EL CLASICISMO.

[Link] Introducción al clasicismo.

Se conoce con el nombre de clasicismo la época de la segunda mitad del siglo

XVIII y comienzos del siglo XIX, en la que se intenta resucitar los ideales de la
Antigüedad grecolatina.

Durante el siglo XVIII, Europa experimentó un gran auge económico que

estuvo ligado a los avances técnicos y a la expansión colonial. En España, este
desarrollo se produjo con la llegada de la casa de Borbón en 1700.
Paralelamente se desarrolló una nueva filosofía, la Ilustración, y una nueva
formar de gobernar, el despotismo ilustrado.

 La Ilustración fue un activo movimiento cultural que creía en el papel

decisivo de la razón para la consecución de una sociedad más justa, y
proponía como ideales la educación (las “luces” de la razón contra las
“tinieblas” de la ignorancia), la libertad política y el dominio de las
fuerzas de la naturaleza gracias al progreso científico. Los filósofos
ilustrados, como los franceses Voltaire, Rousseau y Diderot, y el alemán
Kant, se esforzaban en buscar respuestas racionales a las dificultades
que se les presentaban en la política, la religión, la vida social y el arte,
rechazando las propuestas únicamente basadas en la fe religiosa o la
tradición histórica. Estos ideales que encuentran su mejor formulación
en la Enciclopedia, desembocarán en la Revolución Francesa (1789),
fin del absolutismo monárquico.
 El Despotismo Ilustrado es la forma de gobernar que busca el
bienestar y la cultura para todo el pueblo, de ahí la conocida frase “todo
para el pueblo pero sin el pueblo”

Progresivamente, la concepción ilustrada fue aceptada como propia por una

clase social, la burguesía, cuyo imparable ascenso y la pérdida de poder de la
nobleza culminaron en la Revolución Francesa (1789) y sus ideales de
“libertad, igualdad, y fraternidad”, que terminaron con el Antiguo Régimen,
dieron paso al mundo moderno.

EL ARTE NEOCLÁSICO

Diversos factores propiciaron la aparición del Neoclasicismo. Por un lado, la

complejidad a la que había llegado el Barroco produjo un rechazo hacia todo
exceso ornamental tanto en literatura como en las artes plásticas. Por otro lado,

Clasicismo 1
las excavaciones de Pompeya, Herculano y Olimpia hicieron que la sociedad
mirase hacia la Antigüedad clásica.

Los artistas de la época tomaron como modelo obras de la Antigüedad clásica,

tanto desde el punto de vista de los temas, como de los cánones estéticos que
utilizaban en su realización, lo cual tuvo un reflejo diferente en cada una de las
artes.

 En música apenas existían referentes de obras sonoras grecolatinas por

esto a este periodo se le conoce como “clásico”, es decir, hablamos de
música clásica y no de música neoclásica. Los compositores trataron de
trasladar a sus partituras los ideales de proporción y equilibrio que se
tomaron como canon en las otras artes.

LA MÚSICA DEL CLASICISMO.

Durante la segunda mitad del siglo XVIII (1750-1800), los ideales de la

Ilustración influyeron en el mundo musical y se concretaron en una
música racional, es decir, lógica, de estructura formal clara y
comprensible.

CARACTERÍSTICAS DEL CLASICISMO MUSICAL.

La música del clasicismo tomó como objetivos la sencillez melódica, la

claridad, la proporción y la elegancia. Sus principales características
fueron:

 Estilo alegre.
 Composiciones que buscan el ideal de belleza mediante el
equilibrio formal.
 Se prescinde del bajo continuo del Barroco.
 La melodía es muy importante, natural y equilibrada.
 El ritmo es sencillo y regular, más natural.
 Predominio de las tonalidades mayores sobre las menores
 Aparición de nuevos timbres y matices (el crecendo y el
diminuendo) como consecuencia del mayor perfeccionamiento de
la orquesta.

Clasicismo 2
  Total autonomía de la música instrumental con respecto a la
vocal.
 Nacimiento de las formas sonatas, sinfonía y concierto, en su
concepción actual.
 Mayor “democratización”de la música, al hacerse extensiva aun
público más numeroso.

LA MÚSICA INSTRUMENTAL

LAS FORMAS CLÁSICAS

Aunque en el Clasicismo los músicos continuaron escribiendo misas y

oratorios, tan del gusto barroco, se produjo un notable auge de la música
instrumental. También en esta época se sentaron las bases para el posterior
desarrollo de la ópera, debido, sobre todo, a la estrecha relación que se
estableció entre la música y las formas dramáticas.

Las formas clásicas derivaron de las barrocas a través de un complejo proceso

de selección natural y adaptación a los nuevos gustos, basados por un
lado en la claridad y sencillez, pero que por otro aspiraban a la expresión de
sentimientos por vías puramente instrumentales.

Las principales formas musicales que se desarrollaron durante el clasicismo

fueron: la sonata, la sinfonía y el concierto.

LA SONATA CLÁSICA

Hemos de recordar que en el Barroco una sonata era una obra para ser tocada,
en contraposición a la cantata (para ser cantada) y que estaba formada por 4
movimientos donde alternaban rápido, lento, rápido, lento.

Clasicismo 3
 Fue Philipp Emanuel Bach quien añadió a la sonata un segundo tema,
pasando después a desarrollar ambos y, por último, hacía escuchar los dos
temas. Sobre este principio se desarrolla la forma sonata, cuya estructura fue
adoptada por casi toda la música instrumental del Clasicismo.

La sonata clásica consta de tres o cuatro movimientos:

I allegro- II Adagio, Andante o largo-III Minuetto o Scherzo-IVFinal, Allegro o

Presto.

El primero de estos movimientos recibe el nombre de forma sonata. Este

esquema es aplicable al concierto, la sinfonía, el cuarteto, dúo, etc.

El plan formal de la sonata clásica podía aplicarse a un solo instrumento (por

ejemplo:sonata para piano) o a un solista con acompañamiento (sonata para
piano y violín). Sin embargo, cuando se aplica a otras agrupaciones
instrumentales recibe nombres diferentes; así por ejemplo, una sinfonía es una
sonata aplicada a la orquesta sinfónica; un cuarteto es una sonata escrita para
cuatro instrumentos y un concierto clásico es una sonata para un instrumento
solista y orquesta, por ejemplo, conciertos para violín y orquesta.

LA SINFONÍA CLÁSICA

Para los griegos, sinfonía significaba “instrumentos que suenan juntos”. Más
tarde,sinfonía fue sinónimo de “consonancia”. A finales del siglo XVI, se
denominó sinfonía a los trozos instrumentales situados entre partes de una
obra teatral. En la primera mitad del siglo XVII, el alemán Heinrich Schütz1, en
su sinfonía sagrada, le volvió a dar la acepción de los griegos.

Con el nacimiento de la ópera, los vocablos obertura y sinfonía adquirieron el

mismo significado. Conviene recordar la existencia de dos tipos de obertura: la
italiana del siglo XVIII (formato rápido-lento-rápido) y la francesa (formato lento-
rápido-lento).

1 Heinrich Schütz fue un organista y compositor alemán, generalmente recordado como uno de los
más importantes compositores alemanes antes de Johann Sebas an Bach y a menudo considerado
uno de los principales del siglo XVII, junto a Claudio Monteverdi.

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En la primera mitad del siglo XVIII, en la escuela de Manheim (Alemania)
Johann Stamitz ( 1717-1757) aplicó la forma sonata al formato de la obertura
italiana, con lo que nació la sinfonía clásica. Posteriormente, a los tres tiempos
clásicos se añadió el minué, que con Beethoven pasó a ser Scherzo. Por tanto,
la sinfonía clásica se puede considerar como una gran sonata para orquesta.

LA ORQUESTA CLÁSICA

La orquesta evolucionó hasta convertirse en uno de los medios de expresión

más utilizados por los compositores.

La evolución de la orquesta

El movimiento musical que se desarrolló a mediados del siglo XVIII en la corte

de la ciudad alemana de Mannheim fue fundamental en esta evolución. Allí, sus
miembros, entre los que se encontraban compositores como Johann Wenzel
Stamitz, consiguieron formar una orquesta de gran calidad y envergadura y
realizaron una de las aportaciones más importantes para la música del
clasicismo:el uso del crescendo y el diminuendo, que ampliaba las
posibilidades expresivas.

Stamitz estableció la primera orquesta sinfónica clásica seria. La orquesta

estaba compuesta por treinta y cinco o cuarenta instrumentistas que se
agrupaban en tres secciones: cuerda, viento y percusión. Aunque la
composición de la orquesta variaba mucho, era frecuente la
siguiente:violas,familia del violín, clavecín, oboes, fagotes, flautas, trompetas y
timbales. Esta fue la primera orquesta que utilizó los matices piano (suave),
(crescendo )de suave a fuerte) y forte (amplio).

En la segunda mitad del siglo XVIII aumentó el número de componentes de la

orquesta, añadiéndose clarinetes y trompas ( estos dos instrumentos son los
que producen la nueva sonoridad característica del clasicismo). Los músicos
estaban colocados en dos grupos opuestos, cada uno en un lado del escenario
y uno enfrente del otro. Este incremento de la orquesta hace innecesaria la
participación del clave con el “bajo continuo”, que irá desapareciendo
progresivamente.

