distintas modalidades artísticas —tanto mayores como
menores— se influyen entre sí, al igual que los artistas. Estas influencias se transmiten
igualmente en el tiempo, lo que se denota en la sucesión de períodos de marcado acento
clasicista con otros de gusto barroco. Generalmente se ha percibido más el influjo de las
artes mayores sobre las menores, pero en ocasiones también ha sucedido al contrario,
como la influencia de las artes decorativas islámicas en la escultura románica española, del
grabado en la pintura del Barroco o de la decoración rococó en la arquitectura del siglo xviii
en Francia y Alemania.41 ​

Clasificación y técnicas

Como sistema de revestimiento arquitectónico

Mosaico y taracea: el mosaico es la técnica de
confeccionar imágenes mediante el embutido de piedras
duras, bien en el suelo o bien en la pared. Cuando está
colocado a modo de pavimento recibe el término griego
de lithóstroton: el revestimiento es aplicado sobre cal,
arena u otros materiales como piedras, guijarros, losas
de mármol, etc. Existen varios tipos: opus lapilli,
pequeños guijarros de colores naturales, que por sí
mismos componen el dibujo; opus tessellatum, formado
por teselas, piezas de forma cuadrada de dos La caza del ciervo, mosaico de la
centímetros, con las que se elabora la composición, casa del Rapto de Helena (Pella,
generalmente de tipo geométrico; opus vermiculatum, Macedonia), siglo iv a. C.
igualmente elaborado con teselas, pero de diferentes
contornos, pudiendo formar así diversos trazados; opus
sectile, formado por losas de mármol de forma irregular. El mosaico propiamente dicho,
también llamado opus musivum, es la misma técnica pero aplicada a la decoración mural:
se realiza con teselas de pasta vítrea, aplicadas sobre la pared preparada con varias capas
de mortero, elaborando figuras y dibujos. La taracea es una técnica similar a las anteriores,
puede ser pavimental o parietal, o incluso se puede aplicar a muebles u otros objetos.
Consiste en incrustar sobre una superficie compacta finas losas de piedra y mármol de
color, cortadas y encajadas formando imágenes o composiciones diversas. También puede
realizarse en madera (intarsia), siendo una técnica frecuente en ebanistería. En Carpi, en el
siglo xvii, surgió también una taracea en escayola. Otra variante es el embutido de piedras
duras.42 ​
Vidriería: se realiza sobre cristales engarzados en madera, yeso, oro o plomo, los cuales se
van encajando con láminas de plomo, estañándolos, con una capa de masilla (blanco pintor
con aceite de linaza). Las vidrieras antiguas tienen grisallas, óxido férrico líquido, aplicado
para dibujar con precisión detalles pequeños; hacia 1340 se sustituyó por el óxido de plata
y, a partir de aquí, ya no se hacen cristales de colores, sino que se colorea sobre cristal
 blanco. El proceso de fabricación es por fases: elaboración de un boceto en cartón, corte
de los vidrios, pintura de los mismos, cocción y unión por emplomado.43 ​
Azulejería: el azulejo es una baldosa de cerámica vidriada que se usa como revestimiento
de suelos y paredes. Al igual que los ladrillos esmaltados, tiene su origen en el Oriente
Próximo. En España, en el siglo xv, surgió la variante del alicatado, con tres tipos: cuerda
seca, cuenca o arista. Ese mismo siglo, en Italia, se inició la producción de losas de
mayólica, sobre todo en Nápoles y Faenza, cuyas composiciones pictóricas tuvieron luego
gran éxito en España y Portugal, así como México y Perú.44 ​
Estuco y yesería: el estuco se elabora con pasta de cal (o yeso blanco), polvo de mármol,
arena lavada y caseína, en distintas proporciones según la época y el lugar. Sus dos
principales aplicaciones son como revestimiento o como decoración, con distintos grosores,
generalmente más compactos para el primer caso y más finos y maleables para el
segundo. Por su parte, el yeso es un sulfato de cal hidratado, que mezclado con agua
forma una pasta de color blanco, que puede usarse tanto para la construcción como para
escultura y relieves. La principal diferencia entre ambos es que el yeso, al no tener polvo de
mármol, es más frágil y de menor calidad, aunque su valor decorativo es similar.45

Como revestimiento polivalente y elemento de compartimentación espacial

Carpintería y ebanistería: las artes de la madera se utilizan tanto
como revestimiento dentro de la arquitectura (artesonados,
puertas, ventanas, balcones, balaustres) —incluyendo
arquitecturas provisionales como capelardentes y retablos— como
en elementos transportables (mobiliario). Las dos principales
técnicas son el tallado y el torneado: el primero se realiza con
instrumentos punzantes como el buril —en alto, medio, bajo o
huecorrelieve—, o bien en ornamentación incisa; el segundo
supone un proceso de manipulación mecánica más elaborado. En
cuanto a la ornamentación, existen diversos procedimientos:
intarsia, similar a la taracea pero en madera; incrustación (o
marquetería), un tipo igualmente de taracea pero más superficial,
hecho con cola (en estos casos las piezas añadidas pueden ser
de otro tipo de madera u otros materiales, predominantemente Gabinete de madera de
marfil, hueso, nácar o metal); chapado, consistente en usar una nogal, marco de roble,
base de madera basta y superponerle otra más fina de mayor chapa de ébano,
calidad; lacado, aplicación de la técnica de la laca a la madera; marquetería de concha,
policromado, superposición de maderas de distintos colores para
latón y estaño, y bronce
crear efectos cromáticos; dorado, combinación de madera y pan
dorado, obra de André-
de oro; esgrafiado, combinación de dorado y policromado;
Charles Boulle (c. 1690-
pirograbado, consistente en quemar la madera con un metal
1710), Museo del
incandescente; encorado, madera forrada de cuero; y ensayalado,
Louvre, París
madera forrada de tela.46 ​
Metalistería: el metal (hierro, cobre, bronce) se puede usar en
solitario o chapado sobre madera, generalmente en elementos de cierre como puertas,
rejas y verjas. El bronce se suele fundir y verter en moldes. El trabajo con hierro (limonita,
pirita o magnetita) se denomina forja: se reduce con calor, del que sale una pasta al rojo
con la que se hacen lingotes. Hay tres clases: hierro colado, con mucho carbono, sílice,
azufre y manganeso, no sirve para forjar, solo para fundir en molde; hierro dulce o forjado,
con menos carbono, es más maleable y dúctil, se puede forjar, pero es blando y desafilable;
y acero, con manganeso, tungsteno, cobalto y wolframio, es más duro, para instrumentos
cortantes. El modelado se realiza sin añadir ni quitar material, sino que existen diversas
técnicas alternativas: estirar, ensanchar, hendir, curvar, recalcar, etc. También se le pueden
dar efectos de dorado y policromado.47 ​
 Artes textiles: se manifiestan principalmente en tejidos y
bordados. Un tejido es una obra de telar compuesta por
varios hilos dispuestos en trama y urdimbre. Los telares
pueden ser móviles (o «de cintura») o fijos (vertical u
horizontal). Según la multiplicidad o el entrelazamiento
de los hilos se obtienen distintos tipos de tejidos, como
el tafetán, sarga, satén, seda, terciopelo, etc. Estas telas
pueden ser naturales o estampadas, aplicando tintes La Batalla de Hastings (c. 1066-
sobre el tejido. En cuanto a tipologías, las más usadas 1082), escena del tapiz de Bayeux,
en artes decorativas son las alfombras y los tapices y, Museo del Tapiz de Bayeux,
en menor medida, los encajes. Los bordados son
Bayeux, Francia
labores en relieve realizados con aguja sobre tejidos ya
confeccionados.48 ​
Corioplastia: el trabajo del cuero tiene dos modalidades principales: el cordobán, cuero de
cabra o macho cabrío curtido, aparecido en Córdoba en época andalusí, utilizado como
complemento para el mobiliario; y el guadamecí, piel de carnero curtida y labrada, y
posteriormente policromada, dorada o plateada, usada como ornamento de retablos,
doseles y altares o como revestimiento de muros, cortinas o muebles, a veces incluso como
alfombras. Hay diversas técnicas para el trabajo del cuero: grabado, repujado, rebajado,
cincelado, tallado, estampado, ferreteado, recortado, etc. Sobre el cuero se pueden añadir
bordados, láminas de oro, plata o estaño, o aplicaciones de herrajes o clavos, y se puede
policromar con productos minerales (potasa) o químicos (anilinas), o bien con pintura al
óleo o al temple.49 ​ Otras modalidades son el tafilete, piel de cabra bruñida más fina que el
cordobán, empleada preferentemente en encuadernación; y el marroquí, piel de oveja
usada sobre todo en tapicería de muebles.50 ​

Artes decorativas exentas

Miniatura: es un tipo de pintura de pequeñas dimensiones
realizada sobre papel, pergamino o vitela, aunque puede
ser sobre otros soportes. La técnica más corriente es la
aguada, pigmentos disueltos en agua de goma u otros
aglutinantes (goma arábiga, clara de huevo, miel). Su
soporte más habitual es en libros, por lo general
ilustraciones que acompañan al texto escrito.51 ​
Grabado: es una estampa obtenida mediante una plancha
o matriz. Hay distintas técnicas:
Calcografía: grabado sobre cobre realizado en hueco,
en diversas técnicas: aguafuerte, técnica de grabado
consistente en tratar las partes de la plancha de metal
no protegidas por un barniz con «agua fuerte» (ácido
nítrico diluido en agua); aguatinta, técnica proveniente Melancolía I (1514), grabado de
de una plancha de metal cubierta con resina, que una Alberto Durero, Galería Nacional
vez calentada se adhiere a la superficie de la plancha,
de Arte de Karlsruhe
dibujando posteriormente sobre esta superficie con un
tipo de tinta especial, llamada aguatinta; grabado a
buril, se realiza sobre plancha de cobre, con un buril,
con el que se perfila el dibujo, rellenando los surcos con tinta; grabado a punta seca, en
esta técnica la plancha se trabaja directamente con una punta de acero, diamante o
rubí, sin recurrir a barnices ni ácidos, con lo que se obtiene unas líneas ásperas
llamadas «rebabas», diferentes según la presión y el ángulo de incisión, que a
diferencia del buril no corta el metal, sino que lo araña; grabado a media tinta
 (mezzotinto), se trabaja la plancha con un rascador de varias puntas (rocker o berceau),
obteniendo un graneado uniforme por entrecruzamiento de líneas, con lo que se
distinguen tonos claros y oscuros.
Xilografía: grabado en madera (generalmente cerezo o boj), realizado sobre un boceto
calcado sobre la plancha de madera y tallado con cuchillo, gubia, formón o buril,
vaciando de madera los blancos y dejando en relieve los negros; a continuación, se
entinta con un rodillo y se estampa, bien a mano o bien con el tórculo.
Linograbado: técnica de grabado en relieve similar a la xilografía, pero utilizando linóleo
en vez de madera.
Litografía: es un grabado sobre piedra caliza, que se hace tratando la superficie con un
lápiz de materia grasa para delimitar el dibujo y realizando el grabado según dos
procedimientos: bañando con ácido, para corroer la parte no engrasada y dejar el dibujo
en relieve; o aplicando dos clases de tinta acuosa y grasa, fijándose la primera en el
fondo y cubriendo la segunda las líneas dibujadas a lápiz. Fue inventado por Aloys
Senefelder en 1796.
Serigrafía: técnica por la cual se obtienen impresiones filtrando los colores por una
trama de seda —o, actualmente, nailon—, recubriendo con cola las partes que no
deben filtrarse para impermeabilizarlas. Fue inventado en China.52 ​

Orfebrería: es el arte de confeccionar objetos

decorativos con metales nobles o piedras preciosas,
como el oro, plata, diamante, perla, ámbar, coral,
etc. Hay diversas técnicas y modalidades:
Camafeo: es el tallado de figuras en relieve
sobre piedras duras estratificadas, como el
ágata, la sardónica, el coral y la concha, que por
lo general poseen capas de diversos colores, lo
que proporciona unos intensos contrastes
cromáticos.
Cincelado: consiste en trabajar el metal precioso Pala de oro (976), uno de los mejores
con un cincel, realizando decoraciones exponentes de la orfebrería bizantina,
ahuecadas o trabajos de acabado, con cinceles Basílica de San Marcos de Venecia
de distintas formas y grosores.
Damasquinado (o ataujía): sobre un soporte
metálico se traza el dibujo con punta fina, luego se hace una incisión con buriles y
escalpelos y, por último, se aplica una filigrana de metales de diverso color.
Filigrana: se practica con hilos de metal precioso, con los que se elabora la pieza
trenzando o enroscando los hilos, hasta obtener la forma deseada.
Fusión: son los trabajos ejecutados a molde, elaborados de dos formas: «fusión
permanente», realizada con un molde bivalvo, con la forma ya trabajada, de piedra o
terracota; «a la cera perdida», donde se modela el objeto en cera, al que se aplica un
embudo con respiraderos, cubriéndose de creta, que una vez seca se calienta hasta
que expulse la cera, llenándose luego del metal fundido.
Granulado: es un procedimiento por el que se obtienen minúsculas esferas de oro con
las que se elaboran dibujos o decoraciones geométricas.
Nielado: consiste en grabar un dibujo sobre una lámina de metal —generalmente plata
—, rellenando los surcos con el nielado, una aleación de plata, cobre y plomo, con
azufre y bórax, que produce una mezcla negra y brillante.
Opus interrasile: técnica de origen romano que consiste en realizar pequeñas incisiones
en las láminas de metal precioso, realizando una función de calado que da a la obra un
aspecto de encaje.
 Repujado: es la decoración en relieve realizada sobre planchas de oro, plata o cobre,
trabajando el revés de la plancha con martillo y cincel.53 ​
Vidrio y esmalte: existen diversos tipos de vidrio: «vidrio sódico» (el más básico, a partir de
sílice), cristal (sílice y óxido de plomo o potasio), «vidrio calcedonio» (sílice y óxidos
metálicos) y «vidrio lácteo» (sílice, bióxido de manganeso y óxido de estaño). La principal
técnica para trabajarlo es el soplado, donde se le puede dar cualquier forma y espesor. En
cuanto a la decoración, puede ser pintada, esgrafiada, tallada, con pinzas, en filigrana, etc.
El esmalte es una pasta de vidrio (sílice, cal, potasa, plomo y minio), sobre soporte de
metal, trabajado según diversas técnicas: cloisonné, pequeños filamentos de oro o cobre,
con los que se dibuja la figura sobre el soporte, para separar el esmalte en tabiques;
champlevé, que se hace rebajando el soporte en alvéolos y ahuecando el material en
concavidades, rellenadas con el esmalte; ajouré, superficie de oro donde se recortan las
formas con sierras o limas, rellenando con esmalte la parte eliminada.54 ​

