Voces íntimas: música rusa

del Romanticismo al Nacionalismo

CICLO DE MIÉRCOLES
12 MAR – 2 ABR 2025
 Voces íntimas:
música rusa
del Romanticismo
al Nacionalismo
CICLO DE MIÉRCOLES
12 MAR – 2 ABR 2025

Desde mediados del siglo xix hasta la Revolución de 1917,

Rusia consolidó los nuevos cimientos de su vida artística, en
consonancia con la construcción de una nación robusta. Este ciclo de
conciertos ofrece una perspectiva íntima de la creación musical rusa
a lo largo de este período, centrada en los repertorios de la canción y
de las piezas para piano solo. Estas décadas de esplendor musical se
caracterizaron por una intensa identidad nacional y por la búsqueda
de un lenguaje propio, en cuya creación fue decisiva la contribución
de los cuatro grandes protagonistas de este ciclo: Modest Mussorgsky,
Aleksandr Borodin, Pyotr Ilyich Tchaikovsky
y Nikolay Rimsky-Korsakov.

En paralelo a las representaciones de

Yevgueni Onegin de Tchaikovsky (1840-1893) y
El cuento del zar Saltán de Rimsky-Korsakov (1844-1908)
en el Teatro Real
 ÍNDICE

4
LA MÚSICA EN RUSIA:
TRADICIÓN E INNOVACIÓN
Marina Frolova-Walker

18
Miércoles, 12 de marzo
AMOR Y MELANCOLÍA
EN LA CANCIÓN RUSA
Erika Baikoff, soprano
Sholto Kynoch, piano

32
Miércoles, 19 de marzo
EL IMAGINARIO MUSICAL RUSO
Varvara, piano

44
Miércoles, 26 de marzo
EN LA ESTEPA:
CANCIONES DE RUSIA Y UCRANIA
Andrei Bondarenko, barítono
Malcolm Martineau, piano

56
Miércoles, 2 de abril
AL TECLADO: PROKOFIEV,
TCHAIKOVSKY Y RACHMANINOFF
Peter Donohoe, piano

68
Selección bibliográfica
Autora de las notas al programa
La música en Rusia:
tradición e innovación
El teatro del Hermitage, en San
Petersburgo, fue construido en
1782 por orden de Catalina la
Grande. En él se representaron
obras de teatro y óperas escritas
específicamente para este espacio
de estilo palladiano.
Marina Frolova-Walker

Durante varios siglos, la música culta incluso el estreno de la Missa Solemnis

fue en Rusia un producto en gran para San Petersburgo en 1824. No sólo
medida importado. La corte rusa pagaba la aristocracia, sino que también la alta
bien y muchas celebridades musicales burguesía y las pujantes clases medias
extranjeras no sólo realizaban giras clamaban por tener pianos en sus casas.
por este país amedrentador, sino que El arte de cantar y acompañarse al piano
firmaban contratos de larga duración se convirtió en una parte imprescindible
para ocupar puestos concretos. de la educación de las jóvenes rusas de
Catalina la Grande dio trabajo a muchos buena familia.
compositores de ópera italianos, En la década de 1820, las ciudades Boceto del Kremlin realizado
incluidas celebridades como Giovanni rusas estaban llenas de rutilantes por Robert Schumann durante
Paisiello y Domenico Cimarosa. salones y estancias domésticas más su visita a Moscú en 1844. Klaus
Más tarde, el pianista y compositor humildes en las que se leía poesía y se Günzel, Die deutschen Romantiker,
Zúrich, Artemis,1995.
irlandés John Field se estableció en tocaba y cantaba música. La canción
Rusia y disfrutó de una lucrativa de salón, conocida como “romanza” en
carrera, mientras que en los escenarios ruso, se convirtió en la principal forma vigor: los nobles rusos hablaban siempre la forma de un frenesí por recopilar
operísticos de San Petersburgo y Moscú de interpretación musical privada, con en francés entre ellos y su música canciones folclóricas. Los recopiladores
existía una fuerte competencia entre reuniones sociales organizadas en torno predilecta era la ópera italiana. estaban convencidos de que las sencillas
las compañías italianas, francesas y a ella, y los cortejos amorosos empezaron La idea de que el arte podía hablar de melodías y poemas antiguos deben
alemanas rivales. La aristocracia rusa a depender con fuerza de este ambiente. alguna manera por una nación era aún encarnar el alma de la nación. En Rusia
estaba deseosa de consumir esta música El extraordinario genio de Aleksandr una novedad. Propagada inicialmente se estaba al tanto de estas ideas europeas,
importada y, entre sus integrantes, Pushkin inspiró un aluvión de poesía en por una serie de filósofos alemanes pero hubieron de esperar a la invasión
muchos se convirtieron en muy solventes lengua rusa, mientras que Mijaíl Glinka (de manera especialmente destacada francesa de 1812 para que empezaran a
intérpretes aficionados. Existen vestigios fue asimismo el pionero de una música por Johann Gottfried Herder y Johann comprenderse plenamente. Esta guerra
de esta cultura incluso en el catálogo inequívocamente rusa, al tiempo que Gottlieb Fichte), la idea se extendió por no fue una mera pelea entre elites,
de Beethoven, donde encontramos añadió un gran número de notables otros países europeos y llegó finalmente sino que afectó a todos los estratos de
dedicatorias al conde Rasumovski o al romanzas al repertorio. Ambos tuvieron a Rusia. A finales del siglo xviii, la música la población, uniéndolos en una lucha
príncipe Galitzin. Este último aseguró que luchar contra las normas entonces en se unió al resto de las artes, adoptando patriótica para expulsar al invasor. Este

4 5
sentimiento de unidad nacional se disipó Napoleón retirándose del incendio de Moscú Ilya Repin imagina en su cuadro de 1872 una diligencia y la meticulosidad. Cuando
después de la guerra, pero siguió siendo de 1812. Óleo de Víktor Mazurovski (1812). León reunión imaginaria entre compositores rusos, los cuatro compositores más jóvenes
un tema importante en los libros y los Tolstói basó su novela Guerra y paz en la invasión checos y polacos. El cuadro representa a los empezaron a crear música que podía
panfletos polémicos que circulaban entre napoleónica de Rusia. compositores rusos Glinka, Balakirev, Odoevsky, conquistar una plataforma pública,
los liberales rusos. Rimsky-Korsakov, Dargomyzhsky, Serov, empezaron a llamarse la “Nueva Escuela
Los dos intentos muy diferentes de Turchaninov, Bortnyansky, Lvov, Verstovsky, Rusa”. Humorísticamente, se conocieron
componer óperas rusas por parte de Varlamov, Anton Rubinstein, Nikolai Rubinstein, como el “Poderoso Puñado”, pero en
Glinka, Una vida por el zar y Ruslán y Laskovsky; a los compositores polacos Occidente su nombre más consolidado
Liudmila, desataron ambos las emociones casta propia de músicos profesionales Chopin, Moniuszko, Oginski y Lipinsky; y a los es el de “Los Cinco”. Todos tenían otras
durante un tiempo, pero la aristocracia dio lugar ahora a la creación de dos compositores checos Napravnik, Smetana, Bendl carreras y Borodin se hizo incluso famoso
volvió a refugiarse en sus adoradas conservatorios. Simultáneamente, el y Horak. en su doble condición de compositor y,
óperas italianas. El proyecto de una final de la servidumbre supuso que la alta en su trabajo durante el día, profesor
música nacional rusa no empezó a echar burguesía resultara más accesible para de Química. Tan solo Rimsky-Korsakov
raíces hasta la llegada de las reformas los urbanitas cultivados, que salieron acabó renunciando a su principal carrera
sociales de la década de 1860, que fueron al campo para conocer al pueblo –el (era un oficial de la Armada) para
desde la abolición de la servidumbre al narod–, ya fuera para recopilar canciones Stasov. Un joven músico provinciano, convertirse en un compositor profesional
establecimiento de conciertos públicos. folclóricas o para llevar a cabo actos de Mily Balakirev, empezó a dar clases a los a tiempo completo.
La música había sido hasta entonces agitación socialista. Los resultados de otros cuatro miembros de lo que acabaría Los Cinco establecieron ciertos
un asunto doméstico, que concernía estos viajes de campo no tardaron en convirtiéndose en el Grupo de Los Cinco: principios rectores para ellos mismos.
únicamente a ciertos círculos sociales, aflorar en la música culta. es decir, Modest Mussorgsky, Nikolay La nueva música rusa necesitaba
pero ahora se convirtió en una cuestión Fue sobre este telón de fondo como, Rimsky-Korsakov, Aleksandr Borodin y ser progresista: no podía limitarse a
que acabó instalándose en el más amplio a comienzos de la década de 1860, un César Cui. Las enseñanzas de Balakirev seguir los estilos ya existentes, por
discurso público, ayudada por la crítica grupo de músicos jóvenes decidieron quedaban fuera del marco institucional competentemente que se hiciera, sino
musical en los periódicos. Anteriormente agruparse con el fin de crear una música de los conservatorios que estaban que tenía que abrir nuevos caminos y
había aficionados rusos, y profesionales nacional para Rusia. Su mentor fue el abriendo sus puertas más o menos en atraer la admiración de compositores
importados, pero el deseo de crear una establecido crítico y estudioso Vladímir esos mismos años, pero él insistió en la en el extranjero para que pudiera así

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 corazón en la primera década del nuevo Entre los primeros alumnos
siglo). de composición de Rubinstein se
Los Cinco eligieron la armonía como encontraba Tchaikovsky y bastó este
el ámbito crucial para llevar a cabo las hecho, en lo que respectaba a Los
innovaciones que tenían en mente. Cinco, para situarlo en el bando de la
Evitaron o modificaron progresiones que oposición, a pesar de que Tchaikovsky
pensaban que estaban archiutilizadas, se tomó un vivo interés por las ideas de
tomaron elementos que habían dado a Balakirev y de que adoptó muchas de
conocer puntual u ocasionalmente sus las ideas de Los Cinco. Estos lo veían
homólogos progresistas occidentales más como un romántico europeo que
y empezaron a utilizarlos de forma como un nacionalista. También estaba
habitual. Su audacia se vio ayudada el elemento de la rivalidad existente
por un cierto grado de ignorancia: entre las dos ciudades: Los Cinco estaban
no contaban, por supuesto, con una en San Petersburgo y Tchaikovsky en
formación de conservatorio y carecían Moscú.
de un conocimiento exhaustivo de la ¿Qué hicieron, pues, Los Cinco
materia de la que se ocupaban. Aun así, para conseguir que su música sonase
a pesar de que se precipitaban a sacar diferente? En primer lugar, exploraron
conclusiones y de que a veces perdían la canción folclórica rusa, no como
cosas valiosas en su afán de deshacerse etnógrafos académicos, sino como
de aquello que no querían, sus talentos usuarios de colecciones ya existentes
musicales les llevaron a conseguir de canciones folclóricas, que podían
resultados que eran artísticamente bien citar o utilizar como la base para
válidos por sí mismos. En cualquier su imitación. Tomaron buena nota
caso, Balakirev y Stasov eran hostiles del hecho de que estas canciones
ocupar una posición destacada. De los La danza “folclórica” rusa comenzó a ponerse a la idea de que la composición se folclóricas no seguían un compás
compositores occidentales, únicamente en valor tras la guerra de 1812 con la Francia enseñara dentro del marco de los regular, de ahí que los cambios de la
los más progresistas y ambiciosos podían napoleónica, generando una tendencia a volver conservatorios y predijeron que esto métrica musical se convirtieran en uno
ser adoptados como modelos: estos eran a las raíces rusas (incluida la arquitectura, los favorecería la mera competencia en de sus procedimientos predilectos. Las
Berlioz, Liszt y Schumann. Estudiaron trajes y la artesanía tradicionales). En la imagen, detrimento de la originalidad. También secciones del Paseo de Cuadros de una
a Beethoven como la inspiración para la Compañía de Danza Moiseyev, antes conocida vieron que la mayoría de los profesores exposición de Mussorgsky oscilan entre
estos progresistas, pero pensaron que su como Conjunto Académico Estatal de Danza de conservatorio eran extranjeros, y los cinco y seis partes por compás. Aunque
música era ya demasiado antigua como Folclórica de la Unión Soviética. Fundada en 1934, dos rusos destacados que había entre los Paseos poseen una textura coral,
para poder ser utilizada directamente. Se es la compañía de danza folclórica más célebre de ellos, los hermanos Anton y Nikolai el número de voces no deja tampoco
tenía a Mendelssohn por la figura más Rusia en la actualidad. Rubinstein, eran rivales de la Nueva de cambiar (un “coral” germánico
importante de la corriente tradicional Escuela Rusa, especialmente Antón, que normal suele mantener una textura a
europea, por lo que no resultaba de no era sólo un pianista virtuoso, sino cuatro voces en todo momento). En las
interés para ellos. Chopin sí que despertó también un compositor enormemente canciones folclóricas rusas cantadas por
su admiración, pero su utilidad era prolífico con un perfil internacional. varios campesinos, un cantante concreto
limitada para compositores que querían Rusia y, sobre la base de una información La música de Anton Rubinstein era podría estar al unísono con otros dos
hacerse un nombre por medio de la inadecuada, Los Cinco estuvieron igualmente internacional y se nutría del cantantes en un momento dado, luego
música orquestal y la ópera. Wagner no burlándose de él durante años (Rimsky- romanticismo europeo (como persona, sólo con uno o incluso ser independiente
era todavía debidamente conocido en Korsakov se arrepintió de ello de todo sin embargo, les parecía encantador). de todas las demás voces; Mussorgsky

