BLOQUE 6.

LOS FELICES AÑOS VEINTE.

EL ART DECÓ
La denominación felices años veinte o años locos corresponde al periodo de prosperidad económica que
tuvo Estados Unidos desde 1920 hasta 1929, como parte del periodo expansivo de un ciclo económico. Esta
prosperidad benefició a toda la sociedad e hizo que la economía siguiera creciendo a un ritmo que no se había
registrado antes, generando una burbuja especulativa. Pero esta prosperidad duraría un corto periodo que
finalizaría el 24 de octubre de 1929, conocido como el Jueves Negro, y con la llegada del Crack del 29 que
culminaría finalmente con el advenimiento de la Gran Depresión. Causas. En la Primera Guerra Mundial EEUU
había exportado grandes cantidades de armamento y otros productos a los países europeos. Al finalizar la
guerra, la economía de Europa quedó tocada seriamente. Al acabar la guerra, Inglaterra tenía deudas de guerra
con EEUU, al igual que muchos países europeos, lo que lógicamente favoreció la economía de EEUU al ser
receptor de estas. Estados Unidos se vio frente a un exceso de demanda lo que provocó ingresos
estadounidenses crecieran vertiginosamente mientras Europa se reconstruía.

La expansión de Estados Unidos se basó en una profunda transformación productiva dominada por la
innovación técnica. De esta forma se disminuían costes y se aumentaba la producción, obteniendo más
beneficios. Fue en esta época donde se popularizó el uso del teléfono, el automóvil y los electrodomésticos.
Estos aparatos eran demasiado caros, y fue entonces cuando se aplicó por primera vez la venta a plazos. Esto
creó una oleada consumista que hizo que se comprara tanto hasta el extremo de que los consumidores se
endeudaran por encima de sus posibilidades. También fue objeto de popularidad la difusión de la radio como
medio de comunicación masivo, ya que era un dispositivo económico y al alcance de toda la población. En
estos tiempos la fábrica Ford innovó con la utilización de la cadena de montaje. De esta forma se reducían
costes y tiempos de producción. Este método se aplicó a otros sectores (siderurgia, cristal, etc…). También
tuvieron efectos positivos la demanda de la construcción de rascacielos. Todo esto tuvo una gran influencia en
el mercado de trabajo, dejando la tasa de desempleados en Estados Unidos muy baja. Se vivían unos años de
excelente bienestar y de gran optimismo frente al futuro.

*ART DÉCO

Origen del art déco (también art decó o incluso art deco): fue un movimiento de diseño popular a partir
de 1920 hasta 1939 (cuya influencia se extiende hasta la década de 1950 en algunos países) que influyó las artes
decorativas tales como arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico e industrial, también a las artes visuales
tales como la moda, pintura, grabado, escultura y cinematografía. En 1925 organizaron” la Exposition
Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes” (Exposición Internacional de Artes Decorativas e
Industriales Modernas) en París, y se llamaron a sí mismos los modernos; el término es por lo tanto un apócope
de la palabra francesa décoratif. En inglés suele suprimirse la tilde y se escribe «deco». En español, la RAE lo
ha normalizado como art déco, con la tilde en la «e».

El art déco alcanzó su apogeo en los años 1920. Aunque muchos movimientos del diseño tienen raíces o
intenciones políticas o filosóficas, el art déco era casi puramente decorativo, por lo que se considera un estilo
burgués. A pesar del eclecticismo de sus influencias formales y estilísticas, el art déco es sólido y posee una
clara identidad propia. No se trata de un historicismo ni de un anacronismo; es fiel a su época y deja entrever la
noción futurista de la Revolución industrial. Su significación gira en torno al progreso, el ordenamiento, la
ciudad y lo urbano, la maquinaria. Elegante, funcional y modernista, el art déco fue un avance frente al” art
1
nouveau”, esta vez exitoso en la generación de un nuevo repertorio de formas acordes con la problemática e
imaginería de su tiempo.

El art déco era un estilo opulento, y su exageración se atribuye a una reacción contra la austeridad
forzada producto de la Primera Guerra Mundial. De manera simultánea a una creciente depresión económica y
al fantasma del acercamiento de la Segunda Guerra, había un deseo intenso por el escapismo. La gente gozó de
los placeres de la vida y del art déco durante la era del jazz.

Este movimiento es, en un sentido, una amalgama de muchos estilos y movimientos diversos de
principios del siglo XX se inspira en las Primeras Vanguardias. Las influencias provienen del constructivismo,
cubismo, futurismo, del “art nouveau”, del que evoluciona, y también del estilo racionalista de la escuela
Bauhaus. Los progresivos descubrimientos arqueológicos en el Antiguo Egipto (La tumba de Tutankamon
abierta en 1922 El ajuar funerario del faraón Tutankamon es famoso porque fue una de las pocas tumbas
egipcias que no había sido saqueada antes de su descubrimiento por Howard Carter. Fue un descubrimiento que
tuvo mucha influencia en las artes decorativas del siglo XX generó en movimiento Art Decó que incluía
elementos ornamentales del antiguo Egipto) marcaron asimismo su impronta en ciertas líneas duras y la solidez
de las formas del art déco, afín a la monumentalidad y elementos de fuerte presencia en sus composiciones.
Como estilo de la edad de la máquina, utilizó las innovaciones de los tiempos para sus formas: las líneas
aerodinámicas, iluminación eléctrica, la radio, el revestimiento marino y los rascacielos. Estas influencias del
diseño se expresaron en formas fraccionadas, cristalinas, con presencia de bloques cubistas o rectángulos y el
uso de la simetría. El color se nutrió de las experiencias del fovismo; trapezoides, zigzags y una importante
geometrización de las formas son comunes al art déco.

Destacar el uso de materiales como: aluminio, acero inoxidable, laca, madera embutida (se hace
incrustando, encajando y ajustando piezas de igual o diferente color), piel de tiburón y piel de cebra. El uso de
tipografía en negrilla, sans-serif o palo seco, el facetado y la línea recta o quebrada o greca. Ciertos patrones de
ornamento se han visto en aplicaciones bien diversas: desde el diseño de zapatos para señoras hasta las parrillas
de radiadores, el diseño de interiores para teatros y rascacielos como el Edificio Chrysler. El estilo art deco no
estuvo limitado a la arquitectura; el transatlántico SS Normandie, cuyo viaje inaugural tuvo lugar en 1935, fue
diseñado incorporando muchos diseños art deco, incluyendo un salón comedor cuyo techo y decoración estaba
realizada con vidrio de Lalique. Otros buques con influencia art déco en su decoración fueron el Île de France,
el Queen Mary y el Nieuw Amsterdam.

*ESCULTURA

PABLO GARGALLO.

