EL REPERTORIO
ORQUESTAL DEL
CLARINETE.
CLÁSICO Y
ROMÁNTICO
Mª CARMEN GARCIA
GALLARDO
5ºEEPP
ÍNDICE
1. El repertorio orquestal clásico
* Orquestación clásica
- Evolución
- los instrumentos y la orquesta en el clasicismo
*¿Cómo utilizaban los compositores clásicos al clarinete?
* Repertorio orquestal del clarinete clásico
2. El repertorio orquestal romántico
* La orquesta en el Romanticismo
* ¿Cómo utilizaban los compositores románticos al clarinete?
* Repertorio orquestal del clarinete romántico
3. Bibliografía
1. EL REPERTORIO ORQUESTAL CLÁSICO
ORQUESTACIÓN CLÁSICA
El clasicismo (1750-1800), que, en la Historia de la música y la musicología, es a veces
llamado "música clásica". Clasicismo es el estilo de la música culta europea desarrollado
aproximadamente entre 1750 y 1820 por compositores como Wolfgang Amadeus Mozart
y Joseph Haydn. Coincide con la época cultural y artística hoy denominada, en la
arquitectura, la literatura y las demás artes, Neoclasicismo. Tuvo sus grandes centros de
difusión en Berlín, París, Mannheim y, sobre todo, Viena. Se caracteriza por la claridad
de las texturas, la simetría de las frases, la consolidación de la tonalidad plena y el
establecimiento de las formas musicales clásicas (sinfonía, sonata, cuarteto…).
Evolución histórica
A mediados del siglo XVIII se inicia lo que podríamos llamar proceso
de «estandarización» de la orquesta. De manera paulatina,
los instrumentos van siendo anotados explícitamente en la partitura,
con lo que se deja de lado, cada vez en mayor medida, la tendencia a la accidentalidad
de las épocas anteriores. Aproximadamente entre 1750 y 1800 se asiste
a la consolidación de la orquesta sinfónica; a partir de entonces
este conjunto, con bases específicas en cuanto a su constitución,
se desarrollará tanto cuantitativa como cualitativamente (mejoras técnicas
y, por lo tanto, cambios relevantes en el sonido de los instrumentos), proporcionando
la total variedad de giros orquestales conocidos en el siglo XIX y en el XX.
Dos fueron los centros de producción musical más importantes de aquella época,
catalizadores del «nuevo estilo» y forjadores de la sonoridad del nuevo concepto
sinfónico de la orquesta: Mannheim y Viena. En estas ciudades, más que en cualquier
otro sitio, se fraguó la realidad de la forma sinfonía. Mannheim disponía de unos
excelentes medios materiales para experimentar en este campo: una orquesta disciplinada
y estable cuya calidad pudo apreciar Mozart. La orquesta fue conocida por la utilización
de unos recursos, como el llamado crescendo Mannheim, que en realidad no fue invención
de los miembros de este grupo. Uno de sus principales directores fue Johann Stamitz
(1717-57), también fructífero compositor que introdujo notables cambios tanto en el arte
de la instrumentación como en los motivos musicales básicos del material sinfónico. En
Viena destacaron una serie de compositores a los que, por lo general, no se ha tenido
demasiado en cuenta, como Matthias Georg Monn (1717-50), considerado el más
importante por sus aportaciones al concepto estructural de la sinfonía. Pero fue con Haydn
y Mozart con quienes esta forma alcanzó el desarrollo que llevó directamente a las
realizaciones beethovenianas.
A principios del período clásico, la orquesta estaba compuesta por dos oboes, dos trompas
y el grupo de cuerdas. Poco a poco se fueron incorporando otros instrumentos de viento,
como las flautas traveseras -por estas fechas la flauta y el oboe eran tocados por un mismo
instrumentista- y las trompetas. Como elemento de precisión rítmica se hizo uso de los
timbales. Los trombones, en cambio, no tuvieron lugar en la orquesta sinfónica; su
utilización quedó relegada a la música sacra -en la que doblaban las partes de contralto,
tenor y bajo- y a la ópera. El fagot, que no siempre estaba escrito en la partitura fue
utilizado regularmente y adquirió a finales del clasicismo, cierta autonomía, alejándose
así de la simple función de duplicar la línea del bajo que se le había encomendado en un
principio.
