3OS
La década de 1930 estuvo dominada por la Gran Depresión, una de las crisis económicas
más devastadoras de la historia, originada tras el colapso de la Bolsa de Valores de Nueva
York en 1929. Esta catástrofe financiera provocó el cierre de bancos, el colapso de
industrias y el desempleo masivo, dejando a millones de personas en la pobreza. En
Estados Unidos, el presidente Franklin D. Roosevelt implementó el New Deal, un conjunto
de reformas para reactivar la economía, pero la recuperación fue lenta y el descontento
social crecía. Paralelamente, en Europa, el ascenso del fascismo en Alemania e Italia
presagiaba un conflicto global, mientras que en la Unión Soviética, Stalin consolidaba su
poder con políticas represivas. En este clima de incertidumbre, el entretenimiento se
convirtió en un refugio fundamental para la población. El cine, que ya había experimentado
la revolución del sonido a finales de los años 20, vivió un auge a pesar de la crisis, ya que
por pocos centavos la gente podía evadirse de la realidad con musicales deslumbrantes,
películas de gangsters y comedias románticas.
Hollywood, como epicentro de la industria cinematográfica, no sólo prosperó sino que se
convirtió en un instrumento de influencia cultural. Sin embargo, a medida que las películas
abordaban temas más audaces, como la corrupción, la violencia y el empoderamiento
femenino, crecieron las críticas de sectores religiosos y conservadores. Las películas
pre-Code (antes de 1934) mostraban mujeres fuertes e independientes, como Barbara
Stanwyck en Baby Face (1933) o Jean Harlow en Red-Headed Woman (1932), donde
usaban su inteligencia y sensualidad para ascender socialmente. También había una
representación más abierta de la sexualidad, el crimen y la crítica al sistema. Sin embargo,
el escándalo de actores como Fatty Arbuckle y la presión de la Liga de la Decencia Católica
llevaron a la imposición del Código Hays en 1934. Este código impuso estrictas
restricciones, prohibiendo escenas de besos prolongados, insinuaciones sexuales,
infidelidad sin castigo, personajes homosexuales o cualquier cuestionamiento a la autoridad.
A la par de la censura en pantalla, la industria del cine ocultaba una realidad oscura tras
bambalinas. Durante la era dorada de Hollywood, los grandes estudios operaban con un
sistema de contratos rígidos que les otorgaba un control absoluto sobre la vida de sus
actores. Las estrellas femeninas, en particular, sufrían una explotación sistemática, siendo
forzadas a cumplir con estándares de belleza extremos, dietas estrictas y cirugías estéticas
impuestas sin su consentimiento. Los estudios también controlaban sus vidas personales,
determinando con quién debían casarse o incluso forzándolas a abortar cuando los
embarazos no encajaban con su imagen pública. Casos como el de Judy Garland, quien
desde su adolescencia fue sometida a dietas severas, abuso de anfetaminas para
mantenerse delgada y somníferos para dormir, son ejemplos de la brutalidad de la industria.
Además, el abuso sexual era una práctica común, con productores y directores explotando
a jóvenes actrices a cambio de oportunidades laborales, un secreto a voces que solo
décadas después comenzó a salir a la luz.
Esta censura y explotación moldearon la imagen de la mujer en el cine, relegándola a roles
sumisos mientras que, fuera de la pantalla, eran víctimas de un sistema que las veía como
productos desechables. Sin embargo, con el paso del tiempo y los cambios socioculturales
de los años 50 y 60, el Código Hays perdió vigencia, siendo reemplazado en 1968 por el
sistema de clasificación por edades que aún se utiliza hoy en día. A pesar de los avances,
la lucha contra la explotación en la industria del cine continúa hasta la actualidad.
HOLLYWOOD 30´s
El Código Hays, instaurado en 1934, impuso una fuerte censura en Hollywood, prohibiendo
besos prolongados, infidelidades, prostitución y cualquier referencia a la homosexualidad.
Esto respondió a la reacción conservadora contra el cine de los años 20, que mostraba
mujeres independientes y temáticas sexuales más abiertas. Además de afectar las
películas, la censura se extendió a la vida privada de los actores, forzándolos a ocultar su
orientación sexual o entrar en matrimonios arreglados. Las mujeres fueron relegadas a roles
sumisos, y la industria eliminó cualquier representación realista de la sexualidad, reforzando
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valores conservadores que moldearon el cine por décadas.
