LIBRO DE EDUCACIÓN ARTÍSTICA

Artística

Nombre:
_______________________________________________________

Segundo Básico
Creación de la Fundación Castillo Córdova

Autor: Iris Vides 2019.

Primera edición: Iris Vides 2021.
Segunda edición: Iris Vides 2022.
Tercera edición: Iris Vides 2023.
Cuarta edición: Iris Vides 2024.

Este folleto no puede ser reproducido total o parcialmente, almacenado o

transmitido en manera alguna ni por ningún medio, ya sea electrónico,
mecánico, óptico de grabación o fotocopia, por registros u otros métodos,
sin el permiso previo y por escrito de Fundación Castillo Córdova. Todos los
derechos reservados

Reimpresión: Guatemala de la Asunción, noviembre de 2024

1
 Índice
Introducción ................................................................................................................ 4
Primera unidad ...................................................................................5
Método Stanislavski ..................................................................................................... 6
Concentración .................................................................................................... 7
Atención creadora externa ............................................................................. 10
Sentido de verdad ............................................................................................ 11
Circunstancias dadas ....................................................................................... 11
Sí mágico ........................................................................................................... 14
La atención creadora interna ......................................................................... 14
La estrategia de la imaginación ..................................................................... 15
La estrategia de la memoria ................................................................................................. 15
Memoria emocional ......................................................................................... 17
Fe escénica ....................................................................................................... 18
Nivel de actuación: el personaje ............................................................................ 20
Construcciones de personajes ................................................................................ 23
Construcción de escenas ........................................................................................ 26
Repaso ....................................................................................................................... 29
Proyecto .................................................................................................................... 30

Segunda unidad............................................................................... 33
Boceto y dibujo ......................................................................................................... 34
Boceto………………………………………………………………………….….…..…34
Dibujo .................................................................................................................. 37
Tipos de dibujo ................................................................................................... 38
Artístico ............................................................................................................... 38
Técnico ............................................................................................................... 28
Elementos del dibujo ........................................................................................ 38
Instrumentos........................................................................................................ 38
Tintas.................................................................................................................... 38
Soporte................................................................................................................ 38
Figura humana .......................................................................................................... 41
Estructura del cuerpo masculino ...................................................................... 42
Trucos y reglas básicas para dibujar la Cabeza y el rostro ............................ 43
Las formas y volúmenes generales del tronco y las extremidades .............. 44
Como dibujar las manos y los pies .................................................................. 46
Técnica acuarela ...................................................................................................... 53
Procedimiento para pintar con acuarela .............................................................. 57
Fotografía artística ..................................................................................................... 60
Producción y edición de videos............................................................................... 68

2
 preproducción ........................................................................................ 68
Producción ........................................................................................................ 69
Postproducción ................................................................................................. 69
Repaso ………………………………………………………………………………………… 73
Proyecto de unidad .................................................................................................. 77
Tercera unidad .............................................................................. 81
Fuentes de producción sonora ............................................................................... 82
Cualidades del sonido ............................................................................................. 87
Instrumentos musicales ............................................................................................. 90
Instrumentos de cuerda ................................................................................... 91
Instrumentos de viento ..................................................................................... 92
Instrumentos de percusión ............................................................................... 95
Objetos sonoros.......................................................................................................... 99
Percusión corporal ...................................................................................................102
Ritmos latinos ............................................................................................................106
Repaso ......................................................................................................................123
Proyecto ...................................................................................................................125

Cuarta unidad ................................................................................ 128

Profesiones musicales ..............................................................................................129
Sonido .......................................................................................................................132
Fenómenos acústicos ..............................................................................................137
Audio analógico .......................................................................................................141
Audio digital .............................................................................................................145
MIDI ............................................................................................................................148
Herramientas de audio ............................................................................................153
Proyecto .................................................................................................................................. 159
Referencias ............................................................................................................................. 161

3
 INTRODUCCIÓN

En este libro podrás encontrar 4 unidades, cada unidad te brindará la

oportunidad de aprender sobre un arte diferente, comenzado por la unidad de
teatro en donde podrás encontrar temas sobre el arte dramático o teatro,
tendrás la oportunidad de conocer cada uno de los signos del teatro y como se
utilizan dentro del mismo.
En la segunda unidad aprenderás sobre las artes visuales o artes plásticas
en donde podrás conocer diferentes técnicas de dibujo y pintura,
introduciéndote de esta manera no solo a la reproducción y apreciación de
diferentes imágenes y pinturas si no también dándote la oportunidad de que
realices tus propias obras de arte.
La siguiente unidad es sobre música en ella aprenderás como se propaga
el sonido y su relación con la física, también podrás crear obras de musicales
utilizando la percusión corporal.
Es un año emocionante donde podrás aprender muchos temas
interesantes y ponerlos en práctica, recuerda que…

“El arte es la libertad del genio”

Adol Loos

4
PRIMERA UNIDAD
1. Método Stanislavski
2. Niveles de actuación
3. Construcción de personajes
4. Construcción de escenas
5. Repaso
6. Proyecto de unidad

Imagen de Freepick

Competencias
Elabora su propio discurso teatral por medio de diversos ejercicios de
dramaturgia.

Indicadores de logro
 Proyecta sus estados emocionales utilizando la observación,
reconocimiento, control y recreación.
 Realiza representaciones de personajes y escenas.
 Teatraliza a partir de situaciones de la vida diaria.

5
 Método Stanislavski

Indicadores de logro:
Proyecta sus estados emocionales utilizando la observación,
reconocimiento, control y recreación.
.

Preparación al tema

Ejercicio El Espejo
En parejas uno será quien ejecute la acción el otro deberá imitarlo
fielmente.

Estudio del tema

Método Stanislavski

Konstantín Stanislavski (1863-1938)

Fue actor, director escénico y pedagogo teatral ruso, creador del método
interpretativo Stanislavski y cofundador del Teatro de Arte de Moscú.
Su metodología es el resultado de muchos años de esfuerzos por parte de
Stanislavski, para determinar cómo una persona puede controlar el rendimiento
en los aspectos más intangibles e incontrolables del comportamiento humano,
tales como las emociones y la inspiración artística.
En 1888, funda junto a algunos colegas la Sociedad de Arte y Literatura
(S.A.L.), pero al poco tiempo, La S.A.L. tuvo que cerrar sus puertas, durante esa
temporada por motivos monetarios y al año siguiente volvieron a abrirlas, pero en
un local más pequeño siendo el director Stanislavski. Durante uno de los ensayos,
apareció Glikeria Fedótova con la intención de ayudarles y dirigirles; y lo
consiguió, pues ella percibía los sentimientos y procuraba reproducirlos, siendo
ésta la primera persona que le abrió el camino del sentimiento al teórico ruso.
Gracias a ella pudieron trabajar durante los ensayos con actores experimentados

6
 del entonces llamado teatro Dramático Oficial de Moscú, y así estos les
enseñaron las modalidades técnicas o juego escénico.
En 1889 realizó su primer trabajo como director con Los frutos de la
instrucción, de Tolstói. Enseñaba a los actores lo que creaba en su imaginación y
ellos le copiaban. Con este montaje, encontró un camino lateral hacia el alma,
de la forma al contenido, de la encarnación a la vivencia; aprendió a efectuar
una mise en scene en la que dejaba ver de manera automática el núcleo de
cada pieza.
Con La aldea Stepánchicova y sus moradores, de Dostoievski, en 1890,
experimento por primera vez la vivencia de ser un auténtico artista creador:
consiguió transformarse en el personaje, apoderarse de su alma y representarlo
con una imagen artística. Él mismo seleccionó esta novela y la adaptó a la
escena. Al principio fue prohibida por la censura, pero cambió los apellidos de los
personajes y fue permitida sin problemas. En este mismo año conoció
personalmente a Leon Tolstói, por quien sentía una gran admiración.
Para Stanislavski, la importancia de la actuación verdadera en el plano de
la realidad estriba en el trabajo con el Yo Actor, en desarrollar una técnica que
consiguiera que éste entendiera la lógica del comportamiento humano para
alcanzar una empatía total con su Yo Personaje y, así, vivir al unísono con él.
El entendimiento de las relaciones humanas dentro de unas circunstancias
dadas determinada es la base de toda comunicación y, por tanto, del teatro. Ese
será el impulso principal para conseguir una interpretación realista. El intérprete
deberá también conocerse y entenderse a sí mismo hasta tal punto que llegue a
utilizar la técnica en beneficio de su propio crecimiento y superación. Para ello, los
procesos de ensayos y el aprendizaje centrado en el proceso de novedad-rutina
serán esenciales.
Concentración
Descubrir la base sensorial del trabajo; el cual consiste en aprender a
memorizar y recordar sensaciones (memoria sensorial/afectiva) empezando
desde pequeñas sensaciones expandiéndolas, a esta técnica la llamaba
Stanislavski “Esferas de atención”.
De esta manera el actor aprende a mantener la atención en cada evento
que sucede en la situación dramática, diferenciando de esta manera entre la
atención o concentración “interna” y “externa”. La atención externa está dirigida
a los objetos materiales fuera del actor, y la atención interna en el imaginario
creado por el actor. También se debe hacer distinción entre “atención
emocional” y “atención intelectual”: Luego de observar intelectual o
analíticamente un objeto, el actor necesita crear circunstancias imaginarias
alrededor de él para emocionalizar al objeto, poniendo en marcha el aparato
creativo.
La Concentración es el impulso que coloca la mente de yo actor en el
punto cero – al contrario que en el apartado anterior. Se centraría en el proceso
mismo de pensar (representación-juicio-voluntad/sentimiento) para conseguir
realmente una conexión verdadera entre el plano de la realidad y el de la ilusión
del yo actor, ese clic que active realmente la existencia del yo personaje. La
concentración es un proceso que deberá trabajarse tanto en los ensayos como
en las representaciones, sobre todo para crear la organicidad en el hábito de

7
 conseguir que dicho clic funcione. Como es lógico, cada actor-
personaje tendrá su propia concentración, característica de él.
La concentración controlada
El actor controla su concentración con el objeto de vigilar su labor
interpretativa y no ser arrastrado por su personaje en una situación de alta tensión
dramática; o por el contrario impide en el caso de reposiciones o
representaciones excesivas de una misma pieza el peligro de la producción
mecánica o automática del gesto y la dicción. Le permite, incluso, afrontar todos
los accidentes que puedan acaecer en escena a sus compañeros, tales como las
lagunas, los baches, la caída del ritmo, entre otros, sin por eso quebrar la línea de
su personaje.

Stanislavski plantea varios tipos de concentración: la atención creadora

interna y la atención creadora externa, que son los dos procesos que impulsarán
la estrategia del equilibrio y, también, ejercicios para ello, buscando la asimilación
de la novedad a la rutina tanto para el yo actor como para el yo personaje.

Stanislavski dijo que en el proceso de atención realizamos interiormente

cuatro acciones simultáneas.
1. mantenemos de manera invisible el objeto de nuestra atención
2. lo atraemos hacia nosotros
3. nos dirigimos nosotros hacia el
4. lo penetramos

Puede ser objeto de atención todo lo accesible a la esfera de nuestra

conciencia; tanto una imagen de nuestra fantasía, como cualquier objeto de la
atención, comprobaremos que todo nuestro ser recobrará vida y savia nueva,
será activo, armónico y fuerte. Todas estas cualidades se manifestarán en el
escenario a la hora de actuar. Desaparecerán la vaguedad, imprecisión y la
deformidad y nuestra interpretación adquirirá fuerza y gran convicción.
(Rocamora Braceli, 2016)

Wikimedia commons

8
 Generación de evidencias

Ejercicio de concentración

Todos caminan en el salón a la indicación del maestro harán un círculo, el

profesor escogerá a uno de los estudiantes, este debe fijarse en el lugar en el que
se encuentran ubicados sus compañeros.

El estudiante sale del salón y sus compañeros se cambian de lugar.

El estudiante regresa al salón y debe ubicar a sus compañeros en el lugar
en el que estaban antes de que el saliera.

Cierre

Escribe en una oración qué es concentración.

Fijación de conocimientos

Escribe un consejo que te ayude a mejorar la concentración, compártelo

con tus compañeros.

Rubrica de evaluación

Muy bueno Bueno Regular

Criterios 20 15 5
Participación
Individual
Participación
grupal
Realización de
ejercicios
Expresión
Corporal

Entonación

9
 Método Stanislavski

Indicadores de logro:
Proyecta sus estados emocionales utilizando la observación,
reconocimiento, control y recreación.

Preparación al tema

Espejos en cascada
En dos filas enfrentadas de jugadores una fila se desplaza un poco más a
modo de no estar frente a frente con su compañero, para que de esta manera el
que está frente a su compañero haga un efecto de imitación de cascada.

El ejercicio se realiza de la siguiente manera:

El primer jugador genera una acción, quien está enfrente lo imita, le seguirá quien
este enfrente de él, o sea quien estaría al lado del que emitió el primer
movimiento y así sucesivamente.

Para ubicarse mejor en el espacio se formarán dos filas, una de pares y

otras de nones.

El jugador 1 hará la primera acción el dos lo imita, el tres imita a lo que

hace el 2 y el 4 lo que hace el 3, y así sucesivamente.

Estudio del tema

Atención Creadora Externa

La atención creadora externa impulsara la concentración del yo actor y su
atención sobre las tablas, olvidándose por completo de lo que ocurre en la
platea y conectándose directamente con lo que existe en la escena, para entrar
en el imaginario de su yo personaje. Para ello, Stanislavski plantea dos clases de

10
 entretenimiento: el trabajo como el objeto próximo y el trabajó del
círculo de atención.
En el trabajo con el objeto próximo, el yo actor ubicará un objeto que se
encuentre en escena para llamar su atención como yo personaje, pues todo lo
que se coloque sobre las tablas deberá estar justificado. Cuanto más llamativo
sea, más despertará su atención; cuanto más interesante, mayor atractivo. Este
objeto próximo se utilizará en los momentos en los cuales el yo actor deberá
concentrar su atención para evitar que se disperse en otras cosas, el intérprete
deberá encontrarse siempre dentro del juego entre los dos planos, confirmando
así su autonomía sobre el escenario. La tención dirigida a un objeto despierta aún
más la observación y crea, respecto de la acción un fuerte vínculo con el objeto,
pues se caracteriza por ser un impulso activo
En el trabajo con el circulo de atención, el ojo del yo actor que sepa mirar
y ver las cosas que se encuentra en el escenario, será capaz de atraer la
atención del espectar y orientarla hacia el verdadero objeto que debe mirar
como yo personaje; por el contrario, una mirada vacía alejará dicha atención, ya
que no aportará nada porque hará que mire, pero no verá en realidad. Para que
esto no suceda, Stanislavski utiliza como impulso el llamado circulo de atención:
Existen tres tipos de entrenamiento con los que el yo actor deberá
investigar:
Circulo pequeño de atención: el intérprete se coloca en el centro del
círculo y el foco de luz cae únicamente sobre él. Esa atención de la luz sobre sí
mismo será la que impulse el estado que Stanislavski denomino soledad en
público, soledad porque lo separa completamente del entrono gracias a la luz,
dentro del plano real y lo empuja a sentirse único dentro del plano de la ilusión.
Metafóricamente, podría decirse que el yo actor crea su propio caparazón para
vencer las tensiones que le produce el entorno y defender, así, su yo personaje.

Circulo medio de atención: la luz encierra todo el escenario. A medida que

el círculo aumenta, se agranda su área de atención. Ésta sólo podrá continuar
creciendo mientras se logre retener la línea imaginaria que bordea el círculo. Tan
pronto como su límite vacile. De deberá retroceder rápidamente hacia un círculo
más pequeño, capaz de ser abarcado por la atención visual

Sentido de verdad
Diferenciar entre lo orgánico y lo artificial. Stanislavski creía que existen
leyes naturales de la actuación que se deben seguir.
En contextos de gestión, recursos humanos o desarrollo, es fundamental
esforzarse en apartar el ruido de la información que es realmente importante, reducir
las opciones y quedarse con la variable auténtica que motiva desde lo más profundo
una acción, un resultado o una métrica.
Circunstancias dadas
Desarrollando la habilidad de usar las habilidades anteriores para crear el
mundo del libreto (circunstancias dadas en el texto) por medio de verdad y medios
orgánicos.

11
 La capacidad de conjugar las anteriores habilidades con
libertad y criterio autónomo otorga flexibilidad al momento de la toma de decisiones,
en situaciones críticas o de improvisación. (Rocamora Braceli, 2016)

Generación de evidencias

Los rincones de los sentimientos

Se trata de una improvisación de texto en donde en donde 4 jugadores

estarán cada uno en un rincón.

Se tocará una temática y cada jugador deberá a improvisar frases

continuando la historia, pero en un rincón se dirá con total felicidad, en otro con odio,
en el otro con amor, en el otro, con risa, y en otro llorando.

En cada rincón la situación es muy distinta. Uno de los rincones es el rincón

de la risa. Los que están en ese rincón cuentan chistes y se ríen a carcajadas. El
segundo rincón es el rincón de la pelea. Los que están allí, discuten con alguien
imaginario y defienden lo que piensan. Los que están en el tercer rincón ofrecen
disculpas, muy arrepentidos por algo, por lo que se les ocurra. Los que están en el
cuarto rincón tratan de convencer a alguien imaginario, de comprar alguna cosa.

Cuando el coordinador lo dictamine se rotarán las posiciones utilizando la

misma temática.

Cierre

Comentarios sobre la improvisación

Fijación de conocimientos

Escriba que sintió a la hora de realizar el ejercicio, que rincón fue más fácil
de hacer y que rincón fue más difícil.

12
Rubrica de evaluación

Muy bueno Bueno Regular

Criterios 20 15 5
Participación
Individual
Participación
grupal
Realización de
ejercicios
Expresión
Corporal

Entonación

13
 Método Stanislavski

Indicadores de logro:
Realiza representaciones de personajes y escenas.

Preparación al tema

Comandos del caldeamientos

Stop= al escucharlo todos se detienen
Palomitas= empiezan a decir palabra subiendo la intensidad de su voz
hasta que escuchan otro comando
Charamusca= todos se agarran de las manos y se empiezan a enredar.
Acción= realizan la acción que se les indica.

Estudio del tema

El sí mágico
Responder a la imaginación aprendiendo a pensar como el “personaje”
que estamos interpretando.
¿Ante el desafío de crear la mayor apariencia de realidad para el
espectador, la respuesta de Stanislavski a este problema fue la creación del
“Mágico Y si...?” El actor busca activamente responder la pregunta: “Si yo
estuviera en la posición de Macbeth, ¿qué haría?”. De esta forma, los objetivos
del personaje conducen las acciones físicas del actor. En marketing, en diseño, en
ventas, frecuentemente nos vemos impulsados a pensar desde la perspectiva del
usuario. Conocer a los usuarios y ponerlos en el centro de la estrategia es una
excelente práctica de usabilidad.
La atención creadora interna
La atención creadora interna impulsa la concentración del yo actor
apoyándose en objetos imaginarios de yo personaje, estimulándolos desde los
sentidos. En la vida interna del yo actor se crean, al principio, representaciones
visuales sobre el lugar donde se encontraría el yo personaje. Para fijar estas

14
 visualizaciones se deberá trabajar con los sensoriales, el trabajo de los
cinco sentidos, vista. olfato. gusto. oído. tacto, para crear ese universo mágico y
asentar la atención interna en él. Los sensoriales son, por tanto, objetos auxiliares
que ayudarán, junto a la atención creadora, a convertir en estable y real el arte
de la interpretación, ya que intercomunican el plano de la realidad con el plano
de la ilusión, convirtiéndolos en dependientes de manera recíproca.
La creación exige una perfecta concentración de todo el organismo. Lo
que atrae la atención con respecto a él, rehace el objeto con la ayuda de las
circunstancias dadas y lo convierte en motivo de atracción. El objeto
transformado crea una reacción interior, emocional, como respuesta. Esta
atención no sólo se interesa en el objeto, sino que atrae al trabajo todo el sistema
creador del artista y prosigue su actividad creadora: hay que saber transformar el
objeto y, con él, la atención misma, que deberá volverse sensorial.
La estrategia de la imaginación
Busca el estímulo interior que impulse al yo actor a interpretar de manera
orgánica partiendo del plano de la realidad para, después, trasladarlo al plano
de la ilusión como yo personaje, es decir, busca el impulso a través del
sentimiento. Está estrechamente ligada al yo individual puesto que es éste el
encargado de la creación; por lo tanto, esta estrategia nacerá en la
imaginación, donde se construirán las circunstancias dadas para ayudar a que el
sí mágico pueda impulsar la acción, la condición primordial durante la
permanencia del actor en escena es la ininterrumpida actividad en el personaje.
La imaginación es el impulso base de esta estrategia. Despierta las
emociones de yo actor, provocando vivencias, impulso y acciones mismas. Es el
tiempo y el espacio donde se desarrolla la acción, el universo imaginario donde
se crea el yo personaje. La tarea del intérprete y de su técnica consiste en
transformar la ficción de la obra -plano ilusión- en el acontecimiento artístico de la
escena -plano realidad- y este proceso únicamente puede llevarse a cabo
gracias a la imaginación porque es el punto de unión entre ambos planos. El
dramaturgo no provee todo lo que el yo personaje necesita saber de la obra,
todo esto debe ser completado y profundizado por el yo actor. Por ello, en este
proceso del trabajo, la estrategia de la imaginación es el colaborador más
directo.
La actividad en la vida imaginada es la que se creará por la fusión de las
circunstancias dadas y el sí mágico, provocando la acción interna y luego la
externa. Esta es la razón por la que se necesita una imaginación activa y no
pasiva, pues impulsa un cambio inmediato en la lógica del comportamiento del
yo actor y modifica visiblemente su acción y actividad. En la naturaleza todo es
lógico y coherente – con algunas excepciones- y así deberá ser también lo que
invente la imaginación. En este proceso, el yo actor – el creador – se separa del
mundo real que lo rodea y se traslada mentalmente al de la imaginación,
facilitando así la búsqueda de recuerdos lógicos que le hagan empatizar con su
yo personaje. (Rocamora Braceli, 2016)

15
 Generación de evidencias

Roles por relato

Se agrupará una serie de jugadores que interpretarán los roles que serán
por el orden de una fila. El comodín será quien narre una historia, lo más loca o
ridícula posible, sume el comodín-narrador en su narración, distintos personajes se
irán jugadores de acuerdo con el orden de la fila Se trata de contar una historia,
pero actuándola. sí en la historia interviene un perro, una señora y un niño e
incluso un a que hacer los jugadores estas interpretaciones, cada jugador debe
interpretar su personaje de la manera que lo identifiqué claramente. Todo lo que
pueda ser actuado no debe ser relatado.

Cierre

Comparta como se sintió realizando el ejercicio.

Fijación de conocimientos

Cree su propia historia usted es un soldado de la segunda guerra mundial.

Rubrica de evaluación

Muy bueno Bueno Regular

Criterios 20 15 5
Participación
Individual
Participación
grupal
Realización de
ejercicios
Expresión
Corporal

Entonación

16
 Método Stanislavski

Indicadores de logro:
Realiza representaciones de personajes y escenas.

Preparación al tema

En parejas:
Ejercicio yo te ayudo.