8 9
 En la segunda mitad del
siglo xix, el realismo fue
un movimiento reactivo
que se extendió entre
diferentes ámbitos
artísticos. Ilya Repin
fue uno de los mayores
exponentes de esta
corriente pictórica,
retratando con crudeza
temas de relevancia
social y actualidad. En Los
sirgadores del Volga (1870-
1873), Repin condena un
trabajo casi inhumano
que acabó desapareciendo
a principios del siglo xx.
Óleo sobre lienzo, Museo
Estatal Ruso.

se valió de este procedimiento en los folclóricas o, cuando menos, evitar mejor se ajustaría a un material de esas Esta combinación de hábitos métricos,
Paseos de Cuadros de una exposición y cualquier cosa que sonara demasiado características. Podemos oír una forma armonía y forma de variación “rusos”
en otras obras. Una comprensión plena abiertamente como occidental. de variación de este tipo en la canción dio lugar a un nuevo estilo que, en
de la armonía folclórica rusa requirió Una vez que hubieron adoptado de Mussorgsky Trepak (de las Canciones efecto, suena distinto de cualquier
la llegada de la grabación fonográfica el material folclórico, o en un estilo y danzas de la Muerte): la melodía de la otra cosa que estuviera haciéndose
y su utilización en viajes de campo folclórico, se mostraron decididos danza folclórica se repite varias veces, entonces en Occidente. Los Cinco
a comienzos del siglo xx. Los Cinco a considerar detenidamente las más grave o más aguda, con diferentes no se conformaron únicamente con
carecían de esta comprensión, pero consecuencias y concluyeron que algún figuraciones en el acompañamiento, y así este sonido ruso y siguieron creando
intentaron aproximarse a las armonías tipo de forma de variación es lo que sucesivamente. estilos musicales para otras culturas

10 11
y, en particular, los estilos “oriental” ejemplo, presenta las voces diferenciadas
y “español” de los que Glinka había de la Madre y la Muerte justamente de
sido pionero. Glinka introducía en sus este modo, mientras que el piano añade
fantasías de lugares lejanos y placenteros detalles que van desde la llamada a la
un toque de autenticidad en forma de puerta hasta los movimientos frenéticos
melodías y ritmos folclóricos reales, y su de un niño con fiebre. Una de las grandes
prolongada estancia en España le ayudó invenciones de Mussorgsky fue su retrato
a conseguirlo. Balakirev prosiguió en de los timbres irregulares y complejos
la misma vena, visitando la región del de las campanas ortodoxas rusas. Esta
Cáucaso para recopilar melodías y ritmos aproximación pictórica le llevó a saltarse
que pasaron a convertirse en moneda las convenciones musicales, hasta el
habitual de Los Cinco. Estos elementos punto de que incluso sus colegas de
más o menos auténticos se mezclaron Los Cinco pensaban que el suyo era un
con otros hábilmente imaginados, enfoque demasiado extremo. Este es
aunque absolutamente ficticios, pero, el motivo, por ejemplo, por el que su
una vez más, el propósito primordial poema sinfónico Una noche en el Monte
era crear un sonido no occidental, no Pelado no se interpretó nunca en vida del
tanto una perfecta autenticidad. Resulta compositor e incluso se conoce mejor hoy
interesante, en este contexto, observar en día en la versión de Rimsky-Korsakov,
cómo las Canciones persas de Rubinstein, en la que se suavizaron las novedades
que tuvieron su origen en el interés más discordantes.
por Oriente de la cultura alemana, Fijémonos ahora en el otro lado de esta
influyeron, sin embargo, en la paleta disputa musical, en Tchaikovsky y sus
“oriental” de Los Cinco (aunque ellos sucesores, como Taneyev y Rachmaninov.
preferían no admitirlo). Ellos rechazaron la idea de que el lenguaje
El último componente esencial del musical existente podía desmantelarse,
estilo de Los Cinco fue el “realismo” reconstruirse en algo nuevo que podía Mapa de los territorios
en la música provista de un texto, y caracterizarse de “ruso”. Tchaikovsky europeos que
especialmente en sus óperas. En vez agitó su cabeza con incredulidad al formaban parte de
de seguir los “afectos” emocionales escuchar algunos de los pasajes más Rusia en el siglo xix.
prescritos y las formas estandarizadas extremos de Mussorgsky, atribuyéndolos
de los italianos, intentaron remodelar a la ignorancia y no al genio. La expresión imitar a uno u otro de sus predecesores este respecto la prueba del tiempo, y cada
las arias a la manera de “monólogos” romántica de los sentimientos humanos occidentales, y desarrollar sus propias uno de ellos posee una voz reconocible de
o “relatos”, siguiendo la dirección por medio de la música era, para voces desde ese punto de partida, tal inmediato.
emocional del texto más estrechamente Tchaikovsky, mucho más importante que como hace Tchaikovsky con Schumann ¿Son Tchaikovsky, Taneyev y
que los italianos. Mussorgsky, que era ajustar y reajustar el estilo de acuerdo en sus Seis piezas sobre un tema y en Rachmaninoff realmente “menos rusos”?
más radical que sus colegas, se propuso con alguna doctrina extramusical. su Gran Sonata, o el modo de operar Ellos mismos jamás aceptaron una
plasmar los modelos descendentes y Tchaikovsky y Rachmaninoff podían de Rachmaninoff con Chopin en sus acusación semejante, y ahora que las
ascendentes de las alturas del habla ser extremadamente originales cuando Variaciones sobre un tema de Chopin. Los controversias sobre el nacionalismo de
natural, así como los modos de expresión querían, pero si descubrían que algún Cinco temían que un enfoque de este Los Cinco han remitido ya desde hace
vocal, ya fuera calmada o entrecortada, elemento familiar podía resaltar el tipo sólo podía conducir a música que mucho tiempo, los oyentes escuchan a
susurrada o gritada. La primera de las impacto emocional, se mostraban sonara derivativa, pero Tchaikovsky y los compositores de ambos bandos como
Canciones y danzas de la Muerte, por encantados de utilizarlo. También podían Rachmaninoff han resistido ambos a componentes de un sonido “ruso”. Las

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 Ilya Repin,
Retrato de
Vladimir Stasov, 1889.
Galería Tretyakov,
Moscú.

Taneyev al piano,
con un retrato de
Johann Sebastian Bach
colgado en la pared del
fondo.

fronteras, en cualquier caso, siempre han en cambio, que proceder de este modo estado prohibido, ya fueran Mozart, Lysenko y Stetsenko adoptaron la
sido borrosas. Tchaikovsky recurría con no era más que una mera sumisión a Wagner o las óperas italianas de Bellini o misma aproximación a la música de su
frecuencia a un lenguaje folclorizante una disciplina extranjera. Rachmaninov Donizetti. Stasov pensó que gran parte de propia cultura, como en “El esclavo” de
(por ejemplo, en sus canciones “Si lo enriqueció llamativamente su música la música posterior de Rimsky-Korsakov Lysenko, mientras que la reconstrucción
hubiera sabido” y “¿No era yo una brizna con “elementos rusos”, y especialmente (canciones y óperas, principalmente) de antiguas canciones épicas lo llevó
de hierba en el prado?”), pero como esto cantos y campanas ortodoxos, era una traición. Tchaikovsky, por otro a plasmar ideas extraordinariamente
se encontraba filtrado por las calles de absorbiéndolos de un modo tan completo lado, se sintió encantado de estudiar el novedosas tanto en la parte vocal como
las ciudades y los salones de la cultura que no resulta posible deslindarlos de los “realismo” de Los Cinco y utilizó esta en el acompañamiento pianístico. El
urbana, no era lo suficientemente rasgos generales de su estilo de madurez. manera de componer, consiguiendo impulso del nacionalismo musical se
puro para Los Cinco. Taneyev tuvo, en Con el paso del tiempo, las diferencias un efecto poderoso en varias canciones extendió a otros países eslavos más al
realidad, motivaciones nacionalistas en entre las escuelas de San Petersburgo y y, especialmente, en sus más grandes oeste, como la Bohemia de Dvořák, y
su intento de imbuir a la música rusa Moscú empezaron a debilitarse. Rimsky- óperas, Yevgueni Oneguin y La dama de hacia el norte, hasta Escandinavia, con
de elementos barrocos y clásicos, ya que Korsakov se convirtió en un venerable picas. Grieg, Sibelius y otros compositores.
lo tenía por una condición previa para profesor de conservatorio y se distanció Las ideas de escribir música “nacional” Aun en la cultura musical globalizada
que la música rusa se elevara al nivel de de las doctrinas de Balakirev y Stasov. demostraron ser muy influyentes actual, nos sentimos emocionados e
sus homólogas occidentales. Los Cinco En una etapa posterior de su vida abrazó fuera de Rusia propiamente dicha. Así, intrigados por las conexiones de piezas
(al menos en un principio) pensaron, todo aquello que normalmente había viajaron también a Ucrania, donde con un lugar o una cultura folclórica

14 15
determinados: podría ser un sonido O podríamos experimentar emoción
de la pipa china o de las llamadas de en un plano individual gracias a
pastor finlandesas lo que capta nuestra compositores que han encontrado sus
atención. Podríamos buscar distinguir propias voces por medio de elementos
entre culturas dominantes y otras que tanto nacionales como personales.
están intentando ganar independencia,
en la historia o en el momento actual. (Traducción: Luis Gago)

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 I Mily Balakirev (1837-1910)
Vzoshól na niébo mésiats yásni [En el cielo se ha levantado un mes
1
claro] (Veinte romanzas)
Pésnia zolotói rýbki [Canción del pez dorado] (Veinte romanzas)
Ispánskaya pésnia [Canción española] (Tres canciones olvidadas)

Aleksandr Borodin (1833-1887)

Spyashchaya knyazhna [La princesa durmiente]

Modest Mussorgsky (1839-1881)

Gde ty, zvjozdochka [¿Dónde estás, estrellita?]
Trepak (Canciones y danzas de la Muerte)

Aleksandr Borodin (1833-1887)

Nocturno (Petite suite), para piano solo
MIÉRCOLES 12 DE MARZO DE 2025, 18:30
Nikolay Rimsky-Korsakov (1844-1908)
Górnimi tijo letela dusha nebesami [El alma voló en silencio por el cielo
Amor y melancolía en la canción rusa de las montañas] (Cuatro romanzas, op. 27 nº 1)
Ne véter veya s vysotý [No era el viento] (En la primavera, op. 43 nº 2)

Erika Baikoff, soprano Iz slióz moíj [De mis lágrimas] (Cuatro romanzas, op. 2 nº 4)
Sholto Kynoch, piano Redéyet oblakóv letúchaya gryadá [Las nubes se desvanecen] (Cuatro
romanzas, op. 42 nº 3)

César Cui (1835-1918)

Bolero, op. 17

II Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840-1893)

Zabyt tak skoro [Olvidar tan pronto], TH 94
Kaby znala ja [Si lo hubiera sabido] (Siete romanzas, op. 47 nº 1)
Kolybelnaya pesnia [Canción de cuna] (Seis romanzas, op. 16 nº 1)
Otchegó? [¿Por qué?] (Seis romanzas, op. 6 nº 5)
Junio (Las estaciones, op. 37a), para piano solo
Ya li v pole da ne travushka byla [¿No era yo una brizna de hierba en el
prado?] (Siete romanzas, op. 47 nº 7)
Nochi bezumnye [Noches locas] (Doce romanzas, op. 60 nº 6)
En directo por Canal March, YouTube, Radio Clásica y Solovéy [Ruiseñor] (Doce romanzas, op. 60 nº 4)
RTVE Play, con entrevista previa a las 18:00 Den’ li carit, tishina li nochnaja [¿Reina el día?]
Audio disponible en Canal March durante 30 días. (Siete romanzas, op. 47 nº 6)