Las trompas y las trompetas pasaron a ocupar el papel de «pedales de la orquesta», con
lo que el bajo continuo vio disminuido su papel. De hecho, la desaparición del continuo
comenzó hacia 1760, aunque no fue totalmente abolido en la práctica musical hasta
finales del siglo XVIII. El órgano y el clave, como sustentadores del desarrollo armónico,
cumplieron, aún durante algún tiempo, un significativo papel en la música sacra y en la
realización del recitativo seco. El clave se sobreentendía en la ejecución de la música
sinfónica, sobre todo en la fase temprana del clasicismo, cuando los instrumentos de la
orquesta no asumían la totalidad de las relaciones armónicas. El compositor actuaba como
director desde el clave, concertando a los distintos grupos instrumentales. No era otra
cosa lo que Haydn hacía cuando dirigía a la orquesta de los Esterházy. Y desde el clave
dirigió sus últimas obras cuando, en 1791, se presentó en Londres. Sólo la participación
activa de los instrumentos de la orquesta hará comprensible el discurso armónico, lo cual,
unido a la nueva concepción del lenguaje musical, acabará desterrando definitivamente
el uso del bajo continuo.
Uno de los instrumentos que tendrán una prodigiosa evolución a través de los diferentes
usos que de él se han hecho a lo largo de su historia, va a hacer su aparición gradual a
partir de 1750. Este instrumento fue el clarinete. Al parecer, la ascendencia del clarinete
se encuentra en la familia del chalumeau, grupo que cuenta con varios instrumentos de
diversos tipos y tamaños. El clarinete fue empleado de manera intermitente en la primera
mitad del siglo XVIll se dice que la primera mención de este instrumento en una partitura,
concretamente en una misa de Faber, data de 1720-. Sin embargo, compositores como
Haendel y Rameau lo incluyeron en muy pocas obras. En cambio, la renombrada Orquesta
de Mannheim lo convirtió en instrumento fijo, incorporando dos al conjunto hacia 1758.
Pero fue Mozart quien, a finales de siglo, abrió el camino a este instrumento.
LOS INSTRUMENTOS Y LA ORQUESTA EN EL CLASICISMO
Si bien la mayoría de los instrumentos sinfónicos ya existían desde el Barroco, muchos
de ellos cambian y se adaptan a los nuevos requerimientos estilísticos y de composición
de la época: así, los de viento aumentan el número de agujeros y llaves para adaptarse a
las tonalidades con muchas alteraciones. Algunos instrumentos que surgen en este
periodo son el pianoforte, el arpeggione y el clarinete, mientras pierden vigencia casi
hasta su extinción la viola da gamba, el clavicordio, la flauta dulce (que volverá a renacer
en el siglo XX), el bajón y el laúd, entre otros. El fortepiano se impuso sobre el clave de
tal forma que pasó a ocupar un lugar central en la música de cámara e incluso en los
conciertos solistas.
Este es un periodo clave también para la orquesta porque se configura la orquesta
sinfónica como tal, por influencia de Mozart, Haydn y la escuela de Mannheim. De la
orquesta de cámara heredada del Barroco se mantiene la sección de cuerdas como base,
aunque esta es ampliada en número y suele complementarse con al menos un par de oboes
y de trompas. Al avanzar el siglo queda fijada la sección de instrumentos de madera a
dos: dos flautas traveseras, dos oboes, dos clarinetes y dos fagotes. La sección de metal
solía incluir entre dos y cuatro trompas, dos trompetas (con timbales) y, ocasionalmente,
uno o varios trombones.
Formas instrumentales
• Sonata
Las formas instrumentales del Clasicismo reciben su nombre según el conjunto al que
están destinadas:
-La sonata está escrita para un instrumento solista (generalmente el piano), o bien para
piano y un segundo instrumento (violín, flauta, etc.).
-El trío, el cuarteto, el quinteto… denominan a obras escritas respectivamente para tres,
cuatro, cinco… instrumentos. Entre estas combinaciones quedan fijadas algunas
plantillas fijas, como la del cuarteto de cuerda o el quinteto de viento.
-La serenata, el divertimento y la casación suelen estar escritas para un conjunto de
tamaño medio (pequeña orquesta de cuerdas, banda de viento), para ser interpretados al
aire libre.