Puntillismo
Estudio del tema
La estrategia de la memoria

Es la que se encarga de lo emocional y lo sensorial. Busca la organicidad

desde el recuerdo de un sentimiento y/o sensación ya vividos. Si en la estrategia
de la imaginación a través del impulso se llega al sentimiento aquí, por medio del
recuerdo se logrará el estímulo, la memoria será el propio impulso. Para revivir un
sentimiento, el yo actor no deberá pensar sólo en aquél, sino en cuál es la razón
que lo hace surgir dentro de las condiciones que originaron esa experiencia,
buscando así la empatía con el yo personaje.
Por ello, se convierte en requisito indispensable para el intérprete la
memoria no sólo de las emociones, sino también de todos sus sentidos. Por otro
lado, el actor deberá saber cómo responder de forma directa a los impulsos y
dominarlos hacia el yo personaje: conocer cuál es la respuesta a cada estímulo
dentro de las circunstancias dadas del yo y del entorno.

Se puede concluir que el cerebro ejecutivo del intérprete, a la hora de

ejecutar esta estrategia, se apoyará más sobre su lóbulo frontal izquierdo y, por
tanto, sobre su yo transindividual, el cual ejecuta líneas de producción ya
probada y establecidas, pues dispondrá a recrear un sentimiento ya vivido, es
decir, buscará un recuerdo, emocional o sensorial, ya asimilado.

17
 La memoria emocional

Es la memoria de los sentimientos, gracias a la función del cerebro y a este

tipo de memoria, el intérprete es capaz de repetir la gran cantidad de
sensaciones ya conocidas y vividas anteriormente. Todas las emociones que
experimentamos son las que se quedan grabadas en ella, después de ser
recibidas y asimiladas como primera vez por el yo individual. El impulso de esta
estrategia parte del entrenamiento de esta. Se podría entender que la memoria
es un músculo y, como tal necesita del ejercicio para ser cada vez más preciso. El
yo actor deberá entrenar la memora junto con la imaginación para poder
relacionar los hechos con los sentimientos y encontrar, así, la lógica dé la
organicidad el yo personaje. Deberá aprender a crear la memora emocional del
personaje a partir de la suya y para ello, la observación y experiencia en la vida
se convierte en un arma primordial.

El yo actor toma lo mejor que tiene dentro de sí y lo traslada al escenario.

La forma y el ambiente varían según los requisitos de la ora, pero sus sentimientos
humanos, análogos o no a los del yo personaje, deben tener vida y no existe
artificio que los pueda reemplazar. El yo actor actuará siempre en su propia
persona dentro del plano de la realidad viviendo sus propias emociones como yo
personajes en el plano de la ilusión, demostrando de nuevo, su gestión bilateral y
autonomía en la escena.

Fe Escénica
Se puede definir como creer lo que ocurre en el escenario a través del
pensamiento, existir en ese espacio, y poder crear una realidad. La forma, el estilo
no entra dentro de este concepto.
El actor debe creer, debe tener fe, no en ellos como ídolos, divos sino tener
fe en que lo que ocurre durante una o dos horas en escena, esa es su verdad.
Debe vivir como creador de ese momento, aportando su cuerpo, mente y
espíritu. Todo lo indescriptible de su esencia puesto al servicio del personaje y la
obra. (Rocamora Braceli, 2016)

Generación de evidencias

En grupos de 5 personas, escriban una historia basándose en un hecho que les

haya sucedido.

Cierre

Preséntela al resto de sus compañeros.

18
Fijación de conocimientos

Cuándo estaban interpretando su historia ¿sentía lo que estaba actuando?

Rubrica de evaluación

Muy bueno Bueno Regular

Criterios 20 15 5
Participación
Individual
Participación
grupal
Realización de
ejercicios
Expresión
Corporal

Entonación

19
 Nivel de actuación: el personaje

Indicadores de logro:
Teatraliza a partir de situaciones de la vida diaria.

Preparación al tema

Calentamiento
Ejercicio de la pelota

Estudio del tema

Niveles de actuación

El actor es quien se encarga de llevar a cabo la puesta en escena, pero su

actuación dependerá mucho del nivel de profesionalismo que tenga y la
experiencia de actuar, al tomar en cuenta la técnica de actuación de
Stanislavski, vemos que el yo como una persona individual debe ser consiente de
yo actor y del yo personaje.
También nos podemos dar cuenta de que a pesar de que tanto el yo actor
y el yo personaje están llevando a cabo la puesta en escena no necesariamente
significa que ambos estén en esta es donde vemos los niveles de actuación.
Nivel 1 el actor es persona:
El actor puede estar en el escenario y seguir siendo él, es decir que no se
involucra en su personaje, actúa, pero sigue siendo él.
En este nivel vemos con claridad como el yo actor domina el escenario y
no deja que el yo personaje salga a luz, este tipo de actuaciones si bien no son
malas tampoco son las mejores ya que el actor no se involucra directamente en
la obra, sino que sigue siendo el.
Este tipo de interpretación podría ver un poco forzada.
Nivel dos el actor actúa como actor:
Esto significa que el actor desempeña su personaje de una manera
correcta, actúa como si fuera el personaje.

20
 En este nivel el actor se convierte en actor, pero no involucra ni
sus sentimientos ni sus emociones, por lo que, aunque está haciendo lo que debe
hacer no transmitirá el sentimiento que debería al público.
Nivel 3 el actor es el personaje:
Este nivel es muy delicado y es de mucho profesionalismo por parte del
actor ya que en el escenario él es el personaje, vive y siente como él, pero al salir
de escena es nuevamente la persona que da vida al personaje y continua con su
vida.
Este tipo de interpretación por parte del actor es aquella que
definitivamente hace llorar al público, en esta el actor logra utilizar su memoria
emotiva para poder hacer que el personaje trasmita las sensaciones y emociones
de la trama.
También el actor debe concentrarse mucha ya que al finalizar la obra
debe dejar al personaje en el plano de la ilusión y regresar a la realidad ser la
persona que es en el plano de la realidad. (Rocamora Braceli, 2016)

Generación de evidencias

Conversatorio sobre los actores que ellos admiran y como se involucran en

el personaje.

Cierre

Conclusiones sobre el conversatorio y sobre los niveles de actuación.

Fijación de conocimientos

Asignación de monólogos para su primera lectura

Lea y analice el monologo que le toca interpretar, subraye las partes en las
que debe involucrarse más, analice de qué manera debe aplicar cada uno de
los elementos de la teoría de Stanislavski.

Rubrica de evaluación

Muy bueno Bueno Regular

Criterios 20 15 5
Participación
Individual
Participación
grupal
21
Realización de
ejercicios
Expresión
Corporal

Entonación

22
 Construcciones de personajes

Indicadores de logro:
Realiza representaciones de personajes y escenas.

Preparación al tema

A partir de la lectura de su monologo responda

¿Cómo se identifica con su personaje?
¿Qué parte de la teoría de Stanislavski debe trabajar más para poder interpretar
su personaje con éxito?

Estudio del tema

Construcción del personaje

Existen muchas maneras de construir un personaje. Hay quienes prefieren
empezar a hacerlo sobre la base de su constitución física; otros, sobre la base de
los aspectos psicológicos. Ambos caminos son correctos. Lo importante en el
trabajo de construcción de un personaje está en desarrollarlo en una dimensión
completa, para lograr darle vida a nuestro personaje es necesario pensar, sentir y
actuar (accionar) como él.

Construir un personaje es un trabajo delicado. Casi tan delicado como el

que se realiza construir un castillo de naipes. Cada naipe tiene su importancia y
debe ser colocado con mucho cuidado, si uno falta, se cae o es inestable, toda
la torre se puede venir abajo. El truco está en ser específico. De nada sirve saber
que el personaje es un viejo, eso sería un dato muy general e inútil, es necesario
saber que tan viejo es, si es rico o se ha pasado la vida realizando mil y un trabajos
para sobrevivir, si no deja de renegar o es un viejito simpaticón, si tiene manías, si
vive solo o rodeado de sus nietos, si fue a la guerra o se pasó la vida detrás de un

23
 escritorio. Se debe tener claro que quiere, cuáles son sus deseos más
íntimos, por qué se queda callado y pensativo cuando escucha el nombre
Azucena.
Y no importa que el personaje sea un ser humano, un animal, un árbol o
una pelota de fútbol. Lo mismo da. Ser específico es la clave. Si se es un perro,
¿bueno pues este es callejero o de raza?, ¿se ha pasado la vida en la calle o lo
han tenido toda la vida encerrada, como un preso, en una azotea? Los detalles
en el teatro no son triviales, son la diferencia entre la verdad y la mentira.

Aspectos físicos
La composición física de un personaje es tan importante como su
dimensión psicológica. ¿Cómo es físicamente? y ¿Cómo reaccionas físicamente?
son preguntas que no podemos dejar de contestar cuando se crea un personaje,
ya que los aspectos psicológicos solo pueden ser percibidos por el espectador
gracias a que aquel realiza acciones físicas concretas. El actor, es cierto, puede
utilizar la palabra para expresar un estado de ánimo, pero este recurso en
ocasiones resulta demasiado fácil; en teatro, es más relevante hacer que decir.
La postura, el ritmo corporal y la voz son los ejes sobre los que se articula la
composición física de los personajes. Para construir una postura interesante y
precisa es muy importante prestar atención a la posición de los pies, de la
columna y de las articulaciones (muñecas, codos, rodillas, pies, caderas, etc.), así
como a la distribución del peso. es conveniente que en este proceso exploremos
con mucha libertad y sentido lúdico las múltiples posibilidades de combinación
que estos componentes nos dan.
Por otro lado, es necesario establecer el ritmo corporal de nuestros
personajes. Sobre la base de la postura y de los aspectos psicológicos, es
indispensable precisar si el personaje tiene un ritmo corporal rápido o lento (¿se
parece a un ratón o a una tortuga?); si es pesado o ligero (¿se parece a un
rinoceronte a un gato?); si es directo o indirecto (¿se parece a un pez a una
mariposa?). Una vez establecidos la estructura física y el ritmo corporal, se pasa a
improvisar diferentes timbres de voz, diferentes tonos, diferentes volúmenes,
diferentes formas de hablar, etc.
Si bien no hay ninguna técnica que nos indique a ciencia cierta como
construir un personaje cada uno de los aspectos físicos y psicológicos, así como el
debido análisis de estos sobre el personaje nos ayudaran a poder construir de una
mejora manera, a identificarnos con él y a darle vida en el escenario. ("¿Cómo se
crea un personaje teatral?.", 2012)

Generación de evidencias

Realice en análisis psicológico y físico de su personaje, contextualice la

época en que se desarrolla su monologo.

Cierre

24
 De una breve reseña de su monologo y su escritor.

Fijación de conocimientos

Lea su monologo nuevamente esta vez empiece a entonar su voz, para

poder empezar a construirlo.

Rubrica de evaluación

Muy bueno Bueno Regular

Criterios 20 15 5
Participación
Individual
Participación
grupal
Realización de
ejercicios
Expresión
Corporal

Entonación

25
 Construcción de escenas

Indicadores de logro:
Realiza representaciones de personajes y escenas.

Preparación al tema

En base a su personaje analice su monologo una vez más, esta vez ponga
mucha atención en la época, el contexto y estabilidad económica de su
personaje.

Estudio del tema

La escena
Una escena es una unidad narrativa que explica una acción que sucede
en un espacio y un tiempo determinado. Parece un concepto muy rígido, pero en
la práctica no lo es tanto. Veamos por qué.
Una escena no es más que cada una de las subdivisiones que damos a
un capítulo. Engloban momentos y lugares concretos e, incluso, una continuidad
en los personajes que aparecen. Pero eso no implica que debamos considerar
una escena a cada uno de los cambios que decidamos realizar en estos tres
elementos. Una escena, por ejemplo, puede incluir una elipsis, siempre que no
altere en exceso la unidad narrativa que representa. Por ejemplo, si una elipsis
que interrumpe lo que se está contando se sitúa horas después, pero en el mismo
lugar y con el paso del tiempo como único cambio, lo podemos considerar parte
de la misma escena. Si, en cambio, nos sitúa tan sólo con algunos de los
personajes que aparecían antes de dicha elipsis y con un cambio espacial
evidente.

Elementos de la escena
Los principales elementos que las componen. Pensemos que, si en la
escaleta queremos dejar claros todos estos elementos, esta herramienta nos será

26
 aún más útil durante el proceso de escritura. Al final, como cualquier
otra unidad narrativa, debería contener las tres fases de la narración. Pero
vayamos un poco más allá:
 Objetivo: toda escena debe tener un objetivo claro dentro de la trama. No
es necesario que en cada una de ellas haya un acontecimiento
extraordinario o suceda un gran cambio, pero sí que debemos tener claro
en qué beneficia a la historia. Los objetivos pueden ser muy diversos: desde
perfilar un personaje, sentar las bases de un twist, crear suspense,
desorientar al lector en una investigación, revelar un gran secreto, transmitir
o describir una sociedad, un momento en concreto... Pensemos que los
objetivos de las escenas de una novela costumbrista y de un thriller serán
siempre muy distintos.
 Problema: toda escena debe tener un conflicto, por pequeño que sea.
Pongamos ejemplos: un conflicto podría ser que el protagonista deba
escoger entre irse a la guerra o desertar por amor. Otro, que no consigue
quitar una mancha de su camisa. Sea cual sea, esos mínimos dilemas o
problemas que los personajes deben superar dotan a la escena de interés
y ritmo. Eso también implica que sus personajes tendrán un objetivo dentro
de la escena (diferente del de la propia escena). Hasta las escenas más
descriptivas pueden llegar a tener su pequeño conflicto.
 Reacción: una escena también puede suponer una reacción al conflicto
de la anterior. Éste mismo genera el conflicto de la escena de “reacción”
y, muchas veces, suponen un puente hacia otra escena o incluye un giro
inesperado en la trama. Imaginemos que en la escena A, María quiere
sorprender a su marido, cosa que siempre es complicada (conflicto) y
descubre que su marido tiene una amante (punto de giro y fin de les
escena). En la escena B, vemos que María parece calmada. Coge una
sierra mecánica, se dirige al patio de la casa y corta un árbol que plantó su
marido, al que dedica mucho tiempo y al que prácticamente ama. El
conflicto, pues, no es otro que la reacción de María. Pero, hemos hablado
de giro inesperado, ¿no? Quizá, lo lógico es que la consecuencia de la
tala sea un cabreo monumental del marido. Así que la escena de reacción
puede acabar ahí, con su coherencia plena, o podemos jugar, si nos
interesa para la trama, a que el árbol caiga sobre la verja del vecino,
destruyendo parte de esta junto con la casa del perro. Esto nos puede
llevar al conflicto con la siguiente escena.

¿Es la escena necesaria?

Este punto es muy importante ya que nos llevará a decidir si una escena
tiene sentido o no dentro del global. A cada escena planteémonos: ¿Es
realmente necesaria? Si la eliminamos, ¿la historia tiene sentido? ¿Qué aporta?
Responder sinceramente a estas preguntas nos ayudará a que nuestra novela
gane o no ritmo. Pero, ojo, no hay una ley escrita para ello. Ponemos el mismo
ejemplo: no responderemos de la misma manera a estas preguntas si tenemos
entre manos una novela costumbrista que un thriller. Los tempos, objetivos,
conflictos etc.… de ambos son muy diferentes. ("Cómo escribir una escena", 2015)
27
Cierre

Mesa de diálogo sobre cada uno de los personajes a interpretar.

Fijación de conocimientos

Practica tu personaje en casa.

Rubrica de evaluación

Muy bueno Bueno Regular

Criterios 20 15 5
Participación
Individual
Participación
grupal
Realización de
ejercicios
Expresión
Corporal

Entonación

28
 Repaso

Indicadores de logro:
Proyecta sus estados emocionales utilizando la observación,
reconocimiento, control y recreación.

Estudio del tema

Recuerda estudiar lo visto en la unidad.

Generación de evidencias

Escribe un ensayo de máximo dos páginas sobre tu proceso de aprendizaje

durante la unidad y la construcción e interpretación de tu monologo.
Creación de un video a partir de un ensayo creado.
En el video debes incluir como aplicaste cada uno de los temas vistos
durante la unidad a tu personaje e interpretación de tu monologo.

Cierre

Mesa de diálogo sobre los aprendizajes obtenidos.

29
 Proyecto de unidad

Indicadores de logro:
Proyecta sus estados emocionales utilizando la observación,
reconocimiento, control y recreación.

Preparación al tema

Verificación de cada uno de los materiales que utilizaras para la preparación de

tema:
Recuerda que estos materiales dependerán directamente del personaje que
estes interpretando.
Libreto
Vestuario
Utilería
Accesorios
Maquillaje
Recursos tecnológicos: cámara, computadora, audio, micrófono.

Estudio del tema

Es momento de interpretar el monologo asignada recuerda:

 Aprender las líneas de tu personaje de memoria.
 Practicar tu actuación (gestos, mímica del rostro, tono, articulación
dicción).
 Prepara tu vestuario, accesorios y utilería que necesitaras para la
interpretación de tu personaje.

Generación de evidencias

Presentación de monólogo.

30
 Cierre

Mesa de diálogo sobre cada una de las presentaciones.

Fijación de conocimientos

Escribe un comentario a dos de tus compañeros en el debes indicar que

fue lo que te gusto de su interpretación y en que podría trabajar para mejorar la
misma, utiliza las frases que a continuación te sugiero.
Me gusto…
Te sugiero…

Rubrica de evaluación

Escala Excelente Satisfactorio Puede mejorar Inadecuado

(10) (8) (6) (4)

Aspecto
Vestuario El vestuario es La mayor parte El vestuario El vestuario no
acorde a la del vestuario es tiene pocos representa la
obra acorde a la elementos que obra ejecutada
ejecutada obra ejecutada representan la
obra ejecutada
Gestos Realiza gestos La mayor parte Le cuesta No es capaz de
acordes a su del tiempo realizar gestos realizar gestos
personaje realiza gestos acordes a su acordes a su
acordes a su personaje personaje
personaje
Mímica del Sus expresiones La mayor parte Algunas de sus Sus expresiones
rostro faciales son de sus expresiones faciales no son
acordes al expresiones faciales son acordes al
texto y faciales son acordes al texto y
personaje acordes al texto y personaje
interpretado texto y personaje interpretado
personaje interpretado
interpretado
Accesorios / Los accesorios La mayoría de Algunos de los Los accesorios
utilería utilizados son los accesorios accesorios utilizados no
acordes a la utilizados son utilizados son son acordes a
obra acordes a la acordes a la la obra
interpretada obra obra utilizada
interpretada interpretada

31
 Tono Su entonación La mayor parte Algunas partes Su entonación
siempre es de su de su no es acorde al
acorde al entonación es entonación en personaje
personaje acorde al acorde al interpretado
interpretado personaje personaje
interpretado interpretado
Movimiento y Entra y sale a La mayor parte En algunas No sabe en
desplazamient tiempo del del tiempo ocasiones qué momento
o escenario en sabe entrar y necesita ayuda debe entrar y
todo momento salir del para recordar salir del
escenario en donde salir y escenario
entrar del
escenario
Maquillaje y El maquillaje y La mayor parte Cierta parte del El maquillaje y
peinado peinado del maquillaje y maquillaje y peinado
utilizado es peinado peinado utilizado no es
acorde al utilizado es utilizado es acorde al
personaje acorde al acorde al personaje
interpretado personaje personaje interpretado
interpretado interpretado
Articulación Se entiende lo La mayor parte En algunas No se entiende
que dice del tiempo partes se lo que dice
cuando entiende lo que entiende lo que cuando
interpreta su dice cuando dice cuando interpreta su
personaje interpreta su interpreta su personaje
personaje personaje
Actitudinal Su actitud en La mayor parte En algunas No le gusta
todo momento del tiempo su ocasiones su participar ni
es buena, es buena actitud, actitud, es colaborar en el
colaborativo, es colaborativo, montaje de la
da ideas, para colaborativo, da ideas, para obra y el
el montaje de da ideas, para el montaje de escenario
la obra y el el montaje de la obra y el
escenario la obra y el escenario
escenario

32
SEGUNDA UNIDAD
1. Boceto y Dibujo
2. Figura humana
3. Técnica acuarela
4. Fotografía artística
5. Producción y edición de videos
6. Repaso
7. Proyecto de unidad

Imagen de pixibay.com

Competencias
Realiza composiciones con movimientos modernos utilizando las diferentes técnicas
del arte plástico y las artes visuales.

Indicadores de logro
 Dibuja diferentes tipos de boceto con las técnicas básicas.

 Aplica la técnica acuarela para la realización de distintas figuras.

 Realiza obras visuales por medio de la fotografía y el video con diferentes

aparatos tecnológicos.

 Experimenta con dibujos representando los diferentes movimientos de la

época de la modernidad.

33
 Boceto y Dibujo

Indicadores de logro:
Elabora composiciones aplicando las técnicas del arte
plástico.

Preparación al tema

Escribe la definición de boceto y dibujo

Estudio del tema

Debemos recordar que, dentro de la corriente del arte clásico, se utiliza un

esbozo o boceto, el cual se va perfeccionando poco a poco hasta llegar a
finalizar la obra. Pero también está la corriente impresionista en donde el boceto
es la obra final.
Pero debemos comenzar haciéndonos una pregunta ¿qué es el dibujo?
¿Será solamente una actividad más? El dibujo es una acción por medio de la cual
logramos realizar la representación de una imagen (obra terminada) en una
superficie plana como el papel.

Boceto

34
 El boceto es la representación creativa de una imagen es su forma
preliminar, ya que utilizamos trazos sueltos y rápidos.

El dibujo puede realizarse desde dos aspectos relacionados como lo son la

técnica y el desempeño creativo del artista.

No debemos olvidad que dibujar es una actividad que el ser humano realiza
como tal, esta puede ser utilizada como un medio terapia, creativa, como un
medio de deshago y es allí donde debemos diferenciar el dibujo como una
actividad de entretenimiento del ser humano, al dibujo como arte en el cual
utilizamos un boceto para ir trazando ideas y perfeccionarlo poco a poco.

Cuando hablamos de la historia del arte, nos es difícil poder encontrar

dibujos antes de la época renacentista, ya que muchos de estos se perdieron
precisamente porque era utilizados como bocetos para poder realizar una obra
de mayor realce. Esto cambia a partir del siglo XV, en donde los artistas de ven
interesados por todas las facetas del dibujo, es en este momento en el que este es
revalorizado y considerado como arte es sí mismo.

Durante el renacimiento el dibujo se hizo un lenguaje común de todas las

disciplinas artísticas, dando lugar al nacimiento del dibujo preparatorio,
proyecto, esbozo o apunte.

Este periodo se convierte en una parte fundamental dentro de la historia del

arte, ya que es en este espacio de tiempo en que el hombre empieza a centrarse
en el desarrollo de sus pensamientos.

Características del boceto

 Por su proceso
o Ejecución temporal: esta es cuando realizamos una anotación
rápida de una idea, es en este momento en que se sintetiza una
idea y se sigue trabajado en ella para poder crear un diseño, es
así como va apareciendo el boceto.

El tiempo en que una idea aparece en nuestra mente y en que se

establece el boceto puede variar conforme vamos trabajando la
idea, durante este proceso vamos agregando o quitando
elementos de nuestra idea original.

Entonces podemos decir que la ejecución temporal estará divida

en dos momentos o tiempos.
 El momento en que aparece la idea, por lo en este
momento tenemos mucha información acerca de lo que
queremos trabajar y por ende nuestros trazos serán muy
burdos.

35
  El momento en que realizamos una reflexión progresiva
para poder ir realizando trazos más concretos.

Por eso en el momento en que aparece la idea se debe tener una mayor
concentración, ya que en ese momento es muy importante realizar los primeros
trazos, aunque estos sean muy burdos. Lo más importante de esa primera
ejecución es el contenido de la idea que brindará el camino para realizar la obra
final y no la perfección de los trazos para que estos se vean bien; incluso cuando
se quiere realizar la lectura de un boceto, la mayoría de las veces estos no son
posibles de entender por alguna persona que no sea el autor.