Cerámica: se realiza con arcilla, en cuatro clases: barro cocido

poroso rojo-amarillento (alfarería, terracota, bizcocho); barro
cocido poroso blanco (loza); barro cocido no poroso gris, pardo o
marrón (gres); barro cocido compacto no poroso blanco medio
transparente (porcelana). Otras variantes son la mayólica y la
fayenza, ambas de loza estannífera: el primer término se emplea
sobre todo en Italia y el segundo en el resto de Europa. Se puede
elaborar de forma manual o mecánica —con torno—, después se
cuece en el horno —a temperaturas entre 400 y 1300 °C, según el
tipo—, y se decora con esmalte o pintura.55 ​La decoración puede
ser: excisa, aplicaciones en relieve hechas con barro; incisa, un
dibujo trazado sobre el barro aún tierno; con moldes, aplicados
sobre la superficie blanda del barro; pulimentación, efectuada
Porcelana de Sèvres:
sobre el barro cocido; esgrafiado, aplicación de varios colores que
Vaso Clodion, ofrecido
luego son rasgados según el efecto deseado; y jaspeado, mezcla
por Luis XVIII a su
de varios colorantes con una grasa, creando vetas en la cerámica.
56 ​ hermano, futuro
Carlos X (1817)
Laca: es un barniz brillante, espeso y sólido, que se extrae de
resinas minerales o vegetales y procedente del Lejano Oriente.
Este barniz se aplica sobre objetos de diversos materiales: madera, metal, cerámica, papel
o cuero. La técnica del lacado se inicia con una primera aplicación de laca basta, que se va
cubriendo de varias capas de laca fina, la última de las cuales será de la tonalidad
deseada; a continuación se hace la decoración, que puede ser de pintura con pincel, por
tallado o incisión, con incrustación de otros materiales, o pulverizando oro o plata; por
último, se hace un lacado final con varias capas de laca traslúcida.57 ​

Eboraria: es el trabajo del marfil, que se obtiene de

los cuernos de elefante. Se puede aplicar en
taracea y, como obra individual, en marfiles tallados,
calados y pintados. La talla comienza con el corte
del colmillo en piezas o «botes», con los que se da
forma al objeto y posteriormente se decora y, a
veces, se policroma. El calado es similar al anterior,
con una técnica más depurada que imita la talla
calada de la madera. Los pintados solían ser placas
de marfil sobre un armazón de madera, sobre la que
se aplicaban pigmentos con pincel.58 ​ Olifante de Saint-Arnoul de Metz, tallado
Azabachería: el azabache es una sustancia fósil, en marfil del siglo xii del sur de Italia
una variedad del lignito, de color negro y superficie
brillante. Generalmente son piezas pequeñas, que
 se trabajan con lima y torno, en relieve o tallado, con una fase final de pulimentado. A
menudo van unidas a otras obras de escultura u orfebrería, siendo bastante frecuente en
artes suntuarias.59 ​
Plumería: las plumas son estructuras queratinosas de la piel de las aves. Por lo general, se
unen a otros soportes —generalmente tejidos— cosiéndolas, pegándolas o
ensamblándolas. Su principal uso se dio en la América precolombina.60 ​
Cestería: una de las artesanías más antiguas del mundo es la de recipientes de fibras
vegetales trabadas entre sí. La técnica más antigua es la cestería en espiral, elaborada con
juncos, pajas o fibras retorcidas en forma de cuerda y arrolladas en espiral dándoles la
forma deseada, generalmente esférica u ovoidal. Otra técnica es la del trenzado, que se
hace enrollando pleitas largas cosidas con fibras. En tercer lugar, el entretejido se consigue
entretejiendo las fibras sobre una armazón de mimbres.61 ​
Abanico: este instrumento para darse aire ha sido frecuentemente objeto de decoración y,
en ocasiones, ha sido colocado en interiores de casas como objeto decorativo. Pueden ser
rígidos, pero la mayoría son plegables. Por lo general se componen de una superficie
desplegable (país) de tela, papel, gasa, encaje o cabritilla, con unas varillas (guías) de
madera, marfil, nácar, laca o concha; las dos varillas de los extremos se llaman palas. La
parte descubierta de las varillas (fuentes) puede decorarse con calados, doraduras u otras
técnicas.62
Glíptica: es el arte de tallar piedras preciosas o semipreciosas para la confección de sellos,
monedas o medallas. Generalmente se hace en camafeo o en entalle, y en ocasiones en
bulto redondo, por lo general en piezas de pequeño tamaño. El trabajo de estas piezas se
realiza con abrasivos y muelas de cabeza roma o afilada.63 ​
Encuadernación: las cubiertas de un libro tienen la función principal de conservar su
contenido de agentes externos, si bien a menudo han sido objeto de ornamentación. La
unión de los pliegues se puede hacer con costura, encolado u otros procedimientos. Las
cubiertas pueden ser de papiro, madera, piel, cuero (dorado, cincelado o gofrado), cartón
piedra u otros materiales, a veces con aplicaciones de esmalte, orfebrería o eboraria.64 ​
Relojería: este instrumento para medir el tiempo ha sido a menudo objeto de
ornamentación y, con el tiempo, ha ido evolucionando tanto en tecnología como
estilísticamente. Existen numerosos tipos de relojes: de sol, de agua (clepsidra), de arena,
anular, bracket, cartel, de abuelo, de banjo, de caja alta, de carroza, de globo, de linterna,
de pedestal, esqueleto, parlamentario, regulador, etc.65 ​
Juguetería: los juguetes cumplen en primer lugar la función práctica para la que son
creados, los juegos infantiles, pero en ocasión han sido utilizados como objetos
ornamentales en la decoración interior. Construidos en numerosas tipologías y materiales,
su función utilitaria ha sido un inconveniente en muchas ocasiones para su conservación,
motivo por el cual es también difícil establecer una evolución histórica. Algunas de las
modalidades más usadas en decoración han sido las muñecas y casas de muñecas, los
autómatas, los títeres y marionetas, los soldaditos de plomo, los caballos de balancín, las
cometas, las reproducciones de armas, trenes y automóviles, etc.66 ​

Historia

Prehistoria
El arte prehistórico es el desarrollado por el ser humano primitivo desde la Edad de Piedra (Paleolítico
superior, Mesolítico y Neolítico) hasta la Edad de los Metales, períodos donde surgieron las primeras
manifestaciones que se pueden considerar como artísticas por parte del ser humano.67 ​ En el neolítico
comenzó la producción de piezas de artesanía, ya que las obras
manufacturadas solían tener una incipiente decoración, si bien no
había una conciencia plena de elaboración de productos artísticos.
Las primeras manifestaciones que se podrían considerar artes
decorativas serían algunas incipientes decoraciones
arquitectónicas y las primeras obras de cerámica, así como el arte
textil. Destacó la llamada cerámica cardial, decorada con
impresiones de conchas (cardium), presente en diversos puntos de
Europa occidental y oriental.68 ​

El neolítico dio paso a la Edad de los Metales, pues la utilización

de elementos como el cobre, el bronce y el hierro supuso una gran Vaso campaniforme de
Ciempozuelos, de arcilla negra
transformación material para estas antiguas sociedades. La
pulimentada con una capa de barro
metalurgia del bronce apareció en Anatolia, desde donde pasó a
fino y decorada con motivos
Chipre y Creta y, posteriormente, el resto de Europa. La mayoría geométricos incisos rellenos de
de sus realizaciones eran de arte mobiliar, preferentemente joyas y pasta blanca, Museo Arqueológico
armas, decoradas con motivos geométricos abstractos.69 ​ En Nacional, Madrid
cerámica surgieron los vasos campaniformes.70 ​ En la Edad del
Hierro destacaron las culturas de Hallstatt (Austria) y La Tène
(Suiza), vinculadas a los pueblos celtas.71 ​

Arte antiguo
Puede llamarse así a las creaciones artísticas de la primera
etapa de la historia, iniciadas con la invención de la escritura,
en las que destacan las grandes civilizaciones del Próximo
Oriente: Egipto y Mesopotamia. También englobaría las
primeras manifestaciones artísticas de la mayoría de pueblos
y civilizaciones de todos los continentes. En esta época
aparecieron las primeras grandes ciudades, principalmente en
cuatro zonas delimitadas por grandes ríos: el Nilo, el Tigris y
el Éufrates, el Indo y el río Amarillo. Cerámica esmaltada de la puerta de
Istar, que representa un animal fantástico
Mesopotamia con cabeza de serpiente y patas de león
y águila, Museo de Pérgamo, Berlín
El arte mesopotámico se desarrolló en la zona comprendida
entre los ríos Tigris y Éufrates (actuales Siria e Irak), donde
desde el milenio IV a. C. se sucedieron diversas culturas como los sumerios, acadios, amorritas, asirios,
caldeos, etc. En Mesopotamia la carencia de piedra llevó a la construcción con ladrillo y adobe,
materiales pobres que requerían un revestimiento si se quería construir un edificio más o menos estético,
lo que se lograba con apliques cerámicos que decoraban templos y palacios.72 ​ Aquí se inventaron las
primeras herramientas de alfarería, como el torno y el horno de dos cámaras, cerca del 3400 a. C.73 ​
También destacaron en orfebrería (tesoros de las tumbas reales de Ur),74 ​ glíptica y metal (puertas de
Balawat).75 ​
Egipto
En Egipto surgió una de las primeras grandes civilizaciones, con obras de
arte elaboradas y complejas que suponen ya una especialización profesional
por parte del artista/artesano. Con un sistema político fuertemente
centralizado y jerarquizado, su arte era intensamente religioso y simbólico.
Iniciado alrededor del 3000 a. C., el arte egipcio perduró hasta la conquista
de Alejandro Magno, si bien su influencia persistió en el arte copto y
bizantino.76 ​

Una de sus mayores manifestaciones dentro del marco arquitectónico fue la

pintura y el relieve policromado, que decoraba tanto interiores como
exteriores de edificios, como se percibe en el palacio de Tell el-Amarna Máscara funeraria de
77
(dinastía XVIII). ​ Los egipcios lograron grandes avances técnicos, Tutankamón (c. 1354-
especialmente en orfebrería, como en el batido del oro, el cincelado, el 1340 a. C.), Museo
Egipcio de El Cairo
grabado a buril, el granulado y la incrustación.78 ​Destacan especialmente las
joyas encontradas en la tumba de Tutankamón (dinastía XVIII), como su
máscara funeraria, de oro batido con incrustaciones de pasta de vidrio y lapislázuli, cuarzo y feldespato.
79 ​ La ebanistería era de maderas importadas (
ébano, cedro y ciprés), recubiertas a menudo de oro o
80
marfil. ​En piedra destacan las paletas de esquisto con formas de animales o los vasos de caliza, basalto
o alabastro.81 ​ La cerámica se dio en dos vertientes: alfarería, realizada con torno desde el 3200 a. C. y
loza fina, empleada como revestimiento arquitectónico.82 ​La metalurgia egipcia se centró en el cobre y el
bronce, ya que el hierro no se usó hasta época grecorromana.83 ​ El tejido se centró en el lino, tanto en el
vestido como en tapices y alfombras.84 ​

Arte clásico
Se denomina arte clásico al arte desarrollado en las antiguas Grecia y Roma,
cuyos adelantos tanto científicos como materiales y de orden estético
aportaron a la historia del arte un estilo basado en la naturaleza y en el ser
humano, donde preponderaba la armonía y el equilibrio, la racionalidad de
las formas y los volúmenes, y un sentido de imitación (mímesis) de la
naturaleza que sentaron las bases del arte occidental, de tal forma que la
recurrencia a las formas clásicas ha sido constante a lo largo de la historia en
la civilización occidental.85 ​