También es importante resaltar las aportaciones de Beethoven en el campo de

la orquestación. Si bien su plantilla instrumental es bastante similar a la
utilizada por Mozart en su última época, Beethoven añadió trombones, flautines
y contrafagot en alguna de sus sinfonías y en la Novena amplió el grupo de
percusión. Su tratamiento de la orquesta más enérgico, tiene otra dimensión.
Así mismo, dará también a los instrumentos solistas del grupo de la madera

Clasicismo 5
(flauta,oboe, clarinete, o fagot) un valor expresivo todavía inédito. Beethoven
alcanzó los límites de las posibilidades instrumentales.

EL

CONCIERTO CLÁSICO

El concierto clásico es la forma sonata aplicada a un instrumento solista con

acompañamiento de orquesta. A mediados del siglo XVIII, el concierto clásico
reemplazó al concerto grosso, en el que alternaban un grupo de solistas y la
orquesta.

Los instrumentos solistas del concierto clásico son principalmente el violín y el

piano, aunque lo pueden ser todos, en particular los instrumentos de viento.

Como motivo más importante del concierto es que el solista virtuoso haga una
exhibición de sus cualidades, el material temático siempre está condicionado
por todo lo que contribuya al lucimiento del instrumento solista; además, este
puede realizar adornos sobre los temas que la orquesta introduce y repite.

En el primer movimiento y, casi siempre, entre la reexposición y la coda, la

orquesta hace una pausa, mientras el solista, muy libremente y sin
acompañamiento , toca una cadencia exhibiendo su virtuosismo. Aunque en un
primer momento se improvisaban las cadencias, más tarde no fue así, sino que
fueron compuestas por Beethoven, Brahms, Paganini y Rubenstein, entre
otros.

Clasicismo 6
El esquema del concierto clásico es el mismo que el de la sonata clásica, pero
con tres movimientos:

1. Forma sonata, pero con modificaciones, para permitir el virtuosismo del

solista.

2. Lied o canción

3. Rondó, de tiempo vivo y carácter alegre.

Al lado de las grandes formas orquestales , hay otros nombres de

formas más libres, como:

Serenatas: forma musical concebida para orquesta de cuerda, de viento,

mixta, conjunto de cámara ...su origen está en las baladas que los
enamorados cantaban bajo las ventanas de sus amadas al atardecer.

Divertimentos: compuesto para un reducido número de instrumentos.

Solían mostrar un estilo desenfadado y alegre.

MÚSICA DE CÁMARA

Como sabemos, la imprenta posibilitó la formación de un mercado editorial

musical ya desde el siglo XVI. Este mercado, orientado en gran medida al
ámbito doméstico y concebido para pequeñas agrupaciones instrumentales y/o
vocales, constituye el origen de la música de cámara.

La música de cámara tuvo en la burguesía su público natural. Su expansión y

adaptación a las leyes del mercado durante el siglo XVIII fue el principal
responsable de la decadencia del bajo continuo,que exigía del aficionado un
conocimiento de la armonía y un dominio de la improvisación fuera de su
alcance y del nacimiento del denominado estilo clásico, un estilo caracterizado
por la preponderancia de una melodía principal .

Clasicismo 7
El cuarteto de cuerda. Nació de manera casi fortuita cuando en la década de
1750 el barón von Fürnberg pidió a su empleado Joseph Haydn la
composición de obras para esta formación -dos violines, viola y violonchelo-. El
enorme éxito editorial de ulteriores cuartetos compuestos por Haydn no solo
consolidaron el éxito del formato sino que hicieron al compositor famoso en
toda Europa.

MÚSICA VOCAL

LA ÓPERA.

La ópera constituyó también un importante campo de batalla entre el Antiguo

Régimen y la pujante burguesía urbana. Mientras las monarquías y la
aristocracia patrocinaban caros teatros de corte destinados al disfrute de la
ópera seria, la iniciativa privada debía competir en inferioridad de
condiciones para ofrecer espectáculos musicales de formato mucho más
modesto en lengua vernácula y temáticas populares.

Pese a la creciente pujanza de la música sinfónica y de cámara a lo largo del

siglo XVIII, la ópera continuó siendo el acontecimiento musical más complejo,
con mayor proyección pública y mayor prestigio social; aquél que contaba
con la maquinaria internacional más engrasada (compositores, cantantes,
instrumentistas, etc.), que dictó las modas de forma más visible y que fue
capaz de desatar los debates más apasionados.

El desarrollo de las clases medias urbanas permitieron la segmentación del

mercado operístico en al menos tres ámbitos socialmente diferenciados:

 La ópera seria. Género de ámbito internacional en lengua italiana (salvo

en Francia, que mantuvo viva la herencia de la tragedia lírica en lengua
francesa) dirigido a las clases dominantes (aristocracia, alta burguesía) y
destinado a teatros con patrocinio estatal.
 La ópera bufa. Género originario de Italia de ámbito internacional en
lengua italiana que aprovechó en parte la infraestructura de la ópera
seria (los compositores y cantantes podían dedicarse indistintamente a
ambos géneros) pero que estaba dirigido a las clases urbanas cultivadas
de toda Europa y estuvo destinado a teatros privados, aunque en
ocasiones pudiera beneficiarse de patrocinio estatal.
 La ópera popular en lengua vernácula. Durante el siglo XVIII se
desarrollaron numerosos géneros autóctonos en lengua vernácula, entre

Clasicismo 8
 los que encontramos la ópera cómica en Francia, el Singspiel en los
países germánicos o la tonadilla en España, etc.). Estos géneros
estuvieron dirigidos a las clases urbanas más populares y rara vez
disfrutaron de patrocinio estatal.

Reformas y querellas en torno a la ópera seria

La ópera seria suscitó acalorados debates

a lo largo del siglo XVIII. En una época en la que el debate estético
constituyó uno de los escasos campos de batalla posibles entre dos
visiones enfrentadas del estado -absolutismo frente a reformismo
democrático- la ópera seria, como representación pública de la
monarquía y sus valores, fue sometida a un intenso escrutinio tanto por
parte de las clases dominantes como de la burguesía ilustrada.

En 1752 estalla en Francia la querella de los bufones, un virulento cruce

de panfletos entre los partidarios de la tragedia lírica (Rameau) y la ópera
cómica (Rousseau) a raíz de la programación de la ópera bufa La serva
padrona de Pergolesi en la Academia Real de Música, santuario de la tragedia
lírica lullyana. Sobre esta enconada querella se proyectó el soterrado conflicto
existente entre la aristocracia nacionalista e inmovilista y la burguesía
internacionalista y reformista, sin aparentes vencedores ni vencidos tras dos
años de rifirrafes dialécticos.

En este contexto de enfrentamiento W.C GLUCK, compositor alemán, buscó la

reconciliación de ambos bandos realizando una reforma de la ópera seria para
que se acercase más a lo que el público pedía. En el prefacio de la partitura de
su ópera Alceste expuso los principios de la reforma, que se resumen en:

• Utilizar música sencilla.

 La obertura estará integrada en la ópera, ( anunciando temas que

luego aparecerán)

 Evitar los contrastes entre recitativo y aria, haciendo las arias más
simples y los recitativos más expresivos.

 Argumento más sencillo y verosímil.

Clasicismo 9
  La música debe estar al servicio del libreto y los personajes,
vogorizando la expresión de los sentimientos del texto.

 Los instrumentos deben elegirse y utilizarse de una manera

adecuada a la situación descrita en el texto.

 Gluck empleo varios rasgos de la ópera francesa no habituales en la

ópera seria como los ballets y las grandes escenas de coros.

Clasicismo 10
Clasicismo 11
LOS PROTAGONISTAS DEL CLASICISMO MUSICAL

DEL BARROCO AL CLASICISMO

Una de las figuras decisivas en la transición del barroco al clasicismo fue el

compositor italiano Domenico Scarlatti. El estilo de sus obras era más
cercano al clasicismo porque utilizaba estructuras claras y melodías con
acompañamientos cada vez más comprensibles para el oyente. Otro
compositor influyente fue Wilibald Gluck, asi como también dos de los hijos
de Bach; Carl Philipp Emanuel Bach y Johann Christian Bach.

Carl Philipp Emanuel Bach: hijo de la primera mujer de Bach , trabajó en

la corte de Federico II DE Prusia como clavecinista. En su tiempo fue
admirado por Haydn y Mozart.

Johann Christian Bach: Alcanzó la fama en Londres por lo que será

conocido como el Bach inglés. Ejerció una importante influencia en la obra
de Mozart. Cuando Mozart se enteró de su muerte, le rindió homenaje
utilizando un tema suyo en uno de sus conciertos para piano.

Otros compositores que contribuyeron a fraguar el Clasicismo fueron: el

italiano Giovanni Battista Sammartini que participó con Johann Stamitz
en la creación de la sinfonía, y Muzio Clementi, que desempeñó un papel
determinante en la difusión del pianoforte y en la definición de su lenguaje
específico.

EL CLASICISMO EN ESPAÑA

Los compositores que trabajaron en esta época en España, lo hicieron al

servicio de reyes, príncipes o nobles.

Entre los músicos más destacados podemos citar

LUIGI BOCCHERINI; al servicio del infante Luís de Borbón. Nació en Itali,

es considerado músico español ya que deja sus obras en España siendo
nuestro país el elemento inspirador de su música.

DOMENICO SCARLATTI: destacan sus sonatas para clavicémbalo .

Durante su estancia en Madrid como maestro de música de Barbara de
Braganza ( esposa de Fernando VI) compuso 555sonatas bipartitas para
teclado. Muchas de sus sonatas recrean danzas españolas del siglo XVIII.

