LENGUA CASTELLANA Y LITERATURA, 2º BACHILLERATO TEMA 8.

Teatro español anterior a 1936

TEMA 8. El teatro español anterior a 1936:

tendencias, rasgos principales, autores y obras más significativas

8.1. El teatro comercial: comedia burguesa (Jacinto Benavente), teatro cómico (Pedro Muñoz Seca y Carlos
Arniches) y teatro poético (Eduardo Marquina).
8.2. El teatro renovador: Federico García Lorca.
8.3. La trayectoria dramática de Ramón María del Valle-Inclán.

* Autor para “Localización razonada de un texto literario” del examen PAEG: Ramón María del Valle-Inclán (teatro).

EPÍGRAFE 1:

El teatro comercial: comedia burguesa (Jacinto Benavente), teatro cómico (Pedro Muñoz Seca y
Carlos Arniches) y teatro poético (Eduardo Marquina).
Entre todos los géneros literarios, el dramático es el que se encuentra más condicionado por los intereses
comerciales, porque no se trata solo de un texto literario sino que su fin último es la representación, por lo cual se
requiere una fuerte inversión que debe verse recompensada con la aceptación del público. De ahí que los
dramaturgos que pretenden ver su texto sobre las tablas deben o bien amoldarse a los gustos del público, o bien
arriesgarse a ser autores de teatro de minorías. Bajo estas circunstancias, el teatro español anterior a 1936 se
divide en dos grandes bloques:
- El teatro comercial, que triunfa en sus tres tendencias: (1) teatro realista, que satisface los gustos del público
burgués; (2) teatro cómico, que incluye costumbrismo de corte tradicional; y (3) teatro poético, escrito en verso,
que une rasgos neorrománticos con rasgos modernistas.
- El teatro renovador, que aporta nuevas técnicas y temas: con Lorca y Valle-Inclán.
En el siguiente tema vamos a ocuparnos del teatro comercial.
* * * * * * *
A principios del XX, la afición al teatro en España era muy grande. Entonces, las salas y espectáculos teatrales se
diferenciaban según el público al que se dirigían, como ya había ocurrido en el siglo anterior. Así, dentro del
TEATRO COMERCIAL, nos encontramos con distintos tipos:
- Teatro de consumo destinado a un público de extracción popular : aunque el llamado género chico1 era el más
abundante, hacia 1910 agota sus recursos y se fragmenta en múltiples fórmulas comerciales: parodias de
óperas y zarzuelas de éxito, operetas, revistas, espectáculos eróticos…; variedades (de las conocidas variétés
parisinas) con mezcla de canciones, bailes y atracciones circenses, y la canción corta y ligera como género
independiente (los ‘cuplés’) que disponían, incluso, de salas específicas: los salones o establecimientos con
orquesta. Estos nuevos espectáculos suponen cambios estructurales en las obras: las antiguas
representaciones con intriga, continuidad narrativa y desenlace, dan paso a números teatrales cada vez más
cortos (que no suelen sobrepasar los diez minutos) unificados por un leve argumento o sin argumento alguno,
que hacen hincapié en rasgos regionales o localistas de fácil aceptación para un público poco exigente. Aunque
de escaso valor literario, es interesante por el valor documental que retrata una época.
- Teatro propiamente literario destinado a un público burgués: también se diversifica en subgéneros: la comedia
burguesa o de salón (que deriva de la alta comedia del XIX y que cuenta con autores como Echegaray y
Galdós); el teatro social (que prolonga estéticamente al Naturalismo aunque entreverado con cierto
posromanticismo, y que cuenta con Joaquín Dicenta, José Luis Pinillos o Federico Urales); y las nuevas
tendencias afines al Modernismo (con Jacinto Benavente, que estudiamos a continuación).

COMEDÍA BURGUESA: JACINTO BENAVENTE (1866-1954)

1
Género chico: llamado así por la corta duración, está compuesto de obras teatrales musicales breves y de ambiente
costumbrista o popular. Comprendía zarzuelas, sainetes (V. nota 3) y comedias.