Grecia
Heracles en reposo, En Grecia se desarrollaron las principales manifestaciones artísticas que han
ánfora del pintor de marcado la evolución del arte occidental. Tras unos inicios donde destacaron
Andócides, c. 520 a. C., las culturas minoica y micénica, el arte griego se desarrolló en tres periodos:
Staatliche
arcaico, clásico y helenístico.86 ​ Las artes decorativas adquirieron por
Antikensammlung de
primera vez una autonomía propia, desvinculada del marco arquitectónico
Múnich
que condicionaba las realizaciones egipcias o mesopotámicas.87 ​
En el arte minoico cabe destacar la cerámica, en dos etapas: la de Kamarés (siglos xix-xviii a. C.) y la
«cerámica de los segundos palacios» (c. 1500 a. C.).88 ​ En el arte micénico se produjeron obras de
orfebrería de gran valor artístico, como los vasos y las máscaras funerarias de oro hallados en los círculos
de tumbas de Micenas.86 ​

Del arte griego propiamente dicho destaca la cerámica decorada con imágenes pictóricas, generalmente
alusivas a la mitología griega pero también a escenas históricas o incluso de la vida diaria, de la que hay
dos variantes principales: de figuras negras sobre fondo rojo y de figuras rojas sobre fondo negro.89 ​
Menos usada fue la técnica de fondo blanco, aparecida en Atenas en el siglo vi a. C.90 ​ Los griegos
destacaron también en orfebrería, vidrio y mosaico, con innovaciones técnicas como el camafeo,
aparecido en Alejandría en el siglo ii a. C., o el vidrio soplado, que surgió en la misma ciudad en el
siglo i a. C.91 ​

Roma
Con un claro precedente en el arte etrusco, el arte romano
recibió una gran influencia del arte griego. Gracias a la
expansión del Imperio romano, el arte clásico grecorromano
llegó a casi todos los rincones de Europa, norte de África y
Próximo Oriente, y sentó la base evolutiva del futuro arte
desarrollado en estas zonas.92 ​

Entre las artes decorativas romanas destaca el mosaico,

elaborado generalmente en opus sectile, opus vermiculatum u
Mosaico de la Batalla de Isos (c.
opus tessellatum.93 ​ También destacó la terra sigillata, un siglo i a. C.), Museo Arqueológico
tipo de cerámica roja decorada con estampación o mediante Nacional de Nápoles
94
relieves hechos a molde. ​ En el seno de la arquitectura tuvo
también gran importancia la pintura ornamental, como se
evidenció tras el hallazgo de los restos de Pompeya.95 ​ También fue corriente el uso del estuco, una
técnica en la que se consiguió un alto grado de refinamiento en el modelado de figuras y enmarques.96
En el vidrio se generalizó la técnica del soplado, con variantes como el soplado en moldes, y se obtuvo el
vidrio transparente. Uno de los mejores exponentes es el vaso Portland (siglo i).97 ​ La orfebrería destacó
por su suntuosidad, con gusto por los contrastes cromáticos, en piezas de gran valor y pericia técnica
destinadas solo a las élites con gran poder adquisitivo.98 ​ En mobiliario destaca el triclinium —de origen
etrusco—, lecho donde los romanos se recostaban a comer. Los muebles más usados eran: sillas de
respaldo inclinado (cathedra), escabeles de sección redonda con patas de tijera (sella) y armarios con
estantes interiores cerrados por dos batientes.99 ​ En el textil destacó el uso de la seda, importada de
China, que a menudo se decoraba con dibujos de hilos de oro (aurum phrygium).100 ​

Arte medieval
La caída del Imperio romano de Occidente marcó el inicio en Europa de la Edad Media, etapa de cierta
decadencia política y social, pues la fragmentación del imperio en pequeños estados y la dominación
social de la nueva aristocracia militar supuso la feudalización de todos los territorios anteriormente
administrados por la burocracia imperial. Las nuevas culturas dominantes —de origen germánico—
reinterpretaron el arte clásico, mientras que la nueva religión, el cristianismo, impregnó la mayor parte de
la producción artística medieval.101 ​
Arte paleocristiano
Es el arte de los primeros tiempos del cristianismo, surgido en el seno del Imperio
romano, primero en la clandestinidad y posteriormente de forma oficial, tras la
adopción del cristianismo por el emperador Constantino I el año 313. Se desarrolló
notablemente el mosaico, como el de la Pastoral celeste en el Mausoleo de Gala
Placidia (siglo v).102 ​ También destacó la miniatura, de la que se distinguen dos
escuelas: la helenístico-alejandrina (Rollo de Josué, Biblioteca Vaticana) y la siria
(Evangeliario de Rábula, Florencia).103 ​ Del resto de artes aplicadas destacó la Cátedra de
eboraria (cátedra de Maximiano, Rávena),104 ​ el vidrio, el bronce y el tejido, Maximiano (c.
547), Museo
especialmente este último en el arte copto.105 ​
Arzobispal de
Rávena
Arte bizantino
Pese a la caída del Imperio romano de Occidente, en Oriente
perduró —conocido como Imperio bizantino— hasta la conquista
de Constantinopla en 1453 por los turcos otomanos. Heredero del
arte helenístico, el arte bizantino recogió las principales
tradiciones artísticas orientales, de las que fue puerta de entrada en
Europa, donde el arte bizantino influyó en el arte prerrománico y
románico.106 ​

El arte bizantino heredó del paleocristiano sus dos tradiciones Justiniano y su séquito, mosaico de
musivarias, la helenística y la siria: destacan los mosaicos de San San Vital de Rávena (siglo vi)
Demetrio de Salónica, los de Santa Sofía de Constantinopla y los
de San Vital de Rávena.107 ​ Del resto de artes aplicadas
sobresalieron las textiles —de inspiración sasánida— y la orfebrería, en la que destaca el empleo del oro
en abundancia y del esmalte tabicado o alveolado, con realizaciones como la Pala de oro de San Marcos
de Venecia o el tesoro del Monte Athos.108 ​ El mobiliario era más lujoso que en Occidente, con
incrustaciones de oro, plata y nácar, y revestimientos con paños y cojines.99 ​

Arte germánico
Los pueblos germánicos se asentaron en el antiguo Imperio
romano de Occidente tras su caída en el año 476, fecha en que se
crearon numerosos reinos regidos por diversas tribus, como los
ostrogodos en Italia, los visigodos en España o los francos en
Francia, cada uno con su propia cultura y diversidad de estilos
artísticos.109 ​ Las principales realizaciones de estos pueblos eran
de arte mobiliar, generalmente de carácter suntuoso (fíbulas,
armas, espuelas, broches de cinturón) y con motivos ornamentales Corona de Hierro de la reina
Teodolinda (c. 590-600, catedral de
alejados del naturalismo, por lo general formas geométricas y de
Monza), realizada según la tradición
entrelazo.110 ​ con el hierro de uno de los clavos
de la crucifixión de Cristo
En la península ibérica, el arte visigodo destacó en orfebrería,
sobre todo en fíbulas, coronas y cruces, como los hallados en los
tesoros de Guarrazar (Museo Arqueológico Nacional) y Torredonjimeno (Museos Arqueológicos de
Madrid, Barcelona y Córdoba), de influencia bizantina.111 ​
Arte prerrománico
Se denomina así a los múltiples estilos desarrollados en Europa
desde la coronación de Carlomagno (año 800) hasta alrededor del
año 1000, donde la aparición del románico supondrá la
divulgación de un mismo estilo unitario a lo largo de todo el
continente europeo. Esta acepción es simplemente una forma de
englobar una serie de estilos independientes y con pocos o ningún
Altar de San Ambrosio de Milán
factor común, con el único aglutinante de ser predecesores de la
(c. 850), de Vuolvinus
internacionalización del románico.101 ​

Arte carolingio: es el desarrollado en el Sacro Imperio Romano-Germánico desde la

coronación de Carlomagno el año 800. Se desarrolló notablemente la miniatura, en la que
se distinguen varias escuelas: la palatina, la de Tours, la de Reims y la de Saint-Denis.112 ​
También destacó la orfebrería, con cierta influencia bizantina (altar de San Ambrosio de
Milán, obra de Vuolvinus).113 ​
Arte otoniano: se denomina así al desarrollado en el Sacro Imperio Romano-Germánico
durante el reinado de la dinastía otoniana (siglos x-xi). La miniatura fue heredera de la
carolingia, especialmente de la escuela de Reims, de nuevo con influencia bizantina. En
orfebrería continuó la tradición del esmalte, con obras como el altar de Basilea (Museo de
Cluny), la cruz de la abadesa Matilde (Essen) y la corona de Conrado II (Viena).114 ​
Arte celta: desarrollado en las islas británicas, se desarrolló una escuela de miniatura de
influencia carolingia, con un principal centro de producción en Winchester (Pontifical de San
Aethelwold, British Museum). En orfebrería merecen destacarse la llamada joya del Rey
Alfredo (Ashmolean Museum, Oxford) y el estuche de la campana de san Patricio (Museo
de Dublín).115 ​
Arte vikingo: los pueblos de Escandinavia elaboraron principalmente arte mobiliar, por lo
general armas, fíbulas y cinturones, de los que destacan las fíbulas con largas agujas y las
espadas con botón terminal y anillos en la empuñadura, decorados en damasquinado,
tabicado y filigrana.116 ​
Arte asturiano: con la invasión musulmana de la península ibérica (711-726) los cristianos
se vieron reducidos a la región de Asturias. El arte asturiano se dio en el siglo ix, en tres
etapas: prerramirense, ramirense y posramirense, en función del reinado de Ramiro I (842-
850). Sobresale igualmente la orfebrería, donde se denota la influencia carolingia (cruz de
los Ángeles, cruz de la Victoria y caja de las Ágatas de la Cámara Santa de la Catedral de
San Salvador de Oviedo).117 ​
Arte mozárabe: se denomina mozárabes a los cristianos que vivían bajo la dominación
islámica y que, al pasar de nuevo a territorio reconquistado por los cristianos, practicaban
un tipo de arte de gran influencia islámica. Se desarrolló sobre todo en el siglo x,
principalmente al norte del Duero, en el alto Ebro, sur de Galicia, Cantabria y Pirineos.
Cabe destacar en miniatura los beatos, ilustraciones del Comentario al Apocalipsis del
Beato de Liébana, así como las obras de orfebrería (cruz de Santiago de Peñalba, Museo
Arqueológico de León; campana del abad Sansón, Museo de Córdoba; cáliz de Santo
Domingo de Silos).118 ​

Arte románico
El arte románico representa el primer estilo de carácter internacional de la cultura europea occidental, con
una identidad plenamente consolidada tras el paso del latín a las lenguas vernáculas. De carácter
eminentemente religioso, casi todo el arte románico estaba dirigido a la exaltación y divulgación del
cristianismo. Surgido a mediados del siglo xi, se desarrolló
fundamentalmente durante el siglo xii, a finales del cual empezó a
coexistir con el incipiente gótico.119 ​

Dentro del marco arquitectónico tuvo una gran relevancia la

escultura ornamental, especialmente la de los tímpanos de
fachadas de iglesias y la de los capiteles de columnas.120 ​ El
mosaico continuó utilizándose especialmente en pavimentos,
como el de la Ascensión de Alejandro de la catedral de Orvieto
(1163-1166) o los signos del zodíaco de la basílica de San Miniato Tapiz de la Creación (siglo xi),
al Monte (Florencia, 1207).121 ​ En la miniatura predominaron dos Museo Catedralicio de la Catedral
de Gerona
escuelas: la italiana, de influencia bizantina; y la inglesa, donde
descuella la escuela de Winchester.122 ​

En esta época sobresalió la orfebrería, con empleo abundante de oro y piedras preciosas, como en el
Relicario de los Tres Reyes Magos (catedral de Colonia), obra de Nicolás de Verdún, y el Cáliz de doña
Urraca (San Isidoro de León). También tuvieron relevancia las labores textiles, especialmente los
bordados, como el Tapiz de Bayeux (siglo xi) o el Tapiz de la Creación de la catedral de Gerona (siglo xi).
123 ​ La vidriería se desarrolló como cerramiento de vanos entre finales del e inicios del xii, cuando fue

objeto igualmente de soporte para la plasmación de programas iconográficos relacionados con el

cristianismo.124 ​ En metalistería predominó el uso del bronce, como en las puertas de la iglesia de San
Miguel de Hildesheim,125 ​o de la catedral de Verona.126 ​El hierro se dio principalmente en las rejas para
coros.127 ​ En ebanistería predominó la simplicidad y la severidad, como correspondía a la religión
preponderante, el cristianismo, que propugnaba la pobreza y la austeridad. Proliferaron los arcones, que
servían para guardar ropa y, a la vez, como asiento.128 ​

Arte gótico
El arte góticonota 1 ​se desarrolló entre los siglos xii y xvi, época de gran desarrollo económico y cultural.
El fin de la época feudal supuso el afianzamiento de los estados centralizados, con mayor predominio de
las ciudades sobre el campo, al tiempo que un sector cada vez mayor de la sociedad tenía acceso a la
cultura, que dejó de ser patrimonio exclusivo de la Iglesia. El auge de las universidades comportó un
aumento de los estudios científicos, filosóficos y literarios, y sentó las bases de la cultura moderna. Las
artes decorativas tuvieron gran relevancia durante el gótico, favorecidas por las nuevas clases urbanas de
mercaderes y artesanos.130 ​

Una de las principales especialidades del gótico fue la vidriera, que a su función iluminadora unió un
aspecto simbólico de trascendencia divina. La evolución de la arquitectura gótica permitió la apertura de
amplios ventanales que colmaron de luz el interior, que ganó en transparencia y luminosidad.131 ​Algunos
exponentes fueron los vitrales de las catedrales de Chartres, Reims, Amiens o la Sainte-Chapelle de París.
132 ​