Es considerado uno de los escultores más importantes e innovadores del siglo XX, a lo largo de su vida artística
combinó paralelamente el clasicismo con la experimentación. Gargallo, influido por su amigo Julio González,
desarrolló un estilo de escultura basado en la creación de objetos tridimensionales de placas planas de metal,
usando también papel y cartón. También realizó esculturas más tradicionales en bronce, mármol y otros
materiales. Entre sus obras se piezas inspiradas en Greta Garbo, Picasso…. Sin embargo, su obra más conocida
es su pieza maestra El profeta, de 1933, que es la culminación de su concepto cubista de escultura del hueco y a
la vez posee una energía expresionista que conecta, por el tema tratado, con la tradición bíblica. Se le considera
uno de los artistas más significativos de la vanguardia española e internacional

Partiendo del cubismo se basa en la búsqueda de una síntesis formal de la figura en planos geométricos siempre
fluidos y en la valoración de los huecos y los macizos. Sustituye los materiales convencionales como el mármol
o el bronce por las láminas de hierro forjado. Crea un nuevo lenguaje escultórico introduciendo el vacío como
volumen y dotando a sus figuras de gran dramatismo expresivo.

EL PROFETA
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Esta escultura de hierro es una de las últimas obras de Gargallo. En ella intenta esculpir el vacío, el hueco, al
contrario de lo que sucedía en la escultura tradicional que se intentaba dar forma al volumen.

La luz resbala por la superficie del bloque, se introduce por el interior y crea zonas de claroscuro.

El profeta presenta formas que nos recuerdan a los cubistas, pero se mueve dentro de los planteamientos
espirituales del expresionismo por la dureza, la agresividad y el carácter de la figura. Representa a un hombre
que está gritando, amenazante, con una mano levantada en actitud de orador y otra que sujeta un bastón.

Las líneas y planos nos conducen hacia la cabeza y la boca, que es el centro expresivo de la figura tanto en su
visión frontal como en las laterales. Si lo miramos desde distintos planos, el profeta es el mismo, tiene el mismo
gesto. La diversidad de puntos de vista conduce al espectador al movimiento, que ha sido creado a partir de la
materia y el vacío. La imagen cobra cuerpo en el espacio.

CONSTANTIN BRANCUSI

Aunque de origen rumano, se desarrolló y se dio a conocer en París. Está considerado como uno de los grandes
escultores del siglo XX. Su obra ha influido en nuevos conceptos de la forma en escultura. Su obra 215
esculturas, evolucionó desde 1908 hacia un estilo muy personal, geométrico, con una eliminación de los detalles
que le condujo casi a la abstracción, proponiendo una realidad distinta. De esta manera, dejaba de lado el
realismo escultórico del siglo XIX para dar paso al arte abstracto que se abría camino. Inspirándose en el arte
escultórico prehistórico y africano, intentó mostrar la naturaleza subyacente al desnudo mediante una
simplificación extrema de la forma. Trabajó el mármol, piedra caliza, bronce y la madera. Predomina en sus
obras dos formas simples: el huevo y el cilindro alargado. Realizó una serie de esculturas en metal llamadas
Pájaro en el espacio. Entre otras obras de Brancusi se encuentran: Madre durmiente (1906-10), El beso (1908),
Prometeo (1911), El pájaro (1924-49), la Columna del infinito o columna sin fin (1933), El espíritu de Buda
(1933) y La gallina (1941).

EL BESO (1908). Con esta obra, Brancusi rompe definitivamente con su producción anterior, reduciendo la
figura a la más mínima expresión anecdótica, preocupándose de factores exclusivamente escultóricas como el
volumen, la textura o la masa. Los personajes aquí representados, a modo casi de ídolos primitivos, se unen en
un mismo bloque de piedra, tallada con tosquedad.

LA COLUMNA DEL INFINITO O COLUMNA SIN FIN (1933), La columna fue concebida como un tributo a
los jóvenes rumanos fallecidos en la Primera Guerra Mundial y es una estilización de los pilares funerarios
usados en el sur de Rumanía. Mide 29,33 metros. Forma parte del Conjunto escultural Constantin Brâncuşi,
dispuesto en línea recta a lo largo de 1275 m, al que también pertenecen las obras Mesa del silencio (Masa
tăcerii) y Puerta del beso (Poarta sărutului).

*PINTURA

TAMARA DE LEMPICKA

Fue "la primera artista mujer en ser una estrella del glamour". Influenciada por el Cubismo, Lempicka fue una
de las mayores representantes del estilo Art Deco en dos continentes, fue la artista favorita de muchas estrellas
de Hollywood y llamada "la baronesa con pincel". Fue la retratista más reconocida de su generación entre la
"alta burguesía" y la aristocracia, pintando duquesas, grandes duques y las altas esferas sociales. A través de su
red de amistades, fue capaz de exponer sus pinturas en los salones de mayor élite del momento. Su producción
se centra en retratos femeninos y en desnudos de ambos sexos. Siguiendo la tendencia de la pintura art decó,

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pintaba mujeres etéreas, con ropajes flotantes y dedos largos, si bien dan una impresión férrea y escultural por la
pincelada pulida y los marcados contrastes de luces y sombras; son sus mejores ejemplos, junto con los
desnudos. Sus influencias principales son Botticelli, Bronzino, el retrato manierista en general, y el Cubismo,
pero sin llegar al arte abstracto. Curiosamente, Tamara empleaba este eclecticismo o fusión de estilos antiguos
para representar temas actuales, donde las figuras visten ropajes y peinados de última moda. Aunque las
imágenes más populares de su arte son desnudos, también retrató a su hija en varias ocasiones y a personas
relacionadas con la burguesía artística de París y Nueva York. También realizó cuadros de flores.

“El hombre incompleto” (1932); Andrómeda” (1927)“ ; Mujer con vestido verde” (1930); “Adán y Eva”
(1931)“Tamara en Bugatti verde” (1929)

*ARQUITECTURA

En arquitectura se hibridiza lo arcaico, procedente de Egipto, Mesopotamia y América precolombina, con lo

clásico occidental, y surgen edificios de fría y sobria monumentalidad. Tras la Segunda Guerra Mundial, este
lenguaje, que fue favorito de los regímenes totalitarios, será condenado por Estados Unidos y hasta finales del
siglo XX no ingresará en los libros de historia, como si se tratara de un estilo maldito. Casi toda la arquitectura
institucional de Entreguerras, privada o pública, se ajusta al neoclasicismo art Decó. Este es el estilo de los
Nuevos Ministerios (Secundino Zuazo), de las grandes manzanas norteamericanas, de los lujosos apartamentos
madrileños en torno a Fortuny y Rubén Darío. Pero también el estilo de los países sometidos a tiranos
totalitarios. Los regímenes totalitarios (la URSS con Stalin, Alemania con Hitler, Italia con Mussolini, España
con Franco, Portugal con Salazar) purgaron la cultura material de sus países de pintura abstracta y diseño
racionalista. Por dos razones principales:

(1) La figuración naturalista, por su fácil lectura, es más susceptible de convertirse en propaganda que la
figuración distorsionada de las vanguardias.

