Los temas de Visconti
1. La decadencia es el tema principal. Decadencia en los personajes, en las situaciones,
en el ambiente… Todo se torna cada vez más oscuro a medida que pasan los minutos
de la cinta.
2. La figura materna es mostrada de mil maneras a lo largo de la obra de Visconti. Es un
personaje (el de la madre) que siempre rebosa fuerza y tiene un papel importante en
la historia, siendo retratado de las maneras más diversas: Una figura que aparece en
muchas de las películas de Visconti es la de un niño:
3. La familia
4. El autor muestra una visión desesperanzada de la sociedad. El cine de Visconti es
decadente, los personajes siempre se mueven de más a menos, son seres
atormentados que viven una situación de cambio en sus vidas y que les empuja a su
propio fin.
2. Planos, encuadres, profundidad de campo Visconti
PLANOS
Es un director al que le gusta mover la cámara, pero nunca lo hace de un modo caprichoso.
Siempre que un encuadre se mueva dentro de una obra del realizador italiano es por una
razón: la aparición de un nuevo personaje, el recalco de la acción de uno de los que está en
ese momento en pantalla, la preparación del plano para encadenarlo con el siguiente, Etc-
siempre utiliza dos tipos de movimientos: los paneos y los zooms. Mediante el uso de estos
movimientos el director realiza varias acciones:
Reencuadrar a los personajes principales: la acción dramática hace que el personaje se
mueva y salga del cuadro. Visconti sigue siempre a sus personajes.
Describir un paisaje o lugar: Visconti hace que la cámara abandone a su protagonista y se
mueva libremente a lo largo de todo el decorado, deleitando al espectador con cada
detalle y resaltando ciertas partes del escenario recurriendo a los zooms.
Resaltar un personaje secundario: muchas veces existen personajes que se encuentran en
el fondo del cuadro y en los que el espectador no había reparado, bien porque acaban de
entrar en el cuadro o bien porque la atención del público se centraba en otro lado del
encuadre. Al principio, parece que el movimiento de cámara no tiene sentido. Pero tras
unos segundos, reparamos en ese personaje cuya aportación a la historia será breve y
puntual.
El zoom es uno de los recursos más usado por el realizador italiano. Es una constante en
todas sus películas, el director hace que el espectador se acerque a la acción como si se
acercara a un cuadro: el tamaño de los objetos entre ellos permanece proporcional, lo
único que cambia es que el tamaño de la imagen es mayor. Un recurso generalmente feo
es usado con gran maestría por Visconti y permite observar su obra como se observa una
pintura y dotándola de la misma belleza. Es un recurso que, por otro lado, el italiano
asocia a las emociones de los personajes; es muy frecuente ver ampliarse la imagen
cuando un discurso de uno de los protagonistas cobra más fuerza y alejarse cuando éste
empieza a declinar, o que se pase a un primer plano cuando la tensión dramática
aumente.
Los abundantes movimientos de cámara del cine de Visconti (paneos y zooms) se ocupan de
los siguientes objetivos:
reencuadrar a los personajes principales
describir un ambiente o lugar
resaltar un personaje que de otro modo habría pasado inadvertido al espectador.
El uso del zoom aporta además dos cosas:
el ampliar la imagen de la misma manera que un amante del arte observaría un cuadro
El permitir acercarse a los personajes o alejarse de ellos de acuerdo con su nivel
emocional.
ENCUADRES
El tamaño de los encuadres está muy cuidado en todas sus películas. Siempre combina los
planos largos y los cortos y los combina mediante el uso del zoom y su talento en el montaje,
gracias a eso puede pasar de situaciones descriptivas a otras más dramáticas y hacer que
ambos conceptos lleguen muchas veces a mezclarse.
El tamaño de los encuadres le permite hacer sentir al público sensación de agobio encajonado
a los personajes dentro del plano (sacarles cortados en el encuadre).
PROFUNDIDAD DE CAMPO
Otro elemento narrativo perfectamente usado es el de la profundidad de campo. El
desenfoque dentro del cuadro hace que la atención del espectador se dirija al punto exacto
de cada imagen. Es un rasgo muy importante, debido al barroquismo que impregna la obra de
Visconti y que podría hacer que el público se distrajese de la acción principal por culpa de lo
recargado que está el fondo.
El uso de la profundidad de campo le permite centrar la atención del espectador dentro de la
imagen.
3. Planificación, montaje y sentido del ritmo
La manía de Visconti por pulir hasta el último detalle y su obsesión por alcanzar la perfección,
se dejan ver en la planificación de todas sus películas. Es algo que se nota en los detalles más
sutiles. Dentro de la planificación, cabe destacar dos aspectos:
el fuera de campo y
el uso de los espejos para completar la narración.
En el fuera de campo, brilla el uso que el director hace de las miradas de los personajes. La
línea marcada por sus ojos nos permite imaginar qué está mirando.
Los espejos en el cine viscontiano son un elemento más puesto al servicio del director para
superar las limitaciones del encuadre. Es uno de los rasgos más preciosistas de la obra del
director italiano. Mediante un detallado trabajo de planificación del cuadro, el director
ofrece en un mismo plano dos imágenes incompatibles. También es un recurso que emplea
para poder realizar virguerías estéticas a la hora de mover la cámara: En La caída de los dioses
vemos cómo la cámara enfoca a Constantino por detrás en plano general y el zoom no se
acerca a é,l sino a su reflejo en el espejo en plano corto. Sin necesidad de cambiar de plantel
realizador, nos muestra la expresión del actor.