-El concierto está escrito para un instrumento solista y orquesta.
-La sinfonía es una obra escrita para orquesta sinfónica.
Todas estas obras son estructuradas de modo similar, tomando como modelo la sonata.
Tiene esta tres o cuatro movimientos:
En el primero se sigue un esquema con tres partes: primero una exposición en la que el
compositor nos presenta dos temas, uno enérgico, en la tonalidad principal, y otro más
melódico, en la dominante o el relativo mayor. En segundo lugar, el desarrollo, en el
que se establece un conflicto entre los dos temas, que son fragmentados, transportados,
variados… Finalmente la re exposición, en la que la tensión armónica se resuelve al
volver a escucharse los temas iniciales en la misma tonalidad.
El segundo movimiento, lento, suele ser más melodioso, utilizándose la forma lied, de
estructura ternaria y carácter lírico.
El tercer movimiento tiene un carácter más desenfadado, generalmente en forma de
minueto, danza de origen francés, o de scherzo (en el caso de Beethoven).
¿Cómo utilizaban los compositores clásicos al clarinete?
La primera orquesta clásica, la Orquesta de Mannheim de Stamtiz, utilizaba los por aquel
entonces inexpertos clarinetes como sustitutos o para reforzar voces.
Más tarde, fue Mozart en su flechazo con el clarinete quien lo elevó en el plano orquestal,
dándole al clarinete momentos solistas en sus óperas, abriendo así el camino para el resto
de compositores para atreverse a darle protagonismo al instrumento, como podemos
apreciar en los numerosos solos de clarinete repartidos por las obras de Beethoven.
Repertorio orquestal del clarinete clásico
• Sinfonía nº6 en Fa Mayor mov. II (“Pastoral), Ludwig van Beethoven
Beethoven. Symphony No.6 Clarinet solos.
• Ttitus primer acto aria 9, W.A. Mozart
Mozart: La clemenza di Tito: Aria Sesto "Parto, parto" - Olga Syniakova
2 EL REPERTORIO ORQUESTAL ROMANTICO
La orquesta en el Romanticismo
La orquesta sinfónica sigue creciendo hasta el siglo XX, gracias a compositores como
Richard Wagner y Héctor Berlioz, quienes llegaron a componer obras para varios
centenares de músicos.
Estas inmensas orquestas añadieron a sus filas instrumentos como el flautín o piccolo, el
arpa, el clarinete bajo, corno inglés, contrafagot, celesta, etc. El trombón por fin entra en
la plantilla de la orquesta y los instrumentos de metal sufren un gran desarrollo debido al
perfeccionamiento técnica de sus válvulas y mecanismos. La sección de la percusión aún
no está bien definida, ahora se utilizan también castañuelas y platos. El piano, además de
como solista, también aparece como un miembro más de la orquesta.
El director se independiza completamente de la figura del primer violín, siendo ahora un
músico de pleno derecho más, cuyo instrumento es la misma orquesta.
¿Cómo utilizaban los compositores al clarinete?
El clarinete en el siglo XIX logra su total independencia, ahora forma una cuerda propia
con el clarinete, clarinete bajo y requinto. Los compositores explotan al máximo su
capacidad tímbrica, notable en la cantidad de solos que se escriben para el instrumento en
este período.
Repertorio orquestal del clarinete romántico
• Sinfonía nº4 en Mib Mayor mov. II Op.98, Johannes Brahms
Brahms Symphony No. 4 Andante moderato (2th Movement)
• El sueño de una noche de verano Op.61, Félix Mendelssohn
• Tosca, tercer acto, Giacomo Puccini
Tosca clarinet solo
• El barbero de Sevilla, obertura, cavatina, Gioacchino Rossini
• La forza del destino, tercer acto, Giuseppe Verdi
Verdi La Forza del Destino Act III clarinet solo | Nicolas Baldeyrou
BIBLIOGRAFIA
CLÁSICO
https://www.monografias.com/docs110/orquestacion-barroca-y-
clasica/orquestacion-barroca-y-
clasica#:~:text=A%20principios%20del%20per%C3%ADodo%20cl%C3%
A1sico,mismo%20instrumentista%2D%20y%20las%20trompetas.
ROMÁNTICO
https://www2.march.es/musica/jovenes/todos-tocan-juntos/romantica.asp