La miniatura gótica se desarrolló especialmente en Francia, con miniaturas de rico cromatismo, empleo
abundante del oro y orlas de tipo vegetal (Salterio de la reina Blanca de Castilla, Biblioteca del Arsenal,
París).133 ​ En la orfebrería destacaron especialmente las custodias y los relicarios, donde sobresale el
nombre de Enrique de Arfe (custodia de la catedral de Córdoba, 1518; custodia procesional de la catedral
de Toledo, 1517-1524).134 ​ La cerámica destacó en Faenza y Manises, y el vidrio en Venecia y Cataluña.
134 ​ En
metalistería destacó el taller de Dinant (Bélgica). También cabe citar
como obra destacada las puertas de bronce del baptisterio de Florencia, de
Andrea Pisano.125 ​ Se desarrolló notablemente la rejería, sobre todo en
España, como en las obras del toledano Juan Francés.135

En esta época se desarrolló notablemente el tapiz, con dos principales talleres

en París y Arrás. Una de las mejores producciones es el Tapiz del Apocalipsis
(castillo de Angers, 1375-1379). Desde finales del siglo xv descollaron los
talleres flamencos.136 ​ En la ebanistería gótica se puso de moda una
decoración inspirada en la arquitectura de las catedrales, con ojivas, rosetas y
ventanillas polilobuladas.137 ​ El mueble más usado fue el arcón, que servía
tanto de armario como de banco o mesa, confeccionados generalmente en
roble y armados con herrajes.138 ​ De esta época proceden los primeros
grabados en Europa, realizados con xilografía: el primero conservado es el
San Cristóbal del Museo Germánico de Núremberg, de 1423. En la década de
1430 apareció la calcografía. El grabado contribuyó a la popularización y
abaratamiento del arte, y permitió al artista un nuevo medio de expresión.139 ​
Custodia de la catedral
de Toledo (1517-1524),
Arte de la Edad Moderna de Enrique de Arfe
El arte de la Edad Moderna —no confundir con arte moderno, que se suele
emplear como sinónimo de arte contemporáneo—nota 2 ​ se desarrolló
entre los siglos xv y xviii. La Edad Moderna supuso cambios
radicales a nivel político, económico, social y cultural: la
consolidación de los estados centralizados supuso la instauración del
absolutismo; los nuevos descubrimientos geográficos —
especialmente el continente americano— abrieron una época de
expansión territorial y comercial, y supusieron el inicio del
colonialismo; la invención de la imprenta conllevó una mayor
difusión de la cultura, que se abrió a todo tipo de público; la religión
Salero de Francisco I de Francia
perdió la preponderancia que tenía en la época medieval, a lo que
(1539-1543), de Benvenuto
coadyuvó el surgimiento del protestantismo; a la vez, el humanismo
Cellini, Kunsthistorisches
surgió como nueva tendencia cultural, dando paso a una concepción Museum, Viena
más científica del hombre y del universo.141 ​

Renacimiento
El Renacimiento fue un estilo surgido en Italia en el siglo xv (Quattrocento), que se expandió por el resto
de Europa desde finales de ese siglo e inicios del siglo xvi (Cinquecento). Los artistas se inspiraron en el
arte clásico grecorromano, por lo que se habló de «renacimiento» artístico tras el oscurantismo medieval.
Estilo inspirado en la naturaleza, surgieron nuevos modelos de representación, como el uso de la
perspectiva. Sin renunciar a la temática religiosa, cobró mayor relevancia la representación del ser
humano y su entorno.141 ​

Las artes decorativas tuvieron un gran auge debido al gusto por el lujo de las nuevas clases adineradas.
Muchos artífices de «artes mayores» realizaron obras de las consideradas decorativas: diversos pintores
hacen dibujos para grabados, como Durero, Tiziano o Gentile Bellini; Benvenuto Cellini o Hans Holbein
 hacen diseños de orfebrería; Rafael confecciona cartones para tapices.142 ​ La
tapicería destacó en Flandes, con obras basadas en bocetos desarrollados por
pintores como Quentin Metsys o Bernard van Orley.143 ​ El vidrio continuó
con cotas de gran calidad en Venecia (Murano). La cerámica destacó en Italia
(Gubbio, Faenza, Urbino), Francia (Bernard Palissy) y España (Talavera de la
Reina, Manises,144 ​Cataluña).145 ​

La orfebrería fue cultivada por escultores como Lorenzo Ghiberti, Andrea del
Verrocchio o Benvenuto Cellini (salero de Francisco I de Francia).146 ​ En
España, la familia Arfe (Antonio, hijo de Enrique, y su hijo Juan) continuaron
La nef Burghley (1527- la confección de custodias, ahora en estilo plateresco.147 ​ En metalistería
1528), de Pierre Le continuó el trabajo en bronce especialmente en puertas decoradas con
Flamand, nautilus con relieves escultóricos, como las segundas y terceras puertas del baptisterio de
montura de plata Florencia, obra de Lorenzo Ghiberti, o las puertas de los pies de la catedral de
semidorada, Victoria &
Pisa, de Giambologna.125 ​ La rejería continuó en España con motivos
Albert Museum, Londres
platerescos, como en la obra de fray Francisco de Salamanca y Cristóbal de
Andino, o puristas, como la obra de Francisco de Villalpando.148 ​ La
ebanistería incorporó materiales preciosos como el marfil y la madreperla, apliques en hueso, pinturas al
temple con motivos heráldicos o alegóricos, o relieves con panes dorados y plateados. En esta época se
introdujo el uso de bocetos para el diseño del mueble (Francesco Salviati). En esta época continuaron las
mismas tipologías que en el periodo medieval, pero con una decoración de estilo clásico.149 ​

En esta época se desarrollaron notablemente las artes gráficas, especialmente gracias a la invención de la
imprenta. Aparecieron o se perfeccionaron la mayoría de las técnicas de grabado: calcografía (aguafuerte,
aguatinta, grabado al buril, grabado a media tinta o grabado a punta seca), linograbado, xilografía, etc. En
Alemania destacó la obra de Durero, especialista en la técnica del buril, aunque también realizó
xilografías. En Francia, el grabado fue practicado por la escuela de Fontainebleau. En Flandes surgieron
notables grabadores en la ciudad de Amberes, como los hermanos Wierix o Hieronymus Cock.150 ​

Barroco
El Barroconota 3 ​ se desarrolló entre el siglo xvii y principios
del xviii. Fue una época de grandes disputas en el terreno
político y religioso, en la que surgió una división entre los
países católicos contrarreformistas, donde se afianzó el estado
absolutista, y los países protestantes, de signo más
parlamentario. El arte se volvió más refinado y ornamentado,
con pervivencia de un cierto racionalismo clasicista pero con
formas más dinámicas y efectistas, con gusto por lo
sorprendente y anecdótico, por las ilusiones ópticas y los
golpes de efecto.152 ​
Victoria de la Eucaristía sobre el
En general, las artes decorativas barrocas destacan por su Paganismo, tapiz sobre un cartón de
recargamiento, suntuosidad y carácter pomposo, con Peter Paul Rubens, monasterio de las
Descalzas Reales (Madrid)
predominio de la línea curva frente a la recta, gusto por los
contrastes lumínicos y los efectos ilusionistas, un cierto
carácter escenográfico y de apariencia, minuciosidad del detalle, uso de materiales diversos y
mixtificación de técnicas, y un gusto por lo exótico que se pone de manifiesto en la importación de
productos del Lejano Oriente y, posteriormente, en su imitación (chinoiseries y japonesairies).153 ​ En
algunos países surgieron variedades estilísticas concretas, como los estilos Luis XIV y Regencia en
Francia o los estilos jacobino, Restauración, Guillermo y María y Reina Ana en Inglaterra.

Las artes decorativas tuvieron una gran expansión en el

siglo xvii, debido principalmente al carácter decorativo y
ornamental del arte barroco. En Francia, el lujoso proyecto
del palacio de Versalles conllevó la creación de la
Manufacture Royale des Gobelins —dirigida por el pintor del
rey, Charles Le Brun—, donde se manufacturaban todo tipo
de objetos de decoración, principalmente mobiliario, tapicería
y orfebrería. La confección de tapices tuvo un significativo
incremento en su producción y se encaminó a la imitación de
la pintura, con la colaboración en numerosos casos de
Diseños de mobiliario de André-Charles
pintores de renombre que elaboraban cartones para tapices,
Boulle
como Simon Vouet, el propio Le Brun o Rubens en Flandes.
154 ​ La orfebrería también alcanzó niveles de elevada

producción, especialmente en plata y piedras preciosas. La cerámica y el vidrio continuaron generalmente

con las mismas técnicas de elaboración que en el período renacentista: destacaron la cerámica blanca y
azul de Delft (Holanda) y el vidrio pulido y tallado de Bohemia.155 ​ En metalistería destacaron los
trabajos de forja franceses, especialmente rejas y barandillas, como en los palacios de Versalles, Saint-
Cloud y Chantilly. En bronce destacan el baldaquino de San Pedro y la cátedra de San Pedro, ambos de
Gian Lorenzo Bernini.156 ​

En esta época destacó especialmente la ebanistería, que se caracterizó por las superficies onduladas
(cóncavas y convexas), con volutas y diversos motivos como cartelas y conchas. En España surgió el
bargueño, cofre rectangular con asas, con numerosos cajones y compartimentos, así como el sillón
llamado frailero (o misional en Hispanoamérica). A finales del siglo xvii se desarrolló en los Países Bajos
la técnica de la marquetería. La edad de oro de la ebanistería se produjo en la Francia de los Luises,
donde se alcanzaron altos niveles de calidad y refinamiento, sobre todo gracias a la obra de André-
Charles Boulle.157 ​Las artes gráficas tuvieron una gran difusión durante el Barroco, continuando el auge
que este sector tuvo durante el Renacimiento. Las técnicas más empleadas fueron el aguafuerte y el
grabado a punta seca,158 ​ En el siglo xvii en las que destacaron Guido Reni, Claude Lorrain, Abraham
Bosse, Jacques Bellange, Jacques Callot, Peter Paul Rubens, Lucas Vorsterman I, Anton van Dyck, José
de Ribera, Francisco Ribalta, Francisco Herrera el Viejo y, especialmente, Rembrandt.158 ​

Rococó
El rococónota 4 ​ se desarrolló en el siglo xviii —en convivencia a principios de siglo con el Barroco y, a
finales, con el neoclasicismo—, y supuso la pervivencia de las principales manifestaciones artísticas del
Barroco, con un sentido más enfatizado de la decoración y el gusto ornamental, que son llevados a un
paroxismo de riqueza, sofisticación y elegancia.160 ​Estilísticamente, en Francia se dieron los estilos Luis
XV y Luis XVI. En 1766 se fundó en Francia la École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs, el
primer centro de formación en artes decorativas de renombre.
Las artes decorativas tuvieron especial relevancia, ya que el
rococó fue un arte de aire burgués dedicado a la ostentación y
el lujo.161 ​ Se desarrolló notablemente el interiorismo, con
especial énfasis en el mobiliario, los espejos, las sedas, los
tapices y los objetos de porcelana. Esta última tuvo una gran
difusión, sobre todo la de Meissen y la de Sèvres, con
delicados motivos ornamentales, preferentemente de estilo
oriental.162 ​ En España continuó la producción de cerámica
en Talavera, Alcora y Manises, donde se puso de moda un
tipo de zócalo de azulejos con escenas de caza o paisajes.163 ​ Gabinete de Porcelana del Palacio Real
de Aranjuez, de Giuseppe Gricci (1765)

El vidrio tuvo igualmente un gran auge, con Venecia todavía al

frente de la producción, así como Bohemia, donde se consiguió un
vidrio transparente e incoloro que sustituyó al cristal de roca usado
desde el Renacimiento. El tapiz tuvo un gran centro de producción
en Lyon, donde se pusieron de moda los motivos orientales y
exóticos (chinescos, indianos, turquescos).164 ​ En España
adquirieron notoriedad los tapices de la Real Fábrica de Tapices de
Pareja de bustos de porcelana de
Santa Bárbara (creada en 1720), algunos de ellos diseñados por
Alcora (c. 1750), de Julián López,
Museo del Diseño de Barcelona
Goya.165 ​ La orfebrería tuvo igualmente un centro difusor en
Francia, donde destaca la obra de Juste-Aurèle Meissonnier.166 ​
En metalistería destacan las rejas de hierro para la plaza Stanislas
de Nancy, obra de Jean Lamour (1750-1758).167 ​

En ebanistería, el estilo Luis XV francés fue una etapa de transición entre Barroco y rococó, de carácter
más íntimo y reservado, con proliferación de saloncitos y tocadores con mobiliario de líneas suaves y
tamaño más reducido, decorados con bronce y palisandro y marqueterías de formas geométricas de color
claro sobre fondo oscuro; uno de sus mejores exponentes fue Jean-Henri Riesener.168 ​En el Reino Unido
destacó la obra de Thomas Chippendale, quien dio origen al llamado «estilo Chippendale» (segunda
mitad del siglo xviii), caracterizado por el eclecticismo, con mezcla de elementos góticos, rococó,
palladianos y chinescos.169 ​ En esta época apareció la litografía, nueva modalidad de grabado sobre
piedra caliza, inventada por Aloys Senefelder en 1796. Fue usada por pintores como Goya, Gainsborough
o Géricault.170 ​

