TEMA 5.

CINE SONORO
1. CINE NORTEAMERICANO. ESTADOS UNIDOS EN
LOS 30 Y 40
1.1. SONORIZACIÓN
El primer intento de sonido, que todavía es un poco defectuoso, es la película Don Juan de Alan Crosland, que sale
en Cantando bajo la lluvia. En un principio el sonido va con disco que se intenta sincronizar con las imágenes. Con El
cantor de jazz consiguen coordinar el sonido. El estudio que apostó por el sonido fue Warner Bros en el año 1927.

1.2. DOBLAJE
En la película Hallelujah ya hay doblaje en el año 1929. Va a desarrollar el musical americano.

1.3. DESARROLLO DEL MUSICAL

El género musical arranca con el nacimiento del sonoro, con The jazz Singer (1927). Este género recoge lo mejor de
Europa (music-hall). Comienza con BUSBY BERKELEY, director y coreógrafo, famoso por sus elaborados números
musicales, hace un poco de todo. Son grandes escenografías, grupos de baile a veces muy grandes perfectamente
coordinados. Mezcla parte del musical americano, que es una historia muy relacionada con la comedia amorosa
sobre todo (aunque no siempre tiene por qué ser así). Una de las primeras parejas de musical de Berkeley es Judy
Garland y Mickey Rooney, que hacen películas de adolescentes. En el musical americano normalmente los
protagonistas cantan, bailan, actúan. Tiene mucho éxito.
 Sombrero de copa (1935) con Fred Astaire y Ginger Rogers. Juega con un montaje: musical americano,
importancia en la escenografía, el baile, la cámara (no puede marear al espectador y tiene que jugar con un
montaje que no entorpezca la escena).
 Singing in the rain (1952). No son personajes de la alta sociedad, no son gente muy adinerada. El protagonista es
un huérfano pobre, que trabaja por sí mismo.
 West Side Story (1962). Peleas de bandas. El musical se va adaptando a sorprender a un publico mayoritario.
 Cabaret (1972). Trabaja esa lucha política del nazismo por un lado y por otro lado relaciones muy abiertas.
 Fantasía (1940). Primera película donde meten música clásica para los niños. Fue una apuesta de Disney y de la
Metro que luego va a distribuir a otros estudios. La sincronización entre la escena y los gestos con la música.

1.4. COMEDIA DE HUMOR VERBAL

Al aparecer el sonido, aparece la comedia de humor verbal, El diálogo que antes era una cartela ya no hace falta.
Aparecen muchos guiones y guionistas que dan mucha importancia a los diálogos, que son muy rápidos e
inteligentes. Con anterioridad a los Hermanos Marx, el cómico era un pobrecito desgraciado, que sufre y que está
por debajo o fuera de la sociedad. Lo que nos encontramos con los Hermanos Marx es que ellos son los listos que se
burlan de todos. En un principio son 4, uno fallece, siguen actuando los 3 restantes.

Cada dos años o así hacen una película, escriben los guiones, sobre todo Groucho Marx. La importancia va a estar en
los diálogos:
 Sopa de ganso (1933)
 Una noche en la ópera (1935). Lo que hacen es una sátira, caricaturizan. Siempre hay líos, relaciones amorosas.
La más famosa es la escena del “camarote de los hermanos Marx” donde se concentran los diálogos, el toque
surrealista, el aire absurdo y la genialidad de lo cómico

1.5. LA CENSURA
El código Hays fue un código de producción cinematográfico que determinaba con una especie de censura, qué se
podía ver en pantalla y qué no. Creado por la asociación de productores cinematográficos de Estados Unidos
(MPAA) describía lo que era considerado moralmente aceptable.
Creado por uno de los líderes del Partido Republicano de la época, William H. Hays, miembro del MPAA. Aunque fue
escrito en 1930, se aplicó desde 1934 hasta que se abandonó en 1967, para dar lugar al nuevo sistema de
Clasificación por edades.

Principios generales:
 No se autorizará ningún film que pueda rebajar el nivel moral de los espectadores.
 Nunca se conducirá al espectador a tomar partido por el crimen, el mal, el pecado.
 Los géneros de vida descritos en la película serán correctos, teniendo en cuenta las exigencias particulares del
drama y del espectáculo.
 La ley, natural o humana, no será ridiculizada y la simpatía del auditorio no irá hacia aquellos que la violentan.