18 19
 Las fronteras difusas 1
de la canción de concierto rusa

Marina Frolova-Walker

En este programa encontramos ruso. Pero, en la realidad, la

canciones tanto del ámbito distinción era mucho menos clara:
occidentalizante como del nacionalista Los Cinco también alumbraron
de la música rusa. En la primera parte canciones de salón que sonaban
oiremos música de Los Cinco, que más en consonancia con los cánones
intentaron asegurarse de que sus europeos (“romanzas”), mientras que
composiciones se situaban lejos de la Tchaikovsky imbuyó a veces su música
corriente occidental dominante. En de elementos folclóricos. Como la
la segunda, tenemos a Tchaikovsky, canción de concierto es un género
que fue una figura prominente en el tan íntimo, descubrimos asimismo
panorama musical europeo general y que las personalidades individuales
a quien Los Cinco consideraron con de los diferentes compositores
frecuencia como insuficientemente pueden acabar pesando más que
su adscripción a uno u otro credo
artístico.
El Bolero de Cui está en un estilo
español que Glinka había introducido
en Rusia hacía medio siglo. Para los
rusos, España era un lugar exótico de
noches templadas, aire perfumado y
La ópera Carmen, de Georges Bizet, está mujeres apasionadas. La canción es
basada en la novela homónima de Prosper
una especie de serenata al revés, ya que
Mérimée. Escrita en 1845, refleja el interés
se centra en los sentimientos de una
por el exotismo español y la reiteración
de tópicos que retratan España como una
mujer en su balcón mientras espera
tierra de bandoleros y toreros, con grandes impacientemente a que llegue su
influencias del norte de África y un carácter amado. Cui utiliza ritmos y fórmulas
extremadamente pasional. melódicas para crear una canción

20 21
elegante con ricas armonías. El clímax
coincide con la palabra “beso”: el 1
amante ha llegado, por fin.
Balakirev sentía una especial
pasión por los versos de Mikhail
Lermontov, incluido un fragmento
de la balada romántica Mtsyri, que
escucharemos a continuación. Un
muchacho de Georgia es capturado
por un general ruso y es educado en
un monasterio lejos de su patria.
Cuando cumple los diecisiete años
intenta desesperadamente conseguir
la libertad, perdiendo casi su vida.
Cuando el joven se queda dormido
junto a un río, un Pez Dorado llega
hasta él en un sueño febril, diciéndole
que encontrará la paz en el lecho
del río. Esta canción contrasta
notablemente una sencilla melodía
con una intrincada parte para
piano que retrata tanto el balanceo
acompasado de las olas (que se toma
prestado del género de las canciones
de los gondoleros) como el ruido del
pez al chapotear en el agua. Balakirev
comienza con un acorde del piano que
no parece guardar ninguna relación en
un principio con la música posterior,
y siguen acordes más inusuales sobre
una nota mantenida en el bajo para
transmitir el efecto fascinante de las
palabras del pez.
“En el cielo se ha levantado un
mes claro” es una canción de “hoja
de álbum” más convencional, pero Isaac Levitan, Sobre la paz eterna (1894).
cuenta con una hermosa melodía. Galería Tretyakov, Moscú. casa de Ulybyshev en Nizhni Nóvgorod La Canción española de Balakirev
Está dedicada a la hija del mentor fue muy importante para el joven es otro “bolero” y se ajusta al formato
de Balakirev, el distinguido crítico Balakirev, que tuvo allí acceso a una normal de una serenata. El enamorado
musical Aleksandr Ulybyshev (su completísima biblioteca musical y dice a su amada que no se moleste
apellido se escribe con frecuencia pudo participar en interpretaciones en ponerse los zapatos, ya que sus
Oulibisheff), que escribió una de las musicales de aficionados a un alto pies se mojarán muy pronto en las
primeras biografías de Mozart. La nivel. aguas del Guadalquivir. No está claro

22 23
 deleita en la ejecución de arpegios Trepak, de las Canciones y danzas
en el registro agudo del piano. “Las de la Muerte de Mussorgsky, nos abre 1
nubes se desvanecen” está compuesta una ventana al estilo posterior del
a partir de un texto misterioso compositor. En la canción se desarrolla
pero dolorosamente hermoso de una escena dramática completa: un
Pushkin y la canción posee un tono campesino borracho se ha perdido
decididamente elegíaco. Cuando el en medio de una tormenta de nieve;
poeta empieza a recordar un hermoso al principio intenta encontrar como
país meridional (para Pushkin, esto sea su camino sobre la nieve, pero
evoca sus años de exilio en Crimea), luego se encuentra con la Muerte,
Rimsky-Korsakov incorpora una línea que inicialmente se burla de él y que
melódica adicional a la mano derecha luego le canta una canción de cuna
del piano, una melodía extrañamente cuando él se queda sumido en su
semejante al aria “Casta diva” (de último sueño. Esto crea una canción
Norma de Bellini). En aquel momento, dentro de la canción, interrumpiendo
Rimsky-Korsakov se había enamorado la danza folclórica “trepak” que el
de la ópera italiana, que anteriormente campesino había empezado a bailar
había necesitado evitar con objeto para mantenerse caliente. Aunque
de crear y mantener un estilo ruso la Muerte es una figura alegórica,
diferenciado de todas las grandes Mussorgsky consigue que su modo
qué es lo que tenía en mente el poeta Tema de la “Canción de cuna”, en un autógrafo corrientes europeas. Aunque entendía de hablar resulte natural, tal como
ruso: quizás eligió “Guadalquivir” de Tchaikovsky de 1893. la alusión de Pushkin, él quería a Italia había hecho en gran parte de su
simplemente por su sonoridad exótica en lugar de Crimea. escritura operística. La parte para
(para los rusos). Esta es una de las De los integrantes de Los Cinco, piano, enormemente inventiva, tiene
canciones juveniles de Balakirev, pero Mussorgsky es quien llegó más lejos en confiada la tarea de ilustrar todo
cuenta ya con una poderosa melodía la expansión de las posibilidades de la lo que sucede en el relato según va
y en la armonía pueden apreciarse canción de concierto. Su canción muy avanzando. La búsqueda de realismo
algunos hábiles toques cromáticos. residen las almas perfeccionadas primeriza “¿Dónde estás, estrellita?” dramático y fidelidad a su tema por
Las canciones de Rimsky-Korsakov se contrapone a las emociones más fue un laboratorio en el que probó parte de Mussorgsky lo lleva a romper
evitan los géneros y los temas de turbulentas de la vida terrenal, pero diversas ideas musicales para el todos los lazos con el decoro y la
la canción de salón convencional aun esta última sigue retratándose incipiente “estilo nacional ruso”. El dulzura de la canción de salón: su
a fin de favorecer un encuentro de con delicadeza y elegancia. “No era prototipo folclórico para esta canción tema es lóbrego, sin atenuante alguna,
poesía y música más imprevisible. el viento” regresa a la imagen de fue la protyazhnaya (literalmente, y el compositor requiere colores
El compositor también esquivó un alma, esta vez aún encarnada y “larguísima”), un tipo de canción orquestales del pianista y habilidades
la poesía que exigía estallidos ligada a la tierra, golpeada por las narrativa lenta con una elaborada actorales del cantante.
apasionados en la música, prefiriendo tormentas y necesitada de un dulce melodía. Dos o tres generaciones antes Tchaikovsky, por contraste, buscaba
decantarse por versos más reflexivos contacto con otra alma. La canción de Mussorgsky, este género folclórico crear interés artístico jugando con las
o contemplativos. “El alma voló en posee una perfecta simetría con se había absorbido dentro del estilo de convenciones de la canción de salón
silencio por el cielo de las montañas” sus translúcidas acuarelas. “De mis los salones en Rusia, donde adquirió en vez de renunciando a ellas. En
es un hermoso poema no sobre el lágrimas” es una canción primeriza rasgos italianizantes. Mussorgsky, muchas de sus canciones de amor y
amor romántico, sino sobre el amor a partir de un poema de Heine; los en su canción de juventud, está ya desamor, sin embargo, podemos oír
cristiano y la compasión. Un espacio subtextos emocionales no se exploran tratando de revertir este proceso de que Tchaikovsky era un experimentado
celestial fresco y apacible en el que en profundidad y el compositor se occidentalización. compositor de ópera que era más

24 25
que capaz de crear personajes llega a un límite: nadie puede retratar
tridimensionales. En “Olvidar el dolor escondido tan bien como 1
tan pronto”, retrata a la persona Tchaikovsky. Una vez que la tormenta
desdichada de una relación que acaba se disipa, reaparece la música pastoral
de romperse, que no deja de repetir las inicial y, en este contexto renovado,
palabras del título. Posteriormente, pierde su ingenuidad y se vuelve
la presa se rompe y una poderosa irónica. Una vez más, estamos ante
corriente de emoción se abre camino una característica de la música de
en una sección más rápida, que Tchaikovsky que trasciende cualquier
desemboca en un apasionado clímax. posible elemento del poema.
No habría resultado difícil incorporar “¿No era yo una brizna de hierba
esta canción dentro de una ópera. en el prado?” es la siguiente dentro de
“Si lo hubiera sabido” pone música esta serie de canciones que se inspiran
a un poema escrito en una métrica en sencillos estilos folclóricos, pero
folclórica rusa: cada verso tiene cinco que adoptan dimensiones trágicas,
sílabas, con un acento en la tercera, operísticas. Al igual que la primera
sin rimas finales. En la introducción de las canciones de Mussorgsky, se
pianística, con su ingenua melodía, basa en el género folclórico narrativo,
Tchaikovsky induce al oyente a que pero melódico, de la protyazhnaya.
espere una canción modesta en un Las estrofas iniciales parecen jugar
estilo con inflexiones folclóricas. Tchaikovsky y su mujer, Antonina Miliukova, inocentemente con imágenes de la
Pero, de manera inesperada, en 1877. La pareja se conoció en una soirée en naturaleza, pero más tarde resultan ser
Tchaikovsky saca todo el partido casa de Anastasia Jvostova, quien era amiga metáforas de una vida humana trágica.
posible de los versos abreviados de de Apujtin. El poeta dedicó varios poemas a “Noches locas” nos presenta desde Konstantin Makovsky, Retrato de Aleksandra
la métrica folclórica, transmitiendo Tchaikovsky, a los que luego pondría música el el principio un conflicto entre las Panaeva-Kartsova (1889).
la pasión entrecortada de una mujer compositor. palabras y la música. Las palabras
con el corazón roto. La temperatura recuerdan a noches en vela de salvaje
emocional continúa ascendiendo pasión, mientras que la música es
hasta que las palabras dejan de extrañamente descorazonada. El
servir y la cantante emite un grito de notas de gran tristeza que no pueden aparente desequilibrio se explica “Ruiseñor” fue la traducción de
desesperación: esto es operístico, por encontrarse en el poema. Lo cierto es cuando las palabras se sitúan al nivel Pushkin de una canción serbia y
supuesto, no naturalista, pero este que aquí no estamos ante lo que suele de la música y entonces descubrimos Tchaikovsky crea un estilo folclórico
floreo virtuosístico posee un poderoso considerarse poner música a un poema; que esas noches salvajes hace ya ficticio que no se parece en nada al
efecto dramático. En “Canción de Tchaikovsky utiliza más bien el poema mucho tiempo que han terminado, “estilo ruso” de la época. Se vale de una
cuna”, Tchaikovsky se vale de otro como material para una obra de arte pero aun cuando se ha visto claro que escala inusual, que se oye sobre una
poema con elementos folclóricos, de cuño muy personal, mucho más la pasión se basaba en la falsedad, su breve línea repetida del bajo. Podemos
de ahí que se decante por revestirlo sofisticada y dolorosamente irónica. recuerdo sigue siendo mejor que la imaginar a una zanfona acompañando
con una sencilla melodía vocal. Pero, “¿Por qué?” posee, asimismo, en un deprimente realidad del presente. a un cantante de epopeyas ambulante.
de manera sorprendente, crea un principio un carácter pastoral. Pero El autor del texto, Apujtin, un Tchaikovsky se aparta de este estilo
hermoso nocturno para la parte de las preguntas que la protagonista no amigo de Tchaikovsky, era famoso con el fin de transmitir un mensaje
piano: “acompañamiento” difícilmente deja de hacer se vuelven cada vez más por la melancolía implacable de su trágico.
parece la palabra adecuada. El mordaces y la tensión en la música no poesía, pero sus versos conmovían Después de tantas historias
nocturno sigue su propio camino, con puede seguir creciendo, por lo que se profundamente al compositor. melancólicas o trágicas, la última