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Escenas de besos prolongados
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Relación entre personas de diferentes razas
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Referencias a homosexualidad
Empoderamiento femenino o personajes femeninos demasiado independientes
Los estudios controlaban cada aspecto de la vida de sus estrellas, sometiéndolas a cirugías
estéticas sin su consentimiento, consumo de drogas y manipulación psicológica. A pesar de
estas restricciones, algunos cineastas encontraron formas ingeniosas de evadir la censura
mediante el uso de metáforas y simbolismos visuales.
Los niños actores eran aún más vulnerables, ya que no existían leyes que protegieran sus
derechos. Trabajaban jornadas extenuantes sin descanso, y sus ganancias eran
administradas por sus padres o los estudios, dejándolos muchas veces en la ruina al llegar
a la adultez. La presión para mantener una imagen de "infancia perfecta" los llevó a ser
tratados como productos más que como personas, y muchos sufrieron explotación, abuso
psicológico e incluso acoso por parte de ejecutivos y directores. Shirley Temple, la estrella
infantil más famosa de la época, reveló años después que sufrió situaciones de acoso
siendo menor de edad. Jackie Coogan, famoso por The Kid junto a Chaplin, perdió toda su
fortuna porque sus padres la malgastaron. Otros niños actores, al perder la fama, quedaron
sin recursos y con secuelas emocionales profundas debido a la explotación vivida en la
industria.
ABUSO Y VIOLENCIA HACIA LAS ACTRICES
Las mujeres en Hollywood eran vistas como objetos, y los ejecutivos de los estudios usaban
su poder para explotarlas sexualmente. Los productores más influyentes, como Louis B.
Mayer (MGM), tenían fama de "descubrir" actrices jóvenes, pero en realidad las
manipulaban y abusaban de ellas. Si se negaban a sus avances, podrían perder sus
carreras.
Ejemplo: La actriz Loretta Young quedó embarazada de Clark Gable después de que él la
violara en un set. Para evitar un escándalo, fingió que se había ido de viaje y luego "adoptó"
a su propia hija en secreto.
EL RACISMO EN HOLLYWOOD
La industria cinematográfica de los años 30 era profundamente racista. Los actores no
blancos eran relegados a papeles estereotipados y casi nunca obtenían roles protagónicos.
● El "blackface" (actores blancos maquillados para interpretar personajes negros) era
una práctica común en la época.
● Las actrices latinas y asiáticas solo conseguían papeles de sirvientas o mujeres
exóticas y peligrosas.
● Los actores afroamericanos rara vez podían hablar en pantalla o eran relegados a
papeles de criados.
Ejemplo: Hattie McDaniel, la primera actriz afroamericana en ganar un Oscar por Lo que el
viento se llevó (1939), no pudo asistir al estreno de la película por ser negra y fue sentada
en una mesa separada en la ceremonia de premiación.
“STAR SYSTEM”
Los estudios no solo controlaban las películas, sino también la imagen pública de sus
actores. A través del llamado "Star System", las productoras creaban nuevas estrellas
cambiándoles el nombre, modificando su historia de vida e imponiéndoles estrictos
estándares de belleza. Norma Jeane Baker fue transformada en Marilyn Monroe, con un
cambio radical de imagen que incluyó teñirse el cabello de rubio y someterse a cirugías
estéticas.
Las actrices sufrían una presión extrema para mantener una apariencia juvenil y delgada, lo
que las llevaba a dietas forzadas y al consumo de drogas suministradas por los estudios.
Judy Garland, protagonista de El Mago de Oz, fue obligada a tomar anfetaminas para
mantenerse delgada y barbitúricos para dormir. Esta adicción la persiguió toda su vida.
Los estudios también imponían cirugías plásticas sin consentimiento, modificando narices,
pómulos o dientes de sus estrellas para ajustarse a los estándares de belleza de la época.
Rita Hayworth nació como Margarita Carmen Cansino, pero los estudios le aclararon la piel
con tratamientos dolorosos y le modificaron la línea del cabello con electrólisis.
PELÍCULAS PRE-CODE (antes del código hays 1934)
“Red-Headed Woman” (1932)
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Con Jean Harlow como una mujer seductora y ambiciosa que desafía las normas sociales.