Neoclasicismo
El auge de la burguesía tras la Revolución francesa favoreció el resurgimiento de las formas clásicas, más
puras y austeras, en contraposición a los excesos ornamentales del Barroco y rococó, identificados con la
aristocracia. A este ambiente de valoración del legado clásico grecorromano influyó el hallazgo
arqueológico de Pompeya y Herculano, junto a la difusión de un ideario de perfección de las formas
clásicas efectuado por Johann Joachim Winckelmann, quien postuló que en la antigua Grecia se dio la
belleza perfecta, lo que generó un mito sobre la perfección de la belleza clásica que aún condiciona la
percepción del arte hoy día.171 ​ En Francia se dieron los estilos Directorio e Imperio, mientras que en el
Reino Unido se desarrolló el estilo georgiano —llamado así por los reinados de Jorge I, Jorge II y Jorge
III—, seguido por el estilo Regencia. Su equivalente en Estados Unidos fue el
estilo federal. Las artes decorativas vuelven a los temas clásicos (laurel,
guirnaldas, esfinges) y al colorido austero, muchas veces monocromo, con
volúmenes compactos y formas sencillas.172 ​

En cerámica destaca la obra de Josiah Wedgwood, que creó un tipo de loza de

color crema que tuvo gran éxito internacional. Continuó también la porcelana
de Sèvres, esta vez imitando temas antiguos.173 ​ En vidrio, la francesa
Vidriería Real de San Luis elaboró piezas de cristal potasa a imitación de la
cristalería bohemia (façon de Bohême), mientras que en la propia Bohemia
continuó con éxito su producción de cristalería de gran calidad, con un estilo Trono de Napoleón en
más sobrio que en la época rococó. También prosperó el vidrio veneciano, el Senado francés
(1804, François-Honoré-
especialmente con unas opalinas blancas que imitaban la porcelana.174 ​ La
Georges Jacob-
orfebrería evolucionó como el resto de las artes a formas más austeras y
Desmalter), exponente
temáticas de inspiración clásica.175 ​ En las artes del metal cabe destacar la del estilo Imperio
reja del Palacio de Justicia de París (1783-1785) y la reja del coro de Notre-
Dame de París (1809).176 ​

La ebanistería retornó a formas más clásicas, representada principalmente en el Reino Unido por Robert
Adam, George Hepplewhite y Thomas Sheraton.177 ​ En Francia, con el llamado estilo Directorio (1795-
1805) se volvió a un tipo de mueble más sobrio, con preponderancia de lo constructivo sobre lo
decorativo y el uso de los colores puros de la madera frente a los tonos pastel del rococó. El estilo
Imperio se desarrolló en la Francia napoleónica, de donde pasó al resto de Europa, sustituyendo la
sobriedad por la ostentación y el lujo, con un estilo suntuoso, con preferencia por temas exóticos y
orientales, preferentemente egipcios (égyptiennerie), debido a la campaña napoleónica en Egipto (1798-
1801).178 ​

Arte contemporáneo
Entre finales del siglo xviii y principios del xix se sentaron las
bases de la sociedad contemporánea, marcada en el terreno
político por el fin del absolutismo y la instauración de gobiernos
democráticos —impulso iniciado con la Revolución francesa— y,
en lo económico, por la Revolución Industrial y el afianzamiento
del capitalismo, que tendría respuesta en el marxismo y la lucha de
clases. En el terreno del arte, comienza una dinámica evolutiva de
estilos que se suceden cronológicamente cada vez con mayor
celeridad, que culminará en el siglo xx con una atomización de
Habitación egipcia, del libro
estilos y corrientes que conviven y se contraponen, se influyen y Household Furniture & Interior
se enfrentan. Decoration, de Thomas Hope,
Londres (1807). En esta obra Hope
En esta época se inicia en el terreno de las artes decorativas el acuñó el término «decoración de
diseño moderno. La nueva era industrial había puesto al alcance interiores», dando inicio al
de la población multitud de objetos que antes eran interiorismo179 ​
manufacturados, construidos en serie sin un especial interés en su
ornamentación. En reacción a ello, movimientos como el Arts &
Crafts y el modernismo revalorizaron de nuevo el objeto como obra singular e iniciaron una nueva forma
de elaboración de los mismos basada en un diseño previo, lo que les confería, pese a su posterior
fabricación industrial en muchos casos, un nuevo valor de origen intelectual. Uno de los factores que
propiciaron la rápida difusión del diseño fue el gran aumento de los medios de comunicación de masas,
junto a la celebración de eventos especiales como las exposiciones universales. Estos factores, unidos al
incremento de un número cada vez mayor de público capaz de adquirir obras de arte y artesanía, propició
un ambiente cada vez más dinámico e interrelacionado que comportó un aspecto de popularización del
gusto, propiciando las corrientes de moda que tanta importancia tendrían en el siglo xx.180 ​

Siglo xix

Romanticismo
El romanticismo fue un movimiento de profunda renovación
en todos los campos artísticos, con una especial valoración de
la cultura popular, lo exótico y el retorno a formas artísticas
menospreciadas del pasado, especialmente las medievales. En
Francia coincidió con el estilo Restauración y el Luis Felipe,
en el Reino Unido con el primer victoriano, en Alemania el
Biedermeier y en España con el fernandino y primer
isabelino.

El estilo Restauración (1815-1830) sucedió al estilo Imperio,

con el que mantuvo una cierta línea de continuidad. Su Salón estilo Biedermeier (c. 1825), de
Leopold Zielcke, Berlín
principal rasgo estilístico continuó siendo el clasicismo,
aunque de líneas más pesadas y toscas.181 ​ Le sucedió el
estilo Luis Felipe (1830-1848), que heredó sus premisas pero con un aire más pesado y ostentoso, más
declaradamente burgués, con un mobiliario de inspiración gótica y renacentista.182 ​ El estilo victoriano
evolucionó estilísticamente del romanticismo al neogótico y Arts & Crafts, con tendencia a una
ornamentación compleja y recargada y, en mobiliario, predilección por la curva y las superficies mullidas.
183 ​En Alemania y Austria surgió el estilo Biedermeier (1820-1840),nota 5 ​inspirado en estilos anteriores

como el gótico, el Renacimiento, el rococó, el pompeyano y el Luis XVI.185 ​ En España, los estilos
fernandino e isabelino se dieron sobre todo en mobiliario: el primero recibió la influencia del
Restauración francés y el Regencia inglés, aunque más pesado y con mayor énfasis por la practicidad, y
gusto por las formas rectangulares;186 ​el segundo se inspiró en el Biedermeier, con gusto por el lujo y la
ostentación, aunque sin renunciar al confort y la funcionalidad.187 ​

Historicismo
La arquitectura historicista se basó en el eclecticismo y en el revival de estilos anteriores reinterpretados
según conceptos modernos, lo que produjo movimientos como el neorrománico, el neogótico, el
neobarroco, etc. La inspiración en estos estilos del pasado llevó a una mayor preocupación por la
exactitud histórica, por imitar a la máxima perfección todos los detalles del estilo replicado. Para ello se
acudió con asiduidad tanto a referencias bibliográficas como a exponentes museísticos de esos estilos. En
1857 se fundó el Victoria & Albert Museum de Londres con el objetivo de establecer los parámetros
fundamentales para definir las premisas fundamentales del diseño contemporáneo.188 ​
 Una de las mayores fuentes de inspiración fue el pasado medieval,
como se denota en la decoración del castillo de Neuschwanstein,
promovido por el rey Luis II de Baviera.188 ​ El neogótico surgió
en Reino Unido ya a mediados del siglo xviii, pero se desarrolló
especialmente en el xix, con variedades locales como el estilo
Troubadour y Segundo Imperio en Francia y el isabelino en
España. Se dio especialmente en el mobiliario, pero también en
otros detalles ornamentales aplicados a la arquitectura. El
Indiscret estilo Segundo Imperio, neogótico influyó en el modernismo de finales de siglo,
Museo del Louvre, París especialmente en Cataluña.189 ​ Uno de los mayores teóricos de
este movimiento fue Eugène Emmanuel Viollet-le-Duc, mientras
que como diseñador destacó el arquitecto Augustus Welby
Northmore Pugin, quien diseñó muebles, joyas y platería basados estrictamente en precedentes
medievales.189 ​ En Reino Unido hubo a mediados de siglo un revival del estilo Reina Ana, que consistió
en la elaboración de reproducciones —especialmente mobiliario y platería— de aquel período, como se
denota en las sillas y mesas de patas cabriolé.190 ​ Uno de sus máximos exponentes fue Edward William
Godwin, arquitecto y diseñador vinculado al movimiento esteticista, muy influido por el arte japonés,
hasta el punto que diseñó un tipo de mobiliario llamado «anglo-japonés».191 ​

Arts & Crafts

En el último tercio del siglo xix tuvo especial relevancia el movimiento británico Arts
& Crafts (Artes y Oficios), promovido por John Ruskin y William Morris. Esta
corriente defendía una revalorización del trabajo artesanal y propugnaba el retorno a
las formas tradicionales de fabricación, estipulando que el arte debe ser tan útil como
bello.192 ​ Tras los planteamientos de Ruskin y Morris, Charles Robert Ashbee fue el
principal organizador del movimiento. En 1888 fundó la Guild and School of
Handicraft en Toynbee Hall (Londres), donde diseñó mobiliario, platería y
metalistería en un estilo cercano al modernismo.193 ​

En la órbita de Morris trabajó Arthur Heygate Mackmurdo, fundador del taller Silla de Arthur
Century Guild de decoración de interiores, donde elaboró muebles que destacaron Heygate
por las líneas y ángulos rectos, como su famosa silla de 1881.194 ​En Estados Unidos, Mackmurdo
este movimiento —llamado allí American Craftsman— estuvo representado por (1883), Museo
Gustav Stickley, diseñador de un tipo de mobiliario sencillo y funcional, sin adornos, de Arte del
Condado de
que empezó a construir en serie, con vistas a una mayor comercialización de sus
Los Ángeles
productos.195 ​ En general, estos artistas abandonaron el neogótico por un estilo más
sencillo, ligero y elegante, inspirado en parte en el estilo Reina Ana. En la década de
1890 se recibió la influencia modernista, pero poco después Philip Webb retornó a un estilo más rústico y
austero. Hacia 1900 el movimiento se fue diluyendo, principalmente por la contradicción generada por el
hecho de que su producción artesanal encarecía el producto y solo podían vender a clientela selecta, lo
que chocaba con su ideario cercano al socialismo utópico, mientras que para llegar a las masas habrían
tenido que recurrir a la fabricación seriada, lo que contravenía su defensa de la artesanía manual.196 ​
Modernismo
El modernismo fue un movimiento arquitectónico que surgió hacia 1880 en
varios países, en función del cual recibió distintos nombres: Art Nouveau en
Francia, Modern Style en Reino Unido, Jugendstil en Alemania, Sezession en
Austria, Liberty en Italia y modernismo en España, país en el que destacó el
modernismo catalán. Perduró hasta el inicio de la Primera Guerra Mundial.9 ​
Este estilo, por su carácter ornamental, supuso una gran revitalización de las
artes decorativas, con una nueva concepción más enfocada en el acto creador
y en la equiparación con el resto de artes plásticas, hasta el punto de que sus
artífices plantearon por primera vez la «unidad de las artes». El diseño
modernista planteaba en general la revalorización de las propiedades
intrínsecas de cada material, con unas formas de tipo organicista inspiradas Alegoría de la III
en la naturaleza.197 ​ Aunque teóricamente se oponía al historicismo, se Exposición de Bellas
Artes e Industrias
inspiraron en numerosos estilos del pasado, especialmente el arte medieval, el
Artísticas de Barcelona
celta, el oriental y el rococó. Por otro lado, algunos diseños de Hector (1890-1903), de Antoni
Guimard apuntaban al arte abstracto, mientras que Henry Van de Velde, Rigalt, vidrio
iniciado en el modernismo, supone la transición entre el modernismo y el emplomado con pintura
diseño industrial.198 ​ de grisalla y esmalte,
Museo del Diseño de
Un claro exponente de arquitecto Barcelona
preocupado por el interiorismo fue
Antoni Gaudí, que diseñó muchos de
los muebles para sus obras, tanto civiles como religiosas, realizó
diseños de forja (como su famoso dragón de los pabellones Güell),
e innovó en el terreno del mosaico con su técnica del trencadís, un
tipo de aplacados de cerámica hecha con piezas de desecho que
disponía en combinaciones originales y fantasiosas, como su
Dragón de trencadís del parque banco ondulante del parque Güell.199 ​ Otros arquitectos que
Güell (1900-1903), de Antoni Gaudí realizaron diseños ornamentales fueron Victor Horta, Hector
Guimard (creador de la reja para las estaciones de metro de París,
que se convirtió en uno de los iconos visuales del Art Nouveau),
200 ​ Charles Rennie Mackintosh, Josef Hoffmann y Joseph Maria Olbrich. También hubo referentes en la

pintura y la ilustración, como Alfons Mucha, Koloman Moser y Émile-Victor Prouvé.