26 27
canción del programa limpia el aire y un posludio que sugieren una Erika Baikoff

DARIO ACOSTA
con un estallido de alegría. “¿Reina ambición sinfónica. Tchaikovsky 1
el día?” es un himno al amado dedicó la canción a la soprano
sobreexcitado y abrumado en pleno Aleksandra Panaeva-Kartsova, una
arrebato del primer encaprichamiento. alumna de la famosa Pauline Viardot
Una vez más, Tchaikovsky hace y la primera cantante que interpretó
referencia al género del salón, pero el papel de Tatiana en el estreno
plantea exigencias que sobrepasan (privado) de la ópera Yevgueni Oneguin
con mucho las capacidades de los de Tchaikovsky.
intérpretes aficionados. El piano
cuenta con una extensa introducción (Traducción: Luis Gago) Esta soprano ruso-estadounidense es Detroit con Stephanie Childress. En el
graduada del Programa Lindemann ámbito operístico ha tenido múlti-
de Desarrollo de Jóvenes Artistas de la ples apariciones en la Ópera Nacional
Metropolitan Opera, donde interpretó de Lyon y en el Festival de Verbier.
los papeles de Xenia en Boris Godunov y Reconocida intérprete de recitales, la
Barbarina en Le nozze di Figaro. Desde pasada temporada actuó en el Teatro
entonces ha regresado al Met como de la Zarzuela en Madrid, el Palau de
artista invitada. Entre sus proyec- la Música Catalana, la Schubertiade en
tos orquestales se incluyen la Misa Hohenems y Schwarzenberg, y el Alice
en Si menor de Bach con la Orquesta Tully Hall en Nueva York.
de la Metropolitan Opera bajo la
dirección de Yannick Nézet-Séguin;
Das Rheingold con la Filarmónica de
Róterdam; y la Cuarta Sinfonía de
Mahler con la Orquesta del Ulster diri-
gida por Daniele Rustioni, la Academia
y Festival de Música de Taipéi con
Kent Nagano y la Orquesta Nacional de
Lyon. En 2024 debutó con la Orquesta
Sinfónica de Londres dirigida por
Simon Rattle, la Sinfónica de la BBC
con Martyn Brabbins y la Sinfónica de

28 29
Sholto Kynoch

RAPHAELLE PHOTOGRAPHY
1

Es un demandado pianista especia- Honours. Ha trabajado con muchos

lizado en canto y música de cámara. de los principales cantantes de la
Es el fundador y director artístico del actualidad, realizando recitales en el
Oxford International Song Festival, Wigmore Hall, Heidelberger Frühling,
que ganó el prestigioso premio de Beethovenfest de Bonn, el Festival
la Royal Philharmonic Society en Internacional de Lied de Zeist en los
2015, por la “amplitud, profundidad Países Bajos, el Festival LIFE Victoria,
y audacia” de su programación. En el Palau de la Música de Barcelona,
julio de 2018 fue elegido miembro de la Ópera de Lille, la Ópera de Zúrich,
la Royal Academy of Music en los RAM Maison Symphonique de Montréal y
un gran número de festivales inter-
nacionales. Su extensa discografía
incluye la primera edición completa
de las canciones de Hugo Wolf, cuyo
último volumen salió a la venta en
enero de 2023.

30 31
 I Sergey Taneyev (1856-1915)
Preludio y Fuga, op.29

Aleksandr Borodin (1833-1887)

Petite suite
Au couvent
Intermezzo
Mazurka I
Mazurka II 2
Rêverie
Sérénade
Nocturne

Modest Mussorgsky (1839-1881)

MIÉRCOLES 19 DE MARZO DE 2025, 18:30 Noch′ na lysoy gore [Una noche en el Monte Pelado] (arreglo para
piano de Konstantin Chernov)

El imaginario musical ruso

Varvara, piano
II Modest Mussorgsky (1839-1881)
Kartinki s vystavki [Cuadros de una exposición]
Promenade [I]
Gnomus
Promenade [II]
Il vecchio castello [El viejo castillo]
Promenade [III]
Tuileries [Tullerías]
Býdlo
Promenade [IV]
Balet nevílupivshijsia ptentsóv [Danza de los polluelos en sus
cascarones]
Samuel Goldenberg und Schmuyle
Promenade [V]
Limoges, le marché [El mercado de Limoges]
Catacombæ [Catacumbas]
Cum mortuis in lingua mortua [Con los muertos en una lengua
muerta]
Izbushka na kúryij nózhkaj (Baba-Yagá) [La cabaña sobre patas de
En directo por Canal March, YouTube, Radio Clásica y gallina]
RTVE Play, con entrevista previa a las 18:00 Bogatyrskiye vorota (V stolnom gorode vo Kiyeve) [La Gran Puerta
Audio disponible en Canal March durante 30 días. de Kiev]

32 33
El mundo dentro de un piano

2
Marina Frolova-Walker

Sergey Taneyev, un discípulo de pastiche del siglo xviii; la fuga suena,

Tchaikovsky, fue una figura única de la por el contrario, como una pieza
música rusa gracias a la devoción que tardorromántica y su fuerza crece
sentía por Bach y Mozart. Creía que únicamente gracias a la densidad
la música rusa no podía evolucionar de la escritura contrapuntística. Las
adecuadamente si no asimilaba las circunstancias personales de Taneyev
técnicas barrocas y clásicas. Taneyev en aquel momento eran de una gran
sentía fascinación por el contrapunto infelicidad: el compositor nunca se
y publicó un tratado pionero sobre las casó y acababa de fallecer su única
matemáticas de las combinaciones persona verdaderamente íntima,
contrapuntísticas. Taneyev cultivó, Pelageya Chizhova, la niñera que Ilya Repin, Retrato de la pianista y condesa La Petite suite de Aleksandr Borodin
por tanto, un impulso neoclásico, al había tenido en sus años de infancia Louise de Mercy-Argenteau (1890), Óleo sobre tiene un origen curioso. Está dedicada
liezo. Galería Tretyakov, Moscú.
que supo imbuir de las emociones y que, siendo ya una anciana, seguía a la condesa belga Mercy-Argenteau,
encendidas del posrromanticismo. encargándose de llevar la casa del ella misma pianista y compositora,
Aunque fue un formidable virtuoso músico. El Preludio parece estar además de amiga de Liszt. Este se
del piano, Taneyev escribió muy aún de duelo y su carácter sombrío interesó vivamente por la música de
pocas obras para piano solo y, de recibe su inspiración no sólo de “la nueva escuela rusa” (Los Cinco)
ellas, tan solo su poderoso Preludio y Bach, sino también de Chopin e y ello dio lugar a que la aristócrata
Fuga contó con un número de opus. incluso de Skriabin, un antiguo organizara varios conciertos para
Esta pieza sirvió de inspiración para alumno de Taneyev. La Fuga acaba dar a conocer especialmente la
compositores rusos posteriores dando paso a un torrente elemental, música de Borodin. Es probable que
de preludios y fugas, como Dmitri imponente, pero todo se encuentra este compusiera la suite mientras
Shostakovich y Nikolai Kapustin. cuidadosamente calculado. La se encontraba alojado en su castillo,
La maestría del contrapunto que satisfacción de haber logrado esta valiéndose de material procedente
alcanzó Taneyev le permitió componer proeza compositiva, al tiempo que de algunas de sus piezas anteriores y
con gran libertad la fuga. No suena conseguía crear un relato emocional uniéndolas con una idea programática:
académica ni un solo momento y de lucha y heroísmo, debe de haber “Petit poème d’amour d’une jeune fille”
no encontramos vestigio alguno procurado solaz al compositor, ahora [Pequeño poema de amor de una
de lo que podría tomarse por un “huérfano” y solo en el mundo. jovencita]. La historia de Borodin

34 35
 Francisco de Goya, meras “hojas de álbum” y constituyen mientras esperan a su satánico señor.
El aquelarre una lección concentrada sobre los Él se presenta bajo la apariencia de
(1797-1798). procedimientos que utilizaron Los macho cabrío y las brujas rodean su
Museo Lázaro
Cinco para crear su “estilo ruso”. trono, ensalzando con cánticos su
Galdiano, Madrid.
Su particular representación de gloria. Pero esto enfurece a Satán e
las campanas, por ejemplo, fue imparte la orden de que den comienzo
inventada por Mussorgsky y luego al sabbat. La forma y el carácter de mi
sería adoptada por los demás: un obra son rusos y originales. El tono es
despliegue de armonías sorprendentes acalorado y desordenado”.
van desplegándose sobre una nota Podemos comprender mejor la
estática en el bajo. Pueden encontrarse fascinación por el tema de Mussorgsky
2
a lo largo de todas las piezas sutiles cuando recordamos que Berlioz y
trucos armónicos y es probable que los Liszt se encontraban entre los pocos
oyentes actuales piensen que se trata compositores occidentales que
de una sonoridad rusa sencillamente eran verdaderamente respetados
porque Los Cinco las utilizaron de y valorados por Los Cinco. El joven
manera habitual. Los Cinco también compositor ruso los veía como
cultivaron un estilo “oriental”, que auténticos progresistas que aborrecían
asoma en las armonías de la Sérénade la rutina y buscaban incesantemente
de la suite. Las armonías suavemente nuevas armonías, nuevas maneras de
balanceantes y lentamente cambiantes orquestar, y que se valían asimismo
de la última pieza resultaban de nuevos y audaces temas para
deliciosamente novedosas en la Europa retratarlos por medio de la música.
de la época y no puede constituir Tanto Berlioz como Liszt se hicieron
ninguna sorpresa que Debussy y Ravel famosos por obras que retrataban lo
acusaran la inspiración de Borodin, demoníaco: Berlioz en el sabbat de
cuya música les seguía sonando, un las brujas de la Symphonie fantastique
cuarto de siglo más tarde, como recién y Liszt en sus valses Mefisto o en su
horneada. Una Sinfonía Fausto en tres retratos de
Una noche en el Monte Pelado ha carácter. El esfuerzo por crear música
pasado a ser una de las piezas más demoníaca los empujó hacia nuevos y
populares de Mussorgsky. Inflamado sorprendentes descubrimientos y
comienza cuando la muchacha parecer un gran éxito entre la comitiva por la inspiración, la escribió este nuevo lenguaje musical era
está estudiando en el colegio de un de damas jóvenes en el castillo. Liszt directamente en forma de partitura exactamente lo que Mussorgsky quería.
convento, donde sueña con vivir en la tocó todas las piezas y las elogió. orquestal (en vez de orquestarla a Desgraciadamente, la
alta sociedad. Se imagina en un baile Cuando publicó la suite, Borodin partir de un borrador para piano) y en desconcertante novedad de la pieza
y se deleita con la perspectiva de estar decidió no revelar al público los títulos su momento vio que podría convertirse resultó excesiva incluso para el resto
bailando. Centra su atención en uno de programáticos. en su principal baluarte para alcanzar de integrantes de Los Cinco. Él quería
los hombres que se encuentra allí, que El instrumento de Borodin era el la fama y como un gran salto hacia dedicar la pieza a Balakirev, su mentor,
la colma de atenciones y le ofrece una violonchelo, no el piano, por lo que su la creación de un estilo ruso. En una pero este rechazó dirigirla a menos que
serenata. La última pieza, “On est bercé escritura pianística, aunque eficaz, carta reveló el diseño programático: se introdujeran cambios. Mussorgsky
par le bonheur d’être aimée” [Nos arrulla está dominada por las seguras texturas “Las brujas se reúnen en el Monte no quiso cambiar nada, por lo que la
la felicidad de ser amados], tuvo al cuartetísticas. Pero sus piezas no son Pelado, chismorreando y conspirando partitura languideció dentro de un