● Judy Garland, quien desde su adolescencia fue sometida a estrictos regímenes
de trabajo y dietas. A los 16 años, la MGM la introdujo a un ciclo de drogas y
pastillas, con la intención de mantenerla delgada y enérgica para cumplir con los
horarios de trabajo interminables. Garland relató en sus memorias que la producción
le daba pastillas para mantenerse despierta y otras para dormir, un abuso que
deterioró gravemente su salud mental y física. A pesar de su éxito, Judy vivió
atormentada por una profunda inseguridad y depresión, una situación que los
estudios ignoraron en aras de mantener su imagen de estrella juvenil perfecta.
https://www.youtube.com/watch?v=yJln3uO6tBQ
● Bette Davis, Durante los primeros años de su carrera, Davis estuvo bajo contrato
con Warner Bros., que era conocida por su trato autoritario hacia sus actores. A lo
largo de la década de 1930 y principios de 1940, los estudios mantenían un control
total sobre las carreras de sus estrellas. Esto incluía imponerles papeles que no
deseaban, dictar sus horarios y, en muchos casos, influir en su vida personal para
moldear su imagen pública. Davis, conocida por su fuerte carácter y determinación,
se rebeló contra este control. En 1937, cuando estaba cansada de recibir papeles
secundarios y poco desafiantes, decidió plantarse contra Warner Bros. y se negó a
firmar un nuevo contrato. A raíz de esto, la actriz fue "suspendida" por el estudio
durante casi un año, lo que paralizó su carrera por un tiempo. Esta suspensión fue
una muestra del poder que los estudios ejercían sobre sus estrellas, y también de la
férrea voluntad de Davis para luchar por el control sobre su carrera.
Impacto de la Gran Depresión (1929-1939)
La crisis financiera de 1929 dejó a millones de personas desempleadas, afectando
drásticamente el consumo, la moda y el diseño. La sociedad se dividió en dos extremos: los
sectores más pobres enfrentaban dificultades económicas extremas, mientras que las
clases altas seguían mostrando lujo y elegancia, aunque con cierta contención en
comparación con los excesos de los años 20. Las mujeres que antes disfrutaban de la
independencia laboral en los años 20 fueron empujadas nuevamente al hogar, reforzando la
imagen tradicional de la mujer ama de casa. La ropa y el diseño se volvieron más
funcionales y accesibles, aunque aún mantenían una estética refinada. La moda se volvió
más seria, austera y rígida. La cintura regresó a su posición natural, las faldas se alargaron
y la vestimenta se volvió más formal, con trajes a medida y zapatos cerrados. Los textiles
lujosos se volvieron más caros y menos accesibles debido a la guerra, y muchas alianzas
entre países se rompieron. Se podían comprar los patrones o conseguirlos en revistas, y las
mujeres confeccionaban ropa para toda la familia.
Entretenimiento y Cultura
El cine sonoro se consolidó, marcando el auge de Hollywood y su sistema de estrellas. La
radio se convirtió en el principal medio de comunicación en el hogar. En la música, el jazz
evolucionó con el swing, convirtiéndose en un género masivo y popular. Hollywood era el
lugar de la fantasía, para escapar a un mundo mejor. Fue la época dorada de Hollywood y la
creadora de estereotipos.
Fotografía de Moda
Durante los años 30 y 40, la fotografía de moda evolucionó de simples catálogos ilustrativos
a un medio artístico que vendía aspiraciones y estilo de vida. Las revistas de moda como
Vogue, Harper’s Bazaar y Vanity Fair jugaron un papel clave en la creación de tendencias y
en la consolidación de la industria del lujo. Revistas de moda con fotografía en estudios
perfectamente planeados. La moda trata de venderte cosas.
Características de la Fotografía de Moda en la Época
● Composición cuidada y estética sofisticada: Se buscaban tomas elegantes, con
iluminación controlada y poses refinadas.
● Idealización de la mujer: Las modelos eran retratadas como figuras etéreas,
glamorosas e inalcanzables.
● Escenarios lujosos: La moda se presentaba en ambientes que evocaban riqueza y
exclusividad.
● Influencia del cine: La era dorada de Hollywood impactó en la moda y la fotografía,
haciendo que las estrellas de cine fueran íconos de estilo.
Fotógrafos importantes:
● Lee Miller: Amante y aprendiz de Man Ray (vanguardia). Fue modelo, fotógrafa y
periodista de guerra. Experimentó con técnicas como la solarización, creando
efectos surrealistas en la fotografía de moda. Durante la Segunda Guerra Mundial,
dejó la moda y se convirtió en corresponsal de guerra para Vogue, capturando
imágenes impactantes del conflicto y la liberación de los campos de concentración.
Su trabajo desafió los estereotipos de la mujer de la época, mostrando su valentía
en el fotoperiodismo.