(2) La arquitectura clásica produce edificios comprensibles para el pueblo (mayoritariamente analfabeto en
aquellos años) y su lenguaje monumental y solemne casaba con los mensajes de grandeza nacionalista con que
los dictadores pretendían sujetarlo ideológicamente.

Aparece otro estilo llamado aerodinámico (inglés: streamline o streamlined moderne) por su decoración de
líneas paralelas y zigzagueantes, así como por volúmenes acuminados que sugieren la penetración en el aire
propia de los vehículos. Coincide con el tiempo de Entreguerras cuando se vivió el gran desarrollo tecnológico
de los medios de transporte: trenes, transatlánticos, aviones, zepelines. Inspirados en los yates apareció un estilo
fresco y desenfadado en la arquitectura y los interiores hoteleros del sur de Estados Unidos.

ARQUITECTURA E INTERIORISMO AERODINÁMICOS

También la arquitectura aerodinámica se conoce en los países anglosajones como streamline. Las líneas
paralelas se emplean como grafismos de velocidad y la presencia de mástiles, barandillas metálicas y ojos de
buey confieren a estos edificios un vago aspecto de yates de lujo. En los interiores, molduras resbaladizas
confieren dinamismo a los pasillos. La pervivencia de columnas y la estricta simetría emparentan el
aerodinámico con el clasicismo art decó. Este es el estilo emblemático de Miami impulsado por los arquitectos
Henry Hohauser y Lawrence Murray Dixon y allí denominado tropical deco, pero también el de los edificios
madrileños Carrión (Luis Feduchi, Vicente Eced) y Pachá (Luis Gutiérrez Soto). Lejos de perecer, el streamline
ha sido recuperado por el interiorista Marc Newson en la década 2000-2010.

El EDIFICIO CHRYSLER

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Fue el edificio más alto del mundo durante once meses, hasta que le superó el Empire State Building en 1931.
El Edificio Chrysler, diseñado por el arquitecto William Van Allen, es un ejemplo clásico de la arquitectura art
déco y muchos arquitectos contemporáneos lo consideran uno de los mejores edificios de Nueva York. En los
años posteriores a la Primera Guerra Mundial, los arquitectos de Europa y los Estados Unidos habían empezado
a simplificar las formas de los diseños tradicionales y a usar materiales industriales de manera innovadora para
caracterizar a la edad moderna. El estilo art déco parecía prestarse especialmente bien al diseño de rascacielos
debido a que este tipo de construcción simbolizaba progreso, innovación y modernidad más que cualquier otro
tipo. Aunque el estilo art déco duró poco tiempo, coincidió con un gran boom inmobiliario en Nueva York a
finales de los años veinte. El exterior del edificio tiene muchos ornamentos heroicos, como las gárgolas de las
catedrales góticas. Las esquinas de la planta 61 están decoradas con sendos pares de águilas esculpidas por
Kenneth Lynch, que tienen una longitud hay réplicas de las decoraciones del capó de Chrysler de 1926; mientras
que en las esquinas de la planta 24 hay piñas de tres metros de altura, símbolos de la hospitalidad, que fueron
fabricadas en el sitio. El edificio está construido de albañilería, con estructura de acero y revestimiento metálico.

El EMPIRE STATE BUILDING

Es un rascacielos situado en la intersección de la Quinta Avenida y West 34th Street, en la ciudad de Nueva
York, Estados Unidos. Su nombre deriva del apodo del Estado de Nueva York. Fue el edificio más alto del
mundo durante más de cuarenta años, desde su finalización en 1931 hasta 1972. Fue el primer edificio en tener
más de 100 pisos. Edificado por el Estudio de Arquitectura Shreve, Lamb and Harmon. A diferencia de la
mayoría de los actuales rascacielos, el Empire State cuenta con un diseño art decó, típico de la arquitectura de
pre-Segunda Guerra Mundial en Nueva York. Las modernistas marquesinas de las entradas de los pisos 33 y 34
conducen a dos pisos de altos corredores de todo el núcleo de ascensores, atravesado por puentes cerrados de
acero inoxidable y vidrio en el segundo piso. El vestíbulo es de tres pisos de altura. El corredor norte contiene
ocho paneles de iluminación, creados por Roy Sparkia y Renée Nemorov en 1963, que representa el edificio
como la octava maravilla del mundo, junto a las tradicionales siete.

RADIO CITY MUSIC HALL -------EDIFICIO CARRIÓN, MADRID

*ARTES DECORATIVAS

LOS VASOS DE LALIQUE, con una decoración en altorrelieve muy detallada, se fabricaban según tres
procedimientos: soplando con la boca el vidrio dentro de moldes; mediante un proceso mecánico de aspiré
soufflé o pressé soufflé; y moldeados en una prensa. El material de base era siempre de cristal: cristal con un 50
por ciento de plomo. Se dejaba claro o se coloreaba con óxidos metálicos, sulfatos y cloratos, con los que se
conseguía una gama de colores exquisitos que iban del verde esmeralda al rojo rubí. Mediante un sándwich
formado por una capa de cristal blanco opaco entre dos capas de cristal coloreado, se obtenían bellos efectos
opalescentes. Otras veces la decoración era pintada o teñida, con esmaltes tratados con ácidos, exponiendo el
cristal a humos de óxidos metálicos, o puliéndolos con una pulidora rápida o con rojo de pulir. • El repertorio de
motivos decorativos de Lalique era también variado: animales naturales o estilizados, flores, formas humanas o
mitológicas y composiciones geométricas abstractas. Las formas en relieve eran realzadas mediante la
aplicación de tintes de colores esmaltados. En su catálogo había una amplia variedad de objetos: vasos, vajillas,
objetos de tocador, frascos, perfumes, joyas, cajas de reloj, esculturas, espejos, juegos de escritorio, lámparas,
muebles, accesorios arquitectónicos, fuentes e incluso objetos novedosos como las mascotas de automóvil.
Fabricó lámparas para restaurantes, teatros, hoteles, iglesias y para coches cama de lujo de los ferrocarriles
franceses; también diseñó una serie de fuentes públicas de cristal como en el Rond- Point de los Campos Elíseos
de París.

LA JOYERÍA ART DECO. La 1ª Guerra Mundial supuso una ruptura en el diseño de joyería. La guerra cambió
el papel de la mujer en la sociedad. La necesidad de que las mujeres ocuparan los puestos de trabajo de los
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hombres creó una gran emancipación. Los “Locos Años 20” florecieron con un gusto por el lujo decadente. La
moda femenina adoptó un estilo masculino y estilizado. Los pantalones se convirtieron en el símbolo de la
mujer liberada durante el día. Pero por la noche, teatrales y provocativos vestidos fueron el último grito. Las
faldas se acortaron para enseñar las rodillas, incluso a veces más, para bailar cómodamente los ritmos de moda:
tango, charleston y fox trot. El pelo se llevaba “a lo garçonne, destacando de esta manera los pendientes.