Podemos comparar esos primeros trazos de la idea, similar a la taquigrafía ya

que se dibuja tan deprisa como se piensa, utilizando medios como signos y
abreviaciones de dibujos para no dejar escapar la idea o la parte más importante
de esta.

En las siguientes ejecuciones, después de ese primer boceto realizado la

intención que el artista tiene es el poder mejorar poco a poco esa primera idea
hasta poder llegar a la obra finalizada.

 Tamaño
Como característica del boceto se origina de dos elementos:
o El tiempo de ejecución.
o El soporte en que se realiza.

Usualmente cuando se realiza el primer boceto y las ideas surgen

rápidamente, el tamaño de los bocetos implica el tratar de hacer un número
considerable de ellos teniendo en cuenta el soporte en que se concreten. Esto es,
para una etapa de gestación, el diseñador intenta hacer tantos bocetos como su
habilidad le permita, haciendo un balance del espacio de la superficie donde los
dibujará, por ello, habitualmente son pequeños y numerosos, ya que es más
sencillo y rápido hacer bocetos diminutos y ocupar espacios aledaños para otros,
incluso, el mismo espacio.

La escala (tamaño) es un punto que se tocará en las características del

boceto ante una actitud crítica, sin embargo, en lo que toca al tamaño y su
correspondencia con la escala, se nota la ausencia de ella en los primeros
bocetos, reconsiderándolo en las etapas subsecuentes según su ejecución.
Es por eso por lo que cuando se trata de los primeros bocetos estos son
pequeños y numerosos, mientras que, en los bocetos posteriores, el tamaño de
estos corresponde en su mayoría al soporte y ocupan la mayor parte del espacio
de este, haciéndolos únicos o lo más importante convirtiéndolos en un conjunto
de dibujos.

 Imprecisión y ambigüedad

36
 Al realizar un primer boceto la intención de un artista es el de poder
tener en el soporte la claridad de su idea, el concepto de lo que quiere realizar
en su obra final. Es así como se empieza una obra artística, con unos trazos
imprecisos, pero que poco a poco van llegando a ser parte de un todo y cuando
se tienen todos los bocetos en conjunto de logra comprender cada uno de los
pasos realizados hasta llegar a la obra final. Puede que esos pasos (bocetos) sean
ambiguos o incompresibles a la vista de las demás personas y muchas veces lo
son porque forman parte de la intimidad del artista, contiene signos y
abreviaciones que solamente el comprende para poder llegar a realizar su obra
maestra, pero cada vez que realiza un nuevo boceto poco a poco llega al final
de su proyecto.

Por lo tanto, podemos comprender como dice Acha, “el dibujo es

un lenguaje, su producción obedece a un trabajo simple de tipo manual con
diferentes herramientas y procedimientos, su principio es lo gráfico, sus medios los
tropos, sus fines: lo comunicativo, lo estético, lo gráfico y lo creativo”. (Acha, J.
1999, como se citó en Solano Andrade, 2013)

Entendemos entonces que un boceto debe también en su momento poder

ser comprendido, es aquí donde artistas cercanos a quien que está realizando la
obra podrán entender los bocetos de este, pero aquellos artistas que no estén
relacionados con su obra no podrán comprender sus bocetos, pero entenderán
que precisamente son bocetos. Pero cuando no se sabe mucho del tema artístico
para una persona, los bocetos serán simplemente trazos de algo demasiado
ambiguos.

Es muy importante también que el artista después de plasmar su primer

boceto, en los siguientes debe ir realizando mejoras para poder llegar a plasmar
su obra final, de lo contrario abría un estancamiento en su proyecto, creando
bocetos que no lo llevan a ningún lado, es por eso por lo que cada vez que
dibuje un nuevo boceto este sea mejor que el anterior, agregando más detalles a
su obra, hasta que este satisfecho con el resultado final. (Solano Andrade, 2013)

Dibujo
Como hemos leído con anterioridad el dibujo es un arte y como tal tiene una
técnica la cual es desarrollada mediante la practica que se realiza al plasmar una
imagen sobre un soporte, papel, lienzo o cualquier material utilizado.

Para la creación de un dibujo se pueden utilizar muchas técnicas, como el

dibujo a lápiz, carboncillo, tinta, pastel, entre otras.

El dibujo también se considera una expresión gráfica en un plano horizontal,

ósea que es realizado en dos dimensiones, pertenece también a las artes visuales
y es utilizado por el hombre como una forma de expresión y una manera de

37
 transmitir su cultura y lenguaje, también es utilizado como una manera
de expresar nuestros pensamientos o como una forma de representar objetos
reales; también se suele decir que cuando las palabras no pueden explicar lo que
se dice es mejor dibujar.

Como hemos visto en la lectura del boceto, el artista previo a realizar una
obra debe hacer mentalmente un trabajo, para poder plasmar sus ideas,
sentimientos, recuerdos entre otros y así crear su obra.

Tipos de dibujos
Artístico
El dibujo artístico es aquel en el cual el artista puede experimentar con su
creatividad y así plasmar sus propias ideas, a través de la utilización de diferentes
técnicas y materiales, como crayones, lápices, carboncillo, entre otros.

Este generalmente es realizado a mano alzada y el artista se vale del

boceto para poder ir dándole forma poco a poco a su obra.

Técnico
Este tipo es utilizado para hacer representaciones de diferentes cosas, por
ejemplo, planos de arquitectura o dibujos topográficos. En el dibujo técnico la
principal intención es representar de la mejor forma posible, de la más exacta, las
dimensiones y la forma de un objeto determinado. Es la clase de dibujo que
utilizan los profesionales en su trabajo (ingenieros, arquitectos, geólogos, etcétera).
A su vez, el dibujo técnico tiene cuatro clasificaciones: natural, continuo, industrial
y definido.

De acuerdo con el objeto del dibujo, puede clasificarse en:

 Dibujo de concepción
 Dibujo de definición
 Dibujo de fabricación
 Dibujo industrial

Muchos artistas afirman que no es importante tener una

gran habilidad para ser justamente dibujante o pintor, sino que lo más
importante es la capacidad de expresión.

Elementos usados en el dibujo

Instrumentos
Comprende todos los artefactos que trazan las líneas y también aquellos
que permiten hacerlas, así como los lápices de grafito y las reglas.

Tintas
Son los pigmentos y los colores que el artista utiliza para dar más cuerpo a
su obra. Pueden aplicarse con ayuda de instrumentos secos, como los lápices, o
húmedos, como los marcadores.

38
Soporte
Todos elementos que ayude a sostener el papel o sobre el que se dibuje,
como un lienzo. (Ortiz de Lejarazu, F., & Velázquez, M. nd)

Generación de evidencias

En un formato tamaño oficio reproduzca la siguiente imagen, utilice

técnica cuadrícula.

Imagen de David Mark 2017 en Pixabay

Cierre

Foro de presentación de obra.

Fijación de conocimientos

Reproduce la siguiente imagen utiliza técnica cuadrícula.

39
 Imagen de susannp4 en Pixabay

Rubrica de evaluación

Muy bueno Bueno Regular

Criterios 20 15 5

Aplicación de técnica

Su trabajo es limpio y ordenado

Entrega su trabajo con puntualidad

Entrega su trabajo completo

Sigue correctamente las instrucciones

40
 Figura humana

Indicadores de logro:
Elabora composiciones aplicando las técnicas del arte
plástico.

Preparación al tema

Escribe que técnicas conoces para dibujar la figura humana.

Estudio del tema

Para dibujar una figura humana bien proporcionada y coherente en su

conjunto, nos basamos en una estructura.

Para pode realizar esta estructura utilizaremos las figuras planas para
recrear las proporciones del cuerpo humano. La cabeza será oval, el tronco
rectangular, las extremidades en forma de líneas con circulitos en las
articulaciones, las manos ovales y pies triangulares. Esta estructura se puede
adaptar a cualquier postura moviendo sus extremidades a partir de las
articulaciones.

En la historia encontramos diferentes cánones de belleza para poder

recrear la forma humana. Un canon es un ideal de belleza basado en medidas y
proporciones. Por ejemplo, los egipcios consideraban que el cuerpo medía 18
puños y los griegos 7 cabezas; pero es a partir del renacimiento en donde se
establece el canon de 8 que ha perdurado hasta nuestros días y es el que
actualmente se utiliza más.

41
 Canon de 8 cabezas

Tomado de https://lamonalista.com/proporciones-del-cuerpo-humano/

Este canon va variando según la edad del cuerpo humano que se quiera
representar.

Dentro del dibujo se representa a una figura humana de una persona

adulta a partir de 25 años y esta tendrá una altura de 8 cabezas, la medida de 7
cabezas es utilizada para los niños o adolescentes que tienen aproximadamente
14 años, la medida de 6 cabezas para los niños de 6 años, la medida de 5
cabezas para los niños de 1 o 2 años y 4 o 3.5 cabezas para los bebés. Pero esta
fórmula también variará en función de la compostura de cada persona.

Para aprender a dibujar la figura humana debemos conocer las formas

básicas de cada parte del cuerpo.

También se deme comenzar a practicar dibujando la figura de un hombre

de frente y de perfil bien proporcionada. Se deberá empezar con el dibujo de
un monigote estructurado en ocho cabezas, que como el que se ve en la figura
representada arriba el cual corresponde con el canon renacentista. Luego
dibujaremos los volúmenes generales y las formas básicas de la Cabeza, tronco y
extremidades. Finalmente uniremos todos estos volúmenes con la línea de la
silueta.

Comenzamos con el dibujo de la figura del hombre.

1. La estructura del cuerpo masculino:

42
 Imagen tomada de https://estudiosantaella.com/como-aprender-a-dibujar-la-figura-humana-
proporciones/

Una vez trazado los ejes verticales de las figuras divididos en 8 partes
iguales, equivalentes a las 8 cabezas del canon, les trazaremos líneas paralelas a
ambos lados a la distancia de 1 cabeza que nos servirán de referencia para los
tamaños de los volúmenes.

Comenzaremos por el dibujo de la cabeza, que tendrá forma oval tanto en

la parte frontal como de perfil, donde tendremos en cuenta la inclinación de la
cabeza colocando la parte más ancha del óvalo en la parte del cráneo y la línea
de la cara en vertical.

Luego trazaremos el Tronco, donde localizaremos las articulaciones de las

caderas a la mitad del monigote, y los hombros en la sección 1,5, que en el caso
del hombre llegarán casi a los extremos laterales.

Por último, trazaremos las extremidades que partirán desde las 4 esquinas
del tronco: Las piernas medirán 4 cabezas (2+2) y tendrán las rodillas a la mitad,
mientras que los brazos tendrán una longitud de aproximadamente 3 cabezas
(1,5 + 1,5) y tendrán los codos en la base de la sección 3 a la altura del ombligo.

Las manos serán ovales y de un tamaño algo inferior a la cara, mientras

que los pies serán triangulares y en su perfil serán tan grandes como una cabeza.
2. Trucos y reglas básicas para dibujar la Cabeza y el rostro

43
 La cabeza humana tiene forma oval, tanto de frente como de
perfil. Para dibujar la cara, primero trazaremos un segundo óvalo interior y luego
buscaremos su el eje de simetría. Dividiremos este eje en 3 partes iguales: El primer
tramo corresponderá a la frente hasta las cejas; el segundo comprenderá cejas,
ojo y nariz; El tercero irá desde la base de la nariz a la barbilla. Para dibujar los ojos
podemos basarnos en la regla de los 5 ojos, que nos indica que podemos dibujar
5 ojos en la horizontal de los mismos.

Luego, trazando verticales desde las pupilas encontraríamos las comisuras

de la boca, a la misma distancia que hay entre las dos pupilas. La oreja ocupará
el segundo tramo, desde las cejas hasta la nariz. desde la base de las orejas
podemos trazar el cuello. Y para dibujar el pelo trazaremos una línea interior y otra
exterior.

En el perfil de la cara, debemos tener en cuenta que la línea de la nariz

romperá la forma oval y tendrá un entrante en la zona superior, donde estaría la
cavidad ocular. La línea interior del pelo podemos trazarla con un ángulo recto, y
no debemos olvidar que el cuello de perfil siempre tendrá una inclinación hacia
adelante, casi perpendicular a la mandíbula.

Imagen tomada de http://1.bp.blogspot.com/-X-hh-

ghINIU/UaLWIQnQNXI/AAAAAAAAAAc/rXb-ZPJO78Y/s1600/canon+rostro+femenino.jpg

3. Las formas y volúmenes generales del Tronco y las extremidades

Para dibujar el Tronco primero localizaremos el ombligo que se encontrará

en la base de la sección tercera. Trazando una diagonal hacia el extremo de la
primera sección encontraremos el pezón en la base de la sección segunda. Bajo
los mismos dibujamos las líneas de los pectorales. La pelvis tendrá forma de V, y la
caja torácica será una V invertida. El abdomen se representa con líneas verticales
como si fuera un paréntesis junto al ombligo, y si le trazamos paralelas hacia
afuera encontraremos la cintura, la parte más estrecha del torso. En los hombros

44
 podemos trazar circulitos, así como en las demás articulaciones, y luego
los uniremos con el cuello mediante líneas inclinadas.

Imagen de Kelly Stefany tomada de

http://cursosdiferentesdearte.blogspot.com/2016/05/anatomia.html
Para dibujar el tronco de perfil, comenzaremos por la columna vertebral,
que tendrá forma de S y encontrará sus partes pronunciadas en el hombro y la
cadera; la parte más estrecha estará sobre el ombligo. El glúteo se encontrará
con el muslo perpendicularmente. El pecho bajará desde el cuello con una línea
a 45ª y acabará tras encontrar el pezón. Luego las líneas de la caja torácica y del
abdomen serán verticales hasta la pelvis, donde volverá a inclinarse hacia
adentro buscando el muslo.
Todas las articulaciones las representaremos con círculos. En los brazos
dibujaremos elipses y en los brazos triángulos; este mismo esquema lo repetiremos
en los muslos, donde también dibujaremos elipses y en las piernas triángulos. En el
perfil, el triángulo de la pierna será más pronunciado hacia atrás donde se
encuentra el gemelo.

45
46
 Imagen tomada de https://estudiosantaella.com/como-aprender-a-dibujar-la-
figura-humana-proporciones/

4. Como dibujar las manos y los pies

Para aprender a dibujar la figura humana completa no podemos olvidar

las manos y los pies.

Para dibujar las manos de una manera sencilla y esquemática que nos sirva
para completar el dibujo de la figura humana, podemos envolverlas en elipses. Si
la dibujamos de perfil tipo gancho, dibujando una elipse interna que llegue a la
mitad enseguida obtendremos los dedos. Y si la hacemos frontal, dividiremos la
elipse por la mitad, el segmento inferior en 4 partes obteniendo los dedos índices
a meñique, y finalmente obtendremos el pulgar dibujando una semiluna con un
par de arcos.

Imagen tomada de http://www.artedinamicocomic.com/php/tutorialesver.php?tutoriales=9

47
Imagen de Escorza tomada de https://www.ttamayo.com/2020/11/dibujo-de-manos-
basico/

48
49
 Imagen tomada de https://www.ttamayo.com/2020/11/dibujo-de-manos-basico/

Imágenes tomadas de https://webdibujosdegabriel.blogspot.com/2020/08/como-dibujar-

manos-paso-paso-tips.html

50
 Para dibujar un pie de frente podemos envolverlo primero en un
triángulo, luego redondearemos los vértices inferiores obteniendo los dedos, y
finalmente lo uniremos al tobillo destacando los huesos de este. El dedo gordo
siempre quedará en el centro del cuerpo. Para dibujarlo de perfil, conviene
destacar el arco del talón que será mucho mayor que el de los dedos, y el puente
que dibuja la planta de este. (VILLEGAS MACIEL et al., 2012)

Imágenes tomadas de https://webdibujosdegabriel.blogspot.com/2020/01/como-dibujar-pies-

humanos.html

Generación de evidencias

Realiza la siguiente imagen

51
 Imagen tomada de pixibay.com

Cierre

Foro sobre la obra realizada

Fijación de conocimientos

Haz una infografía con los pasos a seguir para dibujar el cuerpo humano.

52
Rubrica de evaluación

Muy bueno Bueno Regular

Criterios 20 15 5
Aplicación de técnica
Su trabajo es limpio y ordenado
Entrega su trabajo con puntualidad
Entrega su trabajo completo
Sigue correctamente las instrucciones

53
 Técnica acuarela

Indicadores de logro:
Aplica la técnica acuarela para la realización de distintas
figuras.

Preparación al tema

Enlista las diferentes técnicas de pintura que conoces

Estudio del tema

TÉCNICA DE LA ACUARELA
La técnica de la acuarela consiste en aplicar capas semitransparentes,
que se irán superponiendo para conseguir colores más oscuros. Se pinta de claro
a oscuro, eso quiere decir que, no se pinta el color blanco, sino que se reserva el
blanco del papel.
Una de las técnicas más usadas es la del papel mojado, también se
conoce como acuarela húmeda. Consiste en mojar o humedecer el papel sobre
el que vamos a pintar y, a continuación, con el pincel bien cargado de color
damos pinceladas, horizontales, suaves, inclinado el papel para que corra el color
consiguiendo un degradado. Después, y una vez seca la primera capa, se

54
 pueden superponer distintas capas de acuarela, siempre esperando que
las capas se sequen.
Si los baños anteriores no se han secado se mezclarán los colores,
produciendo, la mayoría de las veces, efectos no deseados. Mientras que el
papel este húmedo, si añadimos colores o tintas, tenderán a expandirse,
obteniendo unos efectos muy interesantes. Se puede hacer por medio de goteo
añadiendo colores con el pincel e inclinando el papel en la dirección que
queramos para que corra el color.
Otra forma de aplicar la acuarela es colocándola sobre el papel
completamente seco, también se conoce como acuarela seca. Se aplican
baños tenues, superponiendo uno sobre otro, cuando esta seca la capa inferior.
También se podrían emplear colores intensos y finales. En la resolución de un
tema, normalmente, se emplean ambas técnicas, la acuarela húmeda para
cubrir y colorear grandes superficies, segundos planos, cielos, etc., y la segunda
para resaltar primeros planos.
La aplicación de un color sobre otro ya seco, las superposiciones, tienen
una gran importancia en la acuarela. Se considera uno de los procesos
necesarios para añadir calidades abstractas al color. El color básico, color
general o de fondo, influirá en todos los colores transparentes que le
superpongamos.
Por regla general, en las superposiciones, se debe aplicar primero el color
más cálido, por ejemplo, para obtener un color anaranjado, pondremos primero
el color rojo y, una vez seco, superpondremos el amarillo; para el violeta, primero
bañaremos con color rojo y después con el azul. Cuando se actúa al revés,
ponemos primero el color frío y a continuación el cálido, el resultado es
totalmente diferente. El color frío neutraliza al cálido ensuciándolo. Cuando un
color resulte opaco o apagado y queremos darle luminosidad, se deberá velar
con una tinta más luminosa y transparente. ("Técnica Acuarela", nd)
La acuarela es una pintura que se aplica con agua. Se compone de
pigmentos aglutinados como goma arábiga o miel.
 Los colores son transparentes (según la cantidad de agua en la
mezcla).
 No se pueden cubrir tonos oscuros utilizando colores claros debido a su
transparencia.
 Por tratarse de una técnica acuosa se requiere papel especial como
soporte.
 Su aplicación requiere el uso constante de agua.

Procedimiento para pintar con acuarela.

 Húmedo: se mojan las áreas del papel previamente para luego aplicar
los colores y generar los efectos deseados.
 Seco: aplicando los colores directamente sobre el papel, es preferible
tener distintos depósitos de agua ya que el pigmento se tiene que diluir
previamente en forma de tintas.
Efectos pictóricos
Matización: en un área se aplican diferentes colores fusionados
parcialmente.

55
 Gradación: en un área se aplican diferentes tonos de un color de forma
gradual, con el tono máximo al centro y en los extremos los tonos oscuros y
claros respectivamente.
Color plano: tono uniforme, sin matización ni gradación de color. (Cruz,
2020)

Generación de evidencias

Reproduce la siguiente imagen con la técnica acuarela.

Imagen tomada de pixibay.com

Foro de presentación de creación.

Fijación de conocimientos

Reproduce la siguiente imagen utilizando la técnica acuarela.

56
Imagen de pixibay.com

Rubrica de evaluación

Muy bueno Bueno Regular

Criterios 20 15 5
Aplicación de técnica
Su trabajo es limpio y ordenado
Entrega su trabajo con puntualidad
Entrega su trabajo completo
Sigue correctamente las instrucciones

57
 Procedimiento para pintar con
acuarela

Indicadores de logro:
Elabora composiciones aplicando las técnicas del arte
plástico.

Preparación al tema

¿Alguna vez te has preguntado si los colores influyen en nuestras decisiones

a la hora de comprar algo o de escoger que comer?
Escribe el nombre de tu color o colores favoritos:

Escribe porque es tu color favorito o porque son tus colores favoritos:

Estudio del tema

En la técnica acuarela es muy importante como dibujar fondos en especial el
cielo por eso en esta ocasión aprenderemos los pasos para pintar nubes con
acuarelas.

58
 Paso 1
Empieza representando de un cielo soleado pintando manchas azules
entre las nubes. Primero la gran área azul en la parte superior izquierda, una
mezcla de azul ultramar, azul celeste y algo de ocre amarillo, añadiéndole una
pequeña cantidad de agua limpia para esfumar contornos. Sobre el lado
derecho del cielo se extienden pinceladas de agua limpia. Luego se pasan
pinceladas de la misma mezcla de izquierda a derecha por encima del horizonte,
que se suavizan al aplicarse sobre el papel húmedo. La franja de azul en el
horizonte se pinta también sobre el papel húmedo, con lo que se obtienen unos
bordes suaves.
Paso 2
Una vez secas las zonas de azul, se pintan las partes en sombra de las
nubes aplicando una mezcla de gris de Payne y ocre amarillo. De nuevo se utiliza
un pincel sumergido en agua limpia para esfumar los bordes de algunas de estas
pinceladas de forma que las sombras parezcan fundirse hacia las zonas
iluminadas de las nubes.
Paso 3
Una vez se hayan secado las sombras de las nubes, todavía quedarán
contornos que convendría suavizar. Se empapa un pequeño pincel de cerda en
agua, y se utiliza para difuminar el color en diversos lugares en que las nubes se
encuentran con los bordes del cielo azul. A continuación, se añaden más
pinceladas de gris de Payne y ocre amarillo, para sugerir unas nubes más oscuras
a lo largo de la línea del horizonte.
Paso 4
Cuando los tonos del celaje han quedado perfectamente secos, se pintan
las colinas lejanas con mezclas de azul ultramar, azul cerúleo y tierra de sombra
natural (con mayor cantidad de sombra natural en las partes más oscuras).
Obsérvese la forma en que se han aplicado pinceladas de agua limpia para
suavizar algunos de los bordes de las colinas, allí donde se funden con la parte del
primer término de la derecha, todavía sin pintar.
Paso 5
Se deja que se sequen las colinas, pintándose a continuación los árboles
con verde inglés y tierra de siena tostada avivando el color aquí y allá con un
poco de rojo de cadmio o naranja de cadmio. Las masas inferiores de los árboles
se pintan con pinceladas anchas, mientras que para pintar el extremo superior de
los troncos y las ramas se roza solamente el papel con la punta del pincel.
Paso 6
El terreno en el primer término se rellena con una aguada irregular de
verde inglés, naranja de cadmio y amarillo de cadmio. Puede observarse cómo
algunas zonas contienen más cantidad de pigmento naranja y otras son más
verdes. A la parte inferior derecha se le añade una buena cantidad de agua; con
ello se aclara el color y se crea la impresión de que la luz solar cae sobre la hierba.
Paso 7
Las últimas pinceladas para añadir detalle se dedican exclusivamente a los
árboles y la hierba en el primer término inmediato. Para conseguir este efecto con
los árboles (más troncos, ramas y toques de sombra) se aplica una mezcla oscura
de verde inglés y tierra de sombra natural. Obsérvese el lugar en que se ha

59
 empleado una hoja de afeitar para raspar un tronco claro debajo del
árbol más alto. Para pintar manchas más oscuras se desliza sobre la hierba aquí y
allá el borde de un pequeño pincel, saturado de verde inglés y tierra de Siena
tostada. Después, con la punta del pincel empapada con una mezcla más
oscura de verde inglés y tierra de Siena tostada, se trazan sobre el paisaje unas
líneas cálidas y quebradas. No se llegan a ver briznas de hierba, rastrojos o
ramitas, pero estas pinceladas consiguen que uno crea verlas. (Córdoba, 2020)

Generación de evidencias
Pasa la siguiente imagen a técnica acuarela

Imagen de pixibay.com

Cierre

Foro de presentación de obra.

