Bloque 1.
El
arte clásico
El Arte Clásico
Francisco Javier De la Higuera Vílchez
Departamento de Geografía e Historia.
IES Iliberis (Atarfe)
Historia del Arte. Departamento de Ciencias Sociales. IES Ilíberis
1
ÍNDICE.
EL ARTE GRIEGO.
1. La Arquitectura Griega.
a. Los Órdenes Clásicos.
b. El templo griego.
c. La Acrópolis. El Partenón.
2. La Escultura griega.
a. La Escultura Arcaica: el Kouros y las Korais.
b. Los grandes maestros del siglo V.
c. Los grandes maestros del siglo IV.
3. El periodo Helenístico.
• El Periodo Helenístico: el arte como expresión de un imperio.
• El Teatro griego.
• La escultura helenística.
Bloque 1: Las Raíces del Arte europeo. El legado del Arte Clásico
Historia del Arte. Departamento de Ciencias Sociales. IES Ilíberis
2
1. LA ARQUITECTURA GRIEGA.
a. Los Órdenes Clásicos.
Entender la arquitectura griega implica dominar previamente un concepto sobre el que se desarrolla toda
la producción arquitectónica helena y que se va a convertir en un referente para los arquitectos de todas
las épocas históricas de Europa hasta el siglo XIX. Nos estamos refiriendo a
los órdenes arquitectónicos clásicos.
Así, los edificios griegos son fruto de dos preocupaciones fundamentales. La
Las partes de primera de ellas deriva de la preocupación por construir edificios a escala
una columna humana, patrón de medida fundamental de toda manifestación griega. En
segundo lugar, los artistas griegos, sobre todo los arquitectos, se van a
preocupar por la armonía visual de todos los edificios que construyen. Esta
preocupación encierra un cuidado excepcional sobre la proporción de los
edificios, la perfecta relación de sus partes y el todo.
Para satisfacer estas dos preocupaciones, los griegos utilizaron el concepto
de orden arquitectónico. Un orden arquitectónico clásico es un “estilo de
construcción que se distingue por la relación entre el todo y las partes del
edificio para conseguir que sea proporcionado, que tenga armonía y unidad”.
Según los griegos, esta proporción se consigue siguiendo unos criterios
matemáticos. Este conjunto de elementos y formas de relacionarse entre sí
se organiza en tres tipos distintos: dórico, jónico y corintio.
La forma en que se relacionan los elementos y las proporciones que resultan
tienen como base la columna, compuesta por basa, fuste y capitel. Más en concreto, es la medida del
diámetro inferior del fuste el que marca la unidad para el cálculo matemático de todas las proporciones.
El Orden Dórico es el más “desnudo” de los órdenes clásicos y el primero en aparecer. Surgió durante el
siglo VII y se extendió a las colonias griegas. El ejemplo más claro es el del Partenon. Se caracteriza por
tener el friso dividido en triglifos (pieza rectangular con tres acanaladuras) y metopas (espacio cubierto
con un cuadrado de mármol que se decora con relieves). La otra gran distinción es que no utiliza basa en
las columnas.
El Orden Jónico, sin embargo, es de líneas mucho más esbeltas que el Dórico. Un poco más tardío, apareció
a finales del siglo VII. Una de las diferencias que más salta a la vista con respecto al Dórico es la
configuración del friso jónico que, en principio, aparecía liso y más tarde se cubrió enteramente de relieves.
Unos de los ejemplos jónicos más importantes son el templo de Atenea Niké o el Erecteion en la Acrópolis.
El último orden en aparecer es el Corintio, Es el más tardío, apareciendo hacia la segunda mitad del siglo
V. Es una especie de simbiosis o combinación de los dos anteriores y se caracteriza por ser el más decorado.
Como ejemplo sobresale el Olimpeion de Atenas. Los órdenes serán muy utilizados a lo largo de la Historia
de la Arquitectura.
Bloque 1: Las Raíces del Arte europeo. El legado del Arte Clásico
Historia del Arte. Departamento de Ciencias Sociales. IES Ilíberis
3
b. El templo griego.