EL PADRE SOLER: con él la música española abandona los cauces típicos

del barroco y hace su entrada en el clasicismo. Discípulo de Scarlitti, trabajó
para los reyes en el escorial. Compuso centenares de sonatas para clave.

Clasicismo 12
 VICENTE MARTÍN Y SOLER: ( artículo)

El compositor valenciano con más fans que Mozart

La última obra de Vicente Martín y Soler, dedicada a la Geperudeta, da

pistas sobre el apego que siempre tuvo a su tierra | Idolatrado por el
público y contratado por las mejores cortes, su genialidad cayó en el
olvido

Sólo había en Viena dos compositores que merecieran mi estimación: Martín,

entonces el favorito de José II, y Wolfgang Amadeus Mozart». Más claro, agua.
No lo dijo un cualquiera. Ni mucho menos alguien cuya objetividad pudiera
ponerse en tela de juicio. La afirmación corresponde a Lorenzo da Ponte.
En el quicio de los siglos XVIII y XIX, este irreverente italiano, amigo íntimo del
legendario Giacomo Casanova, fue el más reputado autor de libretos. No en
vano, Lorenzo da Ponte es el autor de los textos de 'Las bodas de Fígaro', 'Don
Giovanni' y 'Cosí fan tutte', piezas que musicalizaría Mozart, y que, en algunos
casos, no se estrenaron con el éxito que hoy les presuponemos. Da Ponte
también redactó obras a otros grandes de la música, pero en sus memorias, al
hablar de Viena, sólo sentía aprecio profesional por dos artistas. Wolfgang
Amadeus Mozart y un tal Martín. ¿Saben dónde nació el tal Martín?
Efectivamente, lo hizo en Valencia, el 2 de mayo de 1754. Su nombre de
nacimiento no era Martín, sino, abróchense los cinturones, Atanasio Martín
Ignacio Vicente Martín y Soler. Este recurso de poner 4 o 5 nombres en el
bautizo no era precisamente útil en la vida real, así que en la cotidianeidad se
reducía al más relevante. Y naciendo en Valencia... ¡Premio! Vicente Martín y
Soler nació en la calle Abadía de San Martín y fue bautizado en la parroquia
ubicada en la misma vía.
Martini lo spagnolo', como se conocía al compositor, abarrotó los teatros de
medio mundo
A pocos centenares de metros de la iglesia de San Martín, Vicente, todavía un
niño de apenas cinco años, comenzaba su formación musical. Pueden imaginar
al crío acompañado de un familiar: embocarían la calle San Vicente con la
desaparecida calle Zaragoza y ¡'et violà'!, ya estaban en la catedral. Allí
formaría parte del coro hasta hacerse un mozalbete, cuando se trasladó a
Alicante para convertirse en organista. Sólo ejerció unos meses.
Quizá consciente de poner en peligro todo su potencial, renunció a su puesto
en Alicante y marchó a Madrid en busca de una formación que lo
convirtiese en un compositor de prestigio. Allí vive hasta que, con 23 años,
se traslada a Nápoles, no sin antes haber estrenado algunas piezas

Clasicismo 13
operísticas en el Palacio de San Ildefonso, en La Granja (Segovia). Su decisión
de marchar a Nápoles pudo estar espoleada por un cantante, amigo suyo,
quien podría haber situado al valenciano en la órbita de la corte napolitana.
Además, Vicente contaba con el patronazgo del príncipe de Asturias, quien
años más tarde, a partir de 1788, reinaría en España como Carlos IV.
Vicente Martín se presenta en Nápoles con inmejorables referencias. Corría el
año 1777 y su prolífica actividad compositiva eclosionaba. Primero triunfa
en el teatro San Carlo de la ciudad, luego en el Teatro Regio de Turín. Se
convierte en el referente principal de la ópera en territorio italiano, y sus
servicios son demandados por las cortes más exclusivas: Lucca, Parma, y por
supuesto, Venecia. Vicente Martín y Soler se ganaba un nombre artístico en el
panorama internacional. 'Martini lo spagnolo'.
Existen dos indicios para pensar que a Vicente quizá le hubiese gustado más
darse a conocer como 'Martini il valenciano', pero claro, aquello que dijeran los
reyes, sus contratantes, iba a misa. Vamos con el primero. La investigadora
Assumpta Montserrat menciona en un estudio que recién llegado a Nápoles,
el monarca de aquel reino Fernando VI (hijo de Carlos III y hermano del
futuro Carlos IV), le encargó una pieza que precisaba el disparo de 20
cañones, evidenciando «una obra de espíritu valenciano». La segunda prueba,
al final de sus días, se antoja más sólida. Paciencia.
'Martini lo spagnolo' fue llamado en 1785 por uno de los personajes más cultos
de toda Europa. José II, el emperador del Sacro Imperio Romano Germánico,
rey de Hungría y de Bohemia, tenía establecida su corte en Viena. Hasta allí
llegaban grandes eminencias de todas las disciplinas artísticas. Y no sólo
motivados por el poderoso caballero don dinero. También por la inusual
sensibilidad y el magnífico criterio de un comitente real.

Un periodo fértil
En la capital austríaca, y 'fichado' por Salieri (el falsamente presentado como
rival de Mozart), trabajaba Lorenzo da Ponte, con quien abríamos el reportaje.
Lo hacía como poeta oficial de José II. Comienza así un período fértil donde
colaboran 'Martini lo spagnolo' y Lorenzo da Ponte: 'Il burbero di buon cuore'
(1786), 'Una cosa rara' (1786) y 'L'arbore di Diana' (1787) sirven de ejemplo.
Con la segunda alcanzó un éxito sin parangón. Incluso superior al que por esos
días gozaba Mozart, quien simultáneamente había estrenado 'Las bodas de
Fígaro'. Lo más llamativo es que, perdónenme musicólogos y melómanos,
Viena fue testigo de una rivalidad que trae a la mente la de dos actuales
pateadores del balón. Lo digo por el pique y por la diferencia de edad (dos
años), no por los fraudes fiscales.
Entre las coetáneas 'Una cosa rara' y 'Las bodas de Fígaro', hubo una clara
ganadora para el público. Y era la pieza del valenciano. Así que cuando 'Martini
lo spagnolo' presentó su siguiente ópera el uno de octubre de 1787, hacía lo

Clasicismo 14
propio Mozart el 27 de ese mismo mes. Lorenzo da Ponte se frotaría las
manos. Todos los textos eran suyos.
Mozart incluyó en 'Don Giovanni' un breve tema musical tomado de la obra de
Martín y Soler
El caso es que Vicente cosechó otro gran triunfo, y en este nuevo duelo, la
pieza de Mozart, 'Don Giovanni', incluía un breve tema musical tomado de 'Una
cosa rara', del compositor valenciano. No piensen ni por un instante que se
trataba de un plagio. Hay dos teorías. O era un homenaje a Vicente Martín,
decididamente el favorito del público vienés, o una bufonada de mal perdedor
por parte de Mozart. Todo apunta a la primera posibilidad.
'Una cosa rara' fue un bombazo, y para colmo de curiosos, es también el título
de una cinta cinematográfica rodada en 2007 que trata sobre la vida de nuestro
protagonista. Resulta que un político que se postula como candidato a la
Generalitat, ergo posible aspirante a presidir la Comunitat, se puso en la piel
del más célebre compositor valenciano que ha dado nuestra historia.
Pero volvamos a finales del siglo XVIII. En 1788 Catalina II La Grande, la
emperatriz rusa, contrata a 'Martini lo spagnolo', cuya popularidad llega hasta
San Petersburgo. Se da una extraña circunstancia. La zarina practicaba la
literatura pero detestaba la música. No obstante, sabía que hacerse con los
servicios de Vicente Martín era todo un reclamo para ganar presencia en el
panorama internacional. Eso sin tener en cuenta que Catalina II podría
disponer del artista del momento para musicar sus propias letras y así, de
paso, dejar algún mensajito subliminal. Por ejemplo contra Gustavo III, rey de
Suecia, entonces en guerra contra los rusos.
Como ha estudiado recientemente Irina Kryazheva, el trabajo en Rusia de
Vicente Martín fue impresionante. Eso no es óbice para suponer que el
compositor valenciano viera coartada su libertad compositiva, sumida a las
órdenes de la libretista imperial. El final será trágico, pero ¿qué hace pensar en
el apego que Vicente Martín siempre tuvo a su tierra natal?
El ocaso de la vida de Vicente coincidió con el ocaso de su éxito. En 1798
accede al poder el hijo de Catalina II tras la muerte de esta. Se produjo
entonces un giro en los gustos de la Corte. 'Martini lo spagnolo' dejó de ser
el compositor real y se vio relegado a tareas docentes.
Ver para creer. En esos últimos años abordó esporádicamente el tema
religioso. Las causas parecen obvias. Especialmente sintomático es que en sus
últimos años, los más duros en todos los aspectos, compusiera una Salve a la
Virgen de los Desamparados, hoy en paradero desconocido. Martín y Soler
murió en San Petersburgo, según muchos especialistas, el 30 de enero de
1806.

Clasicismo 15
Caprichoso calendario. Hace un par de semanas se celebró la fecha de
nacimiento de Mozart y el Palau de les Arts le dedicó toda una programación
especial de 24 horas. Sin duda un acierto, pero al público vienés de 1787 no le
habría parecido la mejor opción. ¿Una cosa rara? No tanto. 'Martini lo spagnolo'
tenía más fans.

FRANZ JOSEPH HAYDN (1732-1809)

Representa junto con Mozart y Beethoven, el apogeo del periodo clásico.