1.6. CINE NEGRO

El género que revolucionó Hollywood fue el cine de gángsters, delincuentes, mafiosos y también de asesinatos.

Sin lugar a dudas la época de la Ley Seca (1920-1933) en Estados Unidos, favoreció el que se hiciera un cine de
escapismo en torno a aquellos violentos años, aquellos famosos contrabandistas de alcohol, siendo muchos de ellos
ensalzados por la prensa y los medios, y otros que procedieron a organizarse en bandas según su procedencia y su
etnia. Eran los denominados gángsters y dieron lugar a los orígenes del cine negro con films como:
 Hampa Dorada, de Melvyn LeRoy (1931),
 El enemigo público (1931) de William A. Wellman
 Scarface, el terror del hampa, de Howard Hawks (1932).
 Laura (1944) de Otto Preminger.

ALGUNOS DIRECTORES Y OBRAS SIGNIFICATIVAS:

Howard Hawks:
 Scarface: The Shame of a Nation (1932). Película de gánsteres
 To Have and Have Not (1944). Cine romántico, de guerra y aventuras
 La fiera de mi niña (1940). Comedia americana
 Río Rojo (1948). Género western
 Río Bravo (1959). Genero western.

Frank Capra:
 Qué bello es vivir (1946). Considerada una de las mejores películas de la historia del cine.
 Arsénico por compasión (1944). Comedia macabra

1.7. WESTERN
John Ford:
 La diligencia (1939). Género western
 Cheyenne Autumn (1964). Género western.
 Las uvas de la ira (1940). Debido a las sequías producidas en Estados Unidos muchos lugares se despueblan
trasladándose sus habitantes a la zona oeste. Crea una serie de tensiones. Es un cine de denuncia.

1.8. ORSON WELLES

Admirador del teatro de Shakespeare. Desde muy joven ha sido capaz de manejar a las masas. Realiza:
 Ciudadano Kane, (1941) es una forma diferente de hacer cine, es una biografía camuflada. Se utiliza un poco de
todo: primeros planos, montaje (muy importante, admira el montaje ruso), tomas desde abajo, desde arriba,
perspectiva focal, profundidad de campo. Un lenguaje puramente cinematográfico que inquieta al público.
Hay una doble vida, una doble respuesta, la vida interior y la vida exterior. Referencias al espejo, conectado
con el mito de Narciso y su sistema de referencias psicoanalíticas.
 El cuarto mandamiento. (1942). Sus películas son muy morales, sobre la felicidad de un personaje.
 Touch of Evil. (1957) La pasión, la venganza.
 Campanadas a medianoche (1965) Grabada en España. Tema de la libertad, de la pasión, la convivencia, la lucha.
 Fraude. (1973). De las últimas películas que hizo. Falsificador que había en Palma de Mallorca. En sus películas
denuncia los desequilibrios morales y las injusticias, pero en esta última película habla de las falsificaciones y la
gran mentira en el arte.

2. EL REALISMO POÉTICO FRANCÉS

Es la primera gran corriente cinematográfica francesa en el cine sonoro, en la década de
1930, en que la industria cinematográfica francesa realiza sus nuevas inversiones. Al formar
parte del cine sonoro, una gran parte de las escenas está filmada al servicio de los diálogos,
pues la palabra se convierte en el centro de atención.
En ese momento, la primera vanguardia había sufrido un estrangulamiento, y los
intelectuales franceses se convierten en independientes, desarrollando el Realismo
Poético Francés. No es un movimiento fuertemente unificado como el montaje
soviético o el impresionismo francés, sino que es más conocido por los individuos
que crearon este estilo lírico. Hay que tener en cuenta que la poesía es una visión individual, no es
colectiva, por lo que debido a esta vuelta al realismo lo que prevalece es la visión individual, habiendo menos
experimentación. Va a recoger todos los avances, es un reinicio del cine.