En vidrio, Émile Gallé realizó piezas con incrustaciones de hojas de oro o plata, placas de mica y fibras
de asbesto, inspiradas en la naturaleza.201 ​ Louis Comfort Tiffany recibió la influencia de Gallé, desde la
que innovó técnica y estilísticamente, como en su Favrile Glass, una técnica de vidrio soplado y
posteriormente irisado por exposición a humos de metal fundido.202 ​ René Lalique, orfebre y vidriero,
elaboró obras más sencillas, lejos de las formas sinuosas de moda hasta entonces, generalmente con una
producción seriada.202 ​ En orfebrería destacó también Peter Carl Fabergé, creador de piezas de gran
fantasía entre las cuales destacan sus «huevos de Pascua», que confeccionaba para la familia real rusa.203 ​
El mobiliario destacó por su diseño armonioso y proporcionado, con predominio de las formas
ondulantes. Algunos de sus mejores exponentes fueron: Arthur Liberty, Henry Van de Velde, Émile Gallé,
Louis Majorelle, Carlo Bugatti y Gaspar Homar.204 ​ En cerámica destacó Auguste Delaherche, autor de
porcelana y jarrones de gres decorados con barnices.205 ​ En tapicería, Hermann Obrist diseñó bordados
de formas vegetales que tuvieron gran éxito, especialmente el conocido como El látigo.206 ​
Siglo xx
En el siglo xx las artes decorativas tuvieron una rápida
evolución, marcada por el uso de nuevos materiales y
tecnologías más avanzadas. Con una clara apuesta por el
diseño como base creadora, en esta centuria se remarcó el
aspecto intelectual de estas creaciones frente a la mera
realización material otorgada tradicionalmente a la artesanía.
Sin embargo, la producción en serie de los objetos
ornamentales llevó a afirmar a expertos como Gérald Gassiot-
Talabot que «las artes decorativas han muerto», circunstancia
que sitúa en los años 1930, con movimientos como la Póster de la Prima Esposizione
Bauhaus y los primeros diseños industriales.207 ​ Un elemento Internazionale d'Arte Decorativa Moderna
(Turín, 1902)
coadyuvante sería el factor moda resultante del consumismo
como motor de cambio y evolución del nuevo diseño
industrial, que resultaría en el nuevo concepto del styling —representado fundamentalmente por
Raymond Loewy—, que incide en el aspecto comercial del producto.208 ​

Técnicas tradicionales
Las artes decorativas tradicionales continuaron en más o menos medida,
aunque a menudo relegadas al concepto de artesanía frente al nuevo diseño
industrial. El mosaico tuvo un nuevo renacer en Italia gracias a la obra del
escultor Gino Severini, quien fundó un taller en París en 1951 que
posteriormente se convertiría en la Escuela de Bellas Artes Gino Severini.209
En cerámica también se exploraron nuevas técnicas y materiales. Como en
otros campos, se vinculó con artistas de reconocido prestigio, como Georges
Rouault, Raoul Dufy, Pablo Picasso y Joan Miró. Este último, en
colaboración con el ceramista Josep Llorens i Artigas, realizó grandes
murales cerámicos como los de la sede de la Unesco en París, la Universidad
de Harvard, la Fundación Maeght y el aeropuerto de Barcelona.210 ​
Silla roja y azul, de
Gerrit Thomas Rietveld La vidriera siguió dos vías: la tradicional y la que utiliza nuevas técnicas y
(1923) materiales, como el cemento armado en vez del emplomado y el plástico o el
poliéster en vez del vidrio.211 ​ En cuanto a cristalería, perduró el vidrio de
Murano (Venecia), así como el de Bohemia, que hizo un esfuerzo de
renovación a través del vidrio tallado. En Finlandia, Tapio Wirkkala fabricó vidrios con burbujas y, en
Suecia, se elaboró vidrio con decoración grabada figurativa o abstracta.212 ​ En la orfebrería el material
más utilizado fue el diamante, así como las piedras preciosas.213 ​

El mobiliario siguió un diseño más funcional, con utilización de nuevos materiales como el acero, el
aluminio y el plástico. Algunos exponentes, como la silla cantilever de Mart Stam, el sillón de acero
tubular de Marcel Breuer o la silla-corola de plástico diseñada por Eero Saarinen, iniciaron el diseño
industrial en mobiliario. Un claro exponente del nuevo mobiliario de diseño innovador fue la famosa silla
roja y azul de Gerrit Thomas Rietveld (1923), de formas geométricas y colores primarios. La madera fue
nuevamente revalorizada en los países nórdicos, con artífices como Alvar Aalto, Kaare Klint y Børge
Mogensen, así como en Estados Unidos con Charles Eames.214 ​ La tapicería se acercó notablemente a la
pintura, ya que muchas obras de pintores como Georges Rouault, Pablo Picasso, Georges Braque, Raoul
Dufy, Henri Matisse, Fernand Léger o Joan Miró fueron llevadas al telar. En cambio, Jean Lurçat renovó
el tapiz y lo devolvió a su concepto inicial, ligado a la arquitectura —que es su marco original— y
alejado de la pintura.215 ​

El grabado fue practicado por numerosos pintores, como Pierre Bonnard, Maurice Denis, André Derain,
Max Slevogt, Henri Matisse, Marc Chagall, Vasili Kandinski, Paul Klee, Pablo Picasso, Joan Miró,
Salvador Dalí, Willem de Kooning, Jackson Pollock, Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Eduardo Chillida y
Antoni Tàpies. Los métodos más empleados fueron la xilografía, la litografía y el aguafuerte, y se
desarrollaron nuevas técnicas como el aguatinta al color y la serigrafía, así como la impresión offset.216 ​

Art déco
En 1925 se celebró en París la Exposition Internationale des Arts Décoratifs
et Industriels Modernes, que supuso el punto de arranque del art dé[Link] 6 ​
En realidad, la exposición de 1925 fue la oficialización de un movimiento
que se llevaba gestando hacía unos años —desde el fin de la Primera Guerra
Mundial— como estilo sucesor del modernismo: en 1919 Louis Süe y André
Mare crearon la Compagnie des Arts Français, caracterizada por un
mobiliario de inspiración tradicional pero exuberante decoración. Este estilo,
que perduró hasta el inicio de la Segunda Guerra Mundial, supuso una
revolución para el interiorismo y las artes gráficas e industriales. Se
caracterizó por la predilección por la línea curva y el floreado simétrico en
artes gráficas, y las formas cuadradas y geométricas en mobiliario y
decoración interior. Dirigido principalmente a un público burgués, destacó Diseño de objetos de
por la ostentación y el lujo, y se desarrolló notablemente en ilustración uso art déco Pal-Bell, de
218
publicitaria (Erté) y cartelismo (Cassandre). ​ Sin embargo, el aspecto Maurice Ascalon
kitsch de muchas de sus producciones provocó que fuese denostado por las
corrientes de vanguardia y no fue hasta los años 1960 cuando fue
revalorizado por movimientos como el pop art, que buscó inspiración en algunas de sus obras.219 ​

Uno de los terrenos donde más floreció este estilo fue el mobiliario, donde destacó Jacques Émile
Ruhlmann, decorador y diseñador de muebles de gran sentido comercial, siempre atento en captar lo
último en tendencias de moda.220 ​ En orfebrería destacan algunas producciones del modernista René
Lalique realizadas en esta época, mientras que otro nombre destacable fue Jean Puiforcat, que realizó
piezas de platería de gran calidad, de aspecto austero pero lujoso.221 ​ En metalistería cabe citar a Jean
Dunand, autor de piezas de metal y laca, con un diseño geométrico, generalmente jarrones incrustados de
oro, plata, esmalte u otros materiales.222 ​ En vidrio, Maurice Marinot realizó preferentemente cuencos y
frascos de concepción más ornamental que práctica, con formas escultóricas de aspecto macizo, con o sin
color, a veces esmaltados y, en ocasiones, con dibujos realizados al aguafuerte.223 ​

Bauhaus
Uno de los movimientos más innovadores en el terreno del diseño fue la Escuela de la Bauhausnota 7 ​que,
frente a la excesiva ornamentación del art déco, introdujo un concepto de diseño más racional y
funcional, más adaptado a las necesidades reales de la gente. Esta escuela pretendía romper las barreras
entre arte y artesanía, con una clara apuesta por la producción industrial. Nació en 1919, cuando el
arquitecto Walter Gropius asumió la dirección de la Escuela de Artes y Oficios de Weimar, que rebautizó
como Das Staatliche Bauhaus Weimar. Su objetivo era «la obra de
arte colectiva, el Edificio, dentro de la cual no haya barreras que
separen las artes estructurales de las artes decorativas».225 ​ Los
estudiantes de la escuela aprendían teorías de la forma y del
diseño, así como talleres de piedra, madera, metal, barro, vidrio,
tejido y pintura. Gropius rechazaba la producción industrial, con
una postura cercana al movimiento Arts & Crafts, y defendía el
trabajo cooperativo, así como la responsabilidad social del
diseñador. La Bauhaus se trasladó a Dessau en 1925 y a Berlín en
1932. A Gropius sucedió en la dirección Hannes Meyer en 1928 y,
a este, Ludwig Mies van der Rohe en 1930. La escuela fue cerrada La silla Wassily, de acero cromado,
por los nazis en 1933.225 ​ diseñada por Marcel Breuer en
1925
Su diseño se basaba en la simplicidad, la abstracción geométrica y
el uso de colores primarios y de nuevas tecnologías, como se hizo
patente en el mobiliario de acero tubular creado por Marcel Breuer, la silla Barcelona de Ludwig Mies
van der Rohe, los muebles de conglomerado de Alvar Aalto, o las lámparas diseñadas por Marianne
Brandt. En esta escuela destacaron creadores como László Moholy-Nagy, Oskar Schlemmer, Johannes
Itten, Paul Klee, Josef Albers, Vasili Kandinski, Lilly Reich, Gerhard Marcks o Wilhelm Wagenfeld.226 ​

Diseño industrial
En el siglo xx el diseño industrial llevó al interiorismo a la vía de
la creación intelectual y el diseño funcional, con un progresivo
aumento de la experimentación con nuevos materiales (plástico,
fibra de vidrio) y una mayor atención a las necesidades de
mercado.227 ​ Aunque no hay una definición unánimemente
aceptada, por lo general se considera el diseño industrial como el
diseño de productos concebidos para ser fabricados en serie
mediante procesos mecánicos (cadenas de montaje). De forma
intrínseca, un diseño industrial debe ser planificado en su totalidad Sillón Eames Lounge, de Charles y
antes de entrar en el proceso de fabricación, sin posteriores Ray Eames (1955)

manipulaciones.228 ​

En Alemania, arquitectos y diseñadores como Peter Behrens, Richard Riemerschmid y Bruno Paul, y
talleres y asociaciones como Deutsche Werkstätten y Deutsche Werkbund, sentaron las bases del diseño
industrial en una primera fase. Tomó el relevo la Bauhaus, donde el diseño industrial pasó al ámbito
académico, y sus postulados fueron igualmente adoptados por la arquitectura racionalista (o Estilo
Internacional). Tras la clausura de la Bauhaus por los nazis en 1933 la mayoría de sus componentes se
trasladó a Reino Unido o Estados Unidos, países que recogieron el testigo del diseño industrial. Tras la
Segunda Guerra Mundial, los ideales de la Bauhaus fueron retomados en Alemania por Max Bill,
fundador de la Hochschule für Gestaltung en Ulm (1951).229 ​ En Francia el pionero fue el arquitecto Le
Corbusier, quien proclamó la «absoluta autonomía expresiva de los objetos producidos industrialmente» y
señaló como aspectos básicos del nuevo diseño la pureza de líneas, la funcionalidad de los materiales y la
luminosidad de las superficies.230 ​ En Estados Unidos fue pionero Frank Lloyd Wright, hasta la eclosión
del diseño en los años 1930 con figuras como Henry Dreyfuss, Raymond Loewy y Walter Dorwin
Teague. En esa década se establecieron también algunos maestros de la Bauhaus como Ludwig Mies van
der Rohe, Walter Gropius y László Moholy-Nagy, quienes enseñaron a una nueva generación de
diseñadores. Posteriormente destacaron Charles Eames, George Nelson y Harry Bertoia.231 ​

Posteriormente, en Europa el diseño industrial tuvo dos corrientes principales: la escandinava y la

italiana. La primera, representada por Arne Jacobsen, Alvar Aalto, Eero Saarinen y Poul Kjærholm, tenía
sus raíces en el arte popular y se basaba en la naturalidad y sencillez de las formas como premisa
fundamental del diseño. Por su parte, el diseño italiano era más audaz y extravagante, con predilección
por el colorido vivo, uso de materiales artificiales como la resina, el plástico y el conglomerado, así como
el acero y materiales más «nobles» como el mármol. Fue representado principalmente por Ettore Sottsass,
Joe Colombo y Gae Aulenti.232 ​

Nuevas tendencias
Desde la Segunda Guerra Mundial las artes decorativas
tradicionales y el diseño industrial han convivido con nuevas
corrientes de la vanguardia artística que, ocasionalmente, han
hecho incursiones en el campo del diseño. Uno de los estilos
artísticos que se internaron en este terreno fue el pop art, surgido
en Reino Unido y Estados Unidos en torno a 1955 como
movimiento de rechazo al expresionismo abstracto, con un
marcado componente de inspiración popular. Destaca el mobiliario
diseñado por Verner Panton o el del equipo italiano formado por
Jonathan de Pas, Donato d'Urbino y Paolo Lomazzi, creadores de
la silla inflable Blow (1967) y el Sofá de Joe (1971).233 ​ Otro
movimiento interesado por el diseño fue el arte abstracto orgánico,
que se caracteriza por la utilización de formas redondeadas
Silla diseñada por Verner Panton
inspiradas en la naturaleza. Uno de sus principales representantes
(1960)
fue Isamu Noguchi, autor de muebles, lámparas y otros objetos
elaborados con una concepción escultórica, como su famosa mesa
de café con base madera y tablero de cristal (1947).234 ​