Fue un compositor autodidacta en gran parte, trabajador paciente, excelente
director de orquesta pero no un instrumentista virtuoso, fue ordenado en sus
asuntos, vivió durante toda su vida en Austria y desarrolló gran parte de su
carrera como músico de corte para la rica y aristocrática familia Esterházy
de Hungría. Sus contemporáneos lo describen como hombre amable y feliz,
dotado de un gran sentido del humor que supo transmitir a su música
mediante la sorpresa, la repetición los finales inesperados…En el momento
de su muerte, era uno de los compositores más celebres de Europa.
Podemos decir, que fue el último gran compositor que vivió a gusto bajo el
sistema del mecenazgo.

Fue amigo personal de Mozart, y existía una admiración recíproca entre los
dos. Fue el primer maestro que Beethoven tuvo en Viena, la relación entre
ambos fue difícil.

Las sinfonías: compuso 104 sinfonías contribuyendo de manera decisiva en

su desarrollo. Su inclinación por la constante experimentación, por la
originalidad, y su gran técnica le permitieron llevar la sinfonía desde su etapa
experimental pre-clásica hasta su forma más depurada o clásica de finales del
siglo XVIII. Su evolución se observa en primer lugar en sus dimensiones;
mientras las primeras sinfonías tienen una duración aproximada de 10 minutos,
sus últimas obras se prolongan hasta los 30 minutos. Paralelamente se irán
volviendo cada vez más complejas y sofisticadas en cuanto a su textura,
instrumentación, estructura, lenguaje armónico, y técnicas contrapuntísticas
utilizadas.

Clasicismo 16
Su experimentación en cuanto a la instrumentación es constante, no obstante
las mayores innovaciones de Haydn en cuanto a la instrumentación, no tiene
tanto que ver con los instrumentos que utiliza sino con la forma en que los
utiliza: recitativos orquestales, solos y pasajes expuestos para todo tipo de
instrumentos.

En sus primeras sinfonías, se puede observar la forma pre-clásica: allegro-

andante-minué. Sin embargo a partir de la tercera ya se configura el tipo de
sinfonía clásica en 4 movimientos. De esta época experimental” son las
sinfonías nº 6,7 y 8, la mañana, el mediodía y el atardecer ( estos títulos
derivan de la lenta introducción que parece representar la salida del sol. El
resto es de carácter abstracto, no representa nada.

Sus sinfonías de los años 70, marcan el segundo paso en su evolución. Este
periodo que refleja la influencia del movimiento “Sturm und Drang2 o crise
romantique”, es uno de los momentos más interesantes desde el punto de vista
de las transformaciones de su lenguaje musical y se caracterizará por una
mayor individualidad y subjetivismo que se mostrará en la aparición de
numerosos efectos dramáticos y expresivos en las composiciones. Utilizará
tonalidades inusuales (Si mayor, Fa sostenido menor…) tonos menores, fuertes
contrastes…la Sinfonía nº 45, la única en el siglo XVIII escrita en fa sostenido
menor, conocida como sinfonía de los adioses, sorprende al introducir un 5º
movimiento lento (adagio) en el que cada músico deja de tocar, apaga la vela
de su atril y se va en orden, dejando al final sólo dos violines.

En los años 80 destaca “las sinfonías de París”, nº 82-87, conjunto de seis

sinfonías compuestas para una gran orquesta parisina. El encargo fue
realizado por un conde. Tuvieron una gran acogida por el público y fueron
rápidamente publicadas en París, Londres y Viena. En concreto la número 85,
dejó encantada a la Reina María Antonieta.

La sinfonía nº83, es conocida como “la gallina”, el sobrenombre le viene por el

juego rítmico que hace el oboe en el segundo tema del primer movimiento,
fácilmente reconocible, que recuerda el cacareo y el caminar de una gallina.

La sinfonía 92º o “sinfonía de Oxford” recibe este nombre porque Haydn la

dirigió en una ceremonia en la que fue condecorado con el doctorado honoris
causa por la Universidad de Oxford.

Los años 90 suponen la culminación de sus sinfonías, son las llamadas

“sinfonías de Londres”. Se pueden dividir en dos grupos: desde la nº93 hasta la

2 El Sturm und drang (en español “tormenta e ímpetu”) fue un movimiento literario, que también
tuvo sus manifestaciones en la música y las artes visuales, desarrollado en Alemania durante la
segunda mitad del siglo XVIII. En el se les concedió a los ar stas la libertad d expresión, a la
subje vidad individual y, en par cular, a los extremos de la emoción en contraposición a las
limitaciones impuestas por el racionalismo de la ilustración.

Clasicismo 17
nº 98, que fueron compuestas durante la primera visita de Haydn a Londres y
desde la nº 99 hasta la nº 104, compuestas en Viena y Londres para la
segunda visita del compositor a la capital inglesa.

La muerte del príncipe Nicolás en 1790 dejó libre a Haydn para en su madurez
aceptar la oferta de un empresario musical de trasladarse a Londres, Haydn
dejaba atrás sus años como sirviente y compositor cortesano y se embarcaba
en la aventura de componer para el exigente público de las salas de conciertos.
El exigente público inglés hizo que Haydn se esmerara extraordinariamente en
estas últimas obras. Creará unas sinfonías más extensas, con mayor número
de instrumentos y una orquestación brillante.

La sinfonía nº 94, es la segunda de las doce sinfonías denominadas Londres.

Contiene una de las más famosas bromas típicas de Haydn; el acorde fortísimo
al final de un pasaje piano del segundo movimiento y del cual proviene el
sobrenombre de “la sorpresa”

La sinfonía nº100 conocida como” la militar”. El nombre proviene del segundo

movimiento, donde aparecen grandes fanfarrias escritas para trompeta en Do y
multitud de efectos de la percusión de influencia turca y no utilizados hasta
entonces en las orquestas (triángulo, platillos, timbales…). Para compensar,
Haydn escribió un elegante y aristocrático minueto, en donde se pueden
apreciar con más calma los mencionados instrumentos de percusión.

La sinfonía nº101es conocida popularmente como la de “el reloj” debido al”

marcado” del ritmo durante todo el segundo movimiento.

La sinfonía 104 es la última sinfonía (completa como tal) escrita por el

compositor y es la última de las doce sinfonías de Londres siendo conocida
como la” sinfonía de Londres” (en cierto modo erróneo dada la existencia de
las otras once). Arranca con una serie de solemnes y dramáticos acordes que
captan la atención al instante. Siguen unos delicados fraseos que enlazan con
una nueva interpretación de esos mismos acordes del principio (esta vez sin
percusión). La música de Haydn es enorme en esta obra final de su sinfonismo
alegre, melódica con belleza, fuerza y humor.

Los cuartetos de cuerda: Haydn es el verdadero creador del cuarteto de

cuerdas o, mejor dicho, fueron dos los compositores que cumplieron esta
hazaña: Haydn y Boccherini, más o menos en el mismo momento (hacia 1760),
pero independientemente uno del otro.

El ideal del cuarteto de cuerdas, tal y como se desarrolla a partir de 1760, es

una obra a cuatro partes (o voces) reales, sin bajo continuo, para cuatro
instrumentos de cuerda solista de la misma familia (dos violines, viola y
violonchelo), que trata a los cuatro instrumentos con dignidad equiparable.

Clasicismo 18
Haydn escribió un total de sesenta y ocho cuartetos agrupados en diferentes
periodos de su vida.

De entre todos destacamos:

Los 10 primeros están escritos entre 1757 y 1759, para el barón Joseph von
Fürnberg. Es todavía música nacida de la pura casualidad de los efectos
instrumentales disponibles. Estas obras son conocidas como los diez cuartetos
de Fürnberg, nacidas de la necesidad y el azar. Conocieron una rápida difusión
en copias manuscritas y ediciones misceláneas. La popularidad de estas obras
fue enorme, asentaron la popularidad de Haydn y gozaron de gran difusión en
especial en Italia, logrando que la burguesía aficionada a la música pasará a
considerar estas obras como un signo de modernidad..

Años 90. Momento en que en Austria los cuartetos de cuerda hacían furor.
Destaca en este momento un movimiento del cuarteto nº3, el cuarteto del
emperador, el segundo movimiento del cuarteto , es el actual himno alemán.
Tanto la letra como la música fueron compuestos cuando Alemania no existía
como estado ( imperio austro- húngaro). Tras la segunda Guerra Mundial, se
decidió adoptar este movimiento como himno de Alemania.

El piano: La obra para piano de Haydn es menos conocida por el gran

público que la de sus contemporáneos Mozart o Beethoven y también es
menos interpretada que sus sinfonías u oratorios, este hecho puede dar una
idea equivocada sobre su calidad.

Sus sonatas para piano, con frecuencia son eclipsadas por la de Beethoven y
Mozart. Compuso más de 60. Las seis últimas representan la culminación del
pianismo de Haydn. Se han comparado con las sonatas de Beethoven, aunque
alguna de ellas, como la n.º 59 recuerdan a las sonatas de Mozart.

Obras vocales: Haydn fue un compositor eminentemente instrumental y sin

embargo la actividad operística ocupó gran parte de su tiempo. Entre los años
1770 y 1780, dirigió una “troupe” bajo el patrocinio del príncipe Nicolás que
realizó hasta 150 funciones por año. Muchas de las piezas, unas 25 eran del
propio compositor. La mayor parte de las piezas eran “dramas giocossos”3
aunque también escribió alguna ópera seria como Armide, todas de gran éxito
en su tiempo. Sin embargo, se interpretan sólo ocasionalmente hoy en día.