Estas películas son de un realismo recreado, estilizado y ligado al estudio, en lugar de

acercarse al sociorrealismo documental. Influenciado por la literatura naturalista, las
vanguardias y el cine expresionista alemán, suelen tener una visión fatalista de la
vida, un cine marcado por el destino y la fatalidad, en el que sus personajes viven al
margen de la sociedad y no pueden escapar al destino; sus vidas terminan en desastre.
Supone un intento de denuncia social, a diferencia de Estados Unidos.
Son “poéticos” debido al esteticismo elevado. No son películas muy rentables, pero este
movimiento creó un gran número de películas muy influyentes. Retoma la idea de
concepto de ciudad de las películas expresionistas de los años 20, en que la ciudad
es la personificación del vicio, calles distorsionadas, arquitectura torturada (sobre
todo en las escenas nocturnas), con un trabajo sutil sobre la luz que es el elemento
visual más característico del realismo poético. También juegos de luz y cámara,
planos inclinados para perspectivas forzadas y yuxtaponen escenarios de estudio y
escenarios naturales.

CARACTERÍSTICAS REALISMO POÉTICO FRANCÉS:

 Contexto popular. Gente de la calle, gente media, desconocida.
 Personajes malditos
 El destino y la fatalidad
 El paisaje y su iluminación deben expresar sensaciones y sentimientos
 Visión propia de la realidad, personal, poética
 Misterio, belleza y magnetismo

RENÉ CLAIR (RENÉ CHOMETTE)

 Entreacto (1924). Realizado en la primera vanguardia. Cortometraje influido por el dadaísmo y el surrealismo.
 Bajo los techos de París. (1930). Fue su primer film sonoro. Trabaja los bajos fondos, el ambiente marginal,
haciendo una radiografía de la sociedad francesa.
 À nous la Liberté (1931). Es muy crítico con la deshumanización propia de la era industrial.
 El fantasma va al oeste. (1935). Es su primer largometraje en inglés Género de comedia romántica – fantástica.
El sentido de cámara de René Clair se manifiesta en el sentimiento de movilidad, de libertad visual de la película.
 Me casé con una bruja (1942). La IIGM lo llevó a EEUU, donde realizó este film, hito de la comedia fantástica
estadounidense.

JEAN VIGO
Solo realiza 3 películas:
 A propósito de Niza. (1930). Estructura bastante documental. Hace una comparación entre clase alta y clase baja.
 Taris, roi de l’eau (1931). Documental en forma de cortometraje. El filme destaca fundamentalmente por las
innovaciones técnicas empleadas, como las tomas subacuáticas, los primeros planos y las imágenes a cámara
lenta del cuerpo del nadador. Trabaja con un cámara que había trabajado con Dziga Vértov. Esto sorprende
mucho. Es importante la cámara, el movimiento, la proximidad al espectador, lo que hace que sea bastante
innovador.
 Cero en conducta (1933). Habla de cómo se vive en un orfanato. Esto no se había visto en cine, sí tenemos
referencias en la literatura como Dickens. Realiza una crítica de la autoridad, de determinadas instituciones.
 L’Atalante. (1934). Vigo aúna el surrealismo de Buñuel con el realismo poético de Jean Renoir. Queda inacabada
por él, pero la terminan los de su alrededor. No tuvo mucho éxito en su tiempo pues no se terminaba de
entender, aunque con el paso del tiempo ha tenido mayor éxito. Matrimonio, enamoramiento entre un capitán y
una mujer. Se van a vivir al barco, ella se muere de aburrimiento y él tiene que trabajar para subsistir. Al final ella
se acaba escapando. Era muy innovador. Es muy investigador plástico, construye relatos con un lenguaje muy
cinematográfico.

JACQUES FEYDER (1885-1948)

Consigue trabajo como actor teatral y luego cinematográfico. Adapta obras clásicas. Se va a Hollywood donde
estudia el sonido, conoce a Greta Garbo. En el año 1934 regresa a Francia.
 La kermesse heroica, (1935) ambientada en Flandes en el siglo XVII. Es una sátira de la guerra, la violencia, el
miedo, lo que pueden ser los diálogos, el valor, el honor, esto es bastante nuevo. Hay dos actitudes ante la
invasión: los hombres quieren guerra (honor) y las mujeres lo que quieren es una actitud más diplomática (que
no les hagan daño). Finalmente vence la propuesta de las mujeres.