Fijación de conocimientos

Realiza una imagen interactiva con los pasos a seguir para pintar
imágenes con acuarela.

Rubrica de evaluación

Muy bueno Bueno Regular

Criterios 20 15 5
Aplicación de técnica
Su trabajo es limpio y ordenado
Entrega su trabajo con puntualidad
Entrega su trabajo completo
Sigue correctamente las instrucciones

60
 Fotografía artística

Indicadores de logro:
Realiza obras visuales por medio de la fotografía y el video
con diferentes aparatos tecnológicos.

Preparación al tema

Lluvia de ideas
¿Qué es fotografía artística?

Estudio del tema

La fotografía artística
La fotografía es considerada un arte, aunque no todas las fotos
son artísticas o creativas.
La artística es un tipo de fotografía que no resulta fácil de definir. Sin entrar
en los conceptos del arte, una fotografía se considera artística cuando el autor
crea su obra con el fin de transmitir un sentimiento o una sensación. En este caso
es muy cierta la frase "la intención es lo que cuenta". Pero también el resultado.

El propósito de la fotografía artística va más allá de la mera representación

de la realidad. Ni siquiera necesita ser hermosa, pero sí provocar reacciones.
¿Una foto puede ser una obra de arte?
Casi desde el principio, con pocas excepciones, la fotografía se ha
considerado un arte más, que utiliza como herramienta principal una cámara
fotográfica y, en los últimos tiempos, un programa de edición. Las fotos artísticas
no se toman, sino que se crean, y dependen de las dotes artísticas y la
creatividad de la fotógrafa o fotógrafo, y de su modo de plasmarla en una
imagen.
En este tipo de imágenes, la intencionalidad del fotógrafo profesional
cobra vital importancia. Su humor, sus sentimientos, sus deseos, sus pensamientos y

61
 sus intenciones se hacen protagonistas de la imagen mucho más allá de
la representación física que queda plasmada en la foto.
Una foto artística no sale por casualidad. Se necesita un cierto dominio de
la técnica fotográfica, capacidad de observación, reflexionar sobre el concepto
que se quiere transmitir... y ese "no sé qué" para hacer algo especial. Y suerte,
porque no siempre sale. Y capacidad de reacción, porque, a veces, el resultado
final es distinto al proyectado. Pero un artista sabe estar ahí y adaptarse.
Dentro de las corrientes artísticas, la fotografía conceptual merece una
mención aparte. Se trata de un estilo que pretende transmitir a la mente del
espectador un concepto o idea a través de una imagen. Es un tipo de fotografía
altamente artística que requiere intención y planificación. La diferencia o matiz es
que lo importante es el mensaje y que se capte de forma inmediata.
El resto de la fotografía, la que no se considera artística, captura los
aspectos puramente físicos de algo, sin la intencionalidad del fotógrafo de
transformar nuestro humor o estado de ánimo. Sin embargo, existen también
fotografías que no son genuinamente ideadas por el fotógrafo, sino que surgen
delante de él, que transmiten sensaciones y nos emocionan.
La fotografía creativa demuestra que la mayoría de las imágenes pueden
categorizarse de varias maneras, sobre todo en lo que a fotografía artística se
refiere. La subjetividad es la principal característica de este tipo de fotos. No basta
con que sean fotos chulas; deben transmitir sensaciones o emociones.
Por lo tanto, este tipo de expresión artística habla más de su autor que del
objeto o sujeto retratado. El escritor estadounidense John Steinbeck decía que "la
fotografía podía ser una extensión de la mente y del corazón, y sería tan buena
como el hombre que la hiciera".
A pesar de estas individualidades de la fotografía artística, también intenta
combinar la expresión de aspectos personales del fotógrafo con cuestiones
universales para poder acercarse a la mayor parte del público.
Una corriente artística poco conocida es la fotografía estenopeica,
basada en una técnica que apenas utiliza equipo fotográfico. Una cámara
estenopeica es una caja o lata con un pequeño agujero llamado estenopo. En el
lado opuesto hay una lámina o película que debe colocarse en el cuarto oscuro.
Produce, si hay suerte, fotos borrosas, desenfocadas y únicas. Se considera
fotografía creativa. (Córdoba, 2020)

62
 Sugerir fotografía recuperada de
https://www.blogdelfotografo.com/fotografia-artistica-2/

Generación de evidencias

Toma 5 fotografía creativas o artísticas debes transmitir un tema solo tema

entre las 5

Cierre

Presenta tú obra a tus compañeros se aportarán ideas para mejorar la

toma de tus fotografías y mejorarlas

Fijación de conocimientos

Escribe el proceso de toma de tus fotografías, ¿qué preparaste? ¿qué te

hizo falta? ¿cómo te sentiste en el proceso? ¿te gustaría realizar un portafolio
fotográfico?

Rubrica de evaluación

Muy bueno Bueno Regular

Criterios 20 15 5
Aplicación de técnica
Su trabajo es creativo y ordenado
Entrega su trabajo con puntualidad
Entrega su trabajo completo
Sigue correctamente las instrucciones

63
 Fotografía Artística

Indicadores de logro:
Realiza obras visuales por medio de la fotografía y el video
con diferentes aparatos tecnológicos.

Preparación al tema

Escribe una palabra que describa a un artista.

Estudio del tema

Dentro del mundo de la fotografía podemos enfocarnos en distintos temas

al trabajar o en distintas características de un objeto para fotografiarlo, en esta
ocasión estudiaremos algunas formas en que podemos tomarlas o utilizar para
tomarlas.

Silueta: esta en la forma más simple de un objeto, solamente podemos

apreciar el contorno de esta, pero esta suele tener un impacto visual muy fuerte
el cual podemos utilizar a nuestro favor a la hora de componer una escena.

Macrofotografía: este componente tiene de por sí un componente mágico

el cual consiste en la proporción de los objetos, pero no debemos olvidarnos de
jugar con el color las texturas y la luz.

Lluvia: la atmósfera que la lluvia o la niebla generan, nos regalan

sentimientos que nos conmueven, sacuden e inspiran, sin lugar a duda la lluvia es
una oportunidad que no debemos dejar escapar para poder potenciar ese lado
más creativo y artístico.

64
 Luz: La fotografía es pintar con luz, y las posibilidades que te ofrece el
dominio de la luz son infinitas. Debes aprender a jugar con ella, a controlar la
exposición, a modelar la luz, prever el resultado que esta te brinde, te ayudará a
convertirte en un excelente fotógrafo.

Movimiento: este no es sólo ese hecho desagradable que vemos en

algunas de nuestras imágenes cuando se trabaja con escasa luz. El movimiento
consciente, deliberado, provocado o bien aprovechado, es un recurso artístico
más que puede depararnos imágenes artísticas.

Claves: la clave alta y baja son completamente opuestas en lo que a

técnica y resultados se refiere. Una es luz, pureza, alegría y blanco (clave alta) y la
otra es misterio, elegancia, y negro (clave baja), pero ambas son capaces de
transportar al espectador de forma efectiva a estos sentimientos.

Sombra: este es otro recurso creativo que te ayudará a potenciar tu lado

más artístico. Puedes jugar a aislar la sombra y simplemente sugerir en vez de
mostrar o bien utilizarla para añadir a la imagen más interés y potencia visual. Bien
utilizadas, las sombras son un gran recurso artístico.

Profundidad: Jugar con la profundidad de campo para destacar a nuestro

protagonista aislando el fondo, es una herramienta muy utilizada en fotografía.
Recuerda que la profundidad de campo se controla a través de la apertura de
diafragma (cuanto más abierto esté, menor zona enfocada en la imagen).

65
 Textura: esta nos transporta directamente al tacto, transmite, una
impresión, una realidad, que se pude aprovechar en las diferentes fotografías que
realicemos.

La simplificación de las imágenes hace que sean más fáciles de leer y,

consecuentemente, tengan mensajes más evidentes para el espectador.

Reflejos: aprender a editar seas o no amante de esto, saber un poco sobre

edición es imprescindible para lograr los resultados que se desea. No es necesario
manipular tus fotografías para hacerlas artísticas si no quieres, pero aprender a
mejorar la imagen a través de pequeños retoques te ayudará a acabar de
perfilar tu fotografía y tu idea inicial.

66
 La clave principal para conseguir una fotografía artística es que no te
quedes en una primera impresión. Sino que te debes enfocar en buscar,
profundizar, esforzar, cambiar ángulos, jugar con la perspectiva, buscar un mejor
entorno y, sobre todo, suplir las carencias que puedas tener, utilizando tu
imaginación. Es decir, puedes querer fotografiar una puerta, puedes plantarte
delante y tomar la foto así sin más, pero también puedes esperar a que pase
alguien interesante por delante, puedes dejarla entreabierta para aumentar la
curiosidad del espectador, puedes esperar a que tenga una sombra interesante
encima, entre otras.

Si practicas lo suficiente, poco a poco irás adquiriendo un lenguaje fotográfico a

través del conocimiento de la luz, de la composición y las diferentes técnicas que
nos ofrece este arte, verás cómo, poco a poco, avanzas en tu capacidad de
expresarte de forma artística. (De Blois, 2017)

Generación de evidencias

Toma 5 fotografías artísticas, puedes mejorar las que tomaste la semana anterior si
no estas satisfecho con ellas, si decides mejorar tus fotografías de la semana
anterior debes realizar una presentación en donde las estés comparando y
mostrando que hay de diferencia entre ambas fotografías.

Cierre

Presente su obra a sus compañeros y explique cuál es el tema de estas.

Fijación de conocimientos

Realice un portafolio con las 10 fotografías tomadas, debe agregar una

breve descripción del tema de cada fotografía y un nombre a cada una.

67
 Su portafolio también debe tener la reflexión que realizo la
primera semana.
También debe elaborar una nueva reflexión esta semana indicada si su
trabajo mejoro y como se siente durante el proceso de la toma de sus fotografías
y la elaboración de su portafolio.

Rubrica de evaluación

Muy bueno Bueno Regular

Criterios 20 15 5
Aplicación de técnica
Su trabajo creativo y ordenado
Entrega su trabajo con puntualidad
Entrega su trabajo completo
Sigue correctamente las instrucciones

68
 Producción y edición de videos

Indicadores de logro:
Realiza obras visuales por medio de la fotografía y el video
con diferentes aparatos tecnológicos.

Preparación al tema

¿Responde que es producción audiovisual?

Estudio del tema

Producción audiovisual
La producción audiovisual es el arte o proceso de crear un contenido
audiovisual para medios de comunicación como el cine, la televisión o internet.
Dependiendo de la complejidad o de la calidad del producto audiovisual,
la preparación para realizarlo será diferente.
Para empezar, se debe elaborar un plan de trabajo. Hay que tener en
cuenta en una producción qué tipo de proyecto se le ha presentado, a qué
público se van a dirigir, con qué recursos va a contar.
Se define a la fase de la realización audiovisual como todos los procesos
técnicos y artísticos que se llevan a cabo desde que surge la idea hasta que el
producto llega al público o cliente.
Las fases de una producción audiovisual constan de tres etapas:
la preproducción, producción y postproducción.

Preproducción
Esta es etapa que comprende desde que nace la idea inicial del proyecto
audiovisual hasta que empieza la grabación. Debemos tener claro de que va a
tratar nuestro proyecto audiovisual y que tipo de vídeo vamos a hacer. Partiendo
de la idea desarrollamos un guion técnico y un storyboard o guion gráfico
(conjunto de ilustraciones mostradas en secuencia con el objetivo de servir de
guía para entender una historia, una animación o seguir la estructura de una
película antes de realizarse o filmarse).

69
 La fase de preproducción nos facilita saber dónde vamos a ir a
rodar nuestro vídeo, y que es lo que necesitaremos para poder realizarlo (material
técnico, trabajadores, lugares de rodaje, presupuesto). Esta fase es muy
importante e imprescindible, ya que en ella definimos que es lo que queremos
hacer y que necesitamos para poder llevarlo a cabo.

Producción
Esta es la etapa que comprende desde que empieza la grabación o el
rodaje del proyecto audiovisual hasta que se obtienen todas las tomas grabadas.
Es la puesta en práctica de todas las ideas y toda la planificación que hemos
realizado en la fase de preproducción. En la etapa de producción trabaja
prácticamente todo el equipo técnico y artístico (director/a, actores o modelos,
sonido, maquillaje, vestuario).

Postproducción
Esta es la etapa que comprende desde que termina el rodaje y empieza el
montaje del vídeo, hasta la exportación del producto final. Seleccionamos las
tomas del material grabado que servirán para la edición. Si se trata de una
producción cinematográfica, normalmente el director participa en la fase de
montaje para guiar al montador y conseguir plasmar lo que el director tiene en la
cabeza.
También debemos realizar la corrección de color, los efectos (si fuera
necesario), la música, la mezcla de sonido, gráficos y títulos de crédito. Una vez
realicemos todo esto, nuestra producción audiovisual estará lista para la
exportación. Dependiendo del destino de nuestro producto audiovisual (TV, cine,
Internet), las características de salida de la exportación serán de una manera o
de otra. ("Producción audiovisual ¿Qué es y qué fases tiene?", 2018)
Para poder realizar un video debes realizarte algunas preguntas:

¿Cuál es el objetivo del video?

Para saber cómo producir un buen video, primero tienes que definir cuál es
tu objetivo con ese contenido:

¿Quién es el destinatario?
¿Quién es el público objetivo de mi video? ¿Qué tipo de contenido
consume normalmente o qué problemas enfrenta?
Estos cuestionamientos son fundamentales para crear videos alineados a
las necesidades del espectador y ser más asertivo en tu propuesta.

¿Sobre qué es?

A continuación, debes tener en cuenta qué vas a grabar y cómo vas a
hacerlo. Para eso, piensa en un guion que contenga todo el contenido que es
importante incluir.
El guion es la descripción de todo lo que sucederá en el transcurso del
video y prevé conversaciones, imágenes y recursos visuales que utilizarás para
transmitir tu mensaje.

70
 Tener un guion bien escrito es uno de los pasos más importantes
del proceso de preproducción. Porque además de describir las escenas que
serán grabadas para el video, es el documento que contiene todos los otros
elementos, como paisaje sonoro, locuciones, posición de la cámara, espacios,
etc.

¿Cómo organizar la grabación?

La organización del material que será grabado es fundamental para que
tengas un buen resultado con tu video. Por eso, debes conocer la técnica de
decoupage que consiste, básicamente, en la división y planificación de la
grabación de un video en planos y secuencias.

¿Cuál es el lugar de grabación ideal para el video?

Trata en lo posible de escoger un lugar donde puedas tener el mayor
control sobre la interferencia de ruidos externos.
Evita lugares muy concurridos y con mucho movimiento, cerca de obras o
con mucho tráfico, por ejemplo. Y si logras encontrar un sitio que aúne silencio y
ambiente agradable, mejor aún. Después de todo, la apariencia del vídeo
también es un aspecto que debes tener en cuenta.

¿Qué precauciones son necesarias para la iluminación?

Considera que el horario elegido para realizar la grabación. La luz natural
es una importante aliada a la hora de hacer un buen vídeo, y tú debes intentar
utilizarla al máximo.
Un lugar que sea muy bonito, pero que tenga poca luz, puede no ser tan
interesante como un lugar que se vea decente y con mucha luminosidad.
También debes tener en cuenta el horario en que realizaras la grabación,
porque la luz natural de cuando comienza el día, de las 6 a las 8, suele ser una luz
más dorada, con el sol más bajo. Este tipo de luz ayuda a darle un aspecto muy
interesante a tu vídeo. De las 8 a las 11 de la mañana, incluso con el sol más
fuerte y la luz más clara, aún hay menos sombras duras, convirtiéndose en una
opción interesante.
Se puede conseguir una luz interesante de las 14 a las 17. En este horario
obtienes un escenario similar con el comienzo de la mañana, permitiendo una
buena iluminación para tus grabaciones.
A partir de las 5 de la tarde, dependiendo del lugar, es cuando empieza
la luz crepuscular y el día oscurece rápido. A pesar de conseguir el mismo
aspecto dorado del inicio del día, conocido como Golden Hour (Hora Dorada), el
tiempo para grabar el video es muy reducido.
Por eso se debe tener cuidado con las grabaciones en ese período,
porque te puedes quedar sin iluminación y tener que cerrar el trabajo a mitad del
camino.
Por último, es mejor evitar el horario de 11 a 14 horas, aproximadamente,
para obtener un buen vídeo. En ese horario tenemos el conocido sol de
mediodía, con sombras más duras y marcantes, lo cual crea sombras en los ojos y
deja una imagen no muy agradable.

71
 Pero en si este es el aspecto que quieras darle a tu video, intenta
aprovechar el contraste entre luz y sombra de manera creativa y explícita. De
esta forma, no parecerá que no le prestaste atención al horario de la grabación.

Iluminación artificial
Por más que el ambiente de la grabación esté bien iluminado, la cámara
no puede captar toda la luz, lo que puede resultar en imágenes menos nítidas o
granuladas. Además, la iluminación natural es inconstante y puede variar
rápidamente entre las escenas grabadas.
En tanto, los ambientes iluminados artificialmente son más previsibles, ya
que se logra identificar una sobreexposición a la luz, si el color es uniforme y,
cuando no, todo esto puede ser resuelto con cambiar el equipo de lugar.
Por supuesto, una iluminación con aspecto profesional requiere inversión
en equipos, pero no es necesario que gastes una fortuna para construir escenarios
como los de una filmación cinematográfica
Hay una configuración muy simple de luces que puede servir para la
mayoría de las situaciones. Necesitarás tres puntos de luz: dos delante del
presentador o entrevistado, uno a cada lado, y un tercero atrás, como contraluz.
Este último punto ayuda a dar un efecto excelente de contorno en tus
imágenes y deja el resultado muy interesante. Es la llamada “luz de recorte”, que
ayuda a separar a la persona del fondo, dándole más destaque al personaje
principal de la escena.
Incluso, es posible crear ese mismo esquema de iluminación con elementos
que tienes en casa. Es importante recordar que sin luz no hay imagen, por lo que
la iluminación del video es tan importante como la calidad del contenido que se
abordará.

¿Cómo planificar las grabaciones?

La logística de las grabaciones es otro elemento principal del proceso de
preproducción y planificación para que tus videos tengan éxito. Por eso, es
fundamental prestarles mucha atención a algunos puntos importantes.
 Elabora una lista de equipamientos

Recuerda que es importante hacer y chequear, la lista con los equipos que
serán utilizados en el proceso de grabación.
1. Organiza los espacios

Es importante ordenar y alistar el espacio en el que se realizará la

grabación, esto te ayudará a evitar contratiempos.
 Ten cuidado con los ruidos

Cuando decimos ruidos es probable que pienses solo en las interferencias

de audio en tu escena. Sin embargo, existen otros tipos de ruidos que el equipo
debe evitar de la misma manera.
Por ejemplo, un objeto que ha quedado en escena por error puede
distraer fácilmente al público, interfiriendo en el mensaje que quieres pasarle.
Incluso un punto luminoso en el fondo de la escena es capaz de robarle la
atención al personaje principal, haciendo que el objetivo del video no sea
alcanzado.
72
 Las respuestas a estas preguntas te ayudarán a realizar un
excelente video, recuerda también que no es necesario que tengas una cámara
profesional para realizar un buen video, debido al avance de la tecnología hoy
en día es suficiente para que empieces a grabar la cámara de video de tu
teléfono celular.
también recuerda realizar tu grabación con la ayuda de algún
colaborador para que te auxilie el cualquier inconveniente que se pueda
presentar, debes considerar que tu video no quedará bien grabado a la primera,
equivocarse es normal, pero lo que si debes realizar es transmitir tu mensaje de la
forma más clara y directa posible. (Megale, 2020)

Generación de evidencias

Elaboración de un video enfocado a un tema social, por lo que debes

escoger el tema a trabajar, investigar sobre este y redactar tu guion.
También debes pensar el lugar en donde grabaras tu video y si buscaras la
participación de alguien más en tu video.

Cierre

Realicemos un mural en el cual colocaremos cuales son las características

principales y que es lo que debemos tomar en cuenta para poder realizar una
producción audio visual.

Fijación de conocimientos

Escriba como se siente en este momento con respecto a su proyecto de

unidad.

Rubrica de evaluación

Muy bueno Bueno Regular

Criterios 20 15 5
Aplicación de técnica
Su trabajo creativo y ordenado
Entrega su trabajo con puntualidad
Entrega su trabajo completo
Sigue correctamente las instrucciones

73
 Repaso

Indicadores de logro:
Dibuja diferentes tipos de boceto con las técnicas básicas.
Aplica la técnica acuarela para la realización de distintas
figuras.
Realiza obras visuales por medio de la fotografía y el video
con diferentes aparatos tecnológicos.
Experimenta con dibujos representando los diferentes
movimientos de la época de la modernidad.

Preparación al tema

Es momento de comprobar tus aprendizajes.

Estudio del tema

Repasa los temas de la unidad.

Generación de evidencias

Dibuja la siguiente imagen recuerda aplicar el tema visto en figura

humana.

74
Imagen de pixibay.com

Pasa la siguiente imagen a técnica acuarela.

75
Imagen de pixibay.com

Realiza una fotografía artística utilizando frutas o verduras.

Haz una imagen interactiva sobre los elementos de la producción audiovisual.

Cierre

Presenta tu trabajo a los compañeros.

Fijación de conocimientos

Escribe qué fue lo que más te gusto aprender de esta unidad, qué tema te
gustaría volver a ver y que tema consideras que no comprendiste.

Rubrica de evaluación

76
 Muy bueno Bueno Regular
Criterios 20 15 5
Aplicación de técnica
Su trabajo creativo y ordenado
Entrega su trabajo con puntualidad
Entrega su trabajo completo
Sigue correctamente las instrucciones

77
 Proyecto de unidad

Indicadores de logro:
Realiza obras visuales por medio de la fotografía y el video
con diferentes aparatos tecnológicos.

Preparación al tema

Enlista los pasos que debes preparar para realizar un proyecto audiovisual.

Estudio del tema

Después de tener caridad en el tema a trabajar dentro de tu guion debes

considerar los tipos de plano a utilizar al momento de realizar la grabación,
continuación estudiaremos los tipos de plano más utilizados al realizar un proyecto
audiovisual.

Tipos de plano
En el lenguaje cinematográfico, la noción de encuadre es uno de los
elementos que más influyen en la calidad final de un video. Existen muchas
posibilidades y cada elección se traduce en un lenguaje diferente.