La joyería ART DECO está caracterizada por los diseños geométricos, diversas combinaciones de color y
motivos abstractos. En 1922, la apertura de la tumba de TUTANKAMON, inspiró un revival de lo egipcio.
También son comunes las influencias del arte MAYA. Las piedras preciosas más populares del período ART
DECO fueron los diamantes Rubíes, zafiros, esmeraldas, coral, marfil, jade, madreperla y cristal de cuarzo
fueron empleadas como acentos de color junto a los diamantes o en solitario. El metal preferido fue el
PLATINO.

Los accesorios se convirtieron en una parte muy importante del vestir. Por lo general consistía en piezas de
joyas de Art Deco, con muchas capas de collares de perlas. Los guantes largos, los bolsos para la calle,
sombreros, estolas de pelo, anillos, broches y zapatos con tacones imposibles son complementos
imprescindibles en las grandes ocasiones.

APLICACIÓN DE LOS COLORES Y MATERIALES en La Joyería Art Decó Aunque en un comienzo la

joyería Art Déco tuvo como protagonistas a los diamantes, poco a poco fueron introduciéndose los colores en
los diseños. Aun así, son muchas y espectaculares las piezas monocromáticas que pueden encontrarse, puesto
que la gran innovación introducida en estos diseños era su montaje sobre esqueletos de platino, que las hacía
enormemente flexibles y ligeras y permitía trabajos minuciosos y extremadamente detallistas como los que veis
en las fotografías.

Otra de las peculiaridades era la versatilidad de las piezas, puesto que la mayoría de ellas contaban de varios
elementos convertibles que las permitían ser ahora collar, ahora broches, así como pulseras e incluso tiaras.
Fruto de los viajes a otros países y de la influencia de otras disciplinas artísticas, fue introduciéndose el color en
las piezas. Aunque las combinaciones más comunes eran las que mezclaban los diamantes con piedras de color
como los zafiros o las esmeraldas, poco a poco se fue abriendo la veda hasta mezclar y trabajar en igualdad de
condiciones con materiales y piedras más nobles (diamantes, zafiros, esmeraldas y rubíes) y otros de menos
valor (onix, coral, jade...) El primero en introducir estas maravillosas combinaciones fue el propio Cartier, cuya
colección Tutti Frutti es conocida ya no sólo por esa combinación de color, sino por ser un trabajo ejemplo y
muestra de las tendencias de la época. Fijaros cómo si no aparecen representados los elementos naturales, las
nuevas tallas o la tendencia a la geometría en las creaciones de la colección.

Fruto de las influencias del arte típico de aquella época, una de las temáticas más utilizadas fue la de los
elementos naturales y los animales. Plantas autóctonas como las rosas cedieron paso a palmeras, bambúes y
todo tipo de vegetación extranjera. Una tendencia que también se observó en los animales "retratados" en las
piezas de joyería, que pronto pasó a retratar serpientes, galgos, pekineses o loros. Quizás el más importante de
ellos fue la pantera de Cartier, que aunque su primera aparición en 1914 tuviera lugar en forma de mascota de
las tarjetas de la exposición de entonces de Cartier y como estampado en uno de los relojes de aquel evento, no
fue oficialmente nombrada imagen de la casa hasta muchísimo más tarde, cuando Jeanne Toussant (directora
creativa de la marca entonces), apodada "La Pantera" por su fuerte carácter, oficializara al animal. Sin duda los
motivos con más presencia en esta época fueron los orientales, tanto de la zona más cercana de Egipto como de
China e India. Tan pronto se reflejaban a la manera clásica en las piezas (como el brazalete con dibujos de
bambú en esmeraldas, diamantes y zafiros de la foto de más abajo), como se trabajaban de manera más original
mezclando las turquesas o el ónix. Una de las piezas estrella fueron los brazaletes.

CARTIER. Con el inicio del siglo XX, el estilo Art Nouveau que imperaba en esa época, está prácticamente
ausente de las colecciones Cartier. Los diseñadores de la Maison, incitados por Louis Cartier, se aventuran en

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las formas abstractas y geométricas. El siglo arranca con ímpetu y los códigos establecidos quedan trastocados:
estalla el color con el fauvismo, el movimiento expresionista alemán o los ballets rusos de Diaghilev que París
descubre con sorpresa y fascinación en 1909. Cartier crea piezas con nuevas formas en lo que entonces se llamó
el “estilo moderno”, inaugurando así el futuro estilo Art Decó adelantándose a sus rivales en la creación
artística.

El precursor de los cambios en joyería fue JACQUES CARTIER, que fue una fuerza de modernidad con sus
innovaciones en diseño y materiales. Gran parte de aquella modernidad le vino de sus frecuentes viajes, sobre
todo a Oriente, cultura de la que quedó prendado. Desde su primer viaje en 1911, Jacques Cartier viajó a la
India, fue allí donde aprendió nuevas técnicas, tallas y diseños que causaron sensación en la Europa del
momento, como las piezas de la colección Tutti Frutti. Pero la fascinación no fue sólo suya. Jacques Cartier fue
fue testigo en aquellos viajes del gran respeto y admiración que las joyas y relojes parisienses suscitaban en los
marajás. Aquellos hombres, dueños de colecciones de piedras preciosas que parecían haber salido de cuentos de
aventuras acabaron confiando en el joyero con los ojos cerrados, confiándole sus propias piedras para que las
montara en piezas contemporáneas, generalmente en platino.

Algunas piezas (ornamentos para turbantes, brazaletes de antebrazo, collares de gala) fueron forjadas con
formas tradicionales indias, mientras que otras joyas se elaboraron con un estilo completamente nuevo y
moderno. El encargo más espectacular de todos fue la remodelación de las joyas de la corona de Sir Bhupindra
Singh, Marajá de Patiala, cliente dueño del collar más grande fabricado por la casa hasta el momento que incluía
el famoso diamante De Beers, de 234,69 quilates, y 5 vueltas con 2.390 brillantes, ni más ni menos. Con el
tiempo, los marajás más ricos de la India se convirtieron en clientes de Cartier.

Louis Cartier amigo de Santos Dumont pionero de la aviación le regalo el primer reloj de pulsera en 1901 al
escuchar que desconocía el tiempo empleado para su hazaña al no poder despegar los brazos de los mandos para
consultar la hora. Ese pequeño gran diseño tuvo tanto éxito y tal demanda que Cartier empezó a comercializarlo
en 1908, entonces sólo para clientes selectos, y bajo el nombre de Cartier Santos en honor a su mutua amistad.