JULIEN DUVIVIER
Duvivier venía de las películas de arte y ensayo. Cada vez es más realista, pesimista después de la IIGM. Rodó
películas mudas y finalmente van a rodar películas con sonido.
 Pépé le Moko (1937). Un delincuente de París se va a Marruecos para esconderse en Argelia. Allí se enamora de
una mujer. No pueden desprenderse de la pasión, de la mujer fatal.
 Un Carnet de Bal (1937). Comedia ideológica, es el enfrentamiento entre la Iglesia católica italiana y el partido
comunista italiano. Tenemos personajes del pueblo, existentes e inexistentes.

MARCEL CARNÉ (1906-1996)

Esta visión individual y el sentido de la poesía va a estar presenta en su filmografía.
 Le quai des Brumes (El muelle de las brumas). (1938) Película sonora de tiempos de guerra, el es un desertor y
ella una mujer muy joven. Ella esta huyendo porque es huérfana. Los dos huyen, se encuentran y se enamoran.
Carácter moral de la película.
 Les enfants du paradis (Los niños del paraíso) (1945). Película muy criticada en un principio y muy admirada con
el paso del tiempo. Francia está ocupada, pero además el argumento de la película esta ocupada, hay una
compañía de teatro que trata de sostener la moral de la ciudad haciendo obras de teatro todos los días, a pesar
de la guerra. Tanto los autores como el público realizan una crítica contra la invasión alemana.

MARCEL PAGNOL (1895-1984)

Antes de hacer cine era novelista, hacía obras de teatro con cierto éxito. Cuando se pone a hacer cine es importante
su influencia como novelista. Esto es importante porque el relato y el guion va a tener mucha importancia. Creó sus
propios estudios cinematográficos.
 La Trilogie Marseillaise: Marius (1931), Fanny (1932) y Cesar (1936). Cada película se centra en la historia de un
personaje. Marius es un homenaje a su tierra, la Provenza, es la primera parte.
 La femme du Boulanger (La mujer del panadero) (1938). Película sonora. El panadero se acaba de instalar en el
pueblo con su mujer a quien no le gusta la vida en el pueblo, se aburre mucho y se enamora de otro. El marido lo
lleva fatal por lo que empieza a beber, intenta suicidarse y renuncia a hacer pan. Es un drama bastante
psicológico, vemos las ilusiones del panadero, sus sentimientos peor también el aburrimiento y la decepción.

JEAN RENOIR (1894-1971)

Quizás es la figura más representativa e influyente. Tiene un estilo muy personal. Se basa en obras literarias
francesas bastante conocidas y mezcla actores profesionales con aficionados. Es el primero en introducir actores
aficionados en el cine. Es muy admirador de la comedia del arte: algunos personajes son naturales y otros son un
tanto parodias. Intenta que su cine haga reflexionar. Busca el misterio para que la gente reflexione. Participó en la
IGM, se alista en el ejército del aire. Estudió en un colegio católico.
 Nana. (1926) Es un autor naturalista. Nana es una prostituta, esta denunciando este tema. Convierte una obra
de Zola en una película, por lo que adapta el guion. Esta película tiene bastante éxito porque es una película con
un ritmo bien narrado, bien interpretada.
 Toni (1935). Contiene los postulados del neorrealismo italiano.
 La gran ilusión (1937). Esta actuando como actor, no como director. Transcurre en un campo de concentración
donde se van a encontrar gente alemana y gente prisionera francesa. Lo llamativo es que ambos grupos se llevan
bien y construyen algo entre todos. Tiene un relato pacifista, lo que no era usual, evoca la solidaridad y la
fraternidad. Desde el punto de vista más técnico es bastante avanzada.
 La Marsellesa. (1938) Escenas simultáneas, contraluz.
 The River (1951). Muy bella, muy plástica, muy poética. Respeta las costumbres.
 Comida en la hierba. (1959)

3. EL NEORREALISMO
Visconti viene de la aristocracia, es un hombre aficionadísimo a la música.