Un montaje de rasgos muy clásicos: nunca se salta un eje y cumple al milímetro la regla de
los 90º. La cámara gira lo suficiente para que el espectador se oriente ante lo que está
viendo y, al mismo tiempo, obtiene información nueva que no se encontraba dentro del
encuadre.
El paso de un plano a otro se produce siempre al corte, nunca por encadenado. Ni cuando
recurre al uso de recursos temporales el autor opta por emplear encadenados. El ritmo del
cine de Visconti está fundamentado en el montaje y la planificación. Es un cine lento pero no
aburrido. El director se toma tiempo para que el espectador reflexione sobre los temas
expuestos. En algunas películas, acelera el pase de un plano a otro y realiza un montaje más
picado. Luego recobra la calma y permite disfrutar al espectador de una historia pausada. Y es
que así es el cine de Visconti. Las historias se desarrollan despacio, sin llegar a pararse.
Disfrutando el camino que lleva hasta el final, aunque éste sea terrible.
5. Iluminación, tono y color
El cine de Visconti juega mucho con los contrastes cromáticos y tonales. La iluminación de las
escenas y el color de la imagen se ajustan a las emociones que el autor italiano quiere
transmitir al público. La iluminación será suave cuando lo que ocurra dentro del cuadro sea
un momento relajado, pero usará luces duras y fuertes sombras cuando haya momentos de
más tensión. Muchas veces, el director apela a la dramatización de los encuadres. Utiliza una
luz dura que hace resaltar las sombras. También recurre a dramatizaciones y contrastes de
luces y sombras en algunas escenas.
Dirección artística
Era un director capaz de hacer que un actor ofreciera lo mejor de si mismo. Su experiencia en
el teatro le permitió ponerse en la piel de los actores e indicarles cómo quería que fuera su
interpretación. Su espíritu perfeccionista hace que cuide hasta el más mínimo gesto que
realiza uno de los protagonistas. Suele contar siempre con actores que ya conoce.
7. Valoración personal
Es un autor que propone un ritmo muy pausado y lento, al que hay que acostumbrarse. Una
vez que te adaptas a la velocidad de la película, al estilo pausado y relajado de cada plano y te
paras a observar los decorados y los paisajes, el encanto de todos los detalles, el brillo de cada
color y la belleza de la composición es cuando se descubre el cine de Visconti. Poco a poco,
llaman la atención los pequeños detalles: un ligero movimiento de cámara que acompaña a un
camarero en el fondo de la imagen, un arranque suave que relaja al espectador que lo
contempla, reflexiones de los protagonistas sobre cuestiones abstractas… El cine de Visconti
equivale a la contemplación de un cuadro en el que el pintor a cuidado cada detalle. Tras el
visionado de Muerte en Venecia, las demás películas fueron más fáciles de asimilar. El
gatopardo me habría costado bastante si no hubiese leído hace tiempo el libro de Lampedusa,
del que tengo un grato recuerdo, pero lo que más me extrañó fue el cambio de nombre de
Tancredi a Alfonso. El resto de películas son más llevaderas, pero siempre con la disposición y
el ánimo preparados para una experiencia que lleva su tiempo y que no se puede disfrutar con
prisas. El autor era un incondicional de Mann y Proust y su estilo cinematográfico se asemeja
bastante a la prosa de ambos. La prosa de Proust es densa y cargada de adjetivos y
descripciones. Lo mismo se podría decir de Visconti, cinematográficamente. El refinamiento de
sus películas, su obsesión por los detalles y sus manías, emulan las narraciones del escritor
francés. Lo más insólito dentro de su estilo narrativo es el empleo del zoom. No he llegado a
entender muy bien esa obsesión que tiene el director por alejarse y acercarse a la acción con
un recurso estético tan feo, sobre todo, siendo alguien que tiene tan presente la belleza a la
hora de hacer cine. Al final, acabas por acostumbrarte pero creo que mediante travellings, las
escenas serías aun más hermosas. Me gusta cómo mueve la cámara de una manera suave y
natural, cediendo el protagonismo a los personajes. El movimiento del objetivo no comienza
hasta que el personaje al que va a seguir empieza a moverse. Es una cámara puesta al servicio
de los actores, hasta que se cansa de permanecer con ellos y decide pasearse sola para
describir el resto del decorado. La escena de Muerte en Venecia donde se conocen
Aschenbach y Tadzio es un ejemplo perfecto: el espectador parte de que lo que ve es lo que
vería uno de los personajes, hasta que se da cuenta de que es un paseo de la cámara, que en
sus primeros compases coincidía con la vista subjetiva del actor. Mi escena favorita es de La
caída de los dioses. Martin le acaba de quitar todo el poder a su madre y su padrastro, y ocupa
el puesto en la cabecera de la mesa. Acaba de convertirse en el jefe de la familia y, como para
asegurarse, da unos golpes sobre la superficie con la palma abierta del mismo modo que hacía
su abuelo, y después su padrastro, cuando querían que les prestasen atención. Es una escena
preciosa que muestra la decadencia de la familia y el cambio de un gobierno por otro,
manteniendo en esencia los rasgos antiguos. Es una aceptación del poder y también una
obtención de éste. Otras escenas grandiosas son: Cuando Burt Lancaster dice “los cuervos
van en bandadas, pero las águilas vuelan en solitario” y Helmut Berger responde con una cita
de la Biblia. La conversación entre Burt Lancaster y Alain Delon de El gatopardo, que acaba
con la mítica frase de: “Todo tiene que cambiar para que todo siga igual”. La muerte de
Aschenback en la playa veneciana, con el tinte de pelo resbalándole por la frente. La parte
final de El inocente