Música religiosa: Dentro de su música religiosa hay que destacar sus

oratorios. La creación y las estaciones. Ambos son consecuencia de su

3 Sugiere una mezcla de ópera seria y bufa. Intentaba eludir la baja es ma de la ópera bufa en los
círculos más altos de la sociedad.

Clasicismo 19
 estancia en Londres donde asistió a la ejecución del Mesías de Haendel
que le impresionó y le motivó a escribir una gran obra.

El oratorio de La creación esta escrito para coro, solista y orquesta,

ilustra la creación del mundo, tal como se narra en el génesis. Además
también se inspira en salmos y en El paraíso perdido de John Milton4. La
huella de Haendel se deja sentir especialmente en las partes corales.
Gran parte del encanto de esta obra es la descripción ingenua de la
naturaleza y del hombre. Su música instrumental es un bello ejemplo de
música programática y es curioso que la descripción del caos al
comienzo de la creación, presente en pleno clasicismo ciertas armonías
que anuncian a Wagner.

[Link] Documental Haydn.

WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791)

Mozart nació en Salzburgo, (Austria). Esta ciudad era sede de un arzobispado

que, en la época, era un centro importante de mecenazgo artístico y cultural.
De hecho el padre de Mozart, Leopold era maestro de capilla en la capilla
arzobispal.

Aparte del ambiente musical de su ciudad, hay que tener en cuenta un segundo
aspecto clave, su personalidad, (se puede calificar de niño prodigio). Desde
muy pronto dio pruebas de su inteligencia poco frecuente: oído finísimo,
memoria desarrolladísima, así como grandes aptitudes para la improvisación y
la interpretación.

A partir de los 6 años Mozart viajó por toda Europa de la mano de su padre,
exhibiendo sus habilidades. Gracias a estos viajes, se fue impregnando de toda
la música que escuchaba en Europa, de esta manera, su obra llegaría a ser
una síntesis de la música europea de la época.

A pesar de su corta existencia, Mozart creó más de 750 obras, en su música

sorprende la ternura, la espontaneidad y naturalidad. Sus formas son muy
claras y la pureza de su música iguala y aun supera la de Haydn.

Fue uno de los primeros que intentó liberalizar la profesión de músico,

empezando a vivir libre, sin estar al servicio de nadie, lo que ya es una
características plenamente romántica.

A- PERIODO DE SALZBURGO (1762- 81)

4 Es un clásico de la literatura inglesa. Dividido en 12 libro, trata el tema de Adán y Eva, entre otros
temas.

Clasicismo 20
Este período de Mozart puede considerarse como el de los años de
aprendizaje y viajes europeos.

Diversas personalidades influirán en su formación; su padre, los hijos de Bach,

la reforma operística de Gluck , las reformas orquestales de la escuela de
Mannheim, así como Haydn (especialmente en el cuarteto).

Óperas: A diferencia de Gluck, Mozart consideraba que “la poesía debe ser
una hija obediente de la música”. Planifica sus óperas a partir de concepciones
netamente musicales, pero siempre buscando a través de éstas la descripción
de caracteres y psicologías de los personajes. Durante este periodo, Mozart va
probando los diferentes estilos en busca de crear el suyo propio. Algunas de
las óperas de este momento son: La finta semplice, Bastien und Bastianne,
Mitrídates rey del Ponto, Idomeneo.

Música instrumental: Lo más importante de esta época de juventud no son

sus óperas sino su música instrumental. En esta época compone en todas las
formas y géneros: sinfonías, sonatas para piano y violín, serenatas
(compuestas para reuniones en jardines, bodas, conciertos domésticos…)

Música religiosa: Para entender la importancia de su temprana producción

hay que tener en cuenta el importante cargo de su padre en la capilla
arzobispal y del propio Mozart como organista. Desde temprano compuso
música sacra (su primer oratorio a los doce años), misas, un motete… como en
Haydn, las misas están escritas en un lenguaje operístico-sinfónico, mezclado
con fugas, según la costumbre de la época. Todo ello, concebido para coro y
solista alternando libremente con el acompañamiento orquestal. Un ejemplo de
esto lo constituye la “misa de coronación en Do” y el motete “Exultate, jubílate”

B-EL PERIODO DE VIENA (1781-1791)

En 1781, tras diverso problemas con sus mecenas en Salzburgo, decidió

abandonar esta ciudad, en contra de los consejos de su padre.

Abandonó su ciudad natal y se trasladó a Viena, verdadero centro cultural de la

época, y se instaló allí como compositor independiente. Sus primeros años
fueron prósperos. En 1782 compuso su primera ópera (singspiel) de la nueva
etapa:” El Rapto en el Serrallo” Mozart tenía veintiséis años cuando la
compuso. Se encuentra al comienzo de su carrera como músico independiente
en Viena. Logra con esta ópera encabezar la creación de una ópera nacional
en alemán. La obra fue un éxito y Mozart se convirtió en un ídolo como
compositor y pianista para el público vienés. Sin embargo la suerte le dura
poco, menos alumnos, menos ingresos y la enfermedad. Sólo hay que destacar
un cargo honorífico de compositor de cámara del emperador. No obstante a su
corta duración, fue durante esta segunda etapa cuando Mozart compuso las

Clasicismo 21
obras que le harían inmortal. En ellas se puede percibir la perfecta síntesis de
todo lo que había asimilado en los viajes de su anterior etapa junto con nuevas
influencias de este periodo; el continuo estudio de las obras de Haydn y el
descubrimiento de la música de [Link].

En esta época su producción es muy extensa en número y variedad.

Los cuartetos: En 1785, Mozart publicó seis cuartetos para cuerda dedicados
a Haydn, en gratitud por todo lo que había aprendido del viejo compositor. Aquí
Mozart recoge los logros de Haydn y plasma con genialidad la técnica del
desarrollo temático, y el tratamiento igualitario de los 4 instrumentos y de su
estrecho contacto con el contrapunto imitativo de Bach que impone como
condición sine quanon la igualdad de las diferentes voces.

Los conciertos para piano y orquesta: Una de las mayores aportaciones en

esta etapa son sus conciertos para piano y orquesta. Presentan un equilibrio
entre su aportación personal y los gustos del público a que estaban dirigidos
(era un compositor independiente y tenía que agradar). El mismo compositor
dirá de ellos “están en el término medio entre lo demasiado difícil y lo
demasiado fácil, son muy brillantes, agradables al oído, naturalmente sin caer
en la pobreza. Están hechos de manera que los verdaderos entendidos puedan
encontrar satisfacción en ellos, y sin embargo, pueden gustar a los no
entendidos, sin saber por que”.

Las óperas: Las principales obras dramáticas del período vienés fueron:

 Dos singspiel: El rapto en el serrallo (1782) y la flauta mágica (1791)

 Tres óperas italianas: Las bodas de Fígaro (1786), Don Giovanni

(1787) y Cossi fan tutte (1790).

En la trilogía de óperas italianas, Mozart partiendo de lo buffo renovará el

género.

Aspectos que mantiene:

 En cuanto al libreto, los personajes y los argumentos no son nuevos, son

prototipos dentro de la ópera buffa: criados, mujeres engañadas… pero
Mozart individualiza y otorga personalidad mediante la música aplicada.
Incluso se llega a definir más el personaje por la música que por el texto.

 En cuanto a la música: los coros no tienen gran importancia. Las

oberturas no presentan temas que se escucharan después, sino el
carácter general de la obra.

 Presencia de algunas arias de colatura (de bravura) arias que presentan

una cierta exhibición, pero utilizadas con una función dramática, no de
simple exhibición como se utilizaba anteriormente.

Clasicismo 22
Innovaciones:

 No son óperas buffas netamente, sino mezcla del género buffo y el serio
(dramma giocoso)

 Las arias no son reflexiones, sentimientos, sino que además hacen

avanzar la acción, que progrese.

 La calidad de las escenas de conjunto y los finales. En el teatro sólo

pueden hablar los personajes sucesivamente (diálogo) pero Mozart hace
cantar varios personajes simultáneamente, de forma concertante,
respetando en esta simultaneidad el carácter de cada personaje. Son
verdaderos ejemplos de polifonía en estado puro, en los que a veces se
pierde la compresión del texto, pero la música cobra más importancia.
Los finales de conjunto son muy largos.

 Mozart diferencia musicalmente a los personajes según su nivel social.

Los de alto nivel melodías más ornamentadas, y los de clase más baja
melodías más simples.

 Algo común a la trilogía, fueron los libretos, escritos por Lorenzo da

Ponte, y aunque algunos eran adaptaciones de otras obras literarias o
teatrales este autor elevó la ópera buffa a una categoría muy alta al
darles un tratamiento que lograba:

 La mayor profundidad en los personajes.

 Plasmación de tensiones sociales entre los

personajes.

 Profundizar en temas morales.

Esta mayor calidad de los libretos unida a la ya comentada característica

musical dada por Mozart a los personajes elevaron la calidad del género buffo.