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Aunque sus comienzos permitieron vislumbrar una profunda renovación del teatro, no
obstante, la situación de la escena española le aconsejó inclinarse por obras de gran
éxito en lugar de comprometerse con una producción exigente pero minoritaria.
Convertido en el máximo representante de la comedia burguesa, su éxito fue
permanente hasta el punto de concedérsele el Premio Nobel.
• Evolución de su teatro: el teatro de Benavente evolucionó desde la estética
simbolista hacia un conservadurismo no solo estético sino ideológico. Dentro de las
tendencias modernistas, barrió de la escena española el neorromanticismo, pero
se quedó anclado en un realismo que criticaba suavemente las hipocresías y
convencionalismos burgueses. Sus obras suelen situarse en salones lujosos e
incluyen, a menudo, cierta ironía y humor (sin traspasar los límites del buen tono)
bajo el esquema de personajes-tipo: el rico avariento, la joven coqueta, la esposa
abnegada, el marido infiel, el triunfador vanidoso…
Las cualidades de sus obras (variedad de recursos escénicos, gracia inteligente y satírica, diálogos vivos,
chispeantes y muy dinámicos) terminan siendo fuegos artificiales sin profundidad cuando el autor amortigua el
tono de su crítica para sustituirla por una reprobación casi paternal; con la que obtuvo los favores del público.
• Producción de Benavente: su trayectoria comenzó con El nido ajeno, obra audaz sobre la discriminación en que
se encontraba la mujer en la sociedad de su época, pero la obra tuvo que ser retirada por la atrevida crítica;
fracaso que empujó al autor a acercarse a posturas más comerciales. De entre su vasta producción teatral
comercial destacan tres obras:
- Los intereses creados: obra más representativa, está inspirada en los personajes de la commedia dell’arte
italiana2, y contrapone materialismo y espiritualismo (el mundo del interés frente al mundo del amor) desde un
escepticismo cínico y pragmático en el que se deduce que la sociedad es un juego de “intereses creados”.
- Señora ama y La malquerida: ambas obras tienen un tono completamente diferente a la anterior. Siguen el
modelo de drama rural ambientado en un medio campesino dominado por la fatalidad y los atavismos
ancestrales, donde se desarrolla un mundo violento de pasiones en un clima moral sofocante.

TEATRO CÓMICO: PEDRO MUÑOZ SECA (1879-1936)3 Y CARLOS ARNICHES (1866-1943)

El teatro cómico representaba costumbres y tipos populares muy del gusto del público. Entre sus autores, destacan
los hermanos Álvarez Quintero (muestra de la Andalucía más tópica) y los dos autores que estudiamos a
continuación: Pedro Muñoz Seca y Carlos Arniches.
 PEDRO MUÑOZ SECA: fue uno de los autores con más éxito y más
representativo del teatro de principios de siglo y creador del astracán (o
astracanada), pieza cómica disparatada, abundante en juegos de palabras,
equívocos y chistes fáciles, que exagera y deforma hasta lo increíble los
rasgos con el único fin de hacer reír.
De ideas monárquicas y conservadoras, el estallido de la Guerra Civil le
sorprende en Barcelona; pocos días después, es detenido, trasladado a
Madrid y fusilado por el bando republicano.
Su obra más conocida es La venganza de Don Mendo, parodia de los
dramas históricos neorrománticos, en la que destaca la calidad de la
versificación y el gran dominio de los recursos humorísticos.

2
La commedia dell’arte: originada en Italia en el siglo XVI, tenía personajes fijos (Arlequín, Colombina, Pantalón…) e
improvisaban la acción y el diálogo sobre una pauta preestablecida.
3
En algún manual podrás ver otra fecha de nacimiento de Pedro Muñoz Seca: la de 1881. Es cierto que durante mucho
tiempo él mismo “se quitaba años”, pero no con la intención de hacerse más joven sino por el gusto que sentía por los números
capicúas y el afán de jugar del autor. Finalmente reconoció 1879 como el verdadero año de su nacimiento.

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 CARLOS ARNICHES: trabajó dos subgéneros distintos en dos etapas de su vida diferentes:
- Los sainetes4: desarrollados en un ambiente madrileño, el lenguaje es el
protagonista, ya que Arniches crea un lenguaje castizo que pasó de la
lengua literaria al uso popular. Abundan las deformaciones humorísticas de
vocablos y expresiones, términos de argot, juegos de palabras, hipérboles
grotescas, alusiones procaces y desvergonzadas, equívocos, dilogías5,
vulgarismos, gitanismos…
Destacan La fiesta de san Antón y El santo de la Isidra.
- La tragedia grotesca: modalidad teatral en la que la comicidad no se deriva
solo del lenguaje, sino que surge de las situaciones dramáticas que
aparecen bajo la óptica de lo grotesco y de la caricatura: fusión de lo cómico
y lo patético (como un precedente del esperpento de Valle-Inclán).
Destacan La señorita de Trévelez, ¡Que viene mi marido!, Los caciques…