PATEK PHILIPPE & CO es una empresa suiza de relojes de lujo. En la actualidad la familia Stern es la
propietaria de la empresa. Su presidente es el multimillonario Henri Stern. Con los años, los relojes Patek
Philippe han sido usados por un número notable de personas, incluidos los miembros de la realeza, estrellas de
cine y magnates. Es conocido el hecho de que el rey emérito de España, Juan Carlos I de Borbón, suele lucir en
su muñeca un reloj fabricado por esta empresa suiza. Antoni Patek comenzó haciendo relojes de bolsillo en
1839 en Ginebra. Han sido pioneros en el calendario perpetuo, cronógrafo y repetidor de minutos en los relojes.
La compañía fabricó los primeros relojes de cuarzo e incluso un reloj de pulsera digital, Henry Graves Jr. fue el
primer propietario del reloj más caro del mundo, un reloj complejísimo con 24 funciones. Luego, fue subastado
por 11 millones de dólares. Más tarde, en el 2008. En la última puja, efectuada en noviembre de 2014, dicha
pieza adquirió un valor de venta de 19,3 millones de euros, siendo adquirida por un comprador anónimo y
batiendo todos los récords hasta la fecha.

*MÚSICA

La música en la etapa de entreguerras Durante la Gran Guerra (1914-1918) la actividad musical europea se
ralentiza, muchos músicos son movilizados y las infraestructuras musicales en muchos casos desaparecen. Los
compositores, durante y después de la guerra, se ven obligados a trabajar con menos recursos, lo que llevará a
una música simplificada, liberada también así́ de los excesos del ultimo romanticismo. Las tendencias difusas de
los años del cambio de siglo se convertirán poco a poco en corrientes definidas, en estilos de época que
dominaran el periodo que abarca desde el final de la guerra del 14 hasta el comienzo de la del 39, periodo
conocido como de «entreguerras». Entre estas corrientes destacan especialmente la dodecafonía y el
neoclasicismo.

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ATONALISMO. Este movimiento se funde con la corriente expresionista. Durante la primera década del siglo
XX, los excesos de los post-románticos en el plano de la armonía, hicieron que poco a poco la tonalidad, que
hasta entonces organizaba y era la base de las obras musicales, perdiera su papel. El Atonalismo nace cuando
una serie de compositores, con Arnold Schoenberg a la cabeza, deciden otorgar a la disonancia la misma
importancia que a la consonancia y escribir sus obras con una tonalidad concreta. Esto implica que todas las
notas tienen el mismo valor, sin jerarquías. De ahí la sensación de que se han perdido los puntos de equilibrio y
de orientación, por lo que para nuestros oídos, la música atonalista suena desafinada. Entre las obras en las que
Schoenberg recurre al Atonalismo, podemos destacar "Cuarteto nº 2" y "La noche transfigurada". Esta ruptura
con la tonalidad influiría también en artistas como Richard Strauss, Gustav Mahler, Edgar Varese o Charles
Ives, entre otros. Sin embargo, la corriente del Atonalismo como tal tuvo una vida efímera, ya que se trataba de
componer sin ningún tipo de normas, sumiendo a la música en una especie de caos. Wassily Kandinsky-
composicion VIII-4- La Pintura de Kandinky tiene conexiones con la música Atonal

DODECAFONÍA. Hacia 1920, Arnold Schönberg da a conocer un sistema de composición que ha estado
experimentando durante los años de la guerra y la posguerra, tratando de encontrar un método que le permita
componer obras atonales siguiendo unas reglas. El método, al que llama simplemente «método de composición
con doce sonidos» se conocerá́ pronto como dodecafonía. Este método consiste en organizar los sonidos en
series que incluyen las doce notas de la escala cromática temperada. El compositor parte de una serie original, a
la que aplica métodos contrapuntísticos como la retrogradación, la inversión y el transporte, consiguiendo así un
conjunto de 48 series diferentes a partir de la primera; de entre estas 48 escoge las que le convienen para su
composición, que queda así́ organizada en bloques «dodecafónicos». De este trabajo con series se deriva el
nombre de serialismo con el que se conoce a veces la dodecafonía y sus derivaciones posteriores. La primera
obra importante de esta corriente es la Suite para piano op.25 de Schönberg, a la que seguirán otras como las
Variaciones para orquesta op.31. Otras obras importantes de la dodecafonía son la Sinfonía op.21 de Anton
Webern y el Concierto para violín o la opera Lulú de Alban Berg. A partir de 1925, Schönberg imparte clases de
composición en Berlín; tras el ascenso de Hitler al poder, se exilia en Estados Unidos, donde vivirá́ hasta su
muerte continuando su labor didáctica.

NEOCLASICISMO. El término neoclasicismo surgió́ también hacia 1920 para referirse a ciertas obras de Igor
Stravinski y otros compositores. Se suele situar su origen en el ballet Pulcinella, encargado por Diaghilev para
relanzar la actividad de los Ballets Rusos tras la guerra; Diaghilev pide a Stravinski que realice la orquestación
de un conjunto de piezas de compositores italianos de comienzos del xviii; el trabajo con esta música hace
descubrir a Stravinski líneas musicales que utilizará en sus composiciones posteriores hasta 1950. Sin embargo,
las características fundamentales del neoclasicismo ya habían aparecido en obras anteriores del mismo
Stravinski y de otros compositores mayores y más jóvenes: por ejemplo las sonatas de Claude Debussy,
compuestas entre 1915 y 1917, Le tombeau de Couperin de Ravel, de 1917, o la Sinfonía clásica del ruso Sergei
Prokofiev (1891-1953), también del mismo año. • El neoclasicismo se caracteriza principalmente por una fuerte
actitud antirromántica, que rechaza tanto la complejidad de las obras del último romanticismo como el afán de
expresividad que constituye la base de la estética romántica. Los compositores neoclásicos tratan de huir de ello
creando obras más simples, más asimilables por los oyentes, y ocupándose especialmente de la forma musical
sin pretender transmitir o provocar emociones. • Se vuelve al cultivo de las formas y géneros clásicos, buscando
una nueva sencillez, ya que aspira a devolver a las obras musicales la comprensibilidad y el placer para el oído.
Por esa razón, la mayoría de las obras de este movimiento recuperan la tonalidad clásica. • Esta corriente ha
tenido continuadores hasta la actualidad.