La religión griega presenta varios rasgos comunes. Así, rendían culto a los mismos dioses. Además, los
rituales se llevaban a cabo al aire libre. Por ello, los templos no eran lugares de culto, sino que se
concebían como la “morada” del dios o diosa al que estaban dedicados. Por ello, no estaban pensados,
los templos, para albergar a los fieles, sino que eran lugares solamente de culto. Los templos estaban
construidos a escala humana, como todo lo griego. De hecho, los dioses comparten todas las
características, virtudes y defectos, de los humanos, por ello los edificios no son monumentales.
Constructivamente siguen los criterios de la arquitectura arquitrabada o adintelada (sin arcos ni bóvedas),
construida en piedra, sobre todo mármol, aunque en sus inicios parece ser que los templos se
construyeron de madera. Una vez construidos, los edificios de culto se policromaban, algo que parece
demostrado, normalmente en rojo y azul. Salvo la pintura, no aparece nada innecesario en estos edificios,
pensados matemáticamente en sus proporciones.
En principio, todos los templos erigidos van a conservar una estructura estable a
lo largo del tiempo (visible en la planta siguiente), una vez alcanzado el periodo
preclásico. Todos los templos van a constar de una sala principal o Naos donde se
sitúa la estatua del Dios. Esta sala irá precedida de un pórtico delantero abierto o
Pronaos. La estructura se completará, a las
espaldas, con un pórtico cerrado u Opistodomos.
Esta estructura aparece rodeada por un pasillo
Arquitectura exterior o perístasis, que aparece delimitado por
arquitrabada columnas. El número de columnas varía según
los templos, lo que sirve para clasificarlos, como
veremos más adelante. Por último, toda esta estructura se levanta
sobre un basamento de tres peldaños o Estereóbato.
Para clasificar los tipos de templos griegos se han utilizado varios
criterios, lo que nos ha dado una gran variedad de tipos de templos. Así,
atendiendo al número de columnas de la fachada, los templos pueden
ser: dístilo cuando tiene solo dos columnas; tetrástilo cuándo tiene
cuatro; hexástilo si tiene 6; octástilo de 8; y, por último, decástilo
cuando presenta diez. Los más comunes son el hexástilo y el octástilo.
Dependiendo de la posición de las columnas, los templos pueden ser:
Arquitectura que utiliza próstilos si sólo tienen columnas en la fachada o anfipróstilos si poseen
arquitrabes o dinteles, es columnas también en el frente posterior. Por último, dependiendo del
decir elementos de cierre perímetro de columnas pueden ser: perípteros cuando están rodeados
horizontales sujetos por de columnas enteramente pero sólo por una hilera; o dípteros cuando
otros elementos se rodean por dos hileras de columnas.
verticales, para cerrar por Existe, además, una última forma de los templos griegos, si queremos
arriba huecos o vanos. más rara o menos frecuente, que es la circular. En este caso el templo
También se le puede recibe el nombre de tholos. El más famoso de los ejemplos de este tipo
denominar adintelada. de templo es el Tholos de Atenea Pronaia en Delfos.
Bloque 1: Las Raíces del Arte europeo. El legado del Arte Clásico
Historia del Arte. Departamento de Ciencias Sociales. IES Ilíberis
4
c. La Acrópolis. El Partenón.
La palabra Acrópolis significa zona alta de la ciudad. Solía estar protegida con un recinto amurallado,
siendo, por tanto, la zona más protegida de la ciudad. En ella se situaban los templos con los tesoros que
los fieles depositaban en honor de los dioses. También servía, dadas sus características defensivas, como
refugio para la población en caso de peligro.
La más famosa es la Acrópolis de Atenas, embellecida por Pericles y Fidias en el siglo V, tras las Guerras
Médicas. De ella se conservan, además de los Propileos,
entrada triunfal llevada a cabo por Menesicles a partir del año
437 a.C., el templo de Atenea Niké (Atenea Victoriosa),
templo jónico, tetrástilo y anfipróstilo, construido por
Calícrates en el 421 a.C. y el Erecteión, construido en el 421
a.C. La parte del templo, ya que su estructura es más compleja
(se cree que representa la planta de la casa de Erecteo, mítico
rey de Atenas), es un templo jónico, hexástilo y anfipróstilo.
Está dedicado, aparte de a Erecteo, a Atenea Polias o Folias
(diosa protectora de la ciudad) y a Poseidón.