36 37
 2

armario. Tras la prematura muerte Eugène Delacroix, Fausto y Mefisto galopando Página del autógrafo de “Gnomus”, de Cuadros dedicatario. Stasov era un polígrafo
de Mussorgsky, Rimsky-Korsakov en la noche del sabbat de las brujas (1828). de una exposición. con un especial interés por la música
revisó sus partituras e hizo grandes John H. Wrenn Memorial Collection. y las artes visuales, y prestó su apoyo
esfuerzos por crear versiones que vigoroso a artistas rusos de primera
lograran que la música de su amigo línea cuyo trabajo era, en cierto
fuera acogida con una gran aceptación. sentido, inconfundiblemente ruso. Su
La reputación póstuma de Mussorgsky esperanza era que Rusia se convirtiera
se cimentó en un principio sobre las en una líder en el ámbito de las artes,
versiones de su música preparadas por mejor”, como se refirió a ella Sviatoslav Liszt, que había expresado grandes en vez de limitarse a tomar prestados
Rimsky-Korsakov y su reelaboración Richter, parece haber surgido de elogios sobre el ciclo naturalista de procedimientos musicales europeos
de Una noche en el Monte Pelado en ninguna parte, en otro rapto de canciones El cuarto de los niños del heredados. Tanto Hartmann como
concreto acabaría siendo conocida inspiración de gran intensidad. No compositor ruso. Mussorgsky tenía Mussorgsky formaban parte del grupo
por decenas de millones de personas existe nada en la música para piano pensado conocer a Liszt en Europa, de protegidos de Stasov y fue gracias a
gracias a la película Fantasía, de Walt rusa hasta ese momento que haga pero, desgraciadamente, el viaje no él como se conocieron y reconocieron
Disney. A principios del siglo pasado, presagiar las dimensiones, la variedad llegó a realizarse nunca. su afinidad artística.
Konstantin Chernov, un famoso y la originalidad de los Cuadros. El ciclo Dos de los amigos de Mussorgsky Hartmann, ligeramente más
arreglista que trabajó para varias de Mussorgsky no se adecua al salón se hallan íntimamente asociados joven que Mussorgsky, logró su fama
editoriales musicales rusas, realizó un y, a pesar de todas sus dificultades, con esta obra: uno es el artista antes y es recordado principalmente
virtuosístico arreglo para piano. también esquiva el evidente despliegue Viktor Hartmann, cuya exposición como uno de los creadores del “estilo
Cuadros de una exposición, “la virtuosístico. Es probable que se encuentra ilustrada en la música, pseudorruso” en la arquitectura y las
primera pieza para piano rusa, y la Mussorgsky escribiera la obra para y el otro es Vladimir Stasov, el artes aplicadas, que se valió de modelos

38 39
 Baba-Yagá, personaje muy marcado entre las dos piezas largo trémolo. En otra sacudida, nos
recurrente del francesas, Tuileries y Limoges, que son vemos transportados al lado oscuro de
folclore ruso, da vívidas escenas urbanas, plagadas los cuentos folclóricos rusos, donde
nombre a uno de
de voces animadas que no paran la Baba-Yagá es una vieja bruja que
los movimientos
de hablar, y las dos escenas de la vive en una casa sostenida por patas
de Cuadros de
una exposición
localidad polaca de Sandomierz, que gigantes de gallinas. Ella se encarga
de Mussorgsky. formaba entonces parte del Imperio de vigilar la frontera entre la tierra
Ilustración de ruso. La atmósfera se ensombrece y de los vivos y la tierra de los muertos.
Ivan Bilibin (1900). se agría, y pasamos de la sofisticación Hartmann se presentó en una ocasión
a las privaciones y a un tono lóbrego. en un baile de disfraces vestido como
Seguimos el avance de un “býdlo”, un la Baba-Yagá, algo que debía de saber
2
carro provisto de las enormes ruedas Mussorgsky. Quizás el compositor
que se necesitaban para transitar por estaba devolviendo a Hartmann a
los caminos embarrados en paisajes su disfraz para que pudiera escapar
poco desarrollados. En la zona había así de la tierra de los muertos en las
un gran número de asentamientos catacumbas.
judíos y Mussorgsky reúne a dos Hay un cambio de escena
de estos vecinos, resaltando la brillantemente cinematográfico
distancia social existente entre ambos cuando el pasaje virtuosístico final
mediante la yuxtaposición de la de la Baba-Yagá nos conduce a una
música inspirada por los cánticos de versión semimitologizada de la ciudad
la sinagoga y las texturas sugeridas de Kiev. Hartmann había diseñado
por el cimbalom, un instrumento una Puerta Bogatyr para la ciudad, de
folclórico. resultas de un encargo, pero, debido
Aparte del diario de viaje, también a la muerte prematura del artista, no
nos desplazamos del mundo presente acabó de realizarse nunca. Podemos
al mundo futuro. Del bullicio del oír fragmentos de un servicio fúnebre,
mercado de Limoges descendemos pero domina el sonido de las campanas
a las catacumbas de París. Aquí celebratorias. El tema del “Paseo” hace
decorativos folclóricos y los expandió propio compositor aparece retratado encontramos al propio Hartmann, entonces una última aparición, a modo
a una escala mucho mayor. Como en los diversos Paseos con música que nos conduce a unas calaveras de apoteosis con la fisonomía de un
afirmó un crítico en tono admirativo, que se refiere indirectamente a coros relucientes, representadas con un himno.
“Cuando necesitan construirse cosas folclóricos rusos, con audaces cambios
ordinarias, Hartmann no es la persona de compás. La exposición en cuestión (Traducción: Luis Gago)
adecuada: él necesita edificios de era en realidad un acto conmemorativo
cuento de hadas, castillos mágicos... que se celebró poco después de la
y entonces crea cosas asombrosas”. muerte de Hartmann, que falleció
Algunas de estas creaciones fantásticas cuando tenía tan solo treinta y nueve
pueden verse aún en los bocetos que años.
se han conservado (por ejemplo, el El ciclo es también una suerte
de “Gnomo”), mientras que otros de diario de viaje, que refleja los
pueden únicamente imaginarse a realizados por Hartmann a Italia,
través de la música de Mussorgsky. El Francia y Polonia. Hay un contraste

40 41
Varvara

JORDI ROCA
Nacida en Moscú, se formó en la grandes orquestas como la del Teatro
2
Escuela de Música Gnessin y en el Mariinsky, la Tonhalle de Zúrich,
Conservatorio Estatal Tchaikovsky, la Sinfónica de la Radio de Viena
prosiguiendo su educación en la y la Orquesta Sinfónica de Bilbao,
Hochschule für Musik und Theater trabajando con directores de la talla
de Hamburgo bajo la tutela de Evgeni de Valery Gergiev y David Zinman. Su
Koroliov. En 2006, fue galardonada repertorio abarca todos los períodos
en el Concurso Internacional Bach musicales y su pasión por la música
de Leipzig y en 2012 ganó el primer de cámara la ha llevado a formar un
premio del Concurso Géza Anda de dúo estable con el violinista Fumiaki
Zúrich, consolidándose como una Miura y un trío con el violonchelista
prestigiosa pianista. Colabora con Jonathan Roozeman. Es una destacada
intérprete de recitales en festivales
y salas de concierto de renombre inter-
nacional, como el Festival de Lucerna,
la Philharmonie de París o el Auditorio
Nacional de Música de Madrid. Entre
sus grabaciones más aclamadas se
encuentran obras de Mozart, Handel
y Liszt, así como una versión de las
Variaciones Goldberg muy elogiada por
la crítica.

42 43
 I Kyrylo Stetsenko (1882-1922)
Tý vsió yescho liúbish yegó [Todavía lo quieres]
Stoyála yá i slúshala vesnú [Me quedé y escuché la primavera]
Kovál [El herrero]

Yak vechírnya zoriá [La puesta de sol]

Zápovit [Testamento]
Tsar gorój [El rey gorój]
Dyvliús yá na yásni zóri [Contemplo los amaneceres serenos]

Mykola Lysenko (1842-1912)

Chóven [El velero]

MIÉRCOLES 26 DE MARZO DE 2025, 18:30 Yakby zustrílisia my znovu [Si nos encontráramos de nuevo]
U ned’ilju vrants’i rano [El esclavo]
Ogní goriát [Las luces brillan] 3
En la estepa: canciones Bezmézhneye póle [El campo infinito]
de Ucrania y Rusia
Andrei Bondarenko, barítono II Anton Rubinstein (1829-1894)
Klubítsa volnóyu [Se arremolina como ola]
(Canciones persas, op. 34 nº 9)
Malcolm Martineau, piano
Nikolay Rimsky-Korsakov (1844-1908)
Na jolmáj Grúzii [En las colinas de Georgia]
(Cuatro romanzas, op. 3 nº 4)
Oktava [Octava] (Al poeta, op. 45 nº 3)

O, yésli b ty moglá [Oh, si pudieras] (Cuatro romanzas, op. 39 nº 1)

Modest Mussorgsky (1839-1881)

Piésni i pliáski smerti [Canciones y danzas de la Muerte]
Kolybélnaya [Canción de cuna]
Serenada [Serenata]
Trepak
En directo por Canal March, YouTube, Radio Clásica y
Polkovódets [El mariscal de campo]
RTVE Play, con entrevista previa a las 18:00
Audio disponible en Canal March durante 30 días.

44 45
Kiev versus San Petersburgo

Marina Frolova-Walker

La primera mitad de este programa de ningún modo los movimientos

contiene canciones de dos nacionales de independencia. Tras La escritora ucraniana Lesya Ukrainka da
compositores ucranianos: Mykola buscar un nuevo propósito en su vida, rostro a los billetes de 200 grivnas vigentes a
Lysenko y Kyrylo Stetsenko. Lysenko fue ordenado sacerdote ortodoxo y no día de hoy en su país natal.
es una figura fundamental en la pudo regresar a Kiev hasta después de 3
historia de la música ucraniana, una la primera revolución de febrero de
especie de padre fundador. Recopiló 1917.
canciones folclóricas ucranianas, creó Las canciones de Stetsenko
una Escuela de Música y Drama en nos ofrecen un amplio abanico Monumento a Taras Schevchenko en Kiev.
Kiev y fue un compositor prolífico, de estilos y subgéneros. En el En él se puede leer un framento del poema
con obras repartidas en diversos extremo abiertamente lírico de esta “Testamento”.
géneros, incluidas seis óperas. diversidad se encuentra “Todavía lo
Aunque su talento fue refrendado quieres”, sobre el tema del amor no
nada menos que por Tchaikovsky, su correspondido. “Me quedé y escuché de su compatriota), creando una línea compositor Gordii Gladkii en la década
determinación de poner música a la primavera” está pintada con melódica adicional en la parte de piano de 1870). Se trata de una melodía
textos ucranianos (en vez de rusos) delicados colores pastoriles y pone que va serpenteando en una especie de poderosa y memorable en un arreglo
en sus óperas y en su más de un música a versos de la poeta ucraniana sutil pintura sonora. realizado con gran destreza.
centenar de canciones de concierto que escribía bajo el seudónimo de “Testamento” pone música a “El rey gorój” sobresale por sus
restringió sus oportunidades. “Lesya Ukrainka”. “El herrero” es un poema icónico del más grande grandes dosis de comedia y se
Stetsenko, cuarenta años más joven, muy diferente: escrita después del poeta nacional de Ucrania, Taras inspira en un original francés, el
fue nombrado asistente en el coro regreso de Stetsenko a Kiev, refleja Shevchenko. El poema fue escrito en poema satírico “Le roi d’Yvetot”,
de Lysenko, por lo que este pasó el espíritu revolucionario de la época 1845 y circuló por medio de copias del chansonnier francés Pierre-Jean
a ver en él a su verdadero sucesor con la adopción de un estilo enérgico manuscritas hasta que el censor Béranger. La sátira, escrita en 1815 tras
en la creación de una música culta e irreverente derivado de una danza imperial permitió la publicación de los la derrota de Napoleón, es la historia de
nacional ucraniana. En 1911, Stetsenko folclórica. El texto de “La puesta de sol” primeros ocho versos (y ninguno más) un rey que vive derrochando el dinero:
publicó un arreglo del himno nacional es una imitación de la poesía de Heine, en 1867. La canción de Stetsenko es, en Béranger tuvo al parecer en mente al
ucraniano, lo que dio lugar a su y Stetsenko parece haber tomado su realidad, un arreglo de una melodía recién coronado Luis XVIII. Stetsenko,
expulsión de Kiev, ya que el censor inspiración de Schumann (famoso ya existente que se piensa que era que compuso su canción en 1912, pocos
imperial no permitía que se alentaran por sus canciones a partir de poemas una tonada folclórica (escrita por el años después de la aplastante derrota