LAS BODAS DE FIGARO: El 1 de mayo de 1786, a tres años de la revolución

francesa, se estrenó en Viena una de las óperas más controvertidas de la
historia musical: Le nozze di Figaro. Inspirada en una obra de teatro prohibida.
Mozart concibió una ópera magistral de una gran profundidad psicológica. A
través de un argumento trepidante y las distintas personalidades de los
personajes, pintadas a la perfección en toda su complejidad, se trata de una
audaz crítica de la aristocracia de finales del Antiguo Régimen. Le mariage de
Figaro, pieza teatral de Beaumarchais en la que inspiró Mozart, provocó desde
su estreno en París una sonada polémica, hasta tal punto que su autor fue
encarcelado por ello. Se trataba de una auténtica bomba de relojería, al
denunciar los abusos de poder de un conde que actuaba de rival amoroso de
su propio sirviente, perdiendo el juego. Sin embargo, esta obra se popularizó al

Clasicismo 23
poco tiempo y las traducciones al alemán no tardaron en llegar. Fue así como
Mozart quedó fascinado por esta segunda parte de El barbero de Sevilla y
encontró la historia que tanto tiempo llevaba buscando para su nueva ópera
bufa , cuyo libreto fue realizado por su amigo Lorenzo da Ponte. Pero el
compositor y el libretista no contaban con un imprevisto de primer orden: el
emperador José II, hermano de la reina María Antonieta, había prohibido
representar en Austria la obra teatral de Beaumarchais, por haber provocado
un gran revuelo en Francia con la crítica mordaz que se hacía de los valores
decantes de la aristocracia de la época. No obstante, decidieron emprender la
composición en absoluto secreto durante el verano de 1785. Da Ponte, tuvo la
astucia de suprimir los pasajes más polémicos de la obra original, lo que se
tradujo en el beneplácito de José II para su representanción en Viena

Esta ópera gira en torno a las aventuras extramatrimoniales del Conde

Almaviva, y los derechos de los nobles sobre sus súbditos. En esta ópera se
reflejan las flaquezas de la aristocracia y el pueblo llano. La música nos
transmite el carácter, la edad, las pasiones,..de los diferentes personajes. Las
canciones del Conde Almaviva y su esposa son distintas en cuanto al tono de
las de sus sirvientes Fígaro y Susana; la música nos habla del origen social de
sus personajes, y de sus tensiones sexuales (que es el móvil esencial de la
obra). La música del paje adolescente Querubino describe una exuberante
sexualidad de juventud muy diferente de la apremiante pasión del conde o del
cinismo de Fígaro cuando cree que Susana le es infiel. La trama y la tensión
son impulsadas por la orquestación hasta el final.

DON GIOVANNI: Basado en el “burlador de Sevilla y convidado de piedra” de

Tirso de Molina y Moliére, es la historia del seductor infatigable, que al final es
burlado. Don Juan, no es un personaje cómico, sino que al igual que los demás
personajes está tratado con cierta seriedad. Incluso personajes cómicos como
el criado Leporallo poseen sensibilidad. La música, representará unos
sentimientos del todo exuberantes que harán sentir al público el dolor de la
muerte de una forma intensa y difícil de conseguir. Todo ello saldrá de Mozart
fruto del dolor que siente por la reciente muerte de su padre.

COSSI FAN TUTTE: “Así hacen todas”. En esta ópera Lorenzo Da Ponte fue
mucho más libre , porque no partió de una obra teatral, sino de algo que, al
parecer, había ocurrido en la esfera de la alta sociedad vienesa. Instigados por
un solterón, dos jóvenes deciden probar la fidelidad de sus prometidas,
disfrazándose y cambiando de pareja. En el espacio de un día y al precio de
una apuesta se aprueba la inconstancia de las jóvenes. Los seis personajes
que aparecen en escena se combinan de todas las maneras posibles. Esta
ópera es una ópera de conjuntos.

Clasicismo 24
EL RAPTO EN EL SERRALLO: Es un singspiel, una historia romántica-cómica
de aventuras y rescate en un ambiente oriental. Gran parte de la acción
evoluciona con el diálogo hablado, así que la música carece de recitativos y
consiste, por entero, en números cerrados. Contiene multitud de alusiones a la
música turca, para conseguir esto, amplió la orquesta de Viena, introduciendo
instrumentos inusuales dentro de la orquesta; platillos, tambores turcos,
triángulo,...

LA FLAUTA MÁGICA: Es la última obra estrenada antes de su muerte. Se

trata aparentemente de un sigspiel, pero se puede considerar como una de las
grandes óperas alemanas modernas, por la cantidad de significados simbólicos
y la riqueza de la música. Gran parte de la solemnidad de ésta se debe a la
relación que estableció Mozart entre la acción de la ópera y las enseñanzas
masónicas. La exaltación de las virtudes morales, que era típico de los
masones aparece claramente reflejado en la ópera.

El príncipe Tamino es perseguido por una serpiente gigante, se adentra en el

bosque tratando de huir, pero ha entrado en el reino de la reina de la noche sin
saberlo. Allí llegará a un acuerdo con la reina tendente a conseguir la mano de
su hija a cambio de que la libere del secuestro en la que la tiene sometida
Sarastro. Tamino acompañado del pajarero Papageno se dispondrá a salvar a
su amada, sin embargo una vez llegado al reino de Sarastro, se da cuenta que
la realidad es otra y decide quedarse allí al lado de su amada y lejos de la
reina. Para quedarse y pertenecer al templo de los sabios, habrá de pasar una
serie de pruebas que logrará superar. Finalmente los dos amantes se unirán
para siempre mientras su malvada madre será derrotada definitivamente.

[Link]
3363850/. This is ópera. La flauta mágica.

Música religiosa:

MISA DE REQUIEM

La misa de réquiem en re menor, es una obra basada en los textos latinos para
el acto litúrgico celebrado tras el fallecimiento de una persona; se trata de la
decimonovena y última misa escrita por Mozart, quien murió antes de
terminarla.

Fue compuesto para orquesta sinfónica, coro y voces solistas (soprano,

contralto, tenor y bajo). Los instrumentos para los que fue compuesto
responden al esquema típico de una orquesta sinfónica de finales del siglo
XVIII.

El Réquiem de Mozart está dividido en 7 bloques. Algunos de ellos, a su vez,

se subdividen en otras partes más pequeñas. Cada una de las partes de la

Clasicismo 25
obra tiene un final y dependiendo de la interpretación y del director la pausa
entre una y otra tendrá una mayor o menor duración. Cada una de las partes
tiene unos intérpretes, coro, coro+soprano, etc. Las partes en las que se divide
son:

1. Introitus: Requiem Aeternam (coro y soprano)

2. Kyrie Eleison (coro)
3. Sequentia:
1. Dies Irae (coro)
2. Tuba Mirum (soprano, contralto, barítono y tenor)
3. Rex Tremendae (coro)
4. Recordare, Pie Jesu (soprano, contralto, barítono y tenor)
5. Confutatis Maledictis (coro)
6. Lacrimosa Dies Illa (coro)
4. Offertorium:
1. Domine Jesu (coro, soprano, contralto, barítono y tenor)
2. Hostias (coro)
5. Sanctus:
1. Sanctus (coro)
2. Benedictus (coro, soprano, contralto, barítono y tenor)
6. Agnus Dei (coro)
7. Communio: Lux Aeterna (coro)

Última página del Requiem compuesta por Mozart.

Mozart dejó completo la introducción y había redactado gran parte de los

5 primeros movimientos de la secuencia (del Dies Irae al Confutatis),
además de 8 compases del sexto movimiento; la lacrimosa. También
dejó bosquejos avanzados del ofertorio. Süssmayr ( discípulo suyo)
añadió el trombón del Tuba mirum, compuso el Sanctus, el Benedictus y
el Agnus, basándose en los esbozos e ideas de Mozart.

Clasicismo 26
Sinfonías: Su obra sinfónica consta de 41 sinfonías. Todas ellas llevan la letra
“K” que corresponde a la clasificación de ellas que hizo Köchel.

En sus dos últimas sinfonías, Mozart nos muestra una capacidad mental que
nos asombra y un temperamento “lleno de contrates”.La Sinfonía n.º 40 en sol
menor, K. 550 es una pieza musical en la que se refleja el “tremendo
pesimismo” que tenía este compositor entre Junio y Julio de 1788, y luego, sólo
15 días después escribió “la última“, la maravillosa Sinfonía número 41, en
do mayor, K.551 «Júpiter» en la que “se da todo lo opuesto”, saltando del
pesimismo de la número 40, a una enorme explosión de júbilo en esta número
41. No sabemos “qué fue lo que le pasó a Mozart“, en aquel verano de 1788
para pasar de la depresión a la alegría, pero en realidad eso no importa,
porque lo verdaderamente importante es comprobar que en sus dos últimas
sinfonías, Mozart nos presenta su mejor “currículum” como compositor y nos da
un magnífico ejemplo de cómo era su personalidad: “genial y contradictoria”.

Sinfonía número 40, en sol menor, K.550

La Sinfonía n. º 40 en sol menor, K. 550, fue compuesta entre el 25 de junio y

e 25 de julio de 1788. Un mes exacto para la penúltima sinfonía de aquel gran
compositor. Suene llamársela la «gran sinfonía en sol menor» para distinguirla
de la «pequeña», que fue la n. º 25, (que también compuso Mozart en sol
menor). Estas dos, son las únicas sinfonías que compuso Mozart en «Modo
Menor» aunque se discute si hizo también una temprana sinfonía en “la menor”
conocida como la «Sinfonía Odense»

Si nos fijamos en la partitura manuscrita de la “Sinfonía número 40” podemos

apreciar el genio de este compositor. El manuscrito está casi “sin correcciones
ni tachaduras” trasladando Mozart al pentagrama “la música desde su mente”
como si fuera un trabajo mecánico y en vez de “crear”, estuviera “copiando” la
música de un papel a otro.