78
 Plano general
El plano general es aquel que se presenta de modo más abierto, sin
enfocar ningún elemento específico. Sirve para presentar geográficamente el
ambiente, muchas veces sin la presencia necesaria de un personaje principal.

Plano abierto
El plano abierto es el plano de la ambientación que ayuda a entender el
escenario en el cual se encuentra el personaje. En este tipo de plano, la cámara
se mantiene distante del objeto principal.

Plano medio
El plano medio incluye todos los elementos importantes de la escena. Su
objetivo es establecer una relación clara entre el objeto filmado y el ambiente en
el cual se encuentra. Generalmente muestra a las personas de la cintura hacia
arriba.

Plano americano
Semejante al plano medio, el plano americano encuadra a los personajes
de las rodillas hacia arriba. Ayuda a revelar expresiones, pero sin destacar un
aspecto específico. Es muy utilizado para establecer relaciones entre dos o más
personajes.

Primer plano
Este plano se concentra en el rostro de la persona o en algún objeto o
detalle de la escena. El corte se hace de los hombros hacia arriba. Es el
responsable de mostrar los sentimientos de los personajes, desempeñando una
función emocional y creando una conexión mayor entre el personaje y el
espectador. (Megale, 2020)

Generación de evidencias

Graba y edita tu video, para la edición de tu video puedes utilizar un programa

gratuito como openshot, Da Vinci Resolve, una aplicación en tu teléfono móvil
como imov para Iphone o Inshot para Androi, investiga en la etapa de
preproducción que software o aplicación de video.

Cierre

Presenta tu video a tus compañeros

Fijación de conocimientos

79
 Escribe como te sentiste durante el proceso de grabación de tu video, así
como en el proceso de edición, analiza si te sientes satisfecho con el resultado de
tu video o si puedes cambiar algo para mejorar.

Rubrica de evaluación

Excelente Muy bueno Bueno Debe mejorar

Escala 10 pts. 7.5 pts. 5 pts. 2.5 pts.

Aspecto
Sonido El audio, En algunas En la mitad de En la mayor
música y partes la su video la parte la música
efectos música o los música o los o los efectos se
utilizados en su efectos se efectos se escuchan más
video son escuchas más escuchas más que el audio
coherentes que el audio que el audio hablado en su
con el tema hablado en su hablado. vídeo.
tratado, se video.
entiende lo
que dice al
hablar.
Reglas de Aplica Aplica en la Aplica en la Aplica en
composición correctamente mayor parte mitad de su algunas partes
las reglas de de su vídeo las video las reglas de su vídeo las
composición. reglas de de composición. reglas de
composición. composición.
Orden Su video es La mayoría de Algunas partes Le cuesta
ordenado. su video es de su video es ordenar las
ordenado. ordenado. ideas en su
video.
Guion Elabora el Realiza el guion Elabora el guion No se entiende
guion de su de su video. de su video, el guion de su
video, (es pero sus ideas video.
coherente en no están
sus ideas). ordenadas.
Trabajo Realiza los Realiza dos de Realiza uno de Realiza los
Completo pasos para la los tres pasos los 3 pasos de la pasos o
elaboración de la elaboración del algunos de los
del material elaboración material audio pasos de la
audiovisual del material visual. elaboración
con audiovisual del material
excelencia. con audio visual
excelencia. pero no con
excelencia.
Encuadre Utiliza con Utiliza los Utiliza en Utiliza el
coherencia y encuadres algunas partes encuadre en
propiedad los vistos en clase. una de las

80
 encuadres de su video el escenas de su
vistos en clase. encuadre. video.
Contenido Cubre su tema El Incluye El contenido es
a profundidad conocimiento información mínimo y tiene
con detalles y sobre el tema esencial sobre el varios errores.
ejemplos, su es básico, el tema, pera tiene
conocimiento contenido 1 o 2 errores en
sobre el tema parece ser la veracidad del
es excelente. bueno. contenido.
Originalidad El producto El producto Usa ideas de Usa ideas de
demuestra demuestra otras personas, otras personas,
gran cierta dándoles el pero no les da
originalidad, las originalidad. El crédito crédito.
ideas son trabajo correspondiente,
creativas e demuestra el pero casi no hay
ingeniosas. uso de nuevas evidencia de
ideas y de ideas originales.
perspicacia.
Uso del No hay errores Hay algún error Hay errores Hay muchos
lenguaje gramaticales, gramatical, de gramaticales, de errores
de dicción u dicción u dicción u gramaticales,
ortográficos. ortográfico. ortográficos. de dicción u
ortográficos.
Edición La calidad del La calidad del Presenta El vídeo no
video y del video y del algunos fallos presenta
enfoque es enfoque es que perjudican variedad de
excelente en buena la la calidad, en el efectos y
todas sus mayor su enfoque o en el calidad
partes, así mayoría. sonido. Hay suficiente.
como el Incluye algunos poca variedad
sonido. Los efectos visuales de efectos y
efectos visuales y transiciones, transiciones
y sonoros del pero algunos visuales o de
vídeo son no son sonido.
variado y asertivos.
asertivos.

81
 TERCERA UNIDAD
1. Fuentes de producción sonora
2. Cualidades del sonido
3. Instrumentos musicales
4. Objetos sonoros
5. Percusión Corporal
6. Ritmos latinos
7. Repaso
8. Proyecto

Imagen de Free-Photos en Pixabay

Competencias
Interpreta música utilizando diferentes elementos sonoros incluyendo el
canto, instrumentos musicales convencionales y no convencionales de
forma individual y colectiva.

Indicadores de logro
 Crea música utilizando elementos y materiales sonoros diversos.
 Realiza secuencias rítmicas utilizando ritmos existentes y ritmos originales.

82
 Fuentes de producción sonora

Indicadores de logro:
Sonido, Fuentes de producción sonora, Percepción sonora.

Preparación al tema

Bingo de sonidos
¿Qué es sonido?
¿Qué es una fuente de producción sonora?
¿Pueden clasificar esas fuentes?
¿En qué tipos de fuente se pueden clasificar?
¿Qué es percepción sonora?

Estudio del tema

Fuentes sonoras
Todo cuerpo vibrante es una fuente sonora, siempre y cuando la
frecuencia de intensidad de las ondas que produce esté dentro de la gama
audible. La mayoría de las fuentes sonoras funcionan de forma compleja.

Pensemos, en un violín, en un piano, en una persona hablando o en la

membrana de un altavoz, que han de vibrar para producir los sonidos de una
gran orquesta.

Propiedades del sonido

Calidad tonal:
El poder experimentar los diferentes sonidos que posee cada uno de los
instrumentos musicales se debe a que dada uno de ellos posee calidad o color
tonal. Suele usarse la palabra timbre para denotar esta característica que nos
permite distinguir un instrumento de otro.

83
 En la siguiente imagen (a) representa a la onda de un diapasón capturada
por un osciloscopio, podemos observar que esta es pura porque está compuesta
por una sola frecuencia.

En la misma imagen (b) observamos la onda de un clarinete, este esta

produciendo la misma nota que el diapasón de (a) su sonido y la forma de su
onda son distintas porque está compuesto por distintas frecuencias, (armónicos)
por lo que se dice que el sonido del clarinete es complejo.

Imagen tomada de https://www.electronicasi.com/wp-content/uploads/2013/05/Equipos-de-sonido-

Fuentes-sonoras.pdf

La nota del diapasón se compone de una sola frecuencia, mientras que el

sonido del clarinete es una mezcla de varias. Esta diferencia podría demostrarse
en el analizador de espectros, aparato que separa las frecuencias presentes en
un sonido y las despliega en líneas verticales espaciadas.

La altura de cada una de ellas indica la amplitud de cada una de las

frecuencias componentes. El diapasón, sometido a este examen, mostraría una
línea nada más, la correspondiente a la frecuencia que lleva marcada. El
clarinete, por el contrario, produciría una serie de líneas. La más baja frecuencia
de la serie será la misma que la del diapasón, y se denomina fundamental. Las
otras serán los armónicos de la fundamental. El espectrograma demostraría que
no todos los armónicos tienen la misma amplitud, siendo unos más fuertes que
otros. A la presencia de los armónicos y de sus respectivas amplitudes debe
precisamente el clarinete su tono característico.

La mayor parte de los instrumentos musicales producen ondas complejas;

cada tipo es distinto en su contenido de armónicos y por eso cada uno posee su
timbre peculiar. Los armónicos, en algunos casos, son múltiples exactos de la
fundamental, y siendo así se llaman armónicos. Los instrumentos de cuerda, de
metal, de viento y de madera producen una serie de dichos armónicos. En otros

84
 instrumentos los armónicos no son exactamente armónicos de la
fundamental; por ejemplo, el xilófono y las campanas tubulares.

Otro rasgo particular de los sonidos complejos procedentes de muchos

instrumentos es que la duración de los armónicos varia. En el instante de
producirse la nota se generan multitud de armónicos, pero los más altos tienden a
debilitarse y se extinguen pronto.

Los armónicos de frecuencias inferiores son mucho más fuertes y persisten

más tiempo. El que los altos sean tan breves produce una calidad tonal en la
parte inicial del sonido que difiere de la que tiene la parte mantenida o
prolongada.

A este efecto se le suele llamar ataque. Un método muy interesante de

demostrar la importancia que tienen los tonos de ataque y mantenidos sobre la
calidad total de un instrumento se manifiesta cuando los productores de la
llamada música electrónica recortan grabaciones en cinta magnetofónica para
obtener nuevos efectos sonoros.

Grabando la nota de un piano en cinta y extirpando luego de ésta el tono

de ataque, queda una nota resultante muy distinta de la original. Orden para
hacer sonar en primer lugar el tono o mantenido.

Estas sencillas transposiciones ofrecen ilimitadas posibilidades para la

producción de nuevos sonidos. Dado que los armónicos superiores, los cuales
constituyen el tono de ataque, se extinguen rápidamente, suele llamárseles
transitorios. En acústica hay muchos ejemplos de fenómenos transitorios, o
cambios rápidos de amplitud con el tiempo; y como su presencia es esencial
para el timbre, todos los sistemas de grabación y de reproducción deben ser
capaces de tratarlos con fidelidad.

Aspectos fundamentales de las fuentes sonoras

Las fuentes sonoras son aquellas que producen tonos agradables como:
instrumentos musicales, voz humana, etc. En ciertos aspectos, son comunes con
todas las fuentes sonoras.

Constan en primer lugar de un medio de vibrador, luego de un resonador y

finalmente, en muchos casos, de un radiador. El vibrador (dedos, corriente de
aire, percutores) hace vibrar al cuerpo resonante, y, como algunos resonadores
no producen ondas sonoras potentes, van acoplados a un cuerpo que vibra al
unísono, el cual mueve una porción mayor de aire y por tanto amplifica las
débiles vibraciones del resonador.

Los sistemas vibrantes usados como resonadores son los siguientes:

(1) columnas de aire.

85
 (2) cuerdas.
(3) varillas.
(4) membranas tensadas.
(5) placas circulares.
(6) cuerdas vocales.

Columnas de aire cerrando

Este es utilizado en instrumentos como la flauta, oboe, clarinete, en donde

el aire es introducido al tuvo por medio del soplo que produce el instrumentista, el
aire sale por el otro extremo del tubo.

Cuerdas
Este es un ejemplo de que la tensión es necesaria para que vibre el
material flexible. Este sistema es utilizo en instrumentos como el violín y la guitarra.

Placa, varillas, membranas:

Esta todas debes ser percutidas también, pero las placas y varillas no
necesitan de una tensión al ser estas realizadas por un material rígidos, en cambio
la membrana si debe ser tensada que usualmente son hechas de pieles o
materiales sintéticos que necesitan ser tensados para poder producir sonido.

En la placa la frecuencia fundamental depende básicamente del espesor

de esta, de su radio y de su material; pero también de cómo se halle apoyada.
Puede estar afianzada en su periferia, descansando en los bordes o en el centro,
o encontrarse totalmente libre. En este caso se producen sobre tonos y no
armónicos, ya que su relación con la fundamental depende, en este caso
también, del modo como esté apoyada o sujeta la placa. El gong y los platillos
pertenecen a este tipo de instrumentos

Cuerdas vocales

Las cuerdas vocales están situadas en la parte superior de la laringe, que

cierra la tráquea o conducto procedente de los pulmones. No son exactamente
cuerdas, sino membranas que vibran y regulan el tamaño y forma de la abertura
de la laringe. Cuando estamos sencillamente respirando, las cuerdas vocales se
hallan muy separadas y forman una abertura triangular.

Para producir sonidos, las cuerdas han de acercarse, y entonces vibran por
efecto de la corriente de aire que sube de los pulmones por la tráquea. El
resultado es una fluctuación de dicha corriente, con lo cual comienzan las
variaciones necesarias para producir ondas sonoras. La corriente de aire pasa por
la garganta, boca y nariz, las cavidades que resuenan acentúan ciertas
frecuencias. (Equipos de Sonido, nd)

Generación de evidencias
86
 Clasifica en tu cuaderno los sonidos que escuches según su fuente de
producción sonora.

Recreación de ambientes sonoros en grupos de 5 personas.

Cierre

Presenta tu ambientación a tus compañeros.

Fijación de conocimientos

Realiza un mapa mental sobre el tema.

Rubrica de evaluación

Muy bueno Bueno Regular

Criterios 20 15 5
Participación
Individual
Participación
grupal
Realización de
ejercicios
Expresión
Corporal

Mapa mental

87
 Cualidades del Sonido

Indicadores de logro:
Indicadores de logro: Produce discursos sonoros con instrumentos
convencionales y no convencionales.

Preparación al tema

Estructura del trabajo:

Lotería de sonidos
¿Qué sonidos escucharon?
¿Cómo eran los sonidos que escucharon? (Cortos, largos, graves, fuerte,
agudos, graves)

Estudio del tema

En la clase anterior, vimos que el sonido es la causa de la vibración de los

sonidos, que estos pueden ser producidos por distintas fuentes de producción.
Ahora un sonido tiene cuatro cualidades para poder ser identificados.

Altura: es la afinación de un sonido, está determinada por la frecuencia de

vibración de las ondas sonoras.

Se puede distinguir entre tres tipos de sonidos: graves, medios o agudos.

Esta clasificación hace alusión a unos parámetros que pueden ser medidos
físicamente.

Según estos indicadores, decimos que un sonido puede ser grave o agudo.
Esto está valorando un rango del sonido que es perceptible para el ser humano.

88
 Los instrumentos y las voces están dentro de este rango, situado
entre los 20 y los 20000 Hz. Fuera de él quedan sonidos que los seres humanos no
estamos capacitados para distinguir.

Intensidad: La intensidad de un sonido es equivalente al volumen. Se

clasifican como sonidos fuertes o débiles y es la potencia la que consigue una
mayor o menor amplitud de la onda sonora.

La intensidad se mide en decibelios, y también existe un rango audible

para el ser humano: 0 dB, que indica que el hombre no es capaz de distinguirlo y
140 dB, un volumen que resultaría doloroso. La intensidad hace referencia a la
amplitud de la onda sonora.

Duración: La duración de un sonido hace referencia a la longitud de onda.

Indica el tiempo que se mantiene una onda sonora completa. Puedes diferenciar
sonidos largos o cortos. Según cuál sea la fuente que los produzca, los sonidos
pueden alargarse de forma ininterrumpida o acortarse, como en instrumentos de
cuerda frotada, o producir sonidos con una longitud específica, como un tambor
o la nota de un piano.

El sonido cesa cuando cesa la vibración. Esta cualidad está limitada al

físico de la fuente del sonido. Con la tecnología, esta limitación se ha superado y
los sonidos pueden mantenerse digitalmente por tiempo indefinido.

Timbre: El timbre es la cualidad que más datos aporta. El timbre de una

misma nota musical tocada al mismo volumen en un violín y una flauta no será
igual. Cada fuente de sonido tiene características propias sonoras según el
material del que esté hecho, el modo de hacerlo sonar, etc.

También se aplica a las voces humanas. Puedes encontrar una voz ronca,
dulce o ligera, áspera… El timbre puede modificarse con la intensidad y la
duración, pudiendo variar la calidad del sonido. El timbre de un sonido está
compuesto de un sonido fundamental y otros sonidos llamados armónicos, de
menor intensidad.

La combinación de la frecuencia, la intensidad, el timbre y la duración es

la que te permite clasificar de una forma más sencilla. (Musik, 2017)

Generación de evidencias

Audición de sonidos

Clasifica los sonidos que escuches según sus cualidades.

En grupos de 5 personas:
1. Tapa los ojos de un compañero con una pañoleta

89
 2. Uno por uno le hablan los demás haciendo diferentes tonos de voz
3. Pregúntele en que orden hablaron cada uno
4. Hagan lo mismo con otro compañero hasta que todos realicen la
actividad.
5. Escribe en tu cuaderno como te sentiste al tener los ojos tapados.

Cierre

Comparte con tus compañeros tu experiencia

Fijación de conocimientos

Haz una infografía sobre el tema.

Rubrica de evaluación

Muy bueno Bueno Regular

Criterios 20 15 5
Participación
Individual
Participación
grupal
Realización de
ejercicios
Expresión
Corporal

Mapa mental

90
 Instrumentos musicales

Indicadores de logro:
Crea música utilizando elementos y materiales sonoros diversos.

Preparación al tema

Lluvia de ideas:
Que instrumentos musicales conoces
A que familia de instrumentos crees que pertenecen

Estudio del tema

Cada instrumento musical tiene su timbre o color característico; así, un

mismo fragmento musical puede sonar muy distinto según el instrumento que lo
interprete. Por eso, para un compositor es muy importante conocer las
posibilidades tímbricas y expresivas de estos. Piensa, por ejemplo, en la música de
las películas; muchas escenas románticas van acompañadas por música de
cuerda; sin embargo, en las escenas de guerra es frecuente la utilización del
viento-metal y la percusión.

El timbre de un instrumento musical depende de muchos factores: la

manera en que emite el sonido, el material con el que ha sido construido, su
forma, su tamaño, etc. En función de cómo producen el sonido, los instrumentos
musicales suelen clasificarse en diferentes familias instrumentales.

Cuerda: cuando el sonido lo produce la vibración de una cuerda tensada.

Ejemplo: el violín.

91
 Viento: el sonido se obtiene al soplar, por la vibración del aire en
el interior de un tubo. Se dividen en viento-madera y viento-metal. Ejemplo: la
trompeta.
Percusión: si el sonido se obtiene golpeando o sacudiendo el instrumento.
Ejemplo: el timbal.

Otro tipo de instrumentos son los electrónicos, aquellos en los que la

electricidad participa en la sonoridad del instrumento. Necesitan un ampliador.
Ejemplos: la guitarra eléctrica, el bajo eléctrico, el sintetizador, etc.

Los instrumentos musicales de cuerda

Producen el sonido mediante la vibración de cuerdas tensadas. Poseen,

además, una caja de resonancia para amplificar el sonido. Según el modo en
que se obtiene el sonido, podemos distinguir tres tipos: frotada, pulsada y
percutida.

Cuerda frotada
El sonido se obtiene frotando las cuerdas con un arco. De más agudo a
más grave, son los siguientes: violín, viola, violonchelo y contrabajo.

Imagen tomada de pixibay.com

Cuerda pulsada
El sonido se obtiene tocando las cuerdas con los dedos o con púas. Entre
los instrumentos de este tipo tenemos la guitarra y el arpa.

92
 Imagen tomada de pixibay.com

Cuerda percutida
El sonido se obtiene percutiendo, golpeando, las cuerdas. Un ejemplo de
este tipo de instrumentos es el piano. Al tocar sus teclas, se accionan unos
macillos que golpean las cuerdas, las cuales se encuentran en el interior de la
caja de resonancia.

Imagen tomada de pixibay.com

Los instrumentos musicales de viento

Producen el sonido por la vibración del aire en el interior del tubo del
instrumento. Se pueden clasificar en viento-madera y viento-metal.

Esta clasificación puede resultar un poco confusa porque, actualmente,

algunos de los instrumentos de la familia de viento-madera se construyen en
metal (por ejemplo, la flauta travesera y el saxofón).

En realidad, lo que va a determinar el tipo de sonido es la clase de

embocadura o boquilla que posea el instrumento. Viento-madera

93
 Podemos diferenciar tres tipos de instrumentos, según su
embocadura:

Bisel: la vibración del aire se produce al chocar con un bisel (borde a lado),
como ocurre en la flauta dulce y la flauta travesera

Imagen tomada de pixibay.com

Lengüeta simple: el sonido se produce por la vibración del aire al chocar

con una caña o lámina de madera que hay en la embocadura del instrumento.
Ejemplo: el clarinete y el saxofón

Imagen tomada de pixibay.com

Lengüeta doble: el sonido se produce por la vibración de dos cañas de

madera que chocan entre sí. Tienen este tipo de embocadura el oboe y el fagot.

94
 Imagen tomada de pixibay.com

Viento-metal

Están fabricados con aleaciones de metal. El tubo del instrumento está

plegado o enrollado sobre sí mismo para que sea más funcional (si pudiéramos
«desenrollar» una tuba, su longitud total sería de 3,65 m). La altura del sonido
depende de la presión de aire que ejerza el instrumentista sobre la boquilla y de
un sistema de válvulas y pistones (el trombón, en lugar de pistones, utiliza una vara
móvil).

Imagen tomada de pixibay

El órgano
El órgano es un instrumento de viento, con teclado, que consta de un
sistema de tubos de diferentes longitudes. Antiguamente, el aire se suministraba
mediante fuelles movidos a mano, que han sido sustituidos por una bomba
eléctrica. Posee una gran variedad tímbrica.

95
 Imagen tomada de pixibay

Instrumentos de percusión
La palabra percutir significa golpear, la mayoría de los instrumentos de
percusión suenan al ser golpeados, por lo que se instrumentos diferentes utensilios
como bastones, baquetas escobillas, entre otros para ejecutarlos. Algunos otros
suenan al chocar con ellos mismos, otros al ser frotados y otros al ser sacudidos.
Los instrumentos de percusión se clasifican según puedan emitir sonidos de
altura determinada o de altura indeterminada.
Los instrumentos de altura indeterminada no producen notas, sino que
producen ritmos, por ello sus partituras únicamente se escriben sobre una línea.
Según sea el agente productor del sonido, los instrumentos de percusión se
pueden clasificar de otra manera.
Membranófonos: son los instrumentos que producen su sonido al hacer
vibrar una piel o membrana.

96
 Imagen tomada de pixibay
Idiófonos: son los instrumentos que producen su sonido al hacer vibrar su
propio cuerpo.

Imagen tomada de pixibay

Algunos instrumentos de sonido indeterminado son:
Membranófonos:
Djembé, Bongó, caja, bombo, tom, pandero, bothran, darbouka, zarb,
congas, rumbera, dum-dum, entre otros.

Imagen tomada de pixibay

Idiófonos: cascabeles, gong, platos de choque, güiro, castañuelas,
cabaÇa, entre otros.

97
 Imagen tomada de pixibay
Los instrumentos de altura determinada pueden producir notas musicales,
por eso en sus partituras si te utiliza el pentagrama, algunos de estos instrumentos
son:
Timbales, vibráfono, xilófono. (edebé, 2007)

Imagen tomada de pixibay

Generación de evidencias

Audición de sonidos
Escribe el nombre de los instrumentos que escuches
Clasifícalos en instrumentos viento, cuerda o percusión

Creación de un instrumento con material reciclado.

Ve al código QR para observar que materiales
necesitaras y cómo hacerlo.