Entre las décadas de 1950 y 1960 se dio el Italia el estilo llamado Neoliberty, con predominio de las
líneas curvas, representado por Gae Aulenti, Franco Albini, Vittorio Gregotti y Carlo Mollino.235 ​
También en esas fechas se dio en Italia el llamado techno-chic, un estilo lujoso y brillante aplicado sobre
todo al mobiliario y la iluminación, con empleo de materiales como el cuero, el cromo y el plástico.236
Entre los años 1960 y 1970 hubo una tendencia en la arquitectura y el diseño conocida como «antidiseño»
(también «contradiseño» o «diseño radical»), representada por el estudio británico Archigram y los
italianos Archizoom y Superstudio. Una de sus mejores realizaciones fue la silla Mies de Archizoom
(1969).237 ​

Desde 1975 predominó el arte posmoderno, llamado así por oposición al arte moderno, ya que se asume
el fracaso de los movimientos de vanguardia como el fracaso del proyecto moderno. Este movimiento
supone el retorno a las formas y estilos tradicionales del arte que, sin embargo, son reinterpretados y
mezclados de forma libre y arbitraria. Destacaron diseñadores como Ettore Sottsass, Alessandro Mendini,
Michele de Lucchi y Philippe Starck, así como en las artes gráficas Wolfgang Weingart, Neville Brody y
Javier Mariscal.238 ​
Siglo xxi
El nuevo milenio se inició con un hilo de continuidad con la centuria anterior,
tanto en la pervivencia de las técnicas tradicionales, cada vez más relegadas a
la consideración de artesanía, como en la evolución del diseño industrial.
Estilísticamente, al inicio del siglo continuó predominando el arte
posmoderno, aunque también se notó la influencia de movimientos
arquitectónicos como el high-tech y el deconstructivismo. Un fenómeno
social de la transición de siglo fue el nuevo concepto de mobiliario
automontable y venta de productos de diseño por catálogo o en grandes
almacenes, que tuvo su paradigma en la empresa sueca Ikea, fundada en 1943
Silla Clover (2006), de
por Ingvar Kamprad. En general, la tendencia del nuevo milenio ha sido la Ron Arad, Indianapolis
del eclecticismo, la mezcla de estilos, así como la búsqueda de la sencillez y Museum of Art
el confort. En el interiorismo se denotó asimismo una mayor preocupación
por la sostenibilidad medioambiental y un gran auge del uso de nuevas
tecnologías. Entre los diseñadores más destacados de la transición de siglo cabe citar a Ron Arad, cercano
al deconstructivismo, quien elabora obras de materiales reciclados con una apariencia escultórica; y
Andrée Putman, diseñadora de estilo ecléctico que mezcla elementos rococó, high-tech y posmodernos.
239 ​

Arte no occidental

África
El arte africano ha tenido siempre un marcado carácter mágico-religioso,
destinado más a ritos y ceremonias de las diversas creencias animistas y
politeístas africanas que no a fines estéticos, aunque también hay producciones
de signo ornamental. La mayoría de producciones en el terreno de las artes
decorativas se han dado en cerámica, joyería y tejidos, así como objetos de
metalurgia.240 ​

En la región sudanesa (desde la sabana de la costa hasta el Chad) destacan las

urnas funerarias, vasos de terracota y joyas de bronce (pendientes, pectorales,
Cabeza moldeada
brazaletes y anillos). El arte de la madera fue practicado por los dogon de Malí,
en bronce (siglo xii),
obra del pueblo
los bobo de Burkina Faso y los senufo, especialmente unos taburetes con patas
yoruba, Ife, Nigeria con forma de figuras humanas.241 ​ En la región guineana (Costa de Marfil,
Ghana, Benín, Nigeria y Camerún) se han producido interesantes obras de
cerámica, especialmente en Benín, con vasijas modeladas a mano y cocidas de
forma precaria, de color rojo o blanqueadas con cal y decoración lineal. También destaca en esta región la
orfebrería, especialmente en las tribus ashanti. También elaboraban objetos de hierro, cobre, bronce y
latón. En cuanto a la madera, fue practicada en todo tipo de objetos y mobiliario, especialmente los tronos
y asientos rituales de Camerún y Benín. Otros artes practicados en la región fueron la eboraria, el tejido y
la cestería.242 ​ En el área congoleña (República Centroafricana, Congo, República Democrática del
Congo y Angola) se practicó la metalistería, en la que destacan los jarros mangbetu (Congo central) de
forma globular y cuello en forma de cabeza humana femenina. Destacó también el trabajo de la madera,
presente en máscaras, tambores, cabeceras, asientos, copas, peines, cofres, cubiletes y otros objetos. En el
tejido Kuba destaca el llamado «terciopelo de Kasai» practicado por los bakuba, elaborado con palma y
decorado con cuadrados, rombos y triángulos. En cestería son remarcables las canastillas para plátanos de
los bakwele del Congo.243 ​

Oceanía
El arte oceánico está marcado por la multiplicidad de territorios insulares que jalonan
el océano Pacífico, donde destacan las islas de Australia y Nueva Zelanda, así como
tres principales áreas de islas y archipiélagos: Polinesia, Melanesia y Micronesia. La
primera cultura desarrollada en la zona fue la lapita (1500-500 a. C.), originada en
Nueva Caledonia y extendida por Nueva Guinea y Polinesia occidental (islas
Salomón, Vanuatu, Fiyi, Tonga y Samoa, principalmente). Se caracteriza por su
cerámica decorada con motivos dentados hechos con peines o púas, así como objetos
de obsidiana y conchas. Entre el 500 a. C. y el 500 d. C. continuó la colonización
hacia Micronesia, Melanesia y Polinesia oriental (islas Sociedad, Marquesas, isla de
Pascua, Hawái), aunque en estas primeras fases no se han hallado numerosos
vestigios, excepto algunos utensilios y abalorios, principalmente de conchas.244 ​
Hei tiki de
Nueva Zelanda
Con posterioridad, cada área regional desarrolló distintas formas de arte: en Nueva
Guinea se producía un tipo de cerámica decorada con espirales incisas, así como
muebles de madera, mosaicos de plumas de ave, cajas de bambú y calabazas pirograbadas; en las islas
Salomón se han encontrado pendientes de concha con incrustaciones de nácar, maderas talladas usadas
como adorno en piraguas y vasos de madera con dibujos grabados; en Nueva Zelanda era característico
en los objetos ornamentales el uso de espirales y el horror vacui, encontrados en maderas talladas usadas
en piraguas, cajas y bajorrelieves de las casas, así como los pendientes de jade llamados hei tiki; en las
islas Samoa destaca la producción de tejidos de corteza vegetal (tapa) decorados con dibujos,
generalmente losanges o ajedrezados; en las islas Hawái se confeccionaban cuencos y platos de madera
sostenidos por cariátides, así como vestidos y cascos adornados con plumas, como el manto del rey
Kamehameha, de 3,50 m de largo por 2,50 m de ancho.245 ​

Arte precolombino
Se denomina arte precolombino al producido en el continente americano
antes del descubrimiento de América por Cristóbal Colón en 1492. Aquí
florecieron a lo largo del tiempo diversas culturas, entre las que destacan los
mayas y aztecas en México y los incas en Perú.246 ​

Una de sus principales manifestaciones fue la cerámica, realizada sin torno,

en modelado o vaciado. En México se han hallado urnas funerarias y vasos
con cabeza de forma caricaturizada entre los toltecas, vasos mixtecas, vasos y
Cerámica escultórica
trípodes mayas o las máscaras de terracota totonacas. Pero las mejores
con motivos eróticos de
realizaciones son del Perú, con unos primeros exponentes en la cultura de la cultura moche, Museo
Chavín, en la de los mochicas, los chimús y en Nazca, hasta desembocar en Larco Herrera, Lima,
los mayas, entre los que destacan las ánforas puntiagudas con dos asas, con Perú
decoración pintada de tipo geométrico.247 ​La orfebrería tuvo gran relevancia
en las culturas precolombinas, especialmente en Perú, donde está constatado
el trabajo del oro desde el siglo ix a. C. y la plata desde el siglo v a. C.248 ​ En México destaca el tesoro
 hallado en la tumba 7 de Monte Albán, donde se halló un pectoral de oro que
representa al dios de los muertos Mictlantecuhtli. En Colombia, donde se
halla una buena muestra en el Museo del Oro de Bogotá, destacan los
pectorales antropomorfos de la cultura quimbaya, así como las piezas de
tumbaga, una aleación de oro y cobre. En Ecuador se trabajó por primera vez
el platino.249 ​En Perú surgió una notable industria textil, quizá la primera del
mundo —hay vestigios del siglo vii a. C.—, hilada con telar con hilos de casi
Colgante tairona de doscientos colores distintos.250 ​ Se elaboraban tapices, gasas y brocados, con
tumbaga (aleación de
motivos ornamentales tanto figurativos como abstractos y geométricos.251 ​
oro y cobre), Museo del
Oro, Bogotá
En América del Norte vivieron diversas tribus adaptadas a los múltiples
hábitats de este continente, tales como regiones árticas, selvas, desiertos,
bosques y praderas. Aunque cada una de ellas tenía su propia idiosincrasia artística, en general
practicaban un arte mobiliar confeccionado con materiales como pieles, fibras vegetales, plumas, piedra,
madera, cobre, mica, conchas, púas de puerco espín, etc. Las principales técnicas practicadas eran la
cerámica, el textil y la cestería. Uno de los elementos típicos de las tribus nómadas eran los tipis, unas
tiendas realizadas generalmente de piel de búfalo y dibujadas con emblemas tribales y familiares. La
cerámica se desarrolló especialmente en el suroeste americano, con piezas notables entre la tribu de los
mimbres, autores de unos cuencos decorados con pinturas de pájaros, animales y seres humanos.252 ​

Asia

China
El arte chino ha tenido una evolución más uniforme que el
occidental, con un trasfondo cultural y estético común a las
sucesivas etapas artísticas, marcadas por sus dinastías reinantes.
Como la mayoría del arte oriental tiene una importante carga
religiosa (principalmente taoísmo, confucianismo y budismo) y de
comunión con la naturaleza. Al contrario que en Occidente, los
chinos valoraban por igual la caligrafía, la cerámica, la seda o la
porcelana, que la arquitectura, la pintura o la escultura, a la vez Vasija china de porcelana de la
dinastía Qing (1723-1735), British
que el arte está plenamente integrado en su filosofía y cultura.253 ​
Museum, Londres
El arte en China se suele periodificar según sus dinastías
gobernantes: Shang (1600-1046 a. C.), Zhou (1045-256 a. C.), Qin
(221-206 a. C.), Han (206 a. C.-220 d. C.), período de las Seis dinastías (220-618), Tang (618-907), Song
(960-1279), Yuan (1280-1368), Ming (1368-1644) y Qing (1644-1911).

Una de las principales expresiones de las artes decortivas chinas es la cerámica: los primeros vestigios
son de época neolítica, alrededor del 2500 a. C. En época Shang se hacían vasijas de arcilla fina decorada
por incisión, y durante la dinastía Zhou apareció una protoporcelana de gres vidriado con feldespato y un
caolín impuro. En época Han se dio un tipo de cerámica esmaltada con un barniz plomífero. Durante la
dinastía Ming se dio un tipo de porcelana blanca translúcida de gran perfeccionamiento técnico. Por
último, en época Qing se elaboraron piezas tanto monocromas como policromas, con una predilección
temática por las escenas pintorescas.254 ​ También destacó el jade, que se trabaja en China desde el
milenio III a. C., usado como objeto ritual, ornamento, joya, amuleto, adorno de espadas o hebilla de
cinturones.255 ​
 La orfebrería es escasa, debido a la pobreza del
territorio chino en oro y plata. La mayor
producción fue durante la dinastía Tang, sobre
todo collares, pendientes y brazaletes con
abundancia de perlas. De época Song destacó el
uso de la filigrana, y los Yuan destacaron en
Placa de cinturón de platería. La dinastía Qing mantuvo los estilos
jade con dragón, anteriores, en piezas de gran suntuosidad con
dinastía Yuan (siglo xiv)
abundancia de perlas, jade, coral y otros Incensario de cloisonné
materiales preciosos.256 ​ En el trabajo del metal con forma de qilin,
sobresalen las obras en bronce, del que se crearon notables realizaciones ya dinastía Qing
desde el 1700 a. C. Además de vasos, se elaboraban cascos y armas,
campanas, calderos-trípode (jue), espejos, cuchillos y cubiertos. En época
Zhou proliferó el vaso hu, de grandes dimensiones. En época Han el bronce se volvió más suntuoso, con
incrustaciones de materiales preciosos. Durante la dinastía Ming comenzó la decoración de vasijas de
bronce en esmalte cloisonné.257 ​

El mobiliario presenta dos tipologías principales: el cofre o caja y el bastidor, generalmente con un diseño
de corte arquitectónico y estructura rectangular, de formas simples y austeras. Los Tang tenían un
mobiliario más lujoso, con incrustaciones de oro, plata, nácar o marfil, en ocasiones lacados.258 ​ Otro
gran exponente de las artes decorativas chinas es la laca, que se elabora desde el siglo xxix a. C. El
apogeo de la laca fue durante la dinastía Han, período en el que se perfeccionó la técnica, a veces con oro,
plata o incrustaciones de nácar.259 ​ En cuanto al arte textil destaca la seda, descubierta en China en el
milenio III a. C. Floreció especialmente desde la dinastía Han, período en el que comenzó a exportarse a
través de la ruta de la seda.260 ​

Japón
El arte japonés ha estado marcado por su insularidad, aunque a
intervalos ha ido recibiendo la influencia de las civilizaciones
continentales, sobre todo de China y Corea. Gran parte del arte
producido en Japón ha sido de tipo religioso: a la religión sintoísta, la
más típicamente japonesa, formada alrededor del siglo i, se añadió el
budismo en torno al siglo v, forjando un sincretismo religioso que
aún hoy perdura. Como el arte chino, el japonés está imbuido de un
profundo amor a la naturaleza, lo que se ha traducido en ocasiones en
algunos objetos artísticos en una austeridad decorativa motivada por
su imitación de los objetos naturales.261 ​ El arte japonés se divide en
períodos históricos: Jōmon (5000-200 a. C.), Yayoi Porcelana de Imari (siglo xviii)
(200 a. C.-200 d. C.), Kofun (200-600), Asuka (552-646), Nara (646-
794), Heian (794-1185), Kamakura (1185-1392), Muromachi (1333-
1573), Momoyama (1573-1615), Edo (1615-1868) y Meiji (1865-1911).