● Cecil Beaton: Fotógrafo y periodista. Trabajó para Harper’s Bazaar, Vanity Fair y
Vogue. Diseñador de vestuario para My Fair Lady. Su estilo se caracterizaba por la
fantasía y el glamour, muchas veces incorporando elementos surrealistas.
● Horst P. Horst: Conocido por su estilo elegante y dramático, con un fuerte énfasis
en el uso de luces y sombras para esculpir el cuerpo y las prendas. Conocido por su
icónica foto Mainbocher Corset (1939), capturó la elegancia del período con una
estética dramática y escultural.
● George Hoyningen-Huene: Trabajó en Vogue y Harper’s Bazaar, creando
imágenes sofisticadas con un fuerte énfasis en la geometría y la iluminación. Creó
imágenes de gran sofisticación con un enfoque en la geometría, la simetría y el
equilibrio de formas. Fotografiaba en estudios con una iluminación controlada,
inspirándose en la escultura griega y el arte clásico. Composiciones minimalistas y
precisas. Influencia del cine expresionista y el surrealismo. Uso magistral del blanco
y negro, con efectos de luces y sombras para enfatizar la ropa y la figura humana.
Referentes de la Época
Diseño Industrial y Gráfico
● Raymond Loewy: Considerado el padre del diseño industrial moderno, promovió la
aerodinámica en objetos de consumo (trenes, autos, electrodomésticos).
● Norman Bel Geddes: Introdujo una visión futurista en productos y automóviles,
anticipando la estética de la posguerra.
● A. M. Cassandre: Diseñador gráfico y cartelista influenciado por el Art Déco,
conocido por sus ilustraciones publicitarias con tipografía geométrica.
Moda e Indumentaria
● Elsa Schiaparelli: Introdujo elementos surrealistas en la moda (colaboraciones con
Dalí), con colores vibrantes y formas innovadoras. Introdujo humor e ironía a la
moda.
● Coco Chanel: Popularizó la ropa cómoda sin perder elegancia, adaptando los trajes
masculinos al cuerpo femenino.
● Madeleine Vionnet: Revolucionó la silueta femenina con el corte al bies, que
permitía vestidos con más movimiento y fluidez. Vestidos inspirados en estilos
antiguos, usando piezas de tela continua como en las túnicas.
Cine y TV
Jean Harlow, Marlene Dietrich, Greta Garbo: Iconos de la feminidad sofisticada con
vestidos ceñidos, labios oscuros y cabello estructurado.
Clark Gable, Cary Grant, Humphrey Bogart: Representaban la masculinidad refinada y
segura.
Películas icónicas:
○ King Kong (1933): Espectáculo visual con efectos innovadores.
○ Lo que el viento se llevó (1939): Un hito en el cine épico.
○ Scarface (1932): Reflejaba la figura del gánster como estereotipo masculino.
Actrices famosas y sus estereotipos
● Marlene Dietrich:
Pionera en romper los roles de género con su estilo andrógino. Fue una de las
primeras mujeres en Hollywood en usar trajes de hombre y corbatas de manera
elegante y sofisticada. En sus películas, solía interpretar personajes seductores,
misteriosos y con una fuerte presencia en pantalla. Su lema era: “Glamour sin
esfuerzo”.
● Bette Davis:
Conocida por sus intensas expresiones y gran capacidad dramática. Se la
consideraba "difícil" en Hollywood porque siempre exigía papeles más complejos y
desafiantes. Rompió con los estereotipos de la mujer dulce y sumisa, interpretando
personajes de mujeres fuertes, ambiciosas y hasta crueles. Fue pionera en el
derecho de los actores a rechazar papeles que no les gustaban.
●
● Carole Lombard:
Conocida como la “Reina de la Comedia” de Hollywood por su talento para la
comedia física y su espontaneidad.Su papel en La octava mujer de Barba Azul
(1938) y Ser o no ser (1942) la convirtieron en un ícono de la época.
●
● Vivien Leigh:
Conocida por su icónica interpretación de Scarlett O'Hara en Lo que el viento se
llevó (1939) y de Blanche DuBois en Un tranvía llamado deseo (1951). Luchó contra
el trastorno bipolar, lo que afectó su carrera y vida personal. Su belleza y formación
teatral la convirtieron en un modelo de la actriz clásica y sofisticada.
●
● Judy Garland:
Saltó a la fama con El Mago de Oz (1939), donde interpretó a Dorothy, un personaje
que se convirtió en un símbolo cultural. Se convirtió en un ícono de la comunidad
LGBTQ+ gracias a su interpretación emocional y su lucha personal.