Cierre

98
 Comparte con tus compañeros tus compañeros tu experiencia

Fijación de conocimientos

Busca y pega conforme a su clasificación los instrumentos musicales que se

mencionan en guía.

Rubrica de evaluación

Muy bueno Bueno Regular

Criterios 25 15 5
Dictado
Instrumento de
material
reciclado
Fijación de
conocimientos
Participación
individual

99
 Objetos sonoros

Indicadores de logro:
Crea música utilizando elementos y materiales sonoros diversos.

Preparación al tema

Lluvia de ideas:
Que instrumentos musicales conoces
A que familia de instrumentos crees que pertenecen

Estudio del tema

Vivimos en una sociedad que la que cada vez se producen más ruidos,
especialmente las ciudades, con el tráfico, las bocinas de los automóviles, las
obras de construcción, los televisores de los locales públicos a todo volumen,
estamos tan acostumbrados a todos que ya ni notamos la contaminación
acústica.

Esta contaminación puede producirnos trastornos físicos y psicológicos, por

lo que debemos estar muy atentos.

Si prestamos atención, podemos darnos cuenta de que casi en cualquier

pequeña acción en la que interactuemos con un objeto producimos un sonido,
por ejemplo, al mover un lápiz sobre la mesa, al pasar la página de un libro, al
escribir con un teclado de un ordenador, al mover una silla, entre otras cosas.
Algunos sonidos son casi imperceptibles, pero si escuchas con atención los podrás
oír. (Música I, 2007)

100
 Generación de evidencias

Experimenta
Mueve diversos objetos que tengas a mano, busca diferentes sonidos que
puedas corregir con ellos y anota en tu cuaderno los resultados.

Probemos
1. Golpea suavemente sobre la mesa el siguiente ritmo con un lápiz.

2. Toma en tus manos un libro grueso, ábrelo por la mitad, mantelo sobre
tus manos y ciérralo de golpe realizando una redonda.

3. Toma dos hojas y pon una sobre la otra apoyadas en la mesa. Sujeta la
que está en la parte superior por una esquina y frótala con la que está
debajo mientras sujetas la otra con la otra mano para que no se mueva
y realiza el siguiente ritmo.

Cierre

Jugar con los sonidos puede ser muy divertido, pero se debe ser respetuoso
con el medio ambiente y con los demás.

Fijación de conocimientos

101
 Escribe un ritmo diferente al dado en clase.

Rubrica de evaluación

Muy bueno Bueno Regular

Criterios 20 15 5
Participación
Individual
Participación
grupal
Realización de
ejercicios
Expresión
Corporal

Mapa mental

102
 Percusión corporal

Indicadores de logro:
Realiza ritmos por imitación o por lectura con su cuerpo,
objetos, útiles sonoros e instrumentos musicales.

Preparación al tema

Identifica las figuras musicales que se te presentan y escribe su nombre en

el orden en que aparecen.

1 3

2 4

Estudio del tema

Las figuras musicales son las que nos ayudan a dar una duración
determinada a cada uno de los sonidos que percutimos estas figuras son:

Redonda: es la unidad más grande de las figuras

Blanca: dura la mitad de una redonda
Negra: dura la mitad de una blanca
Corchea dura la mitad de una negra
Semicorchea dura la mitad de una corchea

103
 Cada una de las figuras musicales tiene su respectivo silencio el
cual equivale a la misma duración de la figura.

Valor absoluto de las figuras musicales

Es el valor real al de cada una de las figuras según su jerarquía.

Figuras musicales imagen recuperada de

https://encrypted-tbn0.gstatic.com/images?q=tbn:ANd9GcQXkI7C2qUlCIZ_nlMwUil-
C7jzU7iESHdlUw&usqp=CAU

Imagen recuperada de https://aprendermusicaonline.wordpress.com/las-notas-musicales/

Valor relativo de las figuras musicales

Es el valor que se le asigna a cada figura en relación con la cifra de

compás. Según el valor absoluto que tiene.

104
 Imagen tomada de http://dejaquesuenelamusica.blogspot.com/2014/02/

Generación de evidencias

Estudia y ejecuta los siguientes ejercicios rítmicos

Ejercicios tomados del método de Niels Eskild

105
Fotografías tomadas por Iris Vides

Cierre

En grupos de 5 personas ejecutaran uno de los ritmos anteriores

Fijación de conocimientos

Escribe un ejercicio rítmico de 4 compases utilizando negras, corcheas y

silencios de negras.

Rubrica de evaluación

106
 Muy bueno Bueno Regular
Criterios 20 15 5
Participación
Individual
Participación
grupal
Realización de
ejercicios
Expresión
Corporal

Mapa mental

107
 Percusión corporal

Indicadores de logro:
Realiza ritmos por imitación o por lectura con su cuerpo,
objetos, útiles sonoros e instrumentos musicales.

Preparación al tema

Dictado rítmico
Escriba los ejercicios rítmicos que dictara su profesor

108
 Estudio del tema

Cifra de compas

Es la que nos indica que figura es la unidad de tiempo y cuantas figuras

caben dentro de un compás.

Imagen tomada de http://clasedemusicaonline.blogspot.com/2016/11/cifra-metrica-y-compases-

simples.html

El compás se indica al principio de una obra musical usando dos cifras:

109
 Imagen tomada de https://www.teoria.com/es/referencia/c/compas.php

La cifra superior indica el número de tiempos que tiene el compás, 3 en

este caso.
La cifra inferior nos indica la figura que ocupa cada tiempo. En la tabla a
continuación pueden ver la relación entre figuras y cifras:

Generación de evidencias

En grupos de 5 personas practiquen los dictados rítmicos y preséntelos a sus

demás compañeros.

Cierre

Presentación de los ritmos practicados a sus compañeros

Fijación de conocimientos

Escribe en tu cuaderno cual fue la parte más difícil del ritmo y que hicieron
como equipo para que a todos pudieran ejecutarlo correctamente.

Escucha el tema Guillermo Tell, busca la partitura y resalta la cifra de

compás y escribe cuales son los nombres de las figuras rítmicas que utiliza.

Rubrica de evaluación

Muy bueno Bueno Regular

Criterios 20 15 5
Participación
Individual
Participación
grupal
Realización de
ejercicios
Expresión
Corporal

Mapa mental

110
 Percusión Corporal

Indicadores de logro:
Realiza ritmos por imitación o por lectura con su cuerpo,
objetos, útiles sonoros e instrumentos musicales.

Preparación al tema

Dictado rítmico
Escriba los ejercicios rítmicos que dictara su profesor

111
 Estudio del tema

Percusión corporal y percusión con objetos

La percusión corporal es una manera sencilla de practicar y aprender el

ritmo. Consiste en realizar movimientos similares a los que utilizamos en el día a día
como caminar, saltar, aplaudir, sonidos con la boca, entre otras, pero prestando
atención al sonido emitido y ordenándolo sobre un pulso y una estructura.

Con la percusión corporal podemos ser más conscientes de nuestro

cuerpo y aprendemos a escucharnos a nosotros mismos. Saber que la música
corporal pudo ser una de las primeras formas de expresión de nuestros ancestros
es algo maravilloso. A través del tiempo, se tomó consciencia de estos sonidos
que comenzaron a formar parte de los diferentes tipos de música folclórica como
el flamenco, zapateado o el beatboxing. Maestros como Keith Terry o Fernando
Barba son referentes en esta disciplina.

Nos podemos plantear algunas preguntas sobre la percusión corporal

como:

¿Cuáles son las características de la percusión corporal?

La percusión corporal es la utilización del cuerpo como instrumento,

permitiendo hacer todo tipo de combinaciones sonoras. Se puede entender con
la unión entre la música y la danza mediante la cual podemos crear tantos ritmos
como lo permita nuestra creatividad y dominio del cuerpo. La podemos
considerar como una de las manifestaciones musicales más primitivas que existe,
y su práctica pasa desde el ámbito interpretativo, el pedagógico, el lúdico hasta
el terapéutico.

¿Qué niveles existen dentro de la percusión corporal?

Hay diferentes metodologías enfocadas a la enseñanza de la percusión

corporal. Cada una está organizada para ir adquiriendo los conocimientos de
manera ordenada y lógica, permitiendo que el cuerpo vaya asimilando cada
uno de los conceptos.

En lo referente a su aplicación, la práctica y la transmisión se organiza en

función de si el objetivo es presentarla como disciplina interpretativa (aprendizaje
de coreografías), disciplina pedagógica (herramientas didácticas) o disciplina
terapéutica (trabajos de musicoterapia).

¿Tiene límites la percusión corporal?

112
 La percusión corporal como disciplina artística para tener un buen dominio
es necesario tener una buena formación, además de una práctica continua.
Cuantos más conocimientos y estudios de música y danza se adquieran mejores
serán la práctica y más variado el dominio.

¿Qué beneficios tiene para la salud?

Algunos de los beneficios que la percusión corporal puede brindar es que

ayuda a adoptar una buena conciencia corporal, mejorar la memoria, la
concentración, y a establecer relaciones sociales positivas con otras personas.

La percusión corporal es una herramienta que puede ser utilizada por niños
y adultos, únicamente es necesario saber adaptarlo a las necesidades de cada
uno o del grupo con el que se esté trabajando. (Fornós, 2016)

Generación de evidencias

Estudia y practica los siguientes ejercicios.

Imagen tomada de https://profedemusica-fernando.blogspot.com/2015/03/ejercicios-ritmicos-4-basico.html

Cierre

Ejecuta el ritmo presentado en esta guía.

113
 Fijación de conocimientos

Escribe un ejercicio con dos líneas rítmicas de 4 compases, utilizando

negras, corcheas semicorcheas y sus respectivos silencios, la cifra de compas es
de 4/4.

Rubrica de evaluación

Muy bueno Bueno Regular

Criterios 20 15 5
Participación
Individual
Participación
grupal
Realización de
ejercicios
Expresión
Corporal

Mapa mental

114
 Ritmos latinos

Indicadores de logro:
Realiza ritmos por imitación o por lectura con su cuerpo, objetos, útiles
sonoros e instrumentos musicales.

Preparación al tema

Escucha las melodías que pondrá tu profesor e indica a que generó

musical pertenece.

Estudio del tema

Conocemos como música latina a los diferentes géneros musicales

interpretados en américa latina, estos géneros tienen su origen en la cultura
nativa del país, pero también hay algunos que han ido combinando sus ritmos y
melodías con música africana, traída a América por los esclavos que trajeron los
españoles.

Es así como en cada país latino a desarrollados sus propios ritmos algunos
quedando como música tradicional, regional e incluso comercial.

La música tradicional es aquella originaria del país y que es interpretada

con instrumentos autóctonos, es pasada de generación en generación de forma
oral.

La música regional pertenece a la música tradicional, pero se diferencia de

esta porque solamente se escucha en determinada región del país.

115
 La música comercial es aquella que ha traspasado las fronteras
del país y es escuchada en diferentes partes del mundo teniendo aceptación de
esa en el publico internacional.

La música y el baile son expresiones íntimamente vinculadas a América

Latina. La samba, la salsa, el tango, la marinera, el merengue, la cumbia y
muchas otras están tan arraigadas a la cultura de los países donde se practican
que son uno de los reflejos más auténticos que se pueden tener de un pueblo.
¿Qué es la salsa para un colombiano más que pura alegría y ritmo? ¿Qué es la
samba para un brasilero durante Carnaval? ¿Qué es un merengue para un
dominicano?

Tango
El tango es un género musical que surgió en las clases bajas urbanas de
Buenos Aires y Montevideo e inicialmente no fue bien aceptado por su
sensualidad y exotismo. El tango es producto de la mezcla de la inmigración
europea, los descendientes de esclavos y los criollos y es un lenguaje musical,
pero es también un baile y una poesía. Las letras de los tangos expresan nostalgia,
reflejan sobre las duras condiciones de la vida y están cargadas de dolor, pena y
melancolía. El tango es una danza improvisada sobre una serie de pasos base
que se baila en pareja, aunque es el hombre el responsable de dirigir y crear los
pasos mientras que la mujer lo sigue deslumbrando con sensualidad. Hay muchos
grandes nombres en la historia del tango, pero sin duda su máximo exponente fue
Carlos Gardel. ("El Tango Argentino - Bailar el Tango | don Quijote", 2021)

Carlos Gardel
Imagen tomada de wikipediacommons.com, dominio público

Merengue

116
 El merengue es un género que surge en el Siglo XIX a raíz de que
cerca de los 1830 llega a la República Dominicana un baile llamado Upa
Habanera que incluía un paso denominado merengue. Al inicio el merengue se
practicaba con instrumentos de cuerda, pero éste fue evolucionando y
posteriormente incorpora el acordeón, la güira y la tambora. El merengue siguió
fusionándose con diferentes ritmos negros y europeos.
El merengue es de compas rápido, ritmo binario y tiempo moderado y por
lo general las parejas bailan a dos pasos y no se separan aun cuando dan vueltas
y giros. Uno de los principales exponentes del merengue es el dominicano Juan
Luis Guerra. (Pérez de Cuello & Solano, 2003)

Juan Luis Guerra

Imagen de Acancino bajo licencia Creative Commons Attribution-Share Alike 3.0 Unported

Martillo

El martillo es el ritmo base de muchos ritmos latinos y se ejecuta en el

bongo, con el se pueden acompañar otros géneros musicales como la salsa, el
merengue, el danzón, el chachachá, la bachata, entre otros.

A continuación, podrás observar el ritmo escrito y las indicaciones

respectivas para poder ejecutarlo.

Generación de evidencias

Imagen obtenida de El arte de la percusión (Vergara, 2009) y modificada para fines

educativos por Iris Vides

117
Practica los siguientes ritmos

Ritmo de Samba de Javier Romero Naranjo recuperado de

https://redmusicamaestro.com/como-introducir-la-percusion-corporal-al-aula-de-musica/

Ritmo de Rock de Javier Romero Naranjo recuperado de

https://redmusicamaestro.com/como-introducir-la-percusion-corporal-al-aula-de-musica/

118
Ritmo de Funky de Javier Romero Naranjo recuperado de
https://redmusicamaestro.com/como-introducir-la-percusion-corporal-al-aula-de-musica/

Cierre

Presenta a tus compañeros, cuatro ritmos anteriores.

Fijación de conocimientos

Realiza una variación corporal a cada uno de los ritmos anteriores

Rubrica de evaluación

Muy bueno Bueno Regular

Criterios 20 15 5
Participación
Individual
Participación
grupal
Realización de
ejercicios
Expresión
Corporal

Mapa mental

119
 Ritmos latinos

Indicadores de logro:
Realiza ritmos por imitación o por lectura con su cuerpo, objetos, útiles
sonoros e instrumentos musicales.

Preparación al tema

Escribe el nombre de la obra

Estudio del tema

Marinera

La marinera es una danza de la Costa del Perú que se caracteriza por ser
un baile de cortejo y enamoramiento constante donde la pareja hace
despliegue de una serie de pasos y figuras mientras mueve elegantemente un
pañuelo. A grandes rasgos, la marinera se puede dividir en tres distintas variantes
entre las cuales figura la marinera limeña que tiene movimientos más suaves y
está sincronizada por estrofas, la marinera norteña que es espontánea y divertida
y la marinera serrana que tiene toques más melancólicos y tristes. Cada año

120
 durante la última semana de enero se celebra en la ciudad de Trujillo el
concurso Nacional de Marinera que reúne a miles de parejas de distintas regiones
del Perú para participar en el certamen.

Samba
La samba es el baile característico de Brasil el cual adquiere su despliegue
máximo durante el Carnaval de Rio donde cientos de escuelas de Samba desfilan
por el Sambódromo. Por lo general, la samba es un baile que se practica sólo, sin
pareja, y da la apariencia, incorrecta por supuesto, de ser muy fácil, fluido y
sencillo. Por lo contrario, lograr mover las caderas y las rodillas en esos pasitos de
rebote lateral que constituyen el baile es bastante difícil. La samba tiene una
fuerte inspiración del lundi, una danza africana y se caracteriza por contar con un
tiempo de 4/4 y ritmos sincopados.

Bolero

El bolero es un género musical del siglo XIX de origen cubano,

específicamente en Santiago de cuba, tiene elementos de la cultura española,
africana, francesa, italiana e inglesa, es tocado en un compás de 4/4 y sus letras
hablan de temas como el amor, la mujer, sentimientos patrióticos, entre otros.

El primer bolero grabado en la ciudad de México, se llama Tristezas de José

Sánchez en las voces de Ábrego y Piazo, con el nombre de Un beso.

Este género tuvo mucho auge, especialmente con la creación del disco y
la radio, donde su difusión fue muy rápida y con el término de la primera guerra
mundial su distribución por medio de discos fue en aumento, llegando muy
rápidamente a países como Estados Unidos, en donde realizaron sus propias
versiones en el idioma inglés, México, en donde tuvo mucho auge en la voz de

Chachachá

Chachachá es un ritmo originario de Cuba creado a partir del danzón por

el compositor y violinista habanero Enrique Jorrín en 1953.

Comenzó siendo una variante que se ejecutaba dentro del danzón, pero
estos fragmentos de música le gustaron mucho al público que lo independizaron
del danzón hasta llegar a ser llamado cha-cha-cha por el sonido característicos
que emiten los bailarines con los pies al sonar tres veces seguidas (sonido que
caracteriza al chachachá).

La instrumentación del chachachá originalmente consistía en timbales,

piano, bajo eléctrico, la flauta y una sección de violines. El auge del chachachá
promovió a la orquesta como agrupación, algunos de los grupos más importantes
que lo interpretaron fueron la Orquesta africana, la Orquesta de Castilla, Los
Mimosos y la Orquesta de Enrique.

121
 Algunos chachachás más populares son, Los Marcianos, Como
bailan chachachá, El bodeguero.

Salsa

La salsa surgió principalmente en el barrio latino de Nueva York como una

manifestación sonoro-musical de las transformaciones que realizaron los músicos
puertorriqueños junto a cubanos y americanos, sobre diferentes géneros de la
música cubana a los que les agregan elementos del folclor boricua y del jazz, el
cual tiene como base principal el son y el danzón.

La salsa redefinió la estructura instrumental en donde se sustituyen las

trompetas por trombones, se agrega un timbal, se utiliza el trombón como
instrumento de viento único y solista o la combinación de trombones y trompetas
que hasta el momento sigue siendo la predilecta por los salseros.

Entre los años de 1964 a 1970 se establecen las bases comerciales y

musicales de la casa disquera Fania, la cual definió el perfil de la Salsa. Entre el
1965 y 1966 la casa disquera contrato a nuevos artistas como, Larry Harlow y Boby
Valentín quienes en poco tiempo ser convirtieron en las estrellas del mundo latino
en New York, en 1967 la disquera contrato a Ismael Miranda como cantante de la
orquesta Harlow, ese mismo año firma contrato con Ray Barretto que fue una
inyección musical para la compañía ya que era un musico muy reconocido y
admirado por el público latino.

En ese mismo año la disquera contrato a el trombonista Willie Colón a una

edad de 15 años, quien sería el salsero más atrevido en término de
experimentación musical como en sus líricas de abundante contenido social y
político. El productor y condueño de la compañía Johnny Pacheco unió a Colón
con un cantante llamado Héctor Pérez, quien cambió su apellido por Lavoe
(apellido artístico). En sus inicios la banda de Willie Colón tuvo uno de los sonidos
más pobres de la Salsa en Nueva york, Colón estructuró su agrupación a base de
bajo, piano, percusión completa y dos trombones siguiendo la pauta originada a
inicio de esta década por Mon Rivera y continuada por Eddie Palmieri con su
Trombanga.

En la segunda parte de los 60 y la primera de los 70 la Fania siguió la

política de firmar a casi todas las bandas desconocidas que surgían en Nueva
York, a la vez adquiría las viejas compañías discográficas y enriquecieron su novel
catálogo. En 1969 Roberto Roena organizo su orquesta El Apollo Sound y firmo
contrato con Fania, esta banda fue la agrupación principal de la compañía en
Puerto Rico en los años 70.

Al inicio de los 70 la Salsa, como voz musical del Caribe mulato y el barrio
neoyorquino, alcanza su primera etapa de madurez musical y trascendencia
comercial.

122
 La Salsa fue duramente criticada por que era música proveniente del
barrio decían que era música cubana vieja, que era música de gente baja y su
nombre era una etiqueta para vender. A pesar de esto su impacto fue muy
grande.

La Salsa se convirtió en una música que trascendió fronteras sociales y

geográficas, en el caribe y Latino américa, hasta convertirse en un fenómeno
mundial gracias al Tarento des sus músicos, a sus temas con raíz de pueblo y por
su dimensión danzaría.

Algunos de sus principales representantes además de los ya mencionados

encontramos a Marc Anthony, La India, Tito Nieves, José Alberto “El Canario”, Tito
Puente, Eddie Pamieri, Celia Cruz, entre otros. ("Ritmos latinoamericanos", nd)

Generación de evidencias

1. Practica las siguientes células rítmicas

2. Escribe un ritmo de 8 compases utilizando las células rítmicas dadas.

Cierre

Presenta tu ritmo a los demás

Fijación de conocimientos
123
 Practica el ritmo de otro compañero.

Rubrica de evaluación

Muy bueno Bueno Regular

Criterios 20 15 5
Participación
Individual
Participación
grupal
Realización de
ejercicios
Expresión
Corporal

Mapa mental

124
 Repaso

Indicadores de logro:
Realiza ritmos por imitación o por lectura con su cuerpo, objetos, útiles
sonoros e instrumentos musicales.

Preparación al tema

Dibuja las figuras musicales

Estudio del tema

Repasa todos los contenidos de la unidad

Generación de evidencias

Escribe un ejercicio en ¾
Escribe un ejercicio en 4/4
Escribe un ejercicio en 6/8

Cada uno de los ejercicios debe tener 8 compases y debes utilizar cada
una de las figuras vistas en clase.

En cuartetos unan las líneas rítmicas que cada uno realizo asignen un
movimiento a cada línea y ejecuten los ritmos a manera de percusión corporal.

Cierre

125
 Presenten a sus compañeros su composición.

Fijación de conocimientos

Escriba una reflexión sobre lo aprendido durante la unidad, lo que le gusto,

que le gustaría seguir aprendiendo y como puede mejorar su aprendizaje.

Rubrica de evaluación

Muy bueno Bueno Regular

Criterios 20 15 5
Participación
Individual
Participación
grupal
Realización de
ejercicios
Expresión
Corporal

Mapa mental

126
 Proyecto

Indicadores de logro:
Realiza ritmos por imitación o por lectura con su cuerpo, objetos, útiles
sonoros e instrumentos musicales.

Preparación al tema

Ejecuta el ritmo que quedo de tarea

Estudio del tema

En grupos de 5 personas, escribirán su propia obra musical

1. Crearan un código para su ritmo (palmas, pies, muslos)
2. Su obra debe durar mínimo 3 min
3. Cada uno debe interpretar una línea rítmica
4. Ustedes escogen el compás
5. Deben entregar una partitura de su obra

Generación de evidencias

Entrega de partitura del ritmo a ejecutar, junto con la codificación de

cada línea rítmica
Presenta tu percusión rítmica

Cierre

127
 Escribe en una hoja que te gustaría transmitir con tu pieza.

Fijación de conocimientos

Practica la línea rítmica que te toca ejecutar.

Rubrica de evaluación

Escala Excelente Satisfactorio Puede Mejorar Deficiente

Aspecto 10 pts. 7 pts. 5 pts. 3 pts.