Centrándonos ya en el Partenón, debemos decir que representa la imagen de todo el arte griego y clásico.
Literalmente significa “residencia de las vírgenes”.
Sin embargo, teniendo en cuenta que es la
“residencia” de la escultura de Atenea Partenos
(Atenea la virgen), podemos traducirlo por “la
residencia de Atenea la virgen”. Este importante
templo fue mandado construir por Pericles y se
construyó entre el 447 y el 432 a.C. El edificio fue
obra de Ictinos y Calícrates, aunque fue supervisado
en toda su construcción por Fidias, que será el
diseñador y ejecutor de todo su programa
decorativo escultórico.
Es un templo octástilo, anfipróstilo y períptero, de
orden dórico al exterior y jónico en el muro que rodea la naos. Se erige en honor de Atenea, protectora
de la ciudad, en agradecimiento por la victoria contra los persas.
Uno de los aspectos que más resalta de la concepción del Partenón, aparte de su programa escultórico,
que analizaremos en la escultura, es el cuidado que desarrollaron sus diseñadores y ejecutores en
construir un edificio que resultase plásticamente perfecto a todas las miradas.
Para conseguir que el edificio resultase geométricamente perfecto al ojo humano tuvieron que diseñar
una serie de refinamientos ópticos que hacen que, aunque no sea geométricamente perfecto, sí que lo
resultase al observarlo. Así, el entablamento y el basamento no son rectos, sino que presentan una ligera
curva convexa. Ello hace que el edificio parezca mucho más “perfecto” de lo que es. A su vez, las columnas
no son exactamente cilíndricas, sino que son más anchas en su parte central. Ello genera una mayor
sensación de cilindro en unos objetos visto desde abajo. A ello también ayuda la inclinación hacia el
Bloque 1: Las Raíces del Arte europeo. El legado del Arte Clásico
Historia del Arte. Departamento de Ciencias Sociales. IES Ilíberis
5
espectador de las columnas y que tienden a juntarse al llegar al entablamento. Por último, los
intercolumnios no son iguales en tamaño, sino que varían para, precisamente, parecer que las columnas
están dispuestas en una perfecta forma paralela.
2. LA ESCULTURA GRIEGA.
Para estudiar la escultura griega debemos tener en cuenta que tenemos pocas piezas originales. En
mármol y en bronce, las esculturas de bulto redondo son prácticamente inexistentes. Sólo algún hallazgo
como los del Dios del Cabo Artemisio (posiblemente Poseidón o Zeus); el Auriga de Delfos; o, más
recientemente, los Guerreros de Riace (1972), nos han permitido admirar en toda su magnitud la pericia
de los broncistas griegos.
a. La Escultura Arcaica: el “Kuros”.
Las primeras obras escultóricas pertenecen al periodo arcaico, que se extiende desde finales del siglo VIII
a.C. hasta los inicios del siglo V. Todos los ejemplos son estatuas de bulto redondo y de pequeño tamaño.
Representan a hombres (Kurós) y mujeres jóvenes (Korais),
posiblemente realizados para servir como exvotos dedicados a algún
dios, o como pequeños recuerdos que se entregaban en los funerales.
Sonrisa eginética Entre sus características tenemos la inexpresividad de los rostros, que
se acentúa con la frontalidad con la que se representan. Esta
inexpresividad también se resalta por el tipo de sonrisa que reflejan.
Es un tipo de sonrisa totalmente rígida, hierática, llamada también
eginética o arcaica. Cierran el rostro los ojos almendrados y el pelo
ordenado en superficies geométricas. Reflejan rigidez y escasez de
movimientos, aunque ya son capaces de representar las partes del
cuerpo y los músculos. Se realizan en piedra, aunque las primeras se
realizaron en madera. Los ejemplos más interesantes son el Kuros de
Anavyssos, la Dama de Auxerre, la Koré del Peplos y el Moscóforo.