TEATRO POÉTICO: EDUARDO MARQUINA (1879-1946)

El teatro poético, escrito en verso, contribuyó a introducir el Modernismo en la

literatura del momento, pues mezclaba el estilo modernista con temas históricos de
ideología tradicional (a través de la exaltación de ideales antiguos). Supone una
reacción contra el teatro realista y aspira a la representación de mundos de belleza
mediante la palabra poética: la sonoridad del texto permitía a los actores mostrar sus
dotes declamatorias como si se tratara del teatro romántico en verso. Entre sus
autores, destaca Eduardo Marquina.
Autor de ideología conservadora, sus composiciones evocaban una supuesta
España eterna para contraponerla a la de su tiempo. Con el inicio de la Guerra
Civil marchó a Francia y realizó una gira por toda América Latina, desde donde
apoyó al bando nacional en comunicados, entrevistas y conferencias. A su vuelta,
aún en plena guerra, escribió poemas y obras de exaltación franquista.
• Estética dramática: sus obras dramáticas fueron esencialmente líricas por lo elaborado del lenguaje,
mientras que el argumento era tratado de manera superficial. En su trayectoria, el autor parte de la estética
modernista con el teatro poético (tendencia que, en principio, quería romper las fronteras genéricas
aproximándose a la poesía lírica), pero con el tiempo, sin embargo, triunfa con un teatro histórico casticista
en verso que renuncia al cosmopolitismo modernista y se repliega en el más puro casticismo. Hábil versificador,
hace uso de un verso sonoro, efectista y retórico, y reivindica una vuelta a la tradición teatral española
(comedias barrocas y dramas románticos) recreando asuntos de la historia nacional.
• Producción de Marquina: destacan dos obras:
- Las hijas del Cid: primera obra con la que conoce el éxito en las tablas y primera de una larga serie de dramas
históricos, escritos en su mayoría en verso, que recrean los episodios y la semblanza de personajes célebres
del pasado esplendoroso español, tanto en su dimensión histórica como en su tradición legendaria.
- En Flandes se ha puesto el sol: fue el más aplaudido de todos sus dramas. Aunque de carácter histórico, se
centra en la rivalidad de dos sentimientos: la oposición entre la patria heredada y la patria creada.

4
Sainete: subgénero dramático breve, de carácter crítico, cómico y popular, que remonta sus orígenes al siglo XVIII.
Recuerda que lo estudiamos en el tema 1, siglo XVIII, con su autor más destacado: Ramón de la Cruz, y que fue un género que
continuó cultivándose durante el siglo XIX  También llamado “entremés”, era una pieza teatral breve de carácter cómico y
popular que se representaba en los entreactos de las obras mayores. Dramatiza situaciones extraídas de la vida cotidiana y
coloca en escena personajes característicos de la época, pero su carácter cómico hacía más difícil el propósito didáctico de la
obra principal, por lo que el sainete se ganó la oposición de los defensores del neoclasicismo.
5
Dilogía: uso de una palabra con dos significados distintos dentro del mismo enunciado.

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EPÍGRAFE 2:
El teatro renovador: Federico García Lorca.
Entre todos los géneros literarios, el dramático es el que se encuentra más condicionado por los intereses
comerciales, porque no se trata solo de un texto literario sino que su fin último es la representación, por lo cual se
requiere una fuerte inversión que debe verse recompensada con la aceptación del público. De ahí que los
dramaturgos que pretenden ver su texto sobre las tablas deben o bien amoldarse a los gustos del público, o bien
arriesgarse a ser autores de teatro de minorías.
Bajo estas circunstancias, el teatro español anterior a 1936 se divide en dos grandes bloques:
- El teatro comercial, que triunfa en sus tres tendencias: (1) teatro realista, que satisface los gustos del público
burgués; (2) teatro cómico, que incluye costumbrismo de corte tradicional; y (3) teatro poético, escrito en verso,
que une rasgos neorrománticos con rasgos modernistas.
- El teatro renovador, que aporta nuevas técnicas y temas: con Lorca y Valle-Inclán.
En el siguiente tema vamos a ocuparnos del teatro renovador de Lorca.