46 47
 Las canciones de concierto de
Lysenko son muy diferentes, aunque
uno de sus tipos predilectos está lleno
de una tempestuosa emoción, con una
línea vocal que contiene audaces saltos,
sostenida por agitadas figuraciones en
el piano. “El velero” es una canción de
este tipo, que contiene las reflexiones
de un hombre que ve la vida como una
barquita que se bambolea en medio de
un mar embravecido.
Las canciones de Lysenko sobre
poemas de Shevchenko, el más
importante poeta nacional ucraniano,
se consideran por regla general el eje
central de esta parte de su producción.
Entre ellas se encuentra una romanza
de salón, “Si nos encontráramos
de nuevo”, sobre unos versos que 3
escribió Shevchenko para su amor
secreto, Hanna Zakrevska. “El esclavo”
es mucho más ambiciosa, con una
música que evoca a un poema épico
cantado por un bardo. Cuenta la
trágica historia de un cosaco que es
capturado por los otomanos y sufre
torturas y humillaciones durante su
cautiverio, al tiempo que lamenta la
pérdida de su patria. La línea vocal
es un quejumbroso recitativo, con el
piano imitando el rasgueo de una kobza
ucraniana, un tipo de laúd. Otro poema
de Shevchenko, “Las luces brillan”,
está compuesto como una polonesa
y describe las festividades juveniles
de Rusia en su guerra con Japón, tuberculosis. Esta fue una de las Iván Aivazovsky, La novena ola (1850). en un salón de baile. El protagonista
redirigió la sátira al zar Nicolás II. últimas canciones de Stetsenko y Museo Estatal Ruso de San Petersburgo del poema, sin embargo, no ha sido
“Contemplo los amaneceres serenos” utiliza el texto de un modo más general invitado y observa la escena desde el
se basa en otro poema de Lesya para contraponer la desesperación a exterior. Lisenko permite que el oyente
Ukrainka, que puede interpretarse un desafío heroico. Poco después, el interprete la escena literalmente, o
como la intensa confesión personal compositor murió de fiebre tifoidea en que la tome como una metáfora. Y
de una mujer joven cuya vida se un pueblo, con su país arrasado por la la selección de piezas de Lysenko se
verá cercenada muy pronto por la guerra civil, el hambre y la enfermedad. cierra con otra canción tempestuosa,

48 49
 Las canciones de
Mirza Shafi, editadas 3
por Friedrich
Bodenstedt con
ilustraciones de
Alexander Blaschke.
Viena, Verlag Carl
Konegen, 1924. Mikhail Lermontov, La carretera militar
georgiana cerca de Mtsheta (Paisaje con una giro melódico. Los densos acordes
Saklia - vivienda de montañeros caucásicos) crean una atmósfera más oscura y
inspirada en un poema de Iván Franko, de su ciclo “persa”, escrita sobre un (1837) más opresiva de lo que sugieren los
otro eminente escritor nacionalista texto de Mirza Shafi Vazeh, un poeta versos de Pushkin. Las dos canciones
ucraniano. Aquí, el insoportable azerbaiyano que vivió durante los años siguientes proceden de la última fase
sufrimiento amoroso del protagonista de expansión rusa en el Cáucaso. Los de la carrera de Rimsky-Korsakov,
lo conduce presumiblemente, en un versos de Mirza Shafi, originalmente retrato del lamento del poeta por la cuando ya se había cansado de los
campo nevado, a su final. en persa, llegaron a Rubinstein en impermanencia de todas las delicias. estilos “ruso” u “oriental” y buscaba
En la segunda mitad del programa, una traducción alemana, y el ciclo El joven Rimsky-Korsakov escribió explorar ideas más universales y
escucharemos canciones de concierto de canciones se publicó en 1855. En también una evocación musical del dentro del paisaje más amplio del
de San Petersburgo, la capital del estas canciones anticipó muchos Cáucaso en “En las colinas de Georgia”, posrromanticismo. La canción
Imperio ruso, con un ámbito que aspectos del estilo “oriental” ruso un poema de Aleksandr Pushkin “Octava” es un himno a la inspiración
abarca desde Polonia hasta el Cáucaso. que pasó a ser mucho más conocido sobre los temas de la separación y la que extrae el arte de la naturaleza, un
Anton Rubinstein fue un compositor posteriormente gracias a la música nostalgia en presencia de un sublime tema agradable para un compositor
muy prolífico y un reducido número de de Los Cinco. La herencia musical paisaje montañoso. Rimsky-Korsakov que cuando mejor componía es cuando
sus numerosas canciones capturaron persa se evoca por medio de la línea evita el mero exotismo y los elementos se encontraba en su finca rural. “Oh,
los corazones de varias generaciones. melódica ornamental, “arabesca”, del colorido local se mantienen si pudieras” es una canción sobre el
Una de las más populares es una que contribuye a un extraordinario sutiles e implícitos: oímos un bordón tormento amoroso, escrita en un estilo
exquisita canción que forma parte sincopado en el bajo o un inusual lírico que recuerda a Schumann y

50 51
 Golenischchev-Kuzutov, un íntimo final. La empatía que despertaban en a menudo en la tesitura de tener que
amigo de Mussorgsky, alegorizan Mussorgsky quienes se encontraban buscar un techo bajo el que cobijarse.
y dramatizan la Muerte de cuatro en el umbral más bajo de la sociedad En la última canción vemos a la Muerte
maneras contrastantes. La palabra resulta evidente en la desgarradora como una figura aterradora y resulta
“muerte”, en ruso, es femenina, “Trepak”, en la que la Muerte canta llamativo que Mussorgsky se valga
como en español, lo que hace que el una canción de cuna consoladora a un de la melodía de la canción polaca “Z
retrato de la Muerte como una mujer campesino perdido en la nieve. Una dymem pożarów” [Con el humo de los
resulte completamente natural (como experiencia así resultaba más cercana incendios], que anima a los polacos
sucede en al menos dos de las cuatro a Mussorgsky de lo que podrían a sublevarse para hacer frente al
canciones). La Muerte llega en primer sugerir sus orígenes nobles, ya que su dominio ruso.
lugar a la cama de un bebé enfermo, alcoholismo hizo que su vida estuviera
luego a una muchacha adolescente que siempre en precario y él mismo se vio (Traducción: Luis Gago)
sueña con el amor, a un campesino
borracho en medio de una tormenta
de nieve y, finalmente, a un campo de
batalla, como el auténtico mariscal
de campo que está dirigiendo la
matanza. La concepción se inspira
en la tradición de los cuadros de la 3
danse macabre que se remontan a
la Peste Negra a mediados del siglo
Esqueletos de todos los seres humanos, uno de
xiv. Musicalmente, el ciclo acusa la
los grabados del siglo xvi de Hans Holbein
influencia de Totentanz [Danza de la
que podría haber servido de inspiración para
Franz Liszt en la composición de su Totentanz.
Muerte], para piano y orquesta, de
Liszt, una pieza aterradora y obsesiva
que Mussorgsky consideraba muy
superior a la más conocida Danse
macabre de Saint-Saëns.
La figura de la Muerte de
Tchaikovsky (este último había muerto Mussorgsky se caracteriza de manera
cuatro años antes). Dado que Rimsky- diferente para cada uno de los
Korsakov utilizó este estilo a una escala sucesivos encuentros. En la primera
más grandiosa en su ópera La novia del canción, dice a una madre exhausta
zar, la canción es una suerte de esbozo que puede vigilar al niño enfermo
preparatorio, además de una pieza al tiempo que el acompañamiento
deliciosa por derecho propio. crea una sensación claustrofóbica de
Las Canciones y danzas de la terror. A la muchacha de la Serenata
Muerte de Mussorgsky parten de (probablemente enferma, aunque
géneros de la canción de concierto no se nos dice), la Muerte se le
ya consolidados, como las romanzas aparece como un caballero locamente
y las danzas folclóricas, a las que el enamorado que promete éxtasis, pero
compositor infunde luego una sombría el grito final “¡Eres mía!” nos revela
ironía. Los textos poéticos, de Arseni que la muchacha ha llegado a su

52 53
Andrei Bondarenko Malcolm Martineau

MARINA LENEVA

KK DUNDA
Nacido en Kamenez-Podolsky Rondine y Ford en Las alegres comadres Uno de los pianistas acompañantes la Salle Gaveau de París, la Ópera de
(Ucrania), ha sido descrito por el de Windsor. En el ámbito concertístico, del Reino Unido más demandados, ha Sídney, el Mozarteum de Salzburgo,
Financial Times como “una fuerza debutará con la Orquesta Filarmónica actuado con reconocidos cantantes la Konzerthaus de Viena o el Suntory
convincente” y cuenta ya con una de Bergen. como Sir Thomas Allen, Janet Baker, Hall de Tokio y ha sido invitado por los
destacada carrera internacional. En En la temporada 2023-24 can- Florian Boesch, Elīna Garanča, Angela festivales de Salzburgo, Viena y Aix-
la temporada 2024-25 debuta como tó Kurwenal en Tristán e Isolda en Gheorghiu, Susan Graham, Thomas en-Provence. Ha presentado su propio
Escamillo en Carmen en el Teatro de la el Teatro Massimo de Palermo y el Hampson, Angelika Kirchschlager, ciclo de conciertos en el Wigmore
Ópera de Roma con Omer Meir Wellber papel protagonista de Don Giovanni Dame Felicity Lott, Anne Sofie von Hall londinense y en el Festival de
y en la Volksoper de Viena interpretará en el Festival de Glyndebourne. En Otter y Sonya Yoncheva. Ha actuado en Edimburgo. Su discografía cuenta con 3
a Robert en Iolanta, Rambaldo en La la Volksoper de Viena interpretó a los principales teatros y salas de todo más de cien títulos y ha recibido dos
Germont en La Traviata, Marcello en el mundo, como el Alice Tully Hall, el premios Gramophone, un Grammy y
La bohème y Rambaldo en La Rondine. Carnegie Hall y la Metropolitan Opera un BBC Music Magazine. En la actua-
Ha actuado en prestigiosos teatros de Nueva York, el Barbican Centre y lidad, es profesor en la Royal Academy
de ópera, como la Deutsche Oper de la Royal Opera House de Londres, el of Music y doctor honoris causa y fellow
Berlín, la Ópera de Dallas, la Ópera Gran Teatre del Liceu de Barcelona, internacional de Acompañamiento
Estatal de Hamburgo y la Royal Opera en el Real Conservatorio de Escocia.
House de Londres, en títulos como En 2014, la reina Isabel II lo distinguió
Yevgueni Onegin, Don Giovanni, Le como Oficial (OBE) de la Orden del
nozze di Figaro, La bohème y Werther. Su Imperio Británico por sus servicios a
versatilidad lo ha llevado a interpretar la música y su apoyo permanente a los
tanto repertorio clásico como con- jóvenes cantantes.
temporáneo en escenarios de Europa,
América y Asia.

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 I Sergei Prokofiev (1891-1953)
Sonata para piano nº 3, op. 28

Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840-1893)

Gran sonata en Sol mayor, op. 37
Moderato e risoluto
Andante non troppo quasi moderato
Scherzo. Allegro giocoso
Finale. Allegro vivace

II Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840-1893)

Seis piezas basadas en un tema, op. 21
Prélude. Allegro moderato
Fugue à 4 voix. Andante
MIÉRCOLES 2 DE ABRIL DE 2025, 18:30
Impromptu. Allegro molto
Marche funèbre. Moderato. Tempo di Marcia
Al teclado: Mazurque. Allegro moderato
Scherzo. Allegro vivace
Prokofiev, Tchaikovsky y Rachmaninoff
Sergei Rachmaninoff (1873-1943)
Peter Donohoe, piano Variaciones sobre un tema de Chopin, op. 22

En directo por Canal March, YouTube, Radio Clásica y

RTVE Play, con entrevista previa a las 18:00
Audio disponible en Canal March durante 30 días.

56 57
Formas clásicas en versión rusa Petrogrado
durante la
revolución de
1917. Biblioteca
Nacional Rusa,
San Petersburgo.