La representación de esta b. Los grandes maestros del siglo V.
peculiar sonrisa se ha
interpretado como un rasgo A partir de la segunda mitad del siglo V se va a desarrollar el talento
convencional tendente al griego, que va a sentar las bases del arte occidental, convirtiéndose en
realismo, que indicaría que la referencia obligada hasta la segunda mitad del siglo XIX. Será Atenas,
el rostro así diseñado en la época de esplendor de la democracia, la que sirva de contexto a
pertenece a alguien vivo, una de las mayores revoluciones de la Historia del Arte occidental.
queriendo mostrar su
bienestar (como la pose que Los artistas griegos de la época clásica van a desarrollar la idea de
se busca en ciertas reproducir la realidad, aunque interpretándola. Por tanto, sus obras no
fotografías). También se ha pueden ser consideradas realistas, ya que recogen los aspectos de la
interpretado como un deseo naturaleza que les interesan para representar a la “persona”, no a una
de complacer a los dioses. determinada. Representan la “idea de persona”, lo que es en esencia,
su idealización. Además, los artistas griegos se regirán, a la hora de
Bloque 1: Las Raíces del Arte europeo. El legado del Arte Clásico
Historia del Arte. Departamento de Ciencias Sociales. IES Ilíberis
6
concebir la representación humana, por tres conceptos que vamos a desarrollar: la Armonía de
proporciones, el Principio de Diartrosis y la Postura del Contraposto.
Los griegos entienden que la belleza se basa en la proporción de medidas entre el todo y las partes que
forman una figura o una forma. Además, las relaciones de proporción entre cada elemento surgen de
cálculos matemáticos. Por tanto, belleza, proporción y matemática son tres conceptos relacionados de
manera muy intensa a la hora de entender la belleza. Los griegos van a
buscar la belleza física y el equilibrio espiritual a través de la armonía que
da la proporción en la escultura. Aquí será la cabeza la que se adoptará
como unidad de medida para proporcionar la armonía de proporciones.
Los tipos de escultura
Durante el siglo V serán siete cabezas la medida ideal del cuerpo. En el siglo
IV el canon se alargará pasando a ocho la medida ideal. Estas ideas fueron
• El bulto redondo:
También llamada exenta, desarrolladas por Policleto en su obra el Khanon, donde las plasmaba,
es aquella que puede además de realizar una escultura en bronce que las recogía, hoy
observarse desde todos desaparecida.
los puntos de vista y
El Principio de Diartrosis se basa en el tratamiento individualizado de cada
puede ser rodeada en su
totalidad. una de las partes del cuerpo (extremidades, pecho, abdomen, el tronco
completo…). El inicio del uso de estas reglas se marca ya en el kuros, donde
se dan los primeros pasos.
Por último, derivada de lo anterior surge la Postura del Contraposto. A
través de ella, los escultores griegos van a romper con la idea de frontalidad
en la representación que viene de época arcaica. Una pierna actuará de
sostén y la otra se flexiona. Ello hace que se desnivele la línea de las caderas.
Otras características se centran en que las estatuas se representan para ser
• El relieve: Formas vistas en todas sus perspectivas, abandonando la frontalidad. Por último,
escultóricas adheridas a también buscarán plasmar el movimiento. Todo ello lo podemos ver en el
una superficie. estudio de los maestros más importantes del siglo V que son Policleto y
Fidias.
Policleto (480-420 a.C.) es un broncista que representa fundamentalmente
atletas y se preocupa, sobre todo, por los aspectos formales de la
representación en la estatuaria. Es decir, su obra gira en torno a los
problemas para representar las figuras, en cómo plasmar la realidad en
una “escultura”. Escribió el Khanon, donde exponía los criterios para
alcanzar la perfecta proporción del cuerpo humano, ejemplificada en el
Doríforo. Otros ejemplos de sus obras son el Diadumeno, una Hera destinada al templo de Argos y el
Discóforo.
Su método de representación incluía una serie de normas sobre la perfecta ordenación de la figura para
reflejar armonía. Dividía la figura humana en 4 partes: una línea vertical divide el cuerpo en dos mitades
Bloque 1: Las Raíces del Arte europeo. El legado del Arte Clásico
Historia del Arte. Departamento de Ciencias Sociales. IES Ilíberis
7
y otra horizontal, a la altura de la cadera,
completa la división. De esta manera
resultan 4 partes, que se numeran del 1 al
Técnica de los “paños 4 empezando por la parte superior
mojados” izquierda y continuando como las agujas
del reloj. Los pares de la izquierda (1,3) y la
Es una técnica escultórica
derecha (2,4) debían ser iguales: si el lado
que consiste en representar
1 estaba relajado (mano, brazo y hombro
el cuerpo humano cubierto
por vestiduras que se caído) el lado opuesto (2) debe estar
“pegan” a él como si flexionado y convenientemente repartido
estuviesen mojadas, de tal el peso: pierna y pie flexionado.