* * * * * * *
Como sabemos, el género dramático anterior a 1936 se caracteriza por ser eminentemente comercial y con una
programación basada no en la calidad literaria, sino en la capacidad de atracción de un público sin inquietudes
estéticas ni intelectuales. (Destacan autores como Jacinto Benavente, en el teatro realista; Pedro Muñoz Seca y
Carlos Arniches, en el teatro cómico; y Eduardo Marquina, en el teatro poético).
Sin embargo, al margen de esas obras comerciales, se llevaron a cabo intentos de renovación dramática a través
de un teatro de más altos vuelos estéticos. Dejando a un lado figuras clave (como el director y actor Rivas Cherif o
la actriz Margarita Xirgu y su compañía), lo cierto es que muchos de esos proyectos renovadores llegaban de la
mano de agrupaciones teatrales independientes de vida efímera que tenían que enfrentarse a graves dificultades
económicas. Fue el caso del Teatro de la “Escuela Nueva”, El mirlo blanco, El cántaro roto, El caracol, Fantasio…
Con el advenimiento de la Segunda República, se propició desde instancias gubernamentales el acercamiento de la
cultura a la España rural. Con este fin se crearon las Misiones Pedagógicas, formadas por grupos de universitarios
que desarrollaron por los pueblos campañas de alfabetización, organización de bibliotecas, conferencias
divulgativas… y representaciones teatrales, entre cuyo repertorio se encontraban obras de Calderón, Cervantes,
Tirso, Lope de Vega, Lope de Rueda… De estas compañías teatrales merece destacarse La Barraca, impulsada por
Federico García Lorca.

FEDERICO GARCÍA LORCA (1898-1936)

Poeta de la Generación del 27, fue también autor dramático. Aunque su interés
por el teatro arranca desde muy temprano, no será hasta los últimos años de su
vida cuando se convertirá en una tarea absorbente para él. El teatro lorquiano
es poético, tanto por sus argumentos como por el lenguaje utilizado. El tema
dominante es el enfrentamiento entre el individuo y la autoridad, y
predominan las protagonistas femeninas, sobre las que se cierne la amenaza de
la frustración.
Lorca experimentó con formas teatrales diversas: el teatro simbolista, el teatro en
verso modernista, el teatro de marionetas, las farsas para personas, el teatro
vanguardista próximo al surrealismo y el teatro realista, más convencional
estéticamente. Títulos:
• Teatro simbolista: en El maleficio de la mariposa, obra que resultó un rotundo fracaso, aparecen ya los temas
lorquianos. Comienza el prólogo con las siguientes palabras, bellas y simbolistas: La comedia que vais a
escuchar es humilde e inquietante, comedia rota del que quiere arañar la luna y se araña el corazón.
• Teatro en verso modernista: Mariana Pineda representa la historia de la heroína liberal granadina ajusticiada
en 1831 por bordar una bandera republicana en la época del absolutismo de Fernando VII.

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• Farsas6 de guiñol o Teatro de marionetas: Los títeres de Cachiporra fue el título genérico que usó Lorca para
designar este tipo de obras. Escribió dos farsas que versionan la misma historia (un matrimonio de interés); en
ellas, las marionetas no consiguen ocultar el fondo triste del argumento.
• Farsas para (ser representadas por) personas: La zapatera prodigiosa y Amor de Don Perlimplín con Belisa
en su jardín; ambas provocan una risa amarga a partir del tema tradicional de la mujer joven casada con un
hombre viejo.
• Teatro vanguardista próximo al surrealismo: tildadas de ‘irrepresentables’ por el propio autor, destacan El
público (desarrolla dos temas: el del amor homosexual y la oposición del teatro convencional frente al teatro
auténtico), Así que pasen cinco años (donde a través del humor, el lirismo y un ambiente onírico e ilógico
aparecen los temas lorquianos del amor, la muerte, la frustración íntima, la amargura existencial…) y Comedia
sin título (con intención social y didáctica, plantea la necesidad de un teatro revolucionario).
• Teatro realista: en él se encuadran un drama urbano (Doña Rosita la soltera) y su trilogía rural (Bodas de
sangre, Yerma y La casa de Bernarda Alba), sus obras más conocidas, que presentan rasgos comunes: la
mujer como protagonista y su marginación social, la índole sexual de los problemas tratados, la ambientación
en el campo andaluz y el desenlace trágico.
- Doña Rosita la soltera  drama urbano que trata de las señoritas de provincias condenadas a esperar
inútilmente el amor en un medio burgués mediocre que ahoga sus deseos de felicidad. Doña Rosita, solterona
cursi y conmovedora, aguarda incansable a su novio que no regresará nunca.
- Bodas de sangre y Yerma  tragedias de sabor clásico en las que Lorca mezcla la prosa