Ritmo Las células La mayoría de Algunas de las Las células

rítmicas son las células células rítmicas rítmicas no son
coherentes con rítmicas son son coherentes coherentes con
el ritmo de la coherentes con con el ritmo de el ritmo de la
melodía el ritmo de la la melodía melodía
melodía
Coordinación Sus La mayoría de Algunos de sus Sus
movimientos sus movimientos movimientos no
son movimientos son son
coordinados son coordinados coordinados
con la melodía coordinados con la melodía con la melodía
y las células con la melodía y las células ni con las
rítmicas y las células rítmicas células rítmicas
ejecutadas rítmicas ejecutadas ejecutadas
ejecutadas
Expresión Sus La mayoría de Algunos de sus Sus
corporal y movimientos y sus movimientos y movimientos y
mímica del mímica del movimientos y mímica del mímica del
rostro rostro son mímica del rostro son rostro no son
coherentes con rostro son coherentes con energéticos ni
la melodía coherentes con la melodía coherentes con
la melodía la melodía
Expresión oral Explica con Explica con Explica con No explica con
claridad su claridad la claridad claridad su
video, su tono mayor parte de algunas partes video, carece
es agradable y su video, su de su video, su de energía al
con buena tono es tono es hablar
energía agradable y agradable y
con buena con buena
energía energía
Partitura o chart de proyecto

128
Ritmo Escribe el ritmo Escribe el ritmo Escribe el ritmo No escribe el
de su percusión de su de su ritmo de su
correctamente percusión, pero percusión, pero percusión
tiene uno o dos tiene varios
errores de errores de
grafía musical grafía musical
Estructura Identifica en su Identifica las Identifica No identifica las
chart partes de su algunas partes partes de su
adecuadamen percusión de de la estructura percusión
te la estructura forma de su percusión
de su percusión separada
Grafía Utiliza Utiliza la grafía Utiliza la grafía Le cuesta
musical correctamente, musical, pero musical, pero utilizar la grafía
la cifra de confunde se le dificulta la musical
compas, signos algunos signos utilización
y figuras al momento de correcta de los
musicales utilizarlo diferentes
elementos
Limpieza y Su trabajo es La mayor parte Algunas partes Su trabajo no
orden limpio y de su trabajo es de su trabajo es limpio ni
ordenado limpio y son limpias y ordenado.
ordenado ordenadas

129
 CUARTA UNIDAD
1. Profesiones musicales
2. Sonido
3. Fenómenos acústicos
4. Audio analógico
5. Audio digital
6. MIDI
7. Herramientas de audio
8. Proyecto

 Imagen tomada de pixabay.com

Competencias
Interpreta música utilizando diferentes elementos sonoros incluyendo
el canto, instrumentos musicales convencionales y no
convencionales de forma individual y colectiva.
Indicadores de logro
Crea música utilizando elementos y materiales sonoros diversos.

130
 Profesiones musicales

Indicadores de logro:
Crea música utilizando elementos y materiales sonoros diversos.

Preparación al tema

¿Qué profesiones relacionadas a la música conoces?

Estudio del tema

Dentro de la música hay una diversidad de profesiones, no

solamente es tocar si no que hay una serie de profesionales que se ven
involucrados al momentos de ejecutarla o enseñarla.

Compositor

Un compositor es aquella persona que se dedica a la creación

musical, esta rama de las profesiones musicales es muy extensa por lo que
un compositor se puede dedicar a uno o más géneros musicales, hay
compositores de música infantil, películas, series y comercial.

Un compositor debe analizar, entender y practicar la teoría musical.

Ya que el proceso de creación involucra no solo al talento que se posea
sino también al dominio de la técnica, por lo que se trata de una profesión
de alto rendimiento, con una exigencia vocacional intrínseca, competitiva
y de una sólida base artística.

Director

131
 Un director tiene el compromiso y la responsabilidad de dirigir
grupos, ya sea de instrumentos o voces, para interpretar piezas musicales.
El director se encarga de establecer las pautas, los ritmos, las
entradas y salidas necesarias para la ejecución de un concierto.

Cantante o intérprete instrumentista

Algunos músicos prefieren el trabajo en solitario y deciden

emprender una carrera como cantantes o intérpretes, ya sea de
composiciones populares o composiciones propias.

Bailarín o coreógrafo

Dedicarse a la música no sólo involucra hacerla, sino también

interpretarla. De tal manera que la profesión del bailarín es adoptar los
ritmos sonoros al movimiento de su cuerpo y expresarlo a través de la
danza. Esta profesión es considerada también como una de las bellas
artes.

Profesor de música

La música es también utilizada para fines pedagógicos, por ello es

posible desarrollarse profesionalmente como instructor o profesor, ya sea
trabajando para una institución, o de manera independiente.

Ingeniero en sonido

Esta profesión se relaciona directamente con las presentaciones o

conciertos, también está muy ligado a la grabación de los diferentes
álbumes de los artistas o agrupaciones. Un ingeniero en sonido se encarga
de los fenómenos sonoros, como la acústica, la grabación o producción.
Este campo profesional tiene mucha demanda en la industria pues se
encarga principalmente de hacer uso de las tecnologías, así como del
diseño sonoro, de muchos proyectos musicales.

Técnico de mantenimiento de instrumentos musicales.

Esta profesión se dedica a diseñar y fabricar distintos instrumentos

musicales, así como también de repararlos o darles mantenimiento. Para
ello, se requieren conocimientos amplios de los instrumentos, sus materiales
e, incluso, de teoría musical.

Arreglista

132
 Esta profesión es muy similar a la de un compositor, la
diferencia radica en que un arreglista toma una melodía ya creada y la
modifica para darle un nuevo aire.
La música es una carrera profesional que puede ejercerse desde
muchas vertientes. Lo importante es saber reconocer si se tienen aptitudes
para dedicarse a esta profesión.

Generación de evidencias

Realiza una infografía acerca del tema.

Cierre

¿Qué profesión te pareció interesante? Comparte en clase tu respuesta.

Fijación de conocimientos

Escribe qué melodía te gustaría aprender a ejecutar en esta unidad.

Rubrica de evaluación

Muy bueno Bueno Regular

Criterios
20 15 5
Participación
Individual
Participación
grupal
Realización de
ejercicios
Expresión
Corporal

Entonación

133
 Sonido

Indicadores de logro:
Crea música utilizando elementos y materiales sonoros diversos.

Preparación al tema

Dictado de sonidos: anota en tu cuaderno el nombre del objeto al que

pertenece el sonido que pondrá a reproducir tu profesor.

Estudio del tema

La música, la voz y los efectos de sonido son tan importantes para el

proceso de comunicación como la información visual. Los dispositivos sónicos de
la actualidad incluyen herramientas de audio digital para el computador,
además de los recursos analógicos y digitales del estudio de grabación
tradicional. La llegada de MIDI, de los secuenciadores y de los sintetizadores
digitales de bajo precio ha puesto al alcance de las masas la capacidad de
crear y grabar música original.

Tecnología de Audio

Para que poder hablar de la tecnología de audio debemos empezar

analizando y comprendiendo con el sonido ocurre de forma natural, esto nos
conducirá a los principios tecnológicos que nos permite por medio de la
tecnología analógica y digital representar, comunicar y manipular el sonido.

Principios del sonido

134
 El sonido se describirse como oscilaciones de presión del aire que
estimulan el tímpano, las oscilaciones deben estar dentro de cierto intervalo de
frecuencias y amplitudes. Las mediciones absolutas de frecuencia y amplitud en
el sonido se perciben como tono e intensidad.

Frecuencia y tono

El intervalo auditivo promedio de las personas abarca aproximadamente

20 Hz a 17 KHz. Los sonidos por arriba de nuestro intervalo auditivo, los ultrasónicos,
no son detectados por el oído humano.
La frecuencia y el tono están relacionados, pero difieren en varios aspectos
importantes. En primer lugar, la frecuencia es una medición científica que
corresponde a una de las características físicas de una forma de onda, en tanto
que el tono es la cualidad subjetiva que nuestros cerebros perciben con base en
la frecuencia. En segundo lugar, la relación entre la frecuencia y el tono es
aproximadamente exponencial. Por último, la frecuencia es una medición
absoluta, en tanto que el tono es relativo.

Los efectos de la frecuencia y el tono tienen que ver con la segunda ley
del movimiento de Newton, es decir, los objetos más grandes producirán una
onda de mayor longitud, y por tanto de menor frecuencia y tono.

Los pitagóricos observaron que haciendo más o menos larga la cuerda se

producían sonidos diferentes, si la longitud de onda se acorta el tono sube. Entre
estos sonidos escogieron algunos que eran armoniosos con el sonido original
(cuerda entera).

La octava: Cuando la cuerda medía un medio del total, el sonido se

repetía, pero más agudo. La octava es lo que correspondería a un salto de ocho
teclas blancas del piano; o, mejor dicho, una octava es la repetición de un sonido
con una cuerda con la mitad de largura, por tanto, otra nota armoniosa. Su
frecuencia es doble.

La media musical más grande de tono es la octava. Si subimos un tono una

octava, obtendremos una frecuencia del doble del tono original; si lo bajamos
una octava, el tono tendrá la mitad de la frecuencia original.

Como el tono es relativo se requiere algún método de estandarización. La

norma internacionalmente reconocida es que el la arriba del do medio del piano
se debe afinar a 440 Hz . Esto se conoce como tono de concierto y esa nota
específica recibe el nombre de A-440.

Amplitud e intensidad del sonido

La amplitud es mayor cuando es mayor la fuerza que pone en movimiento

los objetos. Aquí derivamos la percepción relativa de la intensidad del sonido a
partir de su amplitud absoluta.

135
 El oído percibe la presión del sonido en razones logarítmicas. Si duplicamos
la energía del sonido no percibimos el doble de volumen. Sólo cuando al
amplitud del sonido aumenta diez veces es que percibimos una duplicación en la
intensidad.

La unidad de sonido asociada a un aumento de diez veces en la potencia

es el bel, nombrado así en honor a Alexander Graham Bel. Esta medida se divide
entre diez para dar el incremento de un decibel (dB) que se emplea en la
medición cotidiana del nivel de presión del sonido. Como es un concepto
relativo, se necesita un punto de referencia, por tanto, se ha definido el cero
como el umbral de la audición humana: el sonido más tenue que puede percibir
el promedio de las personas.

El volumen y la intensidad de sonido no son la misma cosa. El volumen se

refiere al nivel de potencia sonora, en el cual el oído percibe diversos grados de
intensidad dependiendo del intervalo de frecuencias.

Rúbricas sonoras

La onda sinusoidal representa el movimiento más simple posible que podría

resultar en un sonido. Si nuestro mundo auditivo consistiera exclusivamente de
ondas sinusoidales simples no podríamos distinguir entre fuentes de sonido
distintas. Cada instrumento, persona y objeto en el mundo posee una rúbrica
sónica o forma de onda propia cuando emite sonidos. La percepción de la
característica de una forma de onda de audio se denomina timbre o color tonal.

Armónicos

La teoría de Fourier también se aplica al sonido. La onda sinusoidal cuya

frecuencia corresponde a la nota real que se toca ( p.e. A-440) se llama
frecuencia fundamental. Casi todos los sonidos tienen además una serie de
armónicos u ondas sinusoidales de más alta frecuencia que se funden con la
fundamental para crear una forma de onda más compleja y un timbre más rico.

En los sonidos afinados, todos los armónicos son múltiplos de la frecuencia

fundamental. Por ejemplo, los registros de los órganos de iglesia añaden
armónicos de manera controlada.

Los sonidos no afinados, por el contrario, contienen armónicos que no son

múltiplos enteros del fundamental. También hay que tener en cuenta que la
interacción de armónicos, amplitudes y duraciones que caracteriza a un sonido
está determinada por la composición molecular de los materiales asociados y la
forma del objeto.

El contenido armónico afecta la respuesta de frecuencia para reproducir

fielmente los sonidos.

136
 Transformación de la amplitud con el tiempo

Son cuatro los elementos temporales primarios de un sonido: el ataque es el

tiempo necesario para que el sonido llegue a la amplitud máxima después de la
aplicación de la fuerza; el nivel de sostenido es la amplitud que se mantiene
mientras se sigue aplicando la fuerza iniciadora; el decaimiento inicial es el
tiempo que toma al sonido bajar de la amplitud máxima al nivel sostenido; la
liberación es el tiempo requerido para que la amplitud caiga del nivel sostenido a
cero después que se retira la fuerza iniciadora.

La voz humana es un patrón extremadamente complejo de frecuencias,

armónicos y amplitudes variables. La característica de amplitud determina el
énfasis y los niveles que van desde un susurro hasta un grito. (n.d.)

Audición de sonidos
Generación de evidencias
Clasifica los sonidos que escuches según sus cualidades.

En grupos de 5 personas:

Utilizando la grabación de 5 sonidos distintos, estos pueden ser de personas,

animales o cosas.

Abran los sonidos en un software de audio y vean cada una de las ondas
sinusoidales que corresponde a cada uno.

Después de observarlas, cambien la forma de cada una de las formas y

guarden su trabajo.

Cierre

Comparte con tus compañeros tus compañeros tu experiencia.

Fijación de conocimientos

Haz un mapa conceptual del tema.

Rubrica de evaluación

Muy bueno Bueno Regular

Criterios

137
 20 15 5
Participación
Individual
Participación
grupal
Realización de
ejercicios
Expresión
Corporal

Entonación

138
 Fenómenos del acústicos

Indicadores de logro:
Crea música utilizando elementos y materiales sonoros
diversos.

Preparación al tema

Identifica los sonidos que pondrá a reproducir tu profesor y escribe el

nombre de la fuente sonora.
1 3

2 4

Estudio del tema

Combinación de sonidos complejos

Cuando se combinan dos o más fuentes de sonido, se aplican todas las

propiedades de la suma de formas de onda y las interrelaciones de fase. Si uno
de los sonidos es considerablemente más intenso podría ocultar otro más suave
en un fenómeno denominado enmascaramiento. Algo más común es que haya
enmascaramiento a frecuencias específicas cuando los sonidos contienen
armónicos similares.

139
 Por otro lado, cuando dos ondas sonoras similares varían ligeramente
en frecuencia, su combinación produce un fenómeno conocido como
batimiento o mezcla heterodina.

La superposición de sonidos diferentes puede dar lugar a sonidos más ricos.

De cualquier forma, mientras los sonidos producidos por instrumentos musicales se
construyen a partir de una nota fundamental y otras de frecuencia múltiple, hay
sonidos que no son tan armoniosos entre sí.

Acústica

Los objetos pueden reflejar, absorber o refractar las ondas sonoras, o

simplemente torcerlas a su alrededor, de estos aspectos se encarga la acústica.

Reflexión del sonido

La forma más obvia de la reflexión sónica es el eco. Por lo regular, el primer

eco va seguido de otros más. Podrían deberse al impacto del sonido original con
otra superficie, o los ecos mismos podrían rebotar en otras superficies. Cada
reflexión tiene su propio retraso debido a las distancias relativas.

Estas reflexiones pueden producir interacciones bastante complejas. Las

cualidades sónicas naturales de un entorno de audición se perciben como el
carácter tonal. Los espacios cerrados ofrecen más superficies reflejantes, lo que
resulta en más reflexiones y ángulos.

La combinación de sonidos reflejados por todas las superficies cercanas se

percibe como una especie de retumbo prolongado denominado reverberación.

Entre los factores que contribuyen a la calidad reverberante de un entorno

de audición está el número de paredes y objetos, y sus distancias, composiciones,
tamaños y ángulos en relación con el sonido. Dados dos recintos de diferente
tamaño con proporciones similares, el más grande presentará tiempos de
reverberación más largos.

Una generalización más es que las superficies más duras producen

reflexiones más vivas que las superficies más suaves.

Amplificación

La amplitud del sonido disminuye con la distancia de acuerdo con la ley

del inverso al cuadrado. La mayor parte de la amplificación acústica se debe a la
reflexión. Los entornos de concierto acústicamente diseñados, como los
anfiteatros, colocan una "concha" detrás de los artistas. En una sala de conciertos
el sonido se refleja de muchas paredes varias veces, añadiendo reverberación
además de volumen. Los mismos principios se aplican en la mayoría de los
instrumentos acústicos.

140
 Absorción

Mientras más dura sea una superficie, será más reflejante. Mientras menos
reflejante, será más absorbente. Si el sonido que pasa a través de los objetos no se
absorbe por completo, las ondas que salgan por el otro lado estarán refractadas.

Las longitudes de onda más cortas se absorben o reflejan (o las dos cosas).
Las ondas sonoras se torcerán alrededor de un objeto si sus longitudes de onda
son mayores o iguales que el tamaño del objeto.

Resonancia del recinto y ondas estacionarias

Imaginemos por un instante una onda sonora que se refleja de una pared
paralela a otra; cuando se vuelve a reflejar la onda, encuentra ondas similares
que provienen todavía de la fuente original. A intervalos que son múltiples enteros
de la longitud de onda (como por ejemplo la mitad de la dimensión del recinto),
las ondas se reforzarán mutuamente, originando una mayor amplitud a esa
frecuencia.

Estos fenómenos se conocen como ondas estacionarias. Una grabación

cuyo sonido se mezcle en un recinto parecerá deficiente en esas mismas
frecuencias cuando se reproduzca en un lugar de dimensiones distintas.

Los entornos de grabación y audición ideales están diseñados de modo

que la respuesta de frecuencias sea equilibrada. Siempre que sea posible se
eliminan las paredes paralelas (incluyendo el techo) y se utilizan materiales
reflejantes y absorbentes en los lugares apropiados.

Psicoacústica

El número de reflexiones, combinado con sus retrasos, determina cierta

experiencia auditiva. Una conversación en un cuarto acústicamente
amortiguado, o sin ecos, produce incomodidad porque no se siente natural. Un
exceso de bajas frecuencias en la reverberación suena retumbante o "espeso",
en tanto que una deficiencia de frecuencias bajas hace que el sonido parezca
frío.

Direccionalidad

Por debajo de 100 Hz la longitud de onda es mayor que la distancia entre

los oídos es difícil atribuir una ubicación exacta a la fuente de sonido. Por el
contrario, la longitud de onda de las frecuencias por arriba de 100 Hz es más
corta que la distancia entre los oídos, las ondas sonoras que llegan a éstos están
en fase; la diferencia de sus amplitudes permite al cerebro ubicar el origen del
sonido. (n.d.)

141
 Generación de evidencias

En grupos de 5 personas, graben la voz de cada uno de los integrantes del

grupo, diciendo la misma frase.

Después de grabar abran los audios en un software de audio escuchen

como se escucha la voz de cada uno, luego hagan una combinación en pares
de audios y analicen si hay enmascaramiento.

Aplique un efecto de audio a cada una de las voces.

Cierre

Presenten su trabajo en clase y comparta su experiencia.

Fijación de conocimientos

Realice un cuadro comparativo de los fenómenos acústicos.

Rubrica de evaluación

Muy bueno Bueno Regular

Criterios
20 15 5
Participación
Individual
Participación
grupal
Realización de
ejercicios
Expresión
Corporal

Entonación

142
 Audio analógico

Indicadores de logro:
Crea música utilizando elementos y materiales sonoros
diversos.

Preparación al tema

Identifica los sonidos que pondrá a reproducir tu profesor y escribe el

nombre de la fuente sonora.
1 3

2 4

Estudio del tema

Hasta el siglo XIX, el sonido sólo se podía manipular físicamente. Al crecer

los centros de población, aumentó también el tamaño de las salas para
escuchar, y se añadieron más instrumentos para aumentar el volumen. A finales
del siglo pasado, muchos inventores trabajaban en la conversión del sonido
acústico en sonido eléctrico. Uno de sus objetivos era amplificar el sonido más allá
de lo que era posible por medio de la manipulación acústica.

Las ondas sonoras que emanan de voces, instrumentos u otras fuentes

naturales se traducen a corriente eléctrica mediante un micrófono. Una vez en
forma eléctrica, el sonido se puede manipular, combinar selectivamente con
otros sonidos, y almacenar para recuperarlo posteriormente. También podemos

143
 crear sonidos completos en el escenario electrónico. Por último, las
ondas eléctricas se traducen, otra vez, a ondas de presión de sonido mediante un
altavoz.

Niveles de señal

Utilizamos varios derivados del decibel: dBu, dBm y dBv. Los micrófonos
producen señales sumamente débiles, del orden de 1 milivoltio.
Estas señales de nivel micrófono son susceptibles a las interferencias y el
ruido. El nivel de línea se refiere a dos normas distintas. La mayor parte del equipo
empleado para grabaciones caseras, grabación /amplificación semiprofesional y
producción / presentación de multimedios está estandarizado a 0.316 voltios.
El equipo profesional de grabación está estandarizado a 1.23 voltios en los
EE.UU. El primer nivel toma como referencia -10 dB, y el segundo +4 dB. Las señales
amplificadas que se alimentan a los altavoces tienen un nivel bastante más alto
que el de línea.

Etapa de audio e igualación de niveles

La cadena de audio se divide en varias etapas. La distinción más

importante es la que se hace entre preamplificadores y amplificadores de
potencia. Como lo más práctico es trabajar con niveles de señal de bajo voltaje,
la información de audio se atenúa, modifica, conmuta, mezcla, etc., en la etapa
de preamplificación. Los resultados de esta etapa se envían después a un
amplificador de potencia. El receptor estereofónico doméstico promedio integra
el preamplificador y el amplificador en un solo paquete, pero en los sistemas
avanzados estas funciones corresponden a componentes separados.

La mayor parte de los dispositivos que aceptan entradas de audio tienen

alguna forma de limitar la fuerza de las señales recibidas. Los atenuadores son
resistores variables básicos que permiten controlar continuamente los niveles de
entrada. Los cojincillos (pads) son buffers que reducen los niveles de señal en la
etapa de entrada tanto como se desee.

Para mantener una fidelidad óptima, es indispensable mantener los niveles

apropiados en cada etapa de la cadena de audio. Cada etapa analógica
añade un cierto ruido; cada etapa tiene un intervalo de niveles de señal dentro
del cual trabaja con óptima eficiencia.

Si las señales alimentadas a un circuito son más altas que las que el circuito
está diseñado para manejar, el resultado es distorsión o recorte (clipping).
Mientras mayor sea el recorte, más comenzará a parecerse la forma de onda a
una onda cuadrada: un sonido similar al del clarinete.

Medidores

144
 La mayoría de los sistemas de audio que reciben entradas de
otros dispositivos tienen medidores que permiten al usuario supervisar los niveles de
señal dentro del dispositivo.

El medidor VU clásico tiene una aguja que oscila en respuesta a la música.

Los mejores medidores VU modernos incluyen una luz de pico, un LED que se
ilumina instantáneamente en el momento en que la señal comienza a recortarse.
La mayoría de los medidores de audio modernos emplean una escala de LED:
una serie de diodos LED que indican los niveles de la señal.

Fidelidad de audio

La fidelidad de audio depende de muchos atributos, con los cuales se

mide.

La respuesta de frecuencia describe el intervalo de frecuencias que puede

reproducir con exactitud un componente o medio, para audio es de 20 Hz a 20
KHz.

El intervalo dinámico es la variación entre los niveles de amplitud más suave

y más fuerte que puede reproducir un medio o componente, p.e, 90 dB del CD
de audio. La razón señal / ruido es el cociente entre la amplitud óptima del
material grabado de audio (antes de la distorsión) y el ruido inherente de un
circuito o medio.

El principio del eslabón más débil se aplica a la mayor parte de estos

atributos a nivel global. De igual manera se aplica el principio GIGO: si el intervalo
dinámico, la respuesta de frecuencias o la razón señal / ruido no son óptimos o se
degradan en una etapa, poco podrá hacerse en etapas posteriores para mejorar
esas cualidades.