La Sinfonía número 40 tiene un carácter trágico y desgarrado que muy bien

puede identificarse con “las circunstancias vitales de su autor” cuando la
escribió. Todas sus circunstancias y su tremenda lucha contra la adversidad se

Clasicismo 27
reflejan en la misma. Por eso algunos han denominado a esta sinfonía como
“Trágica“. Mozart no la escribió por encargo sino “para sí mismo”, y sólo como
un simple anhelo de “decir lo que sentía”.

Sinfonía número 41, en do mayor, K.551 «Júpiter»

La sinfonía de «Júpiter» en do mayor, (KV 551) está considerada (sobre todo

el final) como “una de las mejores sinfonías del mundo“. Debido a la excelencia
de su final se la denomina a menudo como “Sinfonía con fuga final”. Wolfgang
Amadeus Mozart completó esta sinfonía el 10 de agosto de 1788 y fue la última
que compuso y también la más larga. El trabajo es apodado como sinfonía
«Júpiter» pero el nombre no proviene de Mozart sino que probablemente lo
acuñó el empresario Johann Peter Salomon que llevaba los conciertos de
Haydn por su apariencia brillante que ya se percibe desde el primer “Allegro
Vivace” que abre la obra.

Esta sinfonía número 41 fue la última de una serie de tres que Mozart compuso
en una sucesión rápida durante el verano de 1788. La 39ª finalizada el 26 de
junio y la 40 acabada el 25 de julio. Al mismo tiempo, Mozart estaba
escribiendo sus “piano trios” en E y C mayor, su “Sonata facile” y una sonatina
de violín. No se sabe si la sinfonía 41ª fue ejecutada en vida del compositor.
Según Otto Erich Deutsch, alrededor de esta época Mozart se preparaba para
celebrar una serie de “Conciertos en el Casino” en un nuevo casino en el
Spiegelgasse propiedad de Philipp Otto. Mozart incluso envió un par de boletos
para esta serie a su amigo Michael Puchberg pero no se ha determinado si
aquella serie de conciertos se llevaron finalmente a cabo, o fueron cancelados
por falta de interés.

En un artículo sobre la sinfonía «Júpiter» Sir George Grove nos decía que “era
la obra orquestal más grande del mundo que precedió a la revolución
francesa”. Analicemos de nuevo la misma en su modo sinfónico interpretada
por una orquesta.

Clasicismo 28
LUDWING VAN BEETHOVEN (1770-1827)
Durante la vida de Beethoven el mundo cambió de una manera radical y sería
un disparate no tener en cuenta esos cambios si queremos comprender la
figura y la obra del compositor.

Es uno de los grandes creadores de la música. Crea un lenguaje universal y es,

probablemente, el músico más oído de todos los tiempos. Nace en Bonn de
padre músico, y crece en un ambiente pobre. Gran aficionado a la ciencia y a la
lectura, es admirador de las ideas nacidas al calor de la Revolución Francesa.

En Viena recibe clases de Haydn; muy pronto comienzan sus problemas de

oído que le llevan a la más completa sordera, y que, unido a un gran número
de decepciones de todo tipo, contribuyen a darle un carácter difícil. Muere en
1827, rodeado de fama y admirado en todo el mundo.

Es un músico que comienza en el clasicismo de Mozart y Haydn y hace

evolucionar la música hasta el Romanticismo; es más, todos los compositores
posteriores, no sólo románticos sino enclavados en otras líneas estilísticas,
reciben su influjo.

Desde Beethoven el componer no consiste, como expresa la teoría clásica, en

seguir unas reglas que se imponen a la voluntad del artista, sino, por el
contrario, en expresar los propios sentimientos e ideas sobre el mundo.

Música sinfónica: Comprende en primer lugar sus nueve sinfonías, la

mayoría de las cuales son obras de gigantescas proporciones y de gran belleza
y perfección.

Sinfonía Nº 3, “HEROICA” nos expresa su entusiasmo por Bonaparte y la

Revolución (primitivamente esta obra fue titulada “Sinfonía Bonaparte”, pero
cuando Beethoven supo que Napoleón se había hecho coronar Emperador,
borró el título decepcionado). Era una obra revolucionaría, su extensión (50
minutos de duración) y complejidad no tenían precedentes (de hecho no fue
muy aceptada en su momento).

Es una de las obras clave en el desarrollo de la música clásica, ya que es el

momento en el que el clasicismo comienza un declive para dar paso al
romanticismo.

La sinfonía romperá con los modelos sinfónicos anteriores. La obra destaca por
su longitud y consta de 4 movimientos:

1. ALLEGRO

2. MARCHA FÚNEBRE

Clasicismo 29
3. SCHERZO: que sustituirá al minué pasado ya de moda. El scherzo es una
forma musical que deriva del minué, pero un poco más rápido.

4. ALLEGROMOLTO. En este final Beethoven recuerda a otro héroe el titán

mitológico Prometeo. Beethoven toma un tema de su ballet “Las criaturas
de Prometeo”y crea un conjunto de variaciones y una fuga.

Fue interpretada por primera vez en una ejecución privada en el palacio de su

amigo y mecenas el Príncipe Lobkowitz, y más tarde sería estrenada en público
en 1805.

Sinfonía Nº 4, transmite jovialidad y buen humor.

Sinfonía Nº5 Siempre se ha interpretado como la proyección musical de su

decisión de no dejarse vencer por el destino. Es una de las sinfonías más
interpretadas de la música clásica. Se compone de 4 movimientos.

La sinfonía ha pasado a la historia como Sinfonía del destino. El sobrenombre

se debe al secretario y biógrafo de Beethoven, Anton Schindler, cuando
preguntó al compositor por las cuatro contundentes notas de inicio de la
sinfonía Beethoven respondió “Así llama el destino a la puerta”.

En su estreno, tuvo un recibimiento frío porque las condiciones en que se

estrenó fueron adversas; la orquesta no tocó bien puesto que que solo había
realizado un ensayo antes del concierto, el auditorio era muy frío y la longitud
del programa ( se estrenó junto a la sexta) terminó por agotar al público.

Sinfonía Nº6, consagrada a la naturaleza. (la pastoral o recuerdo de la vida en

el campo. Este sobrenombre si fue puesto por Beethoven al contrario del
sobrenombre de la quinta.

En ella Beethoven expresa su amor por la naturaleza y la vida en el

campo .Más que una descripción paisajista, Beethoven quiere mostrar
sensaciones. Esta obra ha quedado como el origen de la música programática,
de la cual durante el romanticismo nacería el poema sinfónico.

Esta composición, rompe con el molde clásico, al tener cinco movimientos en

lugar de cuatro.

1º MOV ALLEGRO MAN NON TROPO; fue descrito por Beethoven como
“despertar de sentimientos felices al encontrarse en el campo”

2º MOV; escenas junto al arroyo.

3ª MOV; alegres juegos de los aldeanos

4MOV; la tormenta

Clasicismo 30
5º Canción de los pastores o alegría y acción de gracias después de la
tempestad.

Sinfonía Nº7, llamada por Wagner “la apoteosis de la danza”

Sinfonía Nº8, la más animada y reducida de todas.

Sinfonía Nº 9, en ella Beethoven introduce el coro en la última parte, poniendo

en música la Oda de la Alegría de Schiller. Resulta significativo de los ideales
éticos de Beethoven el hecho de que, al elegir las estrofas que utilizaría, haya
escogido las que subrayan dos ideas: la fraternidad universal del hombre
expresada a través de la alegría y su fundamento en el amor de un padre
celestial eterno.

Compositivamente su principal preocupación fue resolver el problema de la

transición entre los movimientos instrumentales y el final coral. Beethoven hizo
que violonchelos y contrabajos, en un insólito recitativo instrumental prepararan
el camino, después los violonchelos en un susurro, presentan la melodía que
es tomada por la orquesta en un clima de gran entusiasmo, dando paso a la
voz. Para muchos musicólogos la Novena es algo más que música; es el
desafío a las formas establecidas, una experiencia espiritual, la fraternidad
universal, una explosión titánica, que fue la mayor inspiración de los
románticos.

Beethoven agrandó el marco de la sinfonía, modificó el plan de algunas de sus

partes y sustituyó el Minué por el Scherzo. Así en la Quinta y en la Pastoral, el
scherzo se encadena sin interrupción final. La instrumentación es de una
riqueza desconocida por los sinfonistas precedentes, no tanto por el uso que
hace Beethoven de timbre nuevo, sino por la hábil combinación de los mismos,
de donde resultan sonoridades nuevas que le comunican una gran fuerza de
expresión a los distintos temas.

Pertenecen también a las obras sinfónicas algunas magistrales oberturas,

tales como las de Coriolano, Egmont y las que compuso para la ópera Fidelio,
en número de cuatro, tres de las cuales llevan el nombre de Leonora. Estas
oberturas representan una nueva modalidad en dicho género y preparan el
camino del futuro poema sinfónico cuyo desarrollo fue muy importante en el
siglo XIX.

Las 10 oberturas son piezas cortas. Que, posteriormente, serían ampliadas y

trabajadas para su incorporación en obras mayores. En el fondo es música
compuesta para musicalizar ballets y obras de teatro. Se trata de
composiciones cerradas y uniformes que expresan emociones e ideas llenas
de heroísmo. El tema de la libertad está muy presente en este apartado de la
producción del músico de Bonn. Por ejemplo, la obertura “Coriano” ilustra
musicalmente el drama de Shakespeare basado en el héroe que tiene que

Clasicismo 31
escoger entre la libertad de conciencia y su lealtad a las leyes romanas.
“Leonora” nº 3, por su parte, es la mejor de las cuatro oberturas escritas para la
ópera “Fidelio”. De idéntica valía son las “las criaturas de Prometeo” y
“Egmont”.