SERIALISMO. Es un movimiento que se da a partir de la segunda mitad del siglo XX. Consiste en la aplicación
del concepto de serie, introducido por el Dodecafonismo, a todos los parámetros integrantes del sonido (timbre,
altura, duración, intensidad...), y no sólo a la altura de las notas. Aspira a convertirse en un sistema completo y
perfectamente estructurado y racional; sin embargo, el resultado es con frecuencia una música fría, en la que las
alturas, duraciones, timbres e intensidades están perfectamente ordenados en series de doce grados cada una. La

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música serial se caracteriza, por tanto, por el minucioso ordenamiento de los parámetros musicales y su alto
grado de elaboración previa, ya que el compositor organiza la obra como si las piezas de un puzzle se tratara.
Entre los compositores más destacados cabe recordar a Oliver Messiaen, con obras como "Modos de valor e
intensidad", y a Pierre Boulez, con "El martillo sin dueño" o "Sonata para piano nº 3". Además de las tendencias
citadas hay otras presentes en muchas obras de entreguerras. La principal es el neopopularismo, que consiste en
la utilización de técnicas musicales de la música tradicional (modalidad, ritmos irregulares, estilos populares de
canto...) junto a técnicas de la nueva música. Esta tendencia la representan principalmente Bartók y Falla, pero
está presente también en músicos más jóvenes, como los españoles de la generación del 27, o en cierto modo los
jóvenes norteamericanos que se inspiran en la música afroamericana, como George Gershwin (1898-1937). Para
los músicos norteamericanos, el jazz y las músicas relacionadas se pueden considerar tradicionales; pero en
Europa estas músicas son músicas urbanas, que se utilizan en el ámbito de los cafés y cabarets. Junto a ellas
aparecen otras músicas, las músicas populares urbanas, conocidas también genéricamente como jazz. En 1935
Gershwin estrenó su ópera Porgy y Bess, un retrato de la vida de una comunidad negra en el sur de Estados
Unidos. A pesar de algunas dificultades iniciales, Porgy and Bess se impuso rápidamente en los escenarios de
todo el mundo.Luego de Porgy y Bess, George Gershwin comenzó a componer música para películas. Ese
mismo año se mudó a California y escribió “Shall we dance?” (¿Bailamos?) para Fred Astaire y Ginger Rogers,
y “A damsel in distress” (Una damisela angustiada) para Astaire, Joan Fontaine y Gracie Allen.

Irving Berlin (1888 –1989), nacido en Rusia fue un compositor y letrista De Broadway estadounidense, uno de
los más prolíficos y famosos de la historia contemporánea de América. Berlin, judío, fue uno de los pocos
compositores de Tin Pan Alley/Broadway que escribieron tanto las letras como la música de sus canciones.
Aunque no llegó a aprender nunca a leer música más allá de un nivel elemental, compuso alrededor de 3000
canciones, muchas de las cuales se conviriteron en canciones populares y estándares, como "Cheek to Cheek",
"Puttin' on the Ritz", "Alexander's Ragtime Band", "There's No Business Like Show Business", canciones
festivales como "White Christmas" (Blanca Navidad) o "Eastern Parade" (Desfile de Pascua) e himnos
patrióticos como "God Bless America".Todas ellas dejaron una huella indeleble en la música y cultura
estadounidense. Produjo 17 películas y 21 espectáculos de Broadway, además de sus canciones individuales.

CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA AFRICANA QUE HEREDA EL JAZZ Escala pentatónica. Sólo

tienen cinco sonidos y evitan los semitonos, lo que da a esta música una sonoridad especial. La interpretación es
colectiva. Todos participan tocando, cantando, dando palmas, bailando o simplemente llevando el ritmo. No
existe la idea de público pasivo que solamente escucha y aplaude al final, como en la música europea. La
música africana se recuerda, no se escribe, y a menudo cambia durante la interpretación mediante la
improvisación. Se sigue un patrón de llamada y respuesta, un tipo de estructura que consiste en una especie de
diálogo musical entre un solista y el coro. El solista entona una frase y el coro responde. Ésta es una forma de
cantar canciones típicamente africana que los esclavos africanos aplicaron a las canciones de trabajo: en las
canteras, o en las cuadrillas que construían carreteras, gran parte del trabajo se realizaba manejando picos,
martillos y palas que seguían un ritmo constante; los cantos de trabajo se adaptaban a la velocidad de los
martillos y eran liderados por un miembro de la cuadrilla, al que después se unían los demás. Esta forma de
cantar es también muy corriente en los espirituales, que la copian de las canciones de trabajo. De los espirituales
ha pasado a otras formas de música afroamericana, como el blues o el ragtime. Los cantos de trabajo
desaparecen con la abolición de la esclavitud, pero influyen en el espiritual y el blues y contribuyen a la
formación del jazz

Los espirituales Los esclavos adoptaron la religión de sus “propietarios”: el cristianismo protestante, en cuyo
culto tenía un importante lugar el canto de himnos por parte de toda la congregación. Pero los negros adaptaron
estos himnos a su forma de cantar, y esto dio lugar al espiritual negro. Este estilo contiene elementos de los
himnos protestantes, pero manteniendo la expresión espontánea y libre característica de la música africana:
canciones europeas en lo que se refiere al lenguaje musical y a la forma, pero africanas en el estilo de canto y el
modo de expresión Características de los espirituales: - Uso de síncopas que variaban los acentos y daban gran

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riqueza rítmica. - Los contratiempos eran marcados por palmas. - El canto era acompañado por movimientos
corporales que recuerdan el antiguo “baile sagrado africano”. - Existe un paralelismo estructural entre letra y
música: a cada sílaba le corresponde una única nota. - Se generaliza la estructura estrofa-estribillo. - Se
sistematiza la utilización del leit-motiv: suele ser, por lo general, un verso o una palabra (por ejemplo,
“Alleluia”) en forma de interjección y que aparece tanto en las estrofas como en los estribillos. - Son frecuentes
los gritos y clamores espontáneos de los fieles, como “¡Gloria!” u otras frases de ánimo o afirmación. - Algunos
espirituales eran de movimiento rápido, ritmo vivo y carácter alegre (Oh, when the Saints). Otros espirituales,
sin embargo, eran lentos y conmovedores, impregnados de nostalgia, y solían reflejar la creencia de que el
sufrimiento se vería recompensado en el cielo. La interpretación de éstos últimos es emotiva y melódica y la
expresión pasa por una gran elasticidad rítmica.

EL BLUES.

Una canción redonda blues, es un tipo de canción afroamericana que surgió en la segunda mitad del siglo XIX
de la misma mezcla de ideas africanas y europeas que habían dado origen a los cantos de trabajo y a los
espirituales. Como éstos, el blues cantaba los sentimientos, temores y esperanzas de los cantantes, pero lo hacía
de una forma muy personal. Los blues eran canciones de lamento e ironía que hablaban del duro trabajo, de las
creencias religiosas o de los desengaños amorosos. El blues, en gran medida, fue creado por gente que no sabía
música, y por tanto, era una música aprendida de oído e improvisada. Para facilitar la improvisación, tanto de
versos como de música, se desarrollan una serie de patrones, el más familiar de los cuales era el del blues de
doce compases. Musicalmente el blues se caracteriza por lo que se conoce como “rueda de acordes del blues”,
un ostinato armónico formado por una serie de acordes encadenados que se repiten a lo largo de la canción. La
escala del blues El blues produce a menudo un efecto de melancolía, lo que se debe a que muchas de sus
melodías se basan en la llamada “escala del blues”, que consiste en una versión de la escala mayor diatónica, en
la que algunos grados, generalmente el tercero y el séptimo, se tocan o se cantan un semitono más bajo. Esto
produce un efecto de desafinación intencionada (“calado”) que ayuda a darle al blues ese sabor tan especial.