Marina Frolova-Walker

A mediados de la década de 1910,

Sergei Prokofiev era el “enfant
El pianista,
terrible” del panorama musical ruso.
compositor y
Algunos integrantes de la anterior
director Anton
generación de compositores, como Rubinstein,
Glazunov, simplemente le hacían fundador del
el vacío, mientras que otros, como Conservatorio de
Rachmaninov, seguían asistiendo a San Petersburgo.
sus conciertos. En los primeros meses
de 1917, Prokofiev se vio rodeado
de agitaciones sociales: el zar hubo
de abdicar y fue sustituido por un
gobierno que fue radicalizándose
rápidamente. Prokofiev, sin embargo, 4
estaba mucho más interesado en su
nueva sonata para piano, una obra
en un movimiento que retomó un
material embrionario que había
bosquejado durante sus años en el de un despliegue de contrapunto Tchaikovsky dedicó sus Seis piezas
Conservatorio. Prokofiev reelaboró ligero y nostálgico, inspirado por sobre un tema a su antiguo profesor de
estos esbozos para ponerse a la par y una muchacha a la que admiraba composición, Antón Rubinstein, que
aun superar sus obras más recientes, desde lejos en sus tiempos del era también un pianista de renombre
que cultivaban un estilo “bárbaro” Conservatorio. Tomó su apellido internacional, con la esperanza de
de un virtuosismo implacable, a la Sergei Prokofiev al piano, alrededor de 1918. “Eche” y lo plasmó musicalmente que él incluyera pronto las piezas en
manera de una toccata, y fuertes Autor desconocido. como Mi (E)-Do (C)-Si natural (H) y, su compendioso repertorio. En una
disonancias. Pero en medio del de nuevo, Mi (E, según la notación decisión que resultó frustrante para
tumulto hay también una vena musical alemana). No se sabe si ella el músico, Rubinstein no las tocó
clasicista: una melodía lírica de una llegó a descubrir alguna vez este durante una década, pero finalmente
inocencia que desarma en medio emocionante homenaje. las interpretó en público en 1883.

58 59
 Himo latino Dies me pidió que le estuchara tocar mi caprichosos y ágiles figuraciones.
irae, atribuido a sonata. La tocó de un modo soberbio... Considerado a gran escala, sin
Tomás de Celano Me quedé sencillamente estupefacto embargo, es una huida escapista de
(1200-1260). Esta
por el arte y la energía que logró reunir las cuestiones tan serias planteadas
línea melódica ha
para esta obra árida y complicada”. en los anteriores movimientos.
sido una referencia
constante a lo largo
La sonata se tiene hoy por el pináculo El Finale avanza velozmente con
de la historia de la de las obras para piano solo de una caleidoscópica secuencia de
música, incluyéndose Tchaikovsky: está escrita a una escala temas, cada uno de ellos siguiendo
en la mayoría de las verdaderamente sinfónica y rivaliza implacablemente al otro. Sobresale un
misas de difuntos. asimismo en riqueza e intensidad con tema como una poderosa afirmación
las sinfonías del compositor. lírica, y quien escuche la obra por
Tchaikovsky empezó a escribir la primera vez bien podrá imaginar que
obra a orillas del Lago Ginebra en la servirá para formar una apoteosis
primavera de 1878, después de que triunfal en la conclusión, pero
Tchaikovsky, consolado, dijo que y sumergiendo el tema dentro de su hubiera abandonado su vida de recién Tchaikovsky se niega a sí mismo esta
“difícilmente podrían tocarse mejor”. veloz figuración. casado y decidiera huir de Rusia para opción evidente para favorecer, en
Después de esto, varias de las piezas se La Marcha fúnebre hace cuanto evitar el consiguiente escándalo. cambio, un final más ambiguo. Los
convirtieron en integrantes esenciales puede por ocultar cualquier parecido Regresó a Rusia más tarde, en ese comentarios del compositor sobre el
de su repertorio durante sus giras por con un compás de marcha con el fin mismo año, pero siguió recluido, ahora Finale de su Cuarta sinfonía parecen
el extranjero. de retratar su dolor a un nivel más en la finca ucraniana de su hermana, y igualmente adecuados para este
Está claro que Tchaikovsky confiaba personal. La sección central es un fue allí donde terminó la sonata en el movimiento: “Si no puedes encontrar
con impresionar a su antiguo profesor estallido apasionado que culmina en curso de varios meses. Al igual que la la felicidad dentro de ti mismo, busca
con su sofisticación compositiva. una cita del canto del Dies irae de la Cuarta sinfonía que la había precedido, en otros. Sal y mézclate con otras
Había concebido un tema, en el misa de difuntos católica, que se había la música lírica de la Sonata representa personas. Observa lo bien que lo están
sentido de una serie de notas, que convertido en un símbolo de la muerte al protagonista, mientras que el pasando, entregándose simplemente
podría revestirse de perfiles rítmicos profusamente utilizado en manos mundo exterior es un clamor hostil. El a la alegría. La vida es soportable,
diferentes. Este tema forma la base de los compositores románticos. brillante tema semejante a una marcha después de todo”.
para seis piezas con caracteres tan La Mazurka arranca allí donde se que abre y cierra el primer movimiento Tras el gran éxito de su Segundo 4
diferentes que únicamente los oyentes había detenido la Marcha fúnebre, presenta el aire de un triunfo forzado concierto para piano, Rachmaninoff
más atentos serán capaces de discernir heredando parte de la sombría y Tchaikovsky subraya su intención estaba ya listo para componer una
el hilo común. Tchaikovsky sabía atmósfera anterior, pero iluminándose irónica con la introducción del motivo gran obra para piano solo después
que una de las obras predilectas de posteriormente. El Scherzo final está del Dies irae, inicialmente de un modo de varias colecciones de piezas
Rubinstein para tocar en concierto, el construido en torno al procedimiento lírico. La trágica significación del virtuosísticas, pero relativamente
Carnaval de Schumann, se aproximaba predilecto de Tchaikovsky de alternar movimiento se revela en el tremendo breves. Se sumergió en las obras
a su material temático del mismo entre dos y tres partes (6/8 y 3/4), clímax central. de Chopin en busca de inspiración,
modo. En el Preludio y la Fuga, el tema y oscila entre un aire puramente El segundo movimiento es una especialmente para el desarrollo
apunta a sus posibles raíces en la juguetón y una tendencia más lírica expresión de dolor, introvertido y de sus texturas pianísticas. Al final
canción folclórica rusa, pero muestra que se abre paso en la más plácida cohibido, que se transmite por medio decidió tomar el Preludio en Do menor
también que puede funcionar igual de sección central. de una melodía que se queda anclada de la op. 28 de Chopin como el tema
bien en un contexto contrapuntístico Tchaikovsky escribió su Gran Sonata, en dos notas, incapaz de tomar vuelo. para una monumental serie de
serio. El Impromptu es la pieza más op. 37 en 1879, pero posteriormente El tercer movimiento es un scherzo Variaciones sobre un tema de Chopin,
abiertamente schumanniana de albergó dudas sobre la obra. “Estaba que Schumann se hubiera sentido op. 22, que escribió en el curso
todas, caprichosa en todo momento en casa de Nikolai Rubinstein, donde feliz de haber escrito, con ritmos de 1904. El Preludio de Chopin es

60 61
 Las Variaciones 1-10 conforman
la primera sección, todas ellas en la
tonalidad de Do menor del tema. El
Preludio de Chopin vuelve la vista atrás
hacia la música barroca, especialmente
en el empleo del conocido como
bajo descendente de lamento en la
segunda frase. Rachmaninoff toma
esto como un guiño al estilo barroco,
con las Variaciones núms. 1, 3 y 5
explorando diversas figuraciones a
la manera de Bach, mientras que la
núm. 9 sugiere el poderoso órgano de
una catedral y la núm. 10 pone fin a la
sección con una tonificante toccata.
Las figuraciones en las núms. 7 y 8
recuerdan a Schumann y Chopin,
respectivamente. Las núms. 4 y 6 nos
permiten oír la voz inconfundible
del propio Rachmaninoff con una
Programa de mano del concierto aofrecido por
abrumadora riqueza en sus texturas.
Sergei Rachmaninoff el 18 de enero de 1934 en
En la núm. 4, el tema se bosqueja en
el Auditorio Hill de Ann Arbor, Michigan.
la mano izquierda, pero la derecha
despierta nuestra atención con sus
inusual: es uno de los más breves de Arnold Böcklin, La isla de los muertos (1883). angustiadas exclamaciones. La núm.
la colección y no contiene nada que Kunstmuseum, Basilea. Rachmaninov 6 es una de las más memorables, un
resulte llamativamente chopiniano, ya compuso su poema sinfónico homónimo nocturno que transforma el tema en
que está escrito de un modo austero, inspirado por una copia en blanco y negro de las primeras variaciones, mientras que una melodía delicada y ondulante, 4
acórdico, con insinuaciones de una este cuadro que había visto en París en 1907. las posteriores se toman libertades mientras que hacia el final emerge una
marcha fúnebre. Pero esta misma cada vez mayores y la conexión con el hermosa contramelodía en el centro
sencillez resultaba deseable en un propio tema puede resultar difícil de de la textura, como si estuviera ahora
tema para una serie de variaciones y discernir, al menos en una primera tocando una tercera mano.
las asociaciones con la muerte también escucha. Rachmaninov también dibuja En la segunda fase (núms. 11-18),
encajaban con las predilecciones de un viaje emocional de la tragedia al las variaciones pasan a ser más
Rachmaninov (muchas de sus obras triunfo, de Do menor a Do mayor, largas, más independientes y más
simbolizan la muerte o aluden a ella). Rachmaninoff construyó la obra aunque hay quiebros y giros por el desarrolladas, mientras que se
Rachmaninov logró extraer nada cuidadosamente como una estructura camino. Atraviesa una amplia variedad intensifican los contrastes entre las
menos que veintidós variaciones del a gran escala, no simplemente como de estilos y géneros, en una especie sucesivas variaciones. La núm. 11
Preludio, planteando muchos desafíos una sucesión de viñetas. Al igual de rutina teatral con rápidos cambios se aventura cautelosamente en una
compositivos e inventando novedades que sucede con muchas obras en que nos deja maravillados ante los tonalidad mayor (Mi bemol), con
pianísticas en el límite mismo de la forma de variación, las principales extremos contrastes en una música cambiantes armonías crepusculares,
dificultad técnica. características del tema (como la que se deriva en su totalidad de un pero la núm. 12 regresa a Do menor,
forma y la tonalidad) se conservan en mismo tema. abriéndose en una textura fugada

62 63
 Konstantin Somov, que había desaparecido prácticamente la serie. Aunque el género, una
Retrato de Sergei de nuestra vista. majestuosa Polonesa, podría sugerir
Rachmaninoff (1925). Es difícil pasar por alto el comienzo un nuevo homenaje a Chopin, los
Museo Estatal Ruso.
de la sección final: de repente nos antecedentes inmediatos son las
vemos sumergidos en una luz polonesas de Tchaikovsky (en las
brillante, en la inesperada tonalidad óperas y en la Tercera Sinfonía), y hay
de La mayor, como si nos hubieran también “arabesques” que apuntan a
despertado las campanas de la Scheherazade de Rimsky-Korsakov:
iglesia en la mañana del Domingo de estos dos compositores rusos fueron
Resurrección, con una textura acórdica dos de las principales influencias de
que se adecua muy bien a las grandes Rachmaninoff. El grandioso clímax
manos del propio Rachmaninoff. Esta va cediendo lentamente para dar paso
escena se desvanece y se ve sustituida a una emotiva coda, en la que se oyen
casi cinematográficamente por un por última vez algunos fragmentos
leve vals chopiniano. Estamos ante del tema de Chopin, persistiendo en
una auténtica “escena de amor” de una alternancia entre las notas Do
Rachmaninov en la núm. 21, donde y Re, Los estudiosos han sugerido
perdemos todo sentido del tiempo que esta podría ser la firma musical
en medio de la intrincada red de de Rachmaninoff, con el Do (C)
polirritmos. Pero Rachmaninoff haciendo referencia a la letra cirílica
también hace gala de sus talentos que representa el sonido “S” en
contrapuntísticos: el tema de Chopin Serguéi, y el Re (D) para representar a
aparece aquí expuesto en un canon Rachmaninoff. Una alternancia entre
entre la voz más aguda y la central, las mismas notas había aparecido
ejecutado con tanta delicadeza que los asimismo en el tema principal de su
oyentes menos atentos se quedarán tal Segundo concierto para piano (escrito
como estaban en sus ensueños. poco antes de las Variaciones), lo
La núm. 22 se amplía para que refuerza la credibilidad de esta 4
que se disuelve enseguida en un un modo inquietante en notas muy formar un final adecuado para toda hipótesis.
pasaje semejante a una cadencia. En largas. El schumanniano scherzo
las siguientes variaciones, vamos de la núm. 15 es más leve tan solo (Traducción: Luis Gago)
descendiendo de un modo más en la superficie, porque contiene
profundo en las características las primeras incursiones del Dies
penumbras de Rachmaninov: irae, el famoso símbolo romántico
la núm. 13 es una quejumbrosa de la muerte. La núm. 16 podría ser
zarabanda con colores armónicos fácilmente un preludio independiente
extraordinariamente sombríos, de Rachmaninov, agridulce más que
mientras que la núm. 14 presenta oscuro, pero en la núm. 17 el motivo
una misteriosa textura que se del Dies irae reaparece y conduce a
extiende por todo el teclado como un colosal clímax trágico. La núm. 18
si estuviera escrita a cuatro manos, nos saca de esta temible penumbra y
en vez de para tan solo un pianista, vuelve también a recordarnos el tema,
mientras que el tema aparece de