En Japón, durante el período Jōmon, se produjo la cerámica más antigua producida por el ser humano
(7000 a. C.), hecha a mano y decorada con incisiones o impresiones de cuerda.262 ​ En época Kofun
(hacia el siglo v) aparece el trabajo en torno, probablemente por influencia coreana. Durante el período
Kamakura se inició la producción de la que sería la cerámica más típicamente japonesa, con un centro
 productor de gran relevancia, el taller Seto en Owari. En época
Muromachi la influencia del budismo zen comportó la creación de
la ceremonia del té, que motivó un gran auge de la cerámica. En el
período Momoyama la cerámica alcanzó un momento de gran
apogeo, con Seto como uno de los primeros centros de
producción. En el período Edo la cerámica tuvo uno de sus
mayores centros de producción en Kioto, con influencia del arte
Biombo de seis paneles del siglo xvii
chino y coreano, y se produjeron las primeras porcelanas, con un
primer centro productor en Arita.263 ​

En metalistería destacaron notablemente en el trabajo del bronce, empleado desde la época Yayoi en la
elaboración de campanas, armas, espejos y otros objetos litúrgicos y utilitarios,264 ​mientras que el hierro
se dio principalmente en armaduras y espadas (katana).265 ​ La madera se usó escasamente para muebles,
ya que la tradición japonesa es sentarse o estirarse en esteras de paja de arroz, aunque se dan mesas de
escasa altura, cofres, estanterías, escritorios y otras modalidades menores.266 ​Un elemento relevante es el
biombo, una mampara movible de armazón de madera y paneles de tapicería, papel, cuero, laca u otros
materiales.267 ​ Como en China, el arte japonés destacó en la laca, en la que se solían elaborar armarios,
relicarios, biombos, cajas y cofres, máscaras, instrumentos musicales, etc. Como autores, en época
Momoyama destaca el nombre de Honami Kōetsu y, en el período Edo, Ōgata Kōrin.268 ​ En arte textil
destaca el trabajo de la seda, cuya principal tipología es el kimono.269 ​

India
El arte indio tiene un carácter principalmente religioso, que sirve
como vehículo de transmisión de las distintas religiones que han
jalonado la India: hinduismo, budismo, islamismo y cristianismo,
principalmente. El subcontinente indio no ha dado una producción
tan copiosa en artes decorativas como las vecinas China o Japón,
por un lado por su historia de división en pequeños reinos, a
menudo con ocupaciones extranjeras, así como el hecho de que la
mayoría de la población no podía permitirse la posesión de
productos suntuosos, reservados a una élite aristocrática; y, por Olla y bandeja con estampado de
otro lado, por el carácter perecedero de muchas de sus flores, cristal de roca, oro y gemas
producciones, especialmente madera y tejido, en unas condiciones (c. 1800), Museo Walters, Baltimore
climatológicas no muy favorables, debido a los monzones.270 ​

La cerámica es de escasa relevancia, principalmente utensilios de barro de carácter utilitario. Lo más

renombrable son los vasos pintados de la cultura del Indo (Harappa, Mohenjo-Daro). En época Gupta se
dieron relieves y baldosas de terracota para decorar templos. Ya en época mogol se introdujo la porcelana
de tipo islámico.271 ​ Destacó más la orfebrería: en la cultura del Indo se hallan collares y brazaletes de
oro y perlas. En Gandhāra se han encontrado joyas de influencia helenística, realizadas por incisión,
repujado, alveolado, incrustación o filigrana. En la India también hubo una gran producción de jade que,
a diferencia del chino, suele llevar incrustaciones de esmalte o piedras preciosas con una montura de oro.
272 ​ El bronce fue trabajado desde la época de la cultura del Indo: en Mohenjo-Daro se halló una

estatuilla de bailarina de bronce vestida de joyas. Desde el siglo ii a. C. se trabajó también el acero,
principalmente en armas, a veces damasquinadas de oro y plata.273 ​
La madera se empleó poco en mobiliario, ya que eran más habituales las esteras o los asientos de caña o
bambú. La presencia del mueble se dio más en el ámbito religioso, especialmente mesas y cofres, donde
se denota una cierta influencia del Oriente Próximo. En época colonial se dio un tipo de mobiliario de
estilo indoportugués, caracterizado por el empleo de maderas oscuras con incrustaciones de oro o marfil,
así como el indoholandés, de ébano y maderas claras lacadas.274 ​ En cuanto al tejido, se trabajó la lana y
el algodón para vestidos y tapices, mientras que la seda se importaba de China.275 ​Cabe destacar también
de época mogol la miniatura, que se desarrolló en libros lujosamente decorados, que eran considerados
objetos de gran valor. Uno de los mejores miniaturistas fue Basawan, creador del estilo clásico de la
miniatura mogol, de corte narrativo.276 ​

Arte islámico
Con la Hégira de Mahoma en el año 622 surgió una nueva religión, el
islamismo, que tuvo una rápida difusión desde el Próximo Oriente por el
norte de África hasta la península ibérica, así como por la zona de los
Balcanes tras la caída del Imperio bizantino en 1453. Con el tiempo, la nueva
religión aglutinó a una gran diversidad de pueblos y culturas, por lo que su
arte fue el reflejo de esta disparidad, lo que produjo numerosas
manifestaciones y variantes estilísticas según la región donde se produjese.
277 ​ En el arte islámico tuvieron un gran desarrollo las artes decorativas,

debido principalmente a la prohibición de la representación de seres vivos,

que restó uno de los motivos principales de la pintura y la escultura. A ello se
añade la consideración de la arquitectura como un mero oficio, no como un
arte, por lo que las artes decorativas se convirtieron en la principal
Bote de Zamora (964),
manifestación artística islámica.278 ​ Los principales períodos históricos y píxide de marfil omeya,
artísticos dentro del Islam fueron el omeya, abásida, selyúcida, timúrida, Museo Arqueológico
safávida y otomano en Próximo Oriente; tuluní, fatimí, ayubí y mameluco en Nacional, Madrid
Egipto; y omeya, almorávide, almohade y nazarí en al-Ándalus.279 ​

En arquitectura se empleó mucho el estuco, que llegó a cotas de

gran perfección técnica, especialmente en la época abásida y en el
norte de África, así como en la España musulmana, donde se
encuentra en la Aljafería de Zaragoza y en la Alhambra de
Granada, y donde influyó en el arte mudéjar.280 ​ La cerámica fue
heredera del ladrillo esmaltado del Próximo Oriente, al tiempo que
también denota la influencia china. Destaca también la azulejería,
empleada profusamente en las mezquitas de Estambul. En
Arqueta de Hišām II (976), de
al-Ándalus se dio una cerámica de reflejo metálico, con una
madera recubierta de plata especial calidad en los talleres de Málaga, Paterna y Manises.281 ​
repujada, nielada y dorada, catedral
de Gerona El vidrio islámico fue de mucha mayor calidad que el elaborado
coetáneamente en la Europa medieval, al ser heredero de los
talleres de soplado de Egipto y Siria, de tradición helenística.282 ​
La orfebrería fue escasa, principalmente sortijas y pendientes, de influencia irania.283 ​ La metalistería se
dio principalmente en cobre y bronce, en menor medida en hierro.284 ​ El mobiliario ha sido escaso en el
ámbito musulmán, debido a su predilección por la alfombra. La mayoría de muebles eran para el ámbito
religioso, como mesas, pupitres para la lectura del Corán y púlpitos (almimbares). También se practicó la
eboraria, especialmente en cofres y urnas, como el llamado bote de Zamora (964, Museo Arqueológico
Nacional, Madrid).285 ​

Otra de las artes de relevancia en el mundo islámico fue la textil, heredera del arte bizantino y sasánida.
Desarrollaron y perfeccionaron numerosas técnicas, como el damasco, el tiraz, el terciopelo y la
muselina, en vestidos, alfombras, tapices, telas estampadas y otros tejidos.286 ​ Otro terreno de relevancia
fue la corioplastia, especialmente en Córdoba, donde se creó la técnica del cordobán, que junto al
guadamecí fueron las principales modalidades producidas en la España musulmana y exportadas a toda
Europa.287 ​

Véase también
Portal:Arte. Contenido relacionado con Arte.
Arte
Historia del arte
Teoría del arte
Artesanía
Museos de Artes Decorativas
Artes decorativas del Museo del Prado
Artes aplicadas

Notas
1. La denominación «gótico» fue introducida por los artistas italianos del Renacimiento, en
sentido despectivo, pues lo veían como algo bárbaro y atrasado, como las realizaciones de
los «godos» que acabaron con el Imperio romano.129 ​
2. El término arte moderno proviene del concepto de modernidad, una teoría filosófico-cultural
que postula la actual vigencia de un período histórico marcado en lo cultural por la
Ilustración, en lo político por la Revolución Francesa y en lo económico por la Revolución
Industrial, y que supondría la raíz social propia de la Edad Contemporánea. El proyecto
moderno se caracteriza por el fin del determinismo y de la supremacía de la religión,
sustituidos por la razón y la ciencia, el objetivismo y el individualismo, la confianza en la
tecnología y el progreso, en las propias capacidades del ser humano. Esta «era moderna»
habría llegado hasta la actualidad y estaría plenamente vigente según unos expertos,
mientras que otros defienden que es actualmente una fase superada en la evolución de la
humanidad y postulan una posmodernidad como período sucesor de este proyecto
moderno.140 ​
3. El término «barroco» proviene de un vocablo de origen portugués, donde a las perlas que
tenían alguna deformidad se las denominaba perlas barruecas, siendo en origen una
palabra despectiva que designaba un tipo de arte caprichoso, grandilocuente,
excesivamente recargado.151 ​
4. El término rococó se formó con la conjunción del italiano barocco y rocaille, elemento
decorativo parecido a una concha, muy usado en la ornamentación durante este período.
159 ​

5. El nombre proviene de un personaje de ficción llamado Gottlob Biedermeier, inventado por

los escritores Ludwig Eichrodt y Adolf Kussmaul en algunas poesías satíricas publicadas por
 un diario de Múnich en 1855.184 ​
6. Diminutivo de arts décoratifs, «artes decorativas» en francés. De hecho, el término art déco
no empezó a usarse hasta los años 1960, cuando fue revalorizado por el pop art;
contemporáneamente era conocido como style moderne o estilo París 1925.217 ​
7. Literalmente, «casa de construcción», aunque en alemán bau puede querer decir también
crecimiento o educación.224 ​

Referencias
16. Borrás Gualis, Álvaro Zamora, Álvaro Zamora,
1. Fatás y Borrás, Esteban Lorente y 2010, pp. 294-295. 2010, pp. 306-308.
1990, pp. 30-31. Álvaro Zamora, 26. Borrás Gualis, 38. Borrás Gualis,
2. Diccionario de Arte 2010, p. 289. Esteban Lorente y Esteban Lorente y
I, p. 159. 17. Borrás Gualis, Álvaro Zamora, Álvaro Zamora,
3. Borrás Gualis, Esteban Lorente y 2010, p. 295. 2010, pp. 308-309.
Esteban Lorente y Álvaro Zamora, 27. Borrás Gualis, 39. Borrás Gualis,
Álvaro Zamora, 2010, pp. 289-290. Esteban Lorente y Esteban Lorente y
2010, pp. 439-440. Álvaro Zamora, Álvaro Zamora,
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4. Real Academia Esteban Lorente y 2010, p. 296. 2010, pp. 309-311.
Española. «arte» Álvaro Zamora, 28. Borrás Gualis, 40. Borrás Gualis,
([Link] 2010, pp. 287-288. Esteban Lorente y Esteban Lorente y
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de la lengua Esteban Lorente y 2010, pp. 297-298. 2010, p. 311.
española (23.ª Álvaro Zamora, 29. Borrás Gualis, 41. Borrás Gualis,
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5. Tatarkiewicz, 2002, Álvaro Zamora, Álvaro Zamora,
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