Estas oberturas abren el camino hacía el poema sinfónico, género que se

desarrollará durante el romanticismo.

LAS CRIATURAS DE PROMETEO

Die Geschöpfe des Prometheus (Las criaturas de Prometeo) es música

compuesta por Beethoven para el “ballet heroico y alegórico” en dos actos
ideado y puesto en escena por el mayor coreógrafo de la época, el célebre
Salvatore Viganò. El título original de la composición era Los hombres de
Prometeo pero ya en el programa de las primeras representaciones apareció el
de Las criaturas de Prometeo, que no son sino dos simbólicas estatuas
animadas que, en el ballet, eran conducidas por Prometeo al Parnaso, con el
encargo a Apolo de ir aproximándolas a las distintas artes, aunque el libreto se
ha perdido. Poco se conoce sobre las circunstancias que determinaron el
encuentro de dos personalidades tan diferentes como Beethoven y Viganò, ni
las razones por las que el coreógrafo, verdadera estrella del universo teatral de
la época, se dirigió para la parte musical del ballet al compositor de Bonn,
absolutamente extraño a este género de encargos. De hecho, sólo había
compuesto un ballet a los veintiún años y ésta fue su última experiencia en el
tema.
Para este ballet, Beethoven escribió dieciséis episodios a los que añadió una
Obertura, que se ha convertido en la página más famosa y que es lo único que
se ha incorporado al repertorio.

[Link] Las criaturas de

Prometeo. Obertura.

[Link] Egmont. Obertura.

EGMONT

Como ha señalado el musicólogo Paul Mies, el heroísmo era cercano a la

propia personalidad de Beethoven y era una de las principales preocupaciones
de su época. No es de extrañar, entonces, que en sus relativamente raras
incursiones en la música para el teatro, Beethoven se mostrara más atraído
por los protagonistas que se atrevían mucho en contra de las fuerzas
represivas.
Egmont sería un buen ejemplo de ello. En 1809 Beethoven recibió el encargo
de componer para el tardío estreno en Viena de la obra de Johann Wolfgang

Clasicismo 32
von Goethe (1754-1832). Esta fue la interpretación libre de Goethe de la lucha
del titular del Conde Egmont en el siglo XVI por la libertad holandesa contra el
régimen imperial autocrático de España. Egmont es encarcelado y condenado
a muerte, y cuando Klärchen, su amante, no lo libera, se suicida. Antes de su
propia muerte, Egmont pronuncia un discurso apasionado y su ejecución se
convierte en un martirio victorioso en una lucha contra la opresión.
La música incidental de Beethoven comienza con una obertura poderosa y
sorprendentemente original que resume el curso del drama, desde su ominosa
y lenta introducción (sugiriendo la opresiva huella de España con el ritmo de la
zarabanda) hasta la maníaca transformación de la tragedia en triunfo en una
brillante coda, de la que Beethoven se hizo eco al final de la obra como una
Sinfonía de la Victoria. (Beethoven dirigió la Obertura en otro concierto benéfico
en Viena en marzo de 1814, junto con la Victoria de Wellington).

Música para piano: Con Beethoven comienza el verdadero reinado del

piano. Sobre 32 sonatas que compuso, algunas ostentan cuatro movimientos; a
veces falta el minué o el scherzo; a veces, el adagio; incluso las hay que que
sólo constan de dos movimientos.

Las tres primeras sonatas que publicó están dedicadas a Haydn. A pesar de
pertenecer a su primera época ya se observan en ellas detalles de estilo y de
forma que relevan la fuerte personalidad del autor.

Cronológicamente, la sonata que sigue en importancia es “la Patetica”, cuyo

principal interés radica en su arquitectura, de forma cíclica y en sus marcados
contrastes expresivos.

Siguen de 1801 a1815, una serie de sonatas en las que el genio del compositor
se va independizando cada vez más de los viejos modelos y que nos muestra
un amplio espectro de estilos y formas.

La más célebre de estas obras pianísticas son: la Sonata de Do sostenido

menor, ”quasi una fantasía”, conocida como “Claro de luna”; la Sonata pastoral;
la Sonata Appasionata, la Waldstein también llamada “la Aurora” y la Sonata
“el adiós, la ausencia y el retorno”.

En cuanto a las últimas sonatas, pertenecientes a la tercera época o estilo; la

opus 90, 101,106 110 y 111. En ellas Beethoven llega a prescindir casi por
completo del plan tradicional; en su construcción sólo lo guía el sentimiento
íntimo por lo que resultan casi todas de una arquitectura compleja. Estas
sonatas son las más difíciles de ejecutar y de interpretar, están íntegramente
ligadas al estado de ánimo del músico en el momento de escribirlas.

Clasicismo 33
Para piano compuso Beethoven muchas otras piezas de menores
proporciones, tales como bagatelas, variaciones sobre diferentes temas, etc.

Los conciertos: En su condición de concertista de piano es natural que

Beethoven compusiera conciertos para su propio uso. Compuso cinco
conciertos para piano. En estos conciertos no se muestra tan innovador como
en sus sonatas ya que por lo general se limita a seguir las huellas de Mozart.
Beethoven mantuvo la división del concierto en tres movimientos y el esquema
general de la forma clásica pero amplio su marco e intensificó su contenido. El
virtuosismo de la parte solista es más marcado y esta entretejida de modo más
continuo con la orquesta.

Quizá el más famoso sea el concierto para piano Nº5 “Emperador”, en donde el
virtuosismo y el sinfonismo se combinan a la perfección. Es una composición
épica (“sinfonía con piano” le han llamado algunos) que tiene un original
arranque y soberbias cadencias. El origen del sobrenombre del “emperador” se
debe a que durante una de sus interpretaciones más tempranas, un soldado
francés que se encontraba en el público, maravillado por el virtuosismo del
concierto, se habría levantado gritando “es el emperador”, en alusión a
Napoleón.

El único concierto para violín “opus 61 en Re mayor” que nos legó Beethoven
es una de sus obras maestras. Por su sostenida inspiración, así como por su
perfección técnica, este concierto ha alcanzado gran celebridad y figura en el
repertorio de todos los grandes violinistas.

Música de cámara: Beethoven dejó 16 cuartetos de cuerda y una gran fuga

para el mismo conjunto de cámara. Hay en estas obras un progreso análogo al
que se observa en las sonatas. La importancia del género de Beethoven
rebasa los límites del romanticismo, al grado de que sus últimas obras son una
genial anticipación estilística y técnica que habrá de influir en Dmitri
Shostakovich, Bela Bartók y en la segunda escuela de Viena de inicios del siglo
XX. Los cuartetos nos muestran al Beethoven más profundo y original. Hablar
de su ciclo de cuartetos, es hablar posiblemente del ciclo camerístico más
trascendente de la historia de la música.

Pertenecen también a la música de cámara sus tríos, uno para violín, viola y
cello y otros para violín, violonchelo y piano. También los hay para
instrumentos de viento. Por último Beethoven compuso 10 sonatas para violín y
piano.

Sólo escribió una ópera Fidelio (es un sigspiel), compuesta en 1803 bajo el
nombre de Leonora, y corregida en 1814. Para esta ópera escribió Beethoven
cuatro oberturas.

Clasicismo 34
Es la historia de una esposa heroica que, gracias a su disfraz (Leonora se
disfraza de Fidelio), salva de la cárcel a su marido, injustamente condenado. El
asunto es una glorificación del amor conyugal, de la fidelidad y de la libertad.

Su primera representación fue recibida con mucha frialdad. Cuando se la volvió

a representar reformada en 1814, obtuvo bastante éxito.

Antes que Beethoven otros músicos y libretistas afrontaron la historia de

Leonora, hecho real ocurrido en los años del terror que siguieron a la
Revolución Francesa.
Beethoven retomará este tema, pero a diferencia de los casos anteriores
situará la acción en España con el fin de que las “culpas” no recayesen en los
jacobinos, con los que de alguna manera siente cierto aprecio, por lo que de
“revolución” y “cambio” suponían sus posturas, más que sus métodos.
Su primer estreno supuso un gran fracaso, por lo que el compositor volvió a
revisar la obra y a introducir modificaciones en ella (fundamentalmente el
cambio de oberturas y el añadido del tercer acto). Así cuando se reestrena en
su forma definitiva en 1814, alcanza un gran éxito, apareciendo en diversos
teatros del mundo.

[Link]
This is opera. Fidelio.

Música religiosa: Destaca su Missa Solemnis o Misa en Re, concebida

para exaltación del Archiduque Rodolfo a la silla arzobispal de Olmütz. No
llegó a cumplir su misión por no haberla concluido hasta tres años más tarde de
la ceremonia.

La misa está escrita para gran orquesta, órgano y coro a 4 voces, al que se une
un cuarteto vocal. El elemento dramático o descriptivo reviste mucha
importancia. En la composición de esta misa Beethoven se ha separado de
toda preocupación litúrgica, de todo formalismo ritual. La interpretación de los
símbolos religiosos expresados en el texto no se adapta en absoluto a las
exigencias litúrgicas, como lo demuestra entre otras cosas, la intervención de
una fanfarria guerrera. Aunque de inspiración profundamente religiosa, esta
misa, por sus proporciones colosales y la libertad de su forma, es más para ser
escuchada en una sala de conciertos que en un templo.

[Link] Documental Beethoven.

Clasicismo 35
Clasicismo 36