Conexiones

El equipo de audio utiliza líneas tanto balanceadas como no balanceadas.

Por lo regular, las líneas balanceadas emplean conectores XLR. En ocasiones se
utilizan conectores estereofónicos de 1/4" para conexiones balanceadas. Los
conectores fonográficos RCA se utilizan para interconectar los equipos
electrónicos domésticos. Para los instrumentos musicales y los micrófonos
semiprofesionales no balanceados se emplean conexiones de 1/4".(n.d.)

Generación de evidencias

Realice una infografía acerca del tema.

Cierre
145
 Escriba un dato interesante acerca del tema.

Fijación de conocimientos

Realice un glosario de 5 palabras que no conociera del tema o de

palabras que no sean de uso común en su vocabulario.

Rubrica de evaluación

Muy bueno Bueno Regular

Criterios
20 15 5
Participación
Individual
Participación
grupal
Realización de
ejercicios
Expresión
Corporal

Entonación

146
 Audio digital

Indicadores de logro:
Crea música utilizando elementos y materiales sonoros
diversos.

Preparación al tema

Escriba en que cree usted que se diferencia el audio digital al audio

analógico.

Estudio del tema

El sonido analógico se transforma en representaciones numéricas mediante

convertidores analógico a digital. Una vez en forma digital, la información se
puede manipular, almacenar, transmitir y copiar sin que haya degradación.

Tasas de muestreo y definición

No todo el audio digital se crea de la misma manera. El número de bits de

definición determina el intervalo dinámico, pues cada bit contribuye 6 dB a dicho
intervalo. El proceso de cuantización empleado para digitalizar el audio produce
a veces efectos extraños conocidos como ruido de cuantización.

La tasa de muestreo determina la respuesta de frecuencia de la grabación

de acuerdo con el teorema de Nyquist. El aliasing que aparece cuando se

147
 intenta grabar frecuencias que exceden la mitad de la tasa de
muestreo se manifiesta como ruido anómalo en la grabación. Los filtros paso bajo
hacen que la respuesta de frecuencia efectiva sea un poco menos que la mitad
de la tasa de muestreo

Hay otros dos factores básicos que también determinan la calidad del
audio digital. En primer lugar, la calidad de los circuitos y componentes
empleados en los CAD y CDA es independiente de las especificaciones de
definición y tasa de muestreo. En segundo lugar, se aplican los principios del
eslabón más débil y GIGO.

Protocolo de audio digital

Hay ocasiones en que es necesario transferir información de audio digital

en tiempo real entre dos dispositivos. Los protocolos de comunicación más
comunes en multimedios de escritorio son AES/EBU, SDIF-2 y S/PDIF.

AES/EBU fue desarrollado de manera conjunta por la Audio Engineering

Society y la European Broadcast Union, y la utiliza la mayoría de los sistemas
profesionales de audio digital. Es una interfaz RS-422 de dos canales que utiliza
líneas balanceadas y conectores XLR o D-sub. SDIF-2 (formato de interfaz digital
Sony) se encuentra en dispositivos de grabación PCM basados en videocinta;
utiliza líneas balanceadas de 75 ohms con conectores BNC.

S/PDIF (formato de interfaz digital Sony/Phillips) fue desarrollado de manera

conjunta por Sony y Phillips. En esencia, es una versión no balanceada del
protocolo AES/EBU y utiliza conexiones RCA o de fibras ópticas. Este protocolo se
utiliza en grabadoras de DAT, reproductoras de CD y codificadores F1 con
interfaces digitales. (n.d.)

Generación de evidencias

Realice un mapa conceptual del tema.

Cierre

Escriba lo interesante del tema o lo que no haya entendido de el.

Fijación de conocimientos

148
 Realice un glosario de 5 palabras que no conociera del tema o de
palabras que no sean de uso común en su vocabulario.

Rubrica de evaluación

Muy bueno Bueno Regular

Criterios
25 15 5
Participación
Individual
Realización de
ejercicios
Expresión
Corporal

Entonación

149
 MIDI

Indicadores de logro:
Crea música utilizando elementos y materiales sonoros diversos.

Preparación al tema

Escucha las melodías que pondrá tu profesor.

Describe que diferencias percibes en las características del audio.

Estudio del tema

Hasta 1983, la mayoría de los instrumentos musicales electrónicos

avanzados sólo podían comunicarse con productos del mismo fabricante. La
inclusión de los microprocesadores en los instrumentos preparó el camino para
MIDI (interfaz digital de instrumento musical), un protocolo de comunicación en
serie diseñado específicamente para los dispositivos de música electrónica. MIDI
revolucionó la industria de la grabación prácticamente de la noche a la mañana
al hacer posible un control central sobre muchos instrumentos.

Panorama general de MIDI

MIDI contiene instrucciones que controlan cómo y cuándo los dispositivos

(como los sintetizadores digitales) producen sonido.

La conexión de la salida MIDI de un instrumento (el maestro) a la entrada

MIDI de otro (un esclavo) permite al ejecutante controlar el esclavo desde el
maestro.

150
 La potencia de MIDI radica en su capacidad para enviar y recibir
información de ejecución en cualquiera de 16 canales distintos y separados.
Aunque es posible que el conducto MIDI lleve muchos canales de datos de
ejecución al mismo tiempo, un esclavo ajustado para recibir el canal 1 sólo
responderá a la información que tenga el identificador de ese canal.

La importancia de MIDI se hace evidente cuando se añade un

secuenciador (Z3-S10) : hardware y/o software que graba, edita y reproduce
datos MIDI en tiempo real.

Un análisis de MIDI abarca productos (Z3) tan diversos como sintetizadores,

muestreadores digitales, máquinas de percusiones, secuenciadores, consolas de
mezclado, procesadores de señales, entre otros.

Modo MIDI general

Aunque MIDI es loable por su estandarización, ninguna norma definía

originalmente los sonidos disponibles en los instrumentos electrónicos o su
ubicación.

La adición del modo MIDI general a la especificación MIDI aborda este

problema. Dicho modo define sonidos específicos y predecibles para cada una
de 128 direcciones de programa. Esto permite tanto a compositores como a
productores incluir en composiciones mandatos de cambio de programa que
configuren adecuadamente los timbres para las pistas.

La calidad de los sonidos en un dispositivo MIDI general sigue dependiendo

del fabricante, pero la paleta sonora genérica siempre está incluida. Aunque
algunos instrumentos están diseñados específicamente como dispositivos MIDI
generales, muchos fabricantes añadirán MIDI general mediante mapeo de
programas.

Conexiones MIDI

Todos los dispositivos MIDI utilizan conectores DIN de cinco patas para la
comunicación entre dispositivos, y un cable MIDI. Una restricción de los cables
MIDI es que no deben exceder los 17 metros de longitud.

Los dispositivos electrónicos tienen tres tipos distintos de conectores.

MIDI: MIDI In acepta señales MIDI de otro dispositivo; MIDI Out envía señales
generadas dentro del dispositivo al MIDI In de otros dispositivos; MIDI Thru pasa a
otros dispositivos la información que llega al conector MIDI In de un dispositivo, sin
tener en cuenta la información MIDI generada internamente.

151
 En teoría, cualquier dispositivo que tenga un MIDI Out puede actuar
como maestro. Un dispositivo maestro puede controlar más de un esclavo, y es
aquí donde resulta útil la conexión MIDI Thru. El límite práctico de la cadena MIDI
Thru es de aproximadamente tres dispositivos. Algunos instrumentos combinan las
funciones de los enchufes MIDI Out y Thru en un solo enchufe rotulado MIDI
Out/Thru o MIDI Echo.

Mensajes de canal

Los mensajes de canal sirven primordialmente para canalizar la información

a dispositivos específicos a través de uno o más de los 16 canales MIDI. Esta
información describe por lo regular el contenido de la ejecución, como las notas y
sus matices.

Modos MIDI

Los dispositivos receptores se pueden ajustar a uno de cuatro modos MIDI.

En el modo 1, o modo omni, un esclavo responde a la información que llega por
todos los canales. El modo 2 es prácticamente obsoleto. En el modo 3, o modo
poli, el instrumento responde con un sonido homogéneo a la información de un
solo canal. En el modo 4, o modo morro, un instrumento capaz de producir más
de un timbre asigna simultáneamente la información de los diferentes canales a
los diferentes timbres.

Note-on, note-off

La forma más común de datos MIDI describe cuál nota se está tocando,
con qué rapidez/ intensidad, y cuándo se libera. Un mandato note-on (activar
nota) transmitido por un canal dado indica que todos los dispositivos que reciban
en ese canal deberán tocar la nota con el número especificado. Los mandatos
note-on incluyen también un parámetro de velocidad cuyo valor va de 0 a 127.
La velocidad equivale a la fuerza empleada al golpear una tecla y por lo regular
se envía para controlar el volumen de la nota asociada en un instrumento
esclavo.
El mandato note-on sigue vigente hasta que se envía un mandato note-off
(desactivar nota) por el mismo canal. Los mandatos note-off tienen una provisión
de velocidad de liberación que casi nunca se aprovecha.

Presión poli

La presión poli permite asociar magnitudes de presión discretas a notas

individuales en un canal dado.

Controladores continuos

Los datos de controlador continuo comunican información en canales

proveniente de controles variables de ejecución como palancas deslizantes,

152
 palancas de control (joysticks) y pedales de pie. Por lo regular, esta
información se canaliza a parámetros tales como vibrato, volumen maestro y
desplazamiento estereofónico. Los controladores continuos también sirven para
comunicar valores de encendido/apagado como los de un interruptor de pie o
un pedal de sostenimiento: 0 significa apagado, 127 encendido.
Curvatura de tonos

La mayoría de los instrumentos electrónicos tienen una palanca de control,

rueda o dispositivo similar dedicado a curvear o deslizar el tono del instrumento
hacia arriba y hacia abajo, los valores van de 0 a 16 384, siendo 8192 el tono
estándar.

Cambio de programa

Las combinaciones de ajustes se guardan como programas o ajustes

preestablecidos. Es fácil recuperar estas combinaciones introduciendo el número
del programa a través de botones en el tablero frontal. Esto envía también un
mandato equivalente de cambio de programa por el canal de transmisión
actual. Los dispositivos que reciban en ese canal cambiarán a ese mismo número
de programa. Valores entre 0 y 127.

Mensajes de sistema

Los mensajes del sistema son tipos de datos globales que reciben todos los
dispositivos de una cadena MIDI. La mayor parte de los mensajes del sistema se
usan para sincronizar múltiples dispositivos MIDI basados en el tiempo.

Exclusivo del sistema (SYS EX)

Cada fabricante de productos MIDI recibe un número de identificación de

fabricante registrado. Los mensajes exclusivos del sistema comienzan con el
identificador de un fabricante y se escriben en hexadecimal. Todos los dispositivos
conectados que sean productos de ese fabricante tratarán de interpretar los
datos asociados; todos los demás los ignorarán. Se supone que todos los datos
subsecuentes son parte del mensaje exclusivo del sistema hasta que se envía un
mensaje de fin de exclusivo. (n.d.)

Generación de evidencias

Realiza un mapa conceptual acerca del tema.

Cierre

Escribe tu opinión acerca de la tecnología MIDI

153
 Fijación de conocimientos

Observa el siguiente video. Under PRessure – Queen x Peter Bence (Piano

Cover)

Rubrica de evaluación

Muy bueno Bueno Regular

Criterios
25 15 5
Participación
Individual
Realización de
ejercicios
Expresión
Corporal

Entonación

154
 Herramientas de audio

Indicadores de logro:
Crea música utilizando elementos y materiales sonoros diversos.

Preparación al tema

Escucha los sonidos que pondrá a reproducir tu profesor y analiza la

diferencia entre cada uno de ellos.

Estudio del tema

Las herramientas de producción de audio que hace un tiempo sólo

estaban disponibles en estudios de grabación profesionales ahora están al
alcance de cualquiera que desee trabajar seriamente con sonido. La evolución
de las tecnologías MIDI y de audio digital ha transformado la manera como se
producen las composiciones y las grabaciones.

MICRÓFONOS

Los micrófonos traducen ondas de presión de sonido a formas de onda

eléctricas. La elección del micrófono adecuado es muy importante para el audio
de calidad, en vista de los principios del eslabón más débil y GIGO. Podemos
clasificar los micrófonos de acuerdo con el tipo de circuito y con el tipo de
tecnología de transducción que utilizan.

El circuito puede ser balanceado o no balanceado. En circunstancias

ideales, los micrófonos balanceados son preferibles a los no balanceados, sobre
todo cuando se utilizan cables muy largos o mezcladoras, o las dos cosas. Sin
embargo, muchos dispositivos, como las grabadoras de casete y las tarjetas de
sonido para computadores personales, sólo aceptan micrófonos no balanceados.

155
 Podemos utilizar transformadores de micrófono para hacer conversiones
entre señales balanceadas y no balanceadas.

En la actualidad se dispone de diversos tipos de micrófonos, cada uno

optimizado para una aplicación específica. Los parámetros de diseño incluyen la
direccionalidad, la construcción del transductor, la sensibilidad y la respuesta de
frecuencia.

Direccionalidad Todos los micrófonos están diseñados para captar sonido

de acuerdo con patrones direccionales específicos. Algunos de los micrófonos de
más alto precio se pueden ajustar para que presenten diferentes patrones de
respuesta.

Omnidireccional

Los micrófonos omnidireccionales captan los sonidos igualmente de todas

direcciones. Ofrecen una alta calidad total del sonido y son relativamente
económicos debido a su construcción simple. Son los más apropiados en
situaciones en las que la fuente de sonido que se graba está aislada, ya que los
sonidos ambientales y el ruido de fondo se captarán por la parte de atrás y por los
lados; también son buenas opciones cuando se graba un evento en vivo en el
que es deseable captar todos los sonidos del entorno.

Cardioide

Los micrófonos cardioides o unidireccionales reciben su nombre por la

forma de corazón de su patrón de captación; rechazan los sonidos procedentes
de atrás y aceptan sonidos que llegan de frente. Los sonidos laterales se aceptan
en grado variable dependiendo del diseño o ajuste del micrófono. Los cardioides
son buenos para situaciones en las que la fuente de sonido no está aislada
idealmente, como al grabar un conjunto musical en vivo o un discurso.

Los cardioides tienen dos desventajas principales. Primero, la cancelación

de fases en el patrón de captación produce una cierta degradación de la
fidelidad. Segundo, cuando un micrófono cardioide se coloca demasiado cerca
de la fuente se presenta un retumbo de baja frecuencia conocido como efecto
de proximidad.

Supercardioide

Los micrófonos supercardioides tienen un patrón principal en forma de

corazón que apunta al frente y otro más pequeño que apunta hacia atrás. Su
ventaja es que los sonidos laterales se rechazan todavía más que en el caso de
los cardioides estándar. Su desventaja es que se captan sonidos procedentes de
atrás. Lo que mejor hacen es aislar fuentes de sonido individuales adyacentes,
como dos vocalistas que cantan uno al lado del otro.

156
 Hipercardioide

Los micrófonos hipercardioides son una extensión del diseño

supercardioide. El patrón de captación principal está más afocado y se extiende
más lejos hacia adelante del micrófono, en tanto que el patrón trasero se reduce.
Esto hace que los hipercardioides sean ideales para situaciones en las que el
micrófono se debe colocar más lejos de la fuente de sonido, como en una
función en un escenario o durante el trabajo de un reportero de radio o televisión.

Bidireccional
Los micrófonos bidireccionales presentan un patrón en forma de número
ocho que les permite captar sonidos de lados opuestos; los sonidos procedentes
de los otros lados, así como de las orientaciones al frente v hacia atrás
tradicionales, son rechazadas en su mayor parte. Estos micrófonos están
diseñados para situaciones en las que dos cantantes o locutores están colocados
uno frente al otro y muy cercanos. Además, algunos micrófonos estereofónicos
nuevos basan en parte su funcionamiento en un diseño bidireccional. Cabe
señalar, que los dos patrones de captación no están muy afocados y que no
rechazan todo el ruido ambiental.

Tipos de transductores

Los micrófonos realizan el proceso fundamental de traducir el sonido a

electricidad empleando varios métodos distintos. Las diferencias de diseño tienen
mucho que ver con la capacidad del micrófono para manejar transitorios y
diversos niveles de presión de sonido.

Micrófonos de condensador

Los micrófonos de condensador emplean un diafragma cargado y una

placa trasera adyacente, conformando un capacitor. Las vibraciones del
diafragma alteran el voltaje de salida del circuito reflejando de las ondas de
presión del sonido. Este diseño permite usar diafragmas delicados y es altamente
sensible a las sutilezas del sonido. Los micrófonos de condensador suelen ser los
preferidos para grabar vocalistas, instrumentos melódicos y otros sonidos similares.

Lo débil de las señales generadas por los circuitos de condensador obliga a

incluir preamplificadores en el micrófono para asegurar que llegue el nivel óptimo
a la consola. Los circuitos capacitivos y los preamplificadores de los micrófonos de
condensador requieren una fuente de corriente directa. Aunque es posible usar
baterías, casi siempre se suministra la corriente externamente en forma de energía
fantasma procedente de una caja dedicada o de las entradas de micrófono de
una consola a través de líneas balanceadas. El electreto es una variación del
micrófono de condensador en la que el diafragma y la placa trasera están
cargadas permanentemente, por lo que no requieren energía fantasma para esa
función.

157
 Micrófonos dinámicos

Los micrófonos dinámicos tienen un diafragma rodeado por una bobina de

alambre suspendida en un campo magnético. Las ondas de presión sonora que
inciden sobre el diafragma provocan una fluctuación en la posición de la bobina
que induce una corriente eléctrica análoga a las ondas de sonido. Estos
micrófonos pueden manejar niveles más altos de presión de sonido que los de
condensador, y son apropiados para aplicaciones como la captación cercana
de bateristas o amplificadores de guitarra eléctrica. Su desventaja es que no
responden tan bien a los transitorios ni tienen tan buena respuesta de frecuencia
como los de condensador.

Micrófonos de listón

Los micrófonos de listón emplean un diafragma formado por un listón de

papel metálico delgado suspendido entre polos magnéticos. Las diferencias en
presión hacen que el listón atraviese las líneas de flujo magnético, induciendo un
voltaje en el listón. Estos micrófonos producen un sonido muy cálido, pero no
toleran niveles de presión de sonido muy altos; son inherentemente
bidireccionales, pero la apertura y cierre de diversas entradas en los micrófonos
de diseño adecuado permiten al usuario alterar físicamente la direccionalidad.
Los micrófonos de listón ya no se usan mucho en la actualidad.

Respuesta de frecuencia

Las especificaciones de respuesta total de frecuencia de un micrófono son

tan importantes como las de los demás componentes de audio. En particular,
deben coincidir con las frecuencias emitidas por la fuente que se está grabando
o amplificando. En términos generales, los micrófonos con diafragmas más
pequeños son apropiados para las frecuencias más altas, en tanto que los de
diafragmas mayores captan mejor las frecuencias bajas. Por añadidura, la
respuesta de frecuencia cambia con la curvatura de los patrones polares. El eje
de un micrófono es una línea imaginaria que pasa por la parte delantera y trasera
del micrófono; mientras más lejos de ese eje esté la fuente de sonido, menos
uniforme será la respuesta de frecuencia. Los micrófonos de calidad ofrecen
respuestas más planas a mayores distancias del eje.

GRABADORAS ANALÓGICAS DE CINTA Y FORMATOS

La grabación en cinta analógica funciona de acuerdo con los principios

básicos de los medios magnéticos. La cinta analógica se divide en pistas
individuales, cada una capaz de contener información de audio discreta.
Podemos visualizar las pistas como los carriles paralelos de una autopista.

GRABADORAS DIGITALES DE CINTA

158
 Las grabadoras digitales de múltiples pistas están reemplazando
rápidamente a sus predecesoras analógicas en los estudios de grabación
profesionales. Las ventajas con respecto al equipo analógico son una mejoría en
la respuesta de frecuencia, el intervalo dinámico y la linealidad de grabación.

Además, la razón señal/ ruido mejora enormemente porque el siseo de la

cinta no tiene importancia: la información digital de la cinta es de "ceros y unos".
Esto elimina también la necesidad de incluir circuitos para reducir el ruido.

HERRAMIENTAS COMPUTADORIZADAS DE AUDIO DIGITAL

Los productos de audio digital computadorizado aprovechan la tecnología

de CAD para digitalizar el audio, y la de CDA para convertir las representaciones
numéricas otra vez a forma analógica. El hardware requerido para esto y el
tratamiento de la representación digital durante el proceso definen las diferencias
primordiales entre los digitalizadores simples de audio y los sistemas de grabación
en disco duro.

CONSOLAS DE MEZCLADO

La consola de mezclado (mezcladora, consola o tabla) sirve para controlar

el proceso de combinar las salidas de dos o más fuentes de audio. Hay
mezcladoras de todas formas, tamaños y precios. Las características varían
dependiendo de la marca y el modelo, pero en general poseen las siguientes
características:

 Panorama general de la arquitectura

 Canales de entrada
 Mezcla de apunte
 Monitores
 Buses
 Indicadores de sobrecarga y medidores
 Automatización(n.d.)

Generación de evidencias

Realiza un mapa mental del tema.

Cierre

¿Cómo describirías el trabajo de un ingeniero en sonido?

Fijación de conocimientos

159
 ¿Qué micrófonos conocías?

Rubrica de evaluación

Muy bueno Bueno Regular

Criterios
20 15 5
mapa mental

tema completo
dibujos claves
estructura

Entonación

160
 Proyecto

Indicadores de logro:
Crea música utilizando elementos y materiales sonoros diversos.

Preparación al tema

Escribe el nombre del algún tema del que tengas duda.

Estudio del tema

En grupos de 5 personas, realizarán la mezcla de la secuencia musical del

la melodía a interpretar como parte práctica de la unidad.

Generación de evidencias

Presentación grupal de la melodía utilizando la secuencia realizada.

Cierre

Foro sobre la obra de los demás grupos, que gusto y que se podría mejorar.

Fijación de conocimientos

Escribe que te gusto más de este proyecto, que aprendiste y cómo o qué podrías
hacer mejor o diferente para que tu aprendizaje sea más beneficioso.

161
 Rubrica de evaluación

Excelente Muy bueno Bueno Debe mejorar

20 pts. 15 pts. 10 pts. 5 pts.
Postura Su postura es la La mayor parte Su postura es la Le cuesta
correcta del tiempo su correcta, mantener la
durante toda la postura es la aunque en postura
ejecución. correcta algún momento correcta
durante toda la de la ejecución durante toda la
ejecución. esta varía. ejecución.
Fluidez Ejecuta de Ejecuta la Le cuesta No tiene fluides
forma fluida la mayor parte de ejecutar la al ejecutar la
melodía. la melodía de melodía de melodía.
manera fluida. forma fluida.
Tempo Su tempo es el Al ejecutar la Le cuesta No logra
correcto al melodía, corre mantener el mantener el
ejecutar la o se atrasa en tempo de la tempo de la
melodía, no algún momento melodía, corre melodía.
corre ni se o se atrasa de
atrasa en manera
ningún repetitiva.
momento
Digitación Utiliza la Utiliza la Le cuesta utilizar No puede
digitación digitación la digitación digitar
correcta de correcta de la correcta las correctamente
todas las notas mayor parte de notas de la las notas de la
de la melodía. las notas de la melodía. melodía
melodía.
Afinación Ejecuta de Ejecuta de Ejecuta de Ejecuta
forma afinada forma afinada forma afinada desafinada las
todas las notas la mayor parte algunas notas notas de la
de la melodía. de las notas de de la melodía. melodía.
la melodía.

162
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