64 65
Peter Donohoe

SIM CANETTY-CLARK
Nacido en Manchester, estudió Birmingham. Ha realizado giras por el
en la Chetham’s School of Music, Reino Unido con la Filarmónica Rusa y
en la Universidad de Leeds, en el ofrecido recitales internacionalmente.
Royal Northern College of Music Sus compromisos recientes incluyen
y en París con Olivier Messiaen e la interpretación de los Conciertos
Yvonne Loriod. Ha trabajado con las para piano de James MacMillan con
Orquestas Filarmónicas de Dresde, la Orquesta Sinfónica de la BBC de
San Petersburgo, Moscú, Londres y la Escocia, un recital de la integral de las
BBC, la Sinfónica Nacional de RTE y sonatas de Skriabin en Milton Court
la Orquesta Sinfónica de la Ciudad de de Londres y una serie de Mozart en
Perth. La pasada temporada presentó
la Sinfonía Turangalîla de Messiaen
junto con la Sinfónica de Londres
dirigida por Simon Rattle. Jurado de
importantes concursos internaciona-
les como el Tchaikovsky de Moscú, el
Reina Elisabeth de Bruselas, el Georges
Enescu de Bucarest y los Concursos 4
de Dubái y Hong Kong, su discografía
reciente incluye las Sonatas para piano
de Mozart.

66 67
Selección bibliográfica Autora de las notas al programa

Marina Frolova-Walker, Russian Music Richard Taruskin, On Russian Music,

Marina Frolova-Walker
and Nationalism. From Glinka to Stalin, Berkeley, University of California Press,
New Haven, Yale University Press, 2028. 2010.

Simon Morrison, Tchaikovsky‘s Empire: Stephen Walsh, Musorgsky and His Circle:
A New Life of Russia‘s Greatest Composer, A Russian Musical Adventure, Londres,
New Haven, Yale University Press, 2024. Faber & Faber, 2013.

Catedrática de Historia de la Música en

la Universidad de Cambridge y miembro
Michael Russ, Musorgsky: Pictures at del Clare College en Cambridge, donde
an Exhibition, Cambridge, Cambridge es directora de Musicología, también
University Press, 1992. es profesora de Música en el Gresham
College de Londres. Una de las princi-
pales autoridades mundiales en música
rusa, ha dado a conocer al público inter-
nacional no sólo nuevos repertorios, sino
también nuevas formas de concebir las
obras conocidas. Es autora de Russian
Music and Nationalism from Glinka to
Stalin (Yale, 2007), Stalin’s Music Prize:
Soviet Culture and Politics (Yale, 2016) y
coautora (con Jonathan Walker) de Music
and Soviet Power, 1917-1932 (Boydell,
2012). Elegida miembro de la Academia
Británica en 2014 y galardonada con
la Medalla Dent de la Royal Musical
Association por su destacada contri-
bución a la Musicología, se ha compro-
metido a compartir los conocimientos
obtenidos de su investigación con un
público más amplio a través de charlas,
apariciones en radio y televisión, y sus
numerosas publicaciones.

68 69
CRÉDITOS Desde 1975, la Fundación Juan March BIBLIOTECA DE MÚSICA
organiza en su sede de Madrid una La Biblioteca y centro de apoyo a la
temporada de conciertos que actualmente investigación de la Fundación Juan March
Los textos contenidos en este programa pueden está formada por unos 160 recitales está especializada en el estudio de las
TEMPORADA DE MÚSICA (disponibles también en march.es, en
reproducirse libremente citando la procedencia. DE LA FUNDACIÓN JUAN MARCH humanidades, y actúa además como centro de
directo y en diferido). En su mayoría, estos apoyo a la investigación para las actividades
© Marina Frolova-Walker Director conciertos se presentan en ciclos en torno desarrolladas por la Fundación. Su fondo
© Luis Gago Miguel Ángel Marín a un tema, perspectiva o enfoque y aspiran especializado de música lo forman miles de
© Departamento de Música. Fundación Juan March a ofrecer itinerarios de escucha innovadores partituras, muchas manuscritas e inéditas,
Coordinadores de producción y experiencias estéticas distintivas. Esta
Daniel Falces Pulla
grabaciones, documentación biográfica y
ISSN: 1989-6549, marzo-abril 2025 concepción curatorial de la programación profesional de compositores, programas de
DL: M-30498-2009 Sonia Gonzalo Delgado estimula la inclusión de plantillas y
Celia Lumbreras Díaz concierto, correspondencia, archivo sonoro de
repertorios muy variados, desde la época la música interpretada en la Fundación Juan
Diseño medieval hasta la contemporánea, tanto de
Guillermo Nagore Asistente de coordinación March, bibliografía y estudios académicos,
Juan Antonio Casero Gallardo
música clásica como de otras culturas. En así como por revistas y bases de datos
Javier Pérez Fernández los últimos años, además, se promueve un bibliográficas. Además ha recibido la donación
Maquetación
intensa actividad en el ámbito del teatro de los siguentes legados:
Rosana G. San Martín
Coordinador de Auditorio musical de cámara con la puesta en escena
Impresión César Martín Martín de óperas, melodramas, ballets y otros
Román Alís
Ágata, S. L. Madrid géneros de teatro musical.
Salvador Bacarisse
Producción escénica y audiovisual
Agustín Bertomeu
Ilustración de portada Scope Producciones, S. L. ACCESO A LOS CONCIERTOS Pedro Blanco
Alfredo Casasola Solicitud de invitaciones para asistir a los
Documentación y archivo Delfín Colomé
José Luis Maire conciertos en march.es/invitaciones. Antonio Fernández-Cid
Julio Gómez
Agradecimientos Los conciertos de miércoles, sábado y Ernesto Halffter
Irene Comesaña Aguilar domingo se pueden seguir en directo por Juan José Mantecón
Diana Visaitova march.es y YouTube. Además, los conciertos Ángel Martín Pompey
de los miércoles se transmiten en directo por Antonia Mercé “La Argentina”
Radio Clásica de RNE y RTVEPlay. Gonzalo de Olavide
Elena Romero
Joaquín Turina
RECURSOS EN MARCH.ES Dúo Uriarte-Mrongovius
Los audios de los conciertos están disponibles Joaquín Villatoro Medina
en march.es /musica durante los 30 días
Ciclo de miércoles: “Voces íntimas: música rusa del Romanticismo al Nacionalismo”, marzo-abril de 2025 posteriores a su celebración. En la sección
[notas al programa de Marina Frolova-Walker]. - Madrid: Fundación Juan March, 2025. “Conciertos desde 1975” se pueden consultar PROGRAMA DIDÁCTICO
las notas al programa de más de 4000 La Fundación organiza, desde 1975, los
72 pp.; 20,5 cm. (Ciclo de miércoles, ISSN: 1989-6549, marzo-abril 2025. conciertos. Muchos de ellos se pueden disfrutar “Conciertos didácticos”: 20 conciertos
Programas de los conciertos: [I.] Amor y melancolía en la canción rusa. “Obras de M. Balakirev, A. Borodin, M.
en Canal March (canal.march.es) y el canal didácticos al año para centros educativos de
Mussorgsky, N. Rimsky-Korsakov, C. Cui y P. I. Tchaikovsky”, por Erika Baikoff, soprano y Sholto Kynoch, piano; MarchVivo de YouTube. secundaria. Los conciertos se complementan
[II.] El imaginario musical ruso. “Obras de S. Taneyev, A. Borodin y M. Mussorgsky”, por Varvara, piano; [III.] con guías didácticas, de libre acceso en march.
En la estepa: canciones de Rusia y Ucrania. “Obras de K. Stetsenko, M. Lysenko, A. Rubinstein, N. Rimsky- es. Más información en march.es /musica/
Korsakov y M. Mussorgsky”, por Andrei Bondarenko, barítono y Malcolm Martineau, piano y [IV.] Al teclado:
Prokofiev, Tchaikovsky y Rachmaninoff. “Obras de S. Prokofiev, P. I. Tchaikovsky y S. Rachmaninoff”, por
Peter Donohoe, piano, celebrados en la Fundación Juan March los miércoles 12, 19 y 26 de marzo y 2 de CANALES DE DIFUSIÓN
abril de 2025.
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1. Canciones.- 2. Canciones (Soprano) con piano – S. XIX.- 3. Canciones en ruso.- 4. Música para piano – S.
XIX.- 5. Preludios.- 6. Fugas.- 7. Suites.- 8. Arreglos (Música).- 9. Canciones (Barítono) con piano – S. XIX.- Síganos en redes sociales:
10. Música para piano – S. XX.- 11. Sonatas.- 12. Variaciones.- 13. Programas de conciertos.- 14. Fundación X, Facebook, YouTube, Medium
Juan March - Conciertos.

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La Fundación Juan March es una institución familiar y patrimonial creada en 1955 por
el financiero Juan March Ordinas con la misión de fomentar la cultura en España sin
otro compromiso que la calidad de su oferta y el beneficio de la comunidad a la que
sirve.

A lo largo de los años, las cambiantes necesidades sociales han inspirado, dentro de
una misma identidad institucional, dos diferentes modelos de actuación. Fue durante
dos décadas una fundación de becas. En la actualidad, es una fundación operativa
con programas propios, mayoritariamente a largo plazo y siempre de acceso gratuito,
diseñados para difundir confianza en los principios del humanismo en un tiempo
de incertidumbre y oportunidades incrementadas por la aceleración del progreso
tecnológico.

La Fundación, en su sede de Madrid, organiza exposiciones de arte y ciclos de

conciertos y de conferencias; además, alberga una Biblioteca especializada en música
y teatro español contemporáneos, ilusionismo y estudios curatoriales, así como un
Centro de Apoyo a la Investigación y un Laboratorio de Datos. Es también titular del
Museo de Arte Abstracto Español, en Cuenca, y del Museu Fundación Juan March, en
Palma, donde expone su colección de arte español del siglo XX.

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 PRÓXIMOS CONCIERTOS DE MIÉRCOLES

BARTÓK EN ESPAÑA
9 ABR
Dénes Várjon, piano
Obras de Marcello, Della Ciaja, Scarlatti, Kódaly y Bartók, algunas
transcritas por el propio Bartók para sus recitales como solista
Notas al programa de László Stachó

AULA DE (RE)ESTRENOS (128):

CÁMARA INÉDITA: CUARTETOS ESPAÑOLES
CON PIANO
23 ABR
Trio Lirico. Franziska Pietsch, violín. Attila Aldemir, viola. Hila
Karni, violonchelo y Josu de Solaun, piano
Cuartetos con piano de Vicente Zurrón y Bartolomé Pérez Casas
(Primera interpretación en tiempos modernos)
Fundación Notas al programa de Fernando Delgado
Juan March
Castelló, 77
28006 Madrid MELODRAMAS: CÓMO SUBIR UNA ESCALERA
[email protected] SIN PELDAÑOS
+34 914354240
30 ABR Y 1 MAYO
Entrada gratuita. Taller Sonoro. Rocío de Frutos, actriz. Manolo Caro, actor.
Parte del aforo
se puede reservar Foto-teatro musical de César Camarero (1962), con texto de Virginia
por anticipado. Nogueira a partir del relato A shadow’s Life de Stanley J. Reeve.
Conciertos en directo
por Canal March Notas al programa de César Camarero
y YouTube. Los de
miércoles, también
por Radio Clásica y
RTVEPlay.

Accede a toda la
información de la
temporada en
march.es/madrid/
conciertos.

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