manera que lo reflejan
El artista que representa el triunfo del clasicismo es, sin embargo,
claramente como si
Fidias (490-431 a.C.), artista oficial de la democracia ateniense y de su
estuviese desnudo.
líder Pericles. Fidias es el escultor de la devoción: refleja la hermosura
del rostro, esculpe honestos ademanes y gallardas posturas. La belleza
de sus Ateneas transmitirá a los griegos una nueva imagen y una nueva
concepción de la divinidad: son la belleza deificada, el “quid divinum”,
lo divino. Fidias es, por tanto, el verdadero creador de la “imagen de
culto”, frente a la escultura que plantea Policleto centrado en los
aspectos formales.
Continuará la senda emprendida por Policleto, en la que ya se han
conquistado los instrumentos para la representación de la realidad de
la figura humana de forma convincente. Es responsable de las mejores
imágenes de Atenea: Promakhos, Lemnia y Partenos. Sin embargo, no
se conserva ningún original. También realiza el monumental Zeus de Olimpia, que también podemos
estudiar sólo por referencias.
Su gran aportación, sin embargo, es el programa decorativo escultórico del Partenón, enteramente
compuesto por relieves. Estos se concentran en las metopas, en los frontones y en el friso interior jónico.
Los frontones están ambos dedicados a Atenea. El Oriental representa su nacimiento directamente de la
cabeza de Zeus, tras tragarse a Metis, madre de Atenea. El Occidental narra la lucha por el patronazgo del
Ática, ganado por Atenea. Entre sus características destaca el hecho de que la escala de los personajes es
idéntica para todos ellos, aunque se van a ir acomodando al espacio que les permite el frontón. Las telas
de los vestidos se pegan al cuerpo, trasluciendo la anatomía, a partir de la técnica de “paños mojados”.
Las metopas ilustran los cuatro ciclos en los que Atenea participó con resultados favorables: Guerra de
Troya y Centauromaquia y la Gigantomaquia y Amazonomaquia.
Por último, el friso interior, de orden jónico esculpido en bajorrelieve, representa la procesión de las
Panateneas. En él podemos observar las dos procesiones Panateneas: las Mayores y las Menores. Cada
año, en el primer mes de su calendario los y las atenienses celebraban una procesión en honor a Atenea,
que concluía con un sacrificio a la diosa. Estas eran las Panateneas menores. Cada cuatro años, sin
embargo, se celebraban las Panateneas Mayores, que culminaban con la procesión del peplo, en la cual,
las jóvenes doncellas de Atenas ofrecían a la diosa esta prenda tejida por ellas. Fidias decidió incluir este
friso cuando ya se estaba construyendo el edificio.
Bloque 1: Las Raíces del Arte europeo. El legado del Arte Clásico
Historia del Arte. Departamento de Ciencias Sociales. IES Ilíberis
8
c. Los grandes maestros del siglo IV.
Fundamentalmente son Praxíteles, Scopas y Lisipo. El siglo IV se inicia en un contexto difícil, ya que acaba
de finalizar la Guerra del Peloponeso (431-404 a.C), guerra civil entre las ciudades griegas. Ello se va a
reflejar en el arte, que se va a volver mucho más realista y a reflejar los sentimientos mucho más a flor de
piel, además del giro hacia la delicadeza y el refinamiento. Por tanto, el siglo IV marca una doble tendencia:
la “charis” (gracia, bondad), que refleja Praxíteles, y el “pathos” (la pasión, la emoción). Además, la
conquista del movimiento ya es un hecho. Veamos todo esto
por autores.
Praxíteles, ateniense como Fidias, desarrolló su obra entre el
Trazado reticular
370 y el 340 a.C. Es el autor de la gracia, de la suavidad, de lo
hipodámico
agradable. En sus formas de representación canoniza la
representación en “S” o “curva praxiteliana”, lo que da esa
característica elegancia y suavidad a sus obras, conocida como
la charis, o gracia ática. Su obra más importante es la Afrodita
saliendo del baño, encargada por los habitantes de Cnido. Es el
primer desnudo femenino griego y se convertirá en un icono
que se repetirá con algunas variantes hasta la Venus de Milo.
Otras obras importantes son el Sátiro escanciador, el Apolo
Sauróctonos o el Hermes con Dionisos, posiblemente el único
original conservado de este autor.
3. EL PERIODO HELENÍSTICO.
a. El Periodo Helenístico (siglo III-I a.C.).
El periodo Helenístico se extiende entre la muerte de Alejandro
(323 a.C.) y la conquista romana, que se inicia a mediados del
siglo II a.C. en Grecia y culmina en el año 30 en Egipto. Plano de Mileto diseñado
por Hippodamos
La crisis que provocó la Guerra del Peloponeso llevó a perder la
independencia política a las polis griegas a manos de Filippo II Planeamiento urbanístico
de Macedonia, a finales del siglo IV. Las conquistas, tanto de que organiza una ciudad
Filippo II como de su hijo Alejandro el Grande, llevarán la cultura en calles cortadas en
griega hasta más allá de la frontera de la actual India y al antiguo ángulo recto, creando
Egipto. Esta expansión de la cultura griega tendrá como manzanas rectangulares.
contrapartida que los estados que surjan tras la división del
Imperio de Alejandro sean estados híbridos que van a incorporar elementos autóctonos a la dominante
cultura griega.
Con las conquistas de Alejandro, el arte griego pasó, de ser un hecho confinado en unas pequeñas
ciudades, a ser la expresión plástica de un gran imperio y de los reinos que surjan de él. Ello incidió en la
secularización del arte, que ya no va a ensalzar las virtudes de los dioses.
Bloque 1: Las Raíces del Arte europeo. El legado del Arte Clásico
Historia del Arte. Departamento de Ciencias Sociales. IES Ilíberis
9
Además, la conquista de Alejandro también supuso la fundación de
una gran cantidad de ciudades, fundadas bajo trazado reticular
hipodámico, en el centro de las cuales se construyen ágoras. Este
tipo de trazado urbano fue recogido de las ideas de Hipoddamos de
Mileto, teórico urbanista del siglo V, que las aplicó a la ciudad de
Mileto, destruida durante las Guerras Médicas.
Además, el periodo Helenístico supondrá otras aportaciones
arquitectónicas como las columnas de orden gigante (que
sobrepasan el nivel de un piso) y los órdenes arquitectónicos
superpuestos. Entre los edificios más populares estarán los teatros, que es ahora cuando alcanzan su
máximo esplendor.
b. El teatro griego.
Los griegos fueron los inventores o introductores de las representaciones teatrales en la cuenca
mediterránea. Aparece vinculado a la celebración de determinados festivales y rituales de carácter
religioso, como las Dionisíacas, de los que formaba parte como eje central de ellos.
Los teatros son, tras los templos, las construcciones más importantes de la antigua Grecia. Aparecen, tal
y como los conocemos, en el siglo IV. Debido a la concepción arquitectónica griega, basada en las
estructuras arquitrabadas, la inexistencia del uso de los arcos y las bóvedas y debido a su coste, los teatros
griegos solían estar apoyados en las faldas de montañas o colinas aprovechando el desnivel del terreno.
Esto no implica que no hubiese construcciones exentas o con partes del teatro realizadas de fábrica. Los
teatros de las grandes ciudades estaban construidos con grandes dimensiones para acomodar a un gran
número de personas en la orquestra, así como a la mayor cantidad de espectadores (hasta 18.000). Las
matemáticas jugaron un papel muy importante en la construcción de estos teatros, y su diseño
“ultrasemicircular” permitía tanto buena visión como acústica. Los diseñadores fueron capaces de crear
una acústica inmejorable en los teatros, de tal manera que las voces de los actores pudieran ser oídas en
todo el teatro.
Los elementos que se mantienen constantes en las construcciones teatrales griegas serán las siguientes:
• Koilon: son las gradas, de forma ultrasemicircular (con tres cuartas partes de circunferencia). Las
primeras filas estaban destinadas a los personajes más importantes.
• Skaena: lugar delante del cual van a actuar los actores. Tiene columnatas y seguramente también
tenían estancias en el interior.
• Orkhestra: zona circular en la parte baja donde se colocaba el coro.
• Proskenion: elemento entre la orchestra y la skaena, para separar el espacio entre el coro y los
actores.
• Parodo: pasillo de salida y entrada para los espectadores, entre el proskenion y el koilon.
Los teatros más importantes que conservamos son el de Delfos, Epidauro, Segesta y Priene, todos del siglo
IV. El más conocido y el más importante de los conservados es el de Epidauro (350 a.C.). La mayor parte
de los conservados son de época helenística.
Bloque 1: Las Raíces del Arte europeo. El legado del Arte Clásico
Historia del Arte. Departamento de Ciencias Sociales. IES Ilíberis
10
c. La escultura helenística.
Línea serpentinata
El mayor desarrollo artístico tiene lugar en la escultura, donde
se dan una serie de novedades que ya se venían anunciando en
el siglo IV. Así, las estatuas no van a presentar un punto de
vista o plano principal, sino que todas las perspectivas son
igual de importantes. Esta tendencia continúa la ruptura de la
frontalidad que ya se inició con el periodo clásico. Además,
aparece el movimiento y la torsión de una manera más clara,
conquista ya alcanzada por Mirón. También aparece la
complicación en las obras, ya que aparecen los grupos de
varios personajes. También se amplía el repertorio
iconográfico, incluyendo personajes de cualquier condición Línea o figura que se parece
a una forma sinusoidal o
social. Ya no sólo se representan atletas o dioses. Se
serpentina en "S" y que se
representan, además, en cualquier edad. Dentro de estas
envuelve como una espiral.
características generales se pueden distinguir cuatro escuelas:
Atenas, Alejandría, Pérgamo y Rodas.
La Escuela de Atenas o Neoática basa su producción escultórica en dos grandes líneas de trabajo: el
retrato de intelectuales, sobre todo filósofos y personalidades, y el rejuvenecimiento iconográfico de los
modelos clásicos de los siglos V y IV. Entre las obras más señeras se encuentra la Venus de Milo, esculpida
entre el 130 y el 100 a.C., que pertenece al tipo iconográfico de la Afrodita saliendo del baño. Fue esculpida
para ser vista de lado. Otra obra importante es la conocida como el Espinario, que representa a un joven
que se extrae una espina. La novedad radica en el propio tema elegido, ya que nos muestra una escena
que no refleja la más mínima trascendencia iconográfica. Es, simplemente, una escena de lo más cotidiano.
La segunda escuela es la de Alejandría. Muestra predilección por la representación de temas cotidianos y
alegorías. El ejemplo más claro es la Alegoría del Río Nilo. Otra de las escuelas más importantes es la
Escuela de Pérgamo que destaca por la predilección por los temas patéticos, con figuras que transmiten
sentimientos violentos, cuyo ejemplo más claro es la serie de los Gálatas, tanto el Ludovisi, como el de los
Museos Vaticanos, ambos del siglo III a.C. Comparten características con los relieves del Altar de Zeus en
Pérgamo (inicios del siglo II a.C.), que representa las luchas de los dioses contra los gigantes, además de
la historia de Telefo.
La última escuela es la Escuela de Rodas, que continúa la vertiente dramática de la Pérgamo. En esta
escuela destacan los escultores Agesandro, Polydoro y Athenodoro, ya de época romana, autores del
Laocoonte (siglo I a.C.). Esta obra será la de mayor influencia en la producción artística del Renacimiento,
del Manierismo y del Barroco, debido a la fecha en la que se encontró (1506). A la evolución de las
excavaciones asistió el propio Miguel Ángel. Las características por las que se convirtió en referente son
la Línea serpentinata que manifiesta, la forma de su composición y la expresión del dolor que demuestra.
Otra de las obras importantes de esta escuela es el llamado Toro Farnesio llevado a cabo por Apolonio de
Tralles y su hermano Taurisco, encontrado en las Termas de Caracalla en 1546. Destaca de esta obra su
composición piramidal, en la que no existe ningún punto de vista como principal. También podemos
señalar la Victoria de Samotracia del Museo Nacional de Louvre, esculpida en el 190 a.C. y en la que
sobresale la técnica de ejecución de los “paños mojados”.
Bloque 1: Las Raíces del Arte europeo. El legado del Arte Clásico
