Cómo hacer para que no sea la escuela de un teatro sino la escuela
de todos los teatros la escuela de un teatro es siempre ambigua el
director de escena quiere formar a los alumnos a su imagen y
semejanza coger los mejores para la compañía no es partidario de
este proceso ya que desemboca a un estilo único.
Dice lecoc en verdad siempre he querido y siempre me ha gustado
enseñar pero enseñar sobre todo para conocer. Es enseñando cómo
puedo continuar mi indagación sobre el conocimiento del movimiento.
Es enseñando cuando mejor comprendo cómo “eso se mueve”. Es
enseñando cómo he descubierto que el cuerpo sabe cosas que la
cabeza no sabe todavía.
“El objetivo del viaje es el viaje en si mismo”.
En la escuela siempre hay una idea submarina incluso si de vez en
cuando sacamos la cabeza fuera del agua enseguida volvemos a
sumergirnos para nadar entre las dos aguas de las permanencias.
El movimiento expresado por medio del cuerpo humano es nuestra
guía permanente en este viaje de la vida al teatro.
“La permanencia, esencia, constante, raiz, principio básico”.
Permanence
Improvisación: primer trazo de toda escritura.
Equilibrio perfecto: situación de creación mediante la expresión.
La diferencia entre un acto de expresión y un acto de creación
consiste en:
Acto de expresión: la actuación se dirige más hacia uno mismo que
hacia el público. Absorben ese espacio, lo repliegan sobre ellos
mismos y el público queda excluido, la actuación se convierte así en
un acto privado.
Proceso de creación: el objeto creado ya no pertenece al creador. El
objetivo es realizar este acto creador.
“Dar un fruto que se desprenda del árbol”
En la pedagogía del eco siempre ha privilegiado el mundo exterior
frente al interior la búsqueda de uno mismo de sus estados de ánimo
no tiene mucho interés en el trabajo de los demás el yo está de más.
Hay que observar cómo se mueven los seres y las cosas y cómo se
reflejan en nosotros hay que privilegiar la horizontal la vertical eso
que existe de manera intangible fuera de uno mismo.
La persona se revelará a sí mismo en relación a estos apoyos sobre el
mundo exterior.
“Creer o identificarse, hay que actuar”
La búsqueda de las permanencias, el movimiento no es un recorrido,
es una dinámica, algo muy diferente a un simple desplazamiento de
un punto a otro.
Lo que importa es cómo se hace el desplazamiento. La base dinámica
de la enseñanza está constituida por las interrelaciones de ritmos de
espacios y de fuerzas.
Lo importante es reconocer las leyes del movimiento a partir del
cuerpo humano en acción: equilibrio desequilibrio oposición
alternancia compensación acción reacción.
Y estas leyes se encuentran tanto en el cuerpo del actor como en el
del público.
Existe un cuerpo colectivo que sabe si un espectáculo está vivo o no
el aburrimiento colectivo es una señal de no funcionamiento orgánico
de un espectáculo.
Las leyes del movimiento organizan todas las situaciones teatrales
una escritura es una escritura en movimiento los temas pueden
cambiar pertenecen a las ideas pero las estructuras de la actuación
permanecen ligadas al movimiento y a sus leyes inmutables.
Mimar: mi madre es un acto fundamental el acto primigenio de la
creación dramática para el actor para la escritura y para la actuación
yo sitúo el acto de mimar en el centro como si fuera el cuerpo mismo
del teatro: poder jugar hacer otro poder dar la ilusión de cualquier
cosa.
El acto de mimar es un acto esencial un acto de la infancia: el niño
mira el mundo para reconocerlo y prepararse para vivirlo. El teatro es
un juego que mantiene vivo ese acontecimiento.
Página en blanco: hay que eliminar todas las formas parasitarias que
le son ajenas expurgar todo lo que pueda estorbarles para
reencontrar con la mayor aproximación posible la vida tal como es.
Intentar crear una especie de página en blanco que esté disponible
para recibir los acontecimientos del exterior. Sembrar raíces a través
del juego teatral y de la creación a partir de la improvisación será un
análisis de los movimientos de la vida.
Conexión:
A través de la improvisación de hacer surgir al exterior lo que está en
el interior.
La técnica objetiva del movimiento no permite realizar el proceso
inverso del exterior hacia el interior.
Así maneja tres ejes de trabajo: improvisación, análisis de
movimiento, creación personal.
Improvisación: la creación es la manera más simple de reproducir los
fenómenos de la vida. Los alumnos reviven una situación sin
preocuparse por el público: una clase, hospital, mercado, metro, etc.
La actuación aparece más tarde cuando consiente de la dimensión
teatral el actuar da para un público: un ritmo una medida un tiempo
un espacio, es decir una forma a su improvisación.
Cómo interpretar las cosas muy simples? Cómo permanecer en
silencio?
Sin condicionantes no hay provisión de hablar simplemente se pide
estar callados para que comprendan mejor el fondo de las palabras.
Solo se sabe de este silencio por dos caminos: 1 la palabra ( si es
necesario)
2 la acción (hago algo)
El juego de la actuación no puede establecerse más que en reacción
con el otro.
El mundo interior se revela por reacción a las provocaciones del
mundo exterior.
El principal motor de la actuación se encuentra en las miradas: mirar
y ser mirado.
La vida es una espera continua?
Esta espera nunca es abstracta se nutre de diferentes contactos.
Acción y reacción: tratamos de encontrar esto en la improvisación
pero también observando la vida real.
Puesto que el recuerdo de lo vivido no es suficiente para el juego de
la actuación tenemos necesidad a cada instante de volver a la
percepción de lo que está vivo observar sus comportamientos.
Verbo nace del silencio el movimiento no pueden hacer más que de la
inmovilidad.
“Calla actúa y el teatro llegará”
La máscara neutra
La neutralidad (es el comienzo del viaje)
La máscara neutra es un objeto especial. Es un rostro llamado neutro,
en equilibrio, que sugiere la sensación física de la. (Este objeto se
coloca sobre la cara debe servir para sentir el estado de neutralidad)
previo a la acción un estado de receptividad a lo que nos rodea, sin
conflicto interior, una máscara básica, una máscara de apoyo para
todas las demás.
Cuando el alumno haya sentido ese estado neutro inicial su cuerpo
estará disponible, como una página en blanco en la que podrá
imprimirse la escritura del drama.
La máscara neutra no debe pegarse al rostro (como todas las demás)
se debe mantener cierta distancia ya que en esta distancia es con la
que el actor puede actuar verdaderamente. Debes ser ligeramente
más grande que el rostro.
La máscara neutra acrecenta esencialmente la presencia del actor en
el espacio que lo circunda. Lo sitúa en un estado de descubrimiento,
apertura, disponibilidad para recibir.
Le permite mirar, oír, sentir, tocar las cosas elementales con la
frescura de la primera vez.
Un personaje tiene conflictos, historia, pasado, contexto, pasiones,
etc.
Por el contrario la máscara neutra está en estado de equilibrio de
economía de movimientos. Se mueve lo justo, dentro de una
economía de sus gestos y de sus acciones. Trabajar en movimiento a
partir de lo neutro proporciona los puntos de apoyo esenciales para la
actuación.
Bajo una máscara, el rostro del actor desaparece y el cuerpo se
percibe mucho más intensamente.
Por lo general al hablar con alguien se le mira la cara. Bajo una
máscara neutra lo que se mira es el cuerpo entero del actor. Todos los
movimientos se revelan entonces con especial potencia.
La máscara extraído de él algo que lo ha despojado del artificio. Ahora
su rostro es muy hermoso, disponible. Ya puede prescindirse de La
máscara.
(El trabajo de la máscara neutra se termina sin máscara)
1. Descubrimiento del objeto.
Qué puede decirle una máscara neutra a otra, La respuesta es nada.
Lo único que pueden hacer es encontrarse al mismo tiempo frente a
un acontecimiento exterior que les interese.
Con la máscara neutra cada uno percibe qué es lo que pertenece a
todo el mundo y es entonces cuando los matices aparecen con fuerza.
Los cuerpos son diferentes pero se parecen en aquello que los une: el
adiós.
2. El viaje elemental.