Guitarra “slide “ La desafinación” de algunas notas era a menudo resaltada por el cantante que medio hablaba y
medio cantaba. También fue imitada por los guitarristas que tocaban con un cuello de botella o slide, un tubo
que se coloca sobre uno de los dedos de la mano izquierda del guitarrista y que después se desliza por las
cuerdas hacia arriba y hacia abajo mientras éstas se puntean con la mano derecha. La guitarra tiene que estar
especialmente afinada para esto. Los primeros guitarristas usaban un cuello de botella (bottleneck), que es
también propio de la guitarra hawaiana. El blues de doce compases El blues se caracteriza por su movimiento,
que en general es lento y por su estructura de doce compases en 4/4, que consiste en tres frases o secciones de
cuatro compases cada una. El texto del blues se adapta a esta estructura, utilizando los cuatro primeros
compases para decir algo, los cuatro siguientes para repetirlo y los cuatro últimos para concluir la idea, La
estructura de doce compases y la serie armónica no sólo es utilizada en el blues y en el jazz, sino también en el
rock. Muchas de las primeras canciones del rock que llegaron a ser famosas, como Rock around the Clock, de
Bill Halley; Blue Suede Shoes, de Elvis Presley, o Can’t Buy me Love, de Los Beatles, están basadas en ellos.

Las letras El sentido del blues queda definido por su propio nombre, ya que la palabra blue significa tristeza,
melancolía, y “tener el blues” es sentir la tristeza de una situación a la que no se ve remedio. Con su especial
balanceo rítmico, estas canciones son una síntesis del sentimiento de un pueblo que a la vez sufre, ama la vida y
nunca se da por vencido. Muchos blues suelen tener una temática social. Las letras hablan de la miseria de la
población negra y su segregación en ghetos, de la violencia, los trabajos forzados, el paro y el éxodo rural. Los
blues urbanos se centran en la vida hostil y en la soledad del ser humano en las grandes ciudades. El ragtime El
ragtime es un género para piano en el que las dos manos del pianista tienen funciones claramente diferenciadas:
La mano izquierda mantiene una pulsación regular y muy marcada en compás de 2/4 imitando a una marcha de
desfile. - La mano derecha interpreta una melodía sincopada que se “cruza” con la pulsación, dando lugar a la
una sensación rítmica muy fuerte característica del ragtime. De ahí el nombre de ragged time (“tiempo

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rasgado”) En principio el ragtime se tocaba sólo con piano, pero pronto empezó a adaptarse para ser interpretado
por las bandas de los locales de diversión de Nueva Orleans.

JAZZ .Características del JAZZ:

• El ritmo marca la melodía.

• Uso de ritmos sincopados y diferentes al mismo tiempo (polirritmia).

• La personalidad del solista se muestra por medio de la improvisación: el músico de jazz, crea al mismo tiempo
que actúa, de manera que dos versiones de una misma melodía, son dos obras distintas.

• Existe una sensación rítmica peculiar, indefinida, que los aficionados llaman “swing”. Así, el jazz tiene swing
del mismo modo que el flamenco tiene duende.

• Las melodías se forman con las escalas mayor, menor, pentatónica y blues. La armonía se va haciendo más
compleja, con acordes modernos cada vez más disonantes.

• Es una música en evolución constante. La formación musical del dixieland nueva Orleans 1910 es bastante
estable. Hay tres instrumentos que destacan: la trompeta, el clarinete y el trombón (sección melódica). El
contrabajo, la batería, el banjo y el piano (sección rítmica) sostienen el ritmo y la base armónica, aunque
también pueden improvisar solos. Es un tipo de música que a menudo se toca en la calle o desfilando. Los
instrumentos más pesados, e imposible de trasladar al aire libre, como el piano, el contrabajo o la batería, se
sustituyen por la tuba e instrumentos de percusión, como la caja y los platos.

Estilo Chicago Una banda de estilo Chicago no se diferencia sustancialmente de una banda de DiXieland. Lo
que sí cambió fue la forma de entender la improvisación: - Se pierde en gran medida la improvisación colectiva,
que producía cierta sensación de confusión. - Se consolida el “solo” (la improvisación individual). - Las
composiciones se estructuran en torno a un tema principal, que se escucha solo al principio y al final. En la parte
central los músicos improvisan en función de unas armonías y un número de compases determinados. - Esa
parte central se estructura en “chorus”, estrofas de improvisación individual. En cada chorus improvisa un
instrumento mientras los demás acompañan. - Lo típico de estos años es que las bandas de jazz versionen
canciones populares. - La voz se incluye como un instrumento solista más, que también improvisa y utiliza
todos sus recursos expresivos, como el scat. - El ritmo se suaviza. El estilo Chicago no es tan “alocado “ como
el Dixieland. Louis Armstrong es considerado el responsable de la transformación del estilo de Nueva Orleáns
en estilo Chicago. Como improvisador, va más lejos que nadie en la transformación de un tema. Sus solos, tanto
de trompeta como vocales, están perfectamente construidos y respiran espontaneidad. Su figura ha sido
fundamental en el desarrollo del lenguaje del jazz y ha influido en todos los músicos posteriores.

EL MUSICAL

Remonta sus orígenes a varias fuentes teatrales del siglo XIX, incluida la opereta, la ópera cómica, la comedia
musical, la pantomima, el minstrel show, el vodevil y el género burlesco, también en ocasiones el género erótico
cabaret.

El vodevil (del francés vaudeville) fue un género de teatro de variedades que existió en EEUU principalmente
entre los años 1880 y 1930. Se conoce también como vodevil a un tipo de comedia ligera que se desarrolló en
Francia a partir del siglo XVIII y que solía intercalar números musicales.

Cabaré es una palabra de origen francés cuyo significado original era «taberna», pero que pasó a utilizarse
internacionalmente para denominar salas de espectáculos, generalmente nocturnos, que suelen combinar música,
danza y canción, pero que pueden incluir también la actuación de humoristas, ilusionistas, mimos y muchas
otras artes escénicas. Se distinguen de otros locales de espectáculos, entre otras cosas, porque tienen un bar,

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cuando son pequeños, y un bar y un restaurante, cuando son grandes. A diferencia de lo que sucede en el teatro,
los asistentes pueden beber y conversar entre sí, durante las actuaciones. El público de los cabarés aplaude, con
frecuencia, espectáculos atrevidos, tanto políticos como sexuales.(Bailarines de cancán, pintura de Georges
Seurat nos da una idea de cómo eran)

Tipos de Cabaret: Los que siguen la tradición de Le Chat Noir Son pequeños o de tamaño medio, no suelen
tener un restaurante, pero siempre tienen un bar. Actúan principalmente cantautores, cantantes, músicos y
orquestas de jazz, pero no exclusivamente ni en todos los lugares. En inglés este tipo de cabaré se denomina
French cafe (café francés) o, simplemente, café o club. También son relativamente numerosos en Nueva Orleans
y París.. Los que siguen la tradición del Moulin Rouge y del Folies Bergère: Son grandes, tienen un bar y un
restaurante, y presentan revistas de gran espectáculo, que son del agrado de muchos turistas. Uno de los más
famosos es el Lido de París. 3. Cabaré de vanguardia, los que siguen la tradición del Els Quatre Gats de
Barcelona.

Folies Bergère. Inaugurado en 1872, como “music hall”, pero cabaré desde finales del siglo XIX hasta finales
del siglo XX. Se hizo célebre, entre otras cosas, por sus tableaux vivants y sus decorados en trampantojo.
Algunos artistas que actuaron en el Folies Bergère: Joséphine Baker, C. Chaplin o Édith Piaf… En la actualidad
presenta actuaciones de cantantes, comedias musicales, grupos de baile, etc. Moulin Rouge, desde 1883.
Conocido por los carteles de Tolouse Lautrec. Algunos artistas que actuaron en el Moulin Rouge: Jane Avril,
Charles Aznavour, Joséphine Baker. El Cotton Club fue un club nocturno de Nueva York (Estados Unidos) que
se mantuvo abierto durante la Ley Seca de los años 1920. Fue fundado en 1920 en Harlem, en el barrio negro de
Manhattan, aunque generalmente denegaban la admisión a los consumidores afroamericanos. El club fue abierto
por el campeón de los pesos pesados Jack Johnson, y el contrabandista y gánster Owney Madden adquirió el
club en 1923 mientras estaba encarcelado y cambió el nombre del local al de Cotton Club. Fue un club mítico en
la época ya que era el escaparate de las principales novedades musicales, como Ella Fitzgerald, Louis
Armstrong, Nat King Cole, Billie Holiday. Los domingos eran frecuentes las "Celebrities Nights", a las cuales
asistían de público personas destacadas de la política y la cultura.

JOSÉPHINE BAKER (1906 -1975) fue una bailarina, cantante y actriz estadounidense, nacionalizada francesa.
Baker se convirtió en un icono musical y político internacional. Se le dio apodos tales como la "Venus de
bronce", la "Perla negra" y la "Diosa criolla". Baker fue la primera mujer afroamericana en protagonizar una
importante película, Zouzou (1934), en integrar una sala de conciertos en Estados Unidos,y en convertirse en
una animadora de fama mundial. Joséphine Baker creció en el periodo de las peores revueltas racistas vividas en
Saint Louis. En 1922 se unió a una compañía de baile; un año más tarde ya estaba en el coro de la primera obra
de color que se representó en Broadway, "Shuffle Along". Posteriormente trabajó en el mítico Cotton Club. En
1925 fue a París como integrante del coro de La Revue Nègre. El público europeo se quedó prendado de
Joséphine Baker y se convirtió en una estrella del Folies Bergière. Introdujo el Charleston en el viejo continente
y protagonizó varias películas de éxito como Le Siréne des tropiques, Zou o Princesse Tam-Tam, hasta el año
1935. Dos años después se nacionalizó francesa. Su talla como artista sólo es comparable con su humanidad y
servicio al prójimo, y prueba de ello es la vida que llevó a partir de 1939, cuando estalló la Segunda Guerra
Mundial, integrándose primero en el voluntariado y más tarde en la resistencia francesa, hechos que la hicieron
acreedora de la Legión de Honor y de la Cruz de Guerra, dos importantes condecoraciones de ese país. También
es conocida por sus contribuciones al movimiento por los derechos civiles en Estados Unidos (Coretta Scott
King le ofreció el liderazgo no oficial del movimiento en 1968 tras la muerte de Martin Luther King, pero lo
rechazó)

*MODA

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Si hay algo icónico en los años 20 son las flappers. Pocas cosas pueden resumir tan perfectamente el espíritu de
esos locos y supuestamente felices años como esas mujeres liberadas, que se enfrentan a todas las normas
establecidas y piden el voto femenino, bailan jazz, beben licores, fuman con boquilla, conducen, se cortan el
pelo en bobs o el incluso más atrevido “Eton Crop” que se puede apreciar en el dibujo de Eduardo Benito, un
dibujante español que triunfó en revistas como Vogue o Vanity Fair en esos años.

Resulta curioso que muchos de los gustos estéticos preferidos de Gabrielle “COCO” CHANEL sigan siendo los
que hoy siguen dominando: mujeres altas y delgadas, de piel morena, el uso de prendas sport y de influencia
masculina, la influencia marinera, los trajes como prendas elegantes o la bisutería como sustituto perfectamente
aceptable de las joyas. Nacida en 1883 en una familia de pocos recursos, se cría en un orfanato y es allí con las
monjas donde aprende a coser y son ellas las que con 17 años le consiguen un trabajo como costurera, que
pronto abandona para dedicarse al mundo del cabaret. En este mundo se relaciona con muchos hombres
adinerados y será uno de sus amantes el que financie su primera tienda, una sombrerería que abre en París en
1909 que rápidamente extenderá a otras ciudades costeras francesas. Y mientras alternaba amantes ricos (se la
llega a realacionar incluso con el Duque de Windsor) y mentiras sobre su vida, en 1910 abre por fin su casa de
modas en el 21 de la Rue Cambon de Paris, que en pocos años ocupará también los números 27, 29 y 31. A
partir de aquí todo son éxitos: en 1921 crea el perfume Nº 5, en 1927 su famoso vestido negro, la generalización
del punto.

Una de las tradiciones más antiguas en cuanto a la vestimenta es la de asociar el color negro al luto, costumbre
que está documentada se practica desde el Imperio Romano. Por eso no es de extrañar que en un encuentro
casual en París el diseñador Paul Poiret le preguntase a Coco Chanel por quién lo llevaba al verla vestida con un
vestido negro. “Por usted” fue la respuesta. Y es que una de las mayores revoluciones de Chanel fue romper este
vínculo e introducir ese color en la vida de la mujer como sinónimo de elegancia. Y es que el Petite Robe Noir
(PRB), el Little Black Dress (LBD) o simplemente el vestido negro que revolucionó la moda en 1926 y que fue
calificado como “el modelo Ford T de Chanel o como el uniforme de la mujer moderna tras ser publicado en
Vogue (el dibujo del vestido que se publicó era muy similar al del centro de la foto). .

La II Guerra Mundial la obliga a cerrar sus tiendas y los años de ocupación nazi, junto con su romance con un
oficial alemán así como las acusaciones de haber sido una espía nazi la obligan a exiliarse en 1945 a Suiza. En
1954 regresa a París y reabre su negocio. En Francia no es muy bien recibido su regreso, ya que no habían
olvidado su comportamiento, y la prensa de moda en Gran Bretaña critican su inmovilismo pero triunfa en
Estados Unidos con su pieza estrella estos años: el traje de tweed. Los 17 años siguientes, en los que trabajó
incansablemente hasta su muerte a los 87 años, terminarían por darle la razón a Coco y en la actualidad las
creaciones de ambas etapas son fuente continua de inspiración en la moda actual.

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