●
● Greta Garbo:
La "Diosa del Cine Mudo" y más tarde, una de las actrices más enigmáticas del cine
sonoro. Su mística radicaba en su fuerte personalidad, su acento extranjero y su
decisión de retirarse del cine en la cima de su carrera. Su frase icónica: "Quiero
estar sola", alimentó su imagen de estrella distante y misteriosa.
●
● Rita Hayworth:
Se convirtió en el epítome del glamour de Hollywood con películas como Gilda
(1946), donde su interpretación de una femme fatale quedó inmortalizada en la
historia del cine. Era de ascendencia española y originalmente tenía el cabello
oscuro, pero los estudios de cine la transformaron en una pelirroja icónica. Fue
considerada uno de los mayores símbolos sexuales de los años 40.
●
● Joan Crawford:
Su imagen era la de una mujer ambiciosa, a veces despiadada, lo que la convirtió en
una inspiración para el mundo del drag y la cultura pop. Su legado se vio afectado
por las memorias de su hija en Mommie Dearest, donde la retrató como una madre
abusiva.
Publicidad y Medios
La publicidad utiliza ilustraciones estilizadas, influenciadas por el Art Déco. Predominaban
anuncios de cigarrillos, maquillaje y automóviles, reforzando estereotipos de género. Las
revistas de moda como Vogue y Harper’s Bazaar seguían marcando tendencias.
La década de 1930 estuvo marcada por la dualidad entre lujo y precariedad. Mientras la alta
sociedad mantenía su glamour, las clases trabajadoras lidiaban con la crisis económica.
Esta tensión creó un universo visual donde la belleza coexistía con la adversidad.
estereotipos de la década
Los estereotipos visuales de los años 30 estuvieron marcados por la crisis económica y la
necesidad de adaptación social. La moda, la publicidad y el cine ayudaron a consolidar
imágenes icónicas que aún hoy se asocian con la época.
Estereotipo Femenino
● La mujer glamourosa representaba el ideal de sofisticación y lujo, inspirado en
las estrellas de Hollywood. Vestidos largos de telas satinadas, labios oscuros y
peinados con ondas al agua definían su estética. Actrices como Jean Harlow y Greta
Garbo reforzaron esta imagen de feminidad inalcanzable y seductora.
● En contraste, la mujer trabajadora vestía de manera más funcional debido a la
crisis económica. Los vestidos eran sencillos, con estampados modestos y telas
resistentes. Su imagen transmitía determinación y esfuerzo, reflejada en la fotografía
documental de la época.
● Por otro lado, la ama de casa ideal aparecía en la publicidad como el modelo de
esposa y madre perfecta. Su vestimenta era pulcra, con delantales sobre vestidos
recatados, siempre con una sonrisa amable. Este estereotipo reforzaba el rol de la
mujer en el hogar y la familia.
Estereotipo Masculino
● El caballero elegante representaba el ideal de distinción y éxito. Trajes de tres
piezas, corbatas, cabello engominado y bigotes finos eran características esenciales.
Actores como Clark Gable y Cary Grant encarnaban esta imagen de masculinidad
refinada y segura.
● El gánster, por su parte, surgió como un símbolo de poder y transgresión.
Inspirado en la mafia de la época, su estética incluía trajes oscuros con rayas
diplomáticas, sombreros fedora y cigarrillos. Películas como Scarface (1932)
ayudaron a cimentar este estereotipo, asociado con el crimen organizado y la
ambición.
● El hombre trabajador representaba el sacrificio y la honestidad en tiempos de
crisis. Su vestimenta era funcional: overoles, camisas arremangadas y boinas. Su
expresión reflejaba cansancio y preocupación, pero también resiliencia. Este
estereotipo predominaba en la fotografía social y la publicidad dirigida a la clase
obrera.
Estereotipo Infantil
● La imagen de la infancia se dividía en dos representaciones opuestas. Por un lado,
el niño inocente era mostrado en la publicidad y el cine como símbolo de pureza y
esperanza. Vestía ropa pulcra y se le asociaba con juguetes clásicos, como
muñecas de porcelana y caballitos de madera. Shirley Temple encarnó este ideal en
la pantalla grande.
● En contraste, el niño de la Depresión reflejaba la dura realidad de la crisis. Con ropa
desgastada y expresiones de tristeza o desconcierto, su imagen quedó inmortalizada
en las fotografías documentales de la época, como las de Dorothea Lange.
PUNTOS PARA HABLAR
gran depresión
cine como distracción
código hays
vuelta a la mujer sumisa
explotación de la imagen de actrices
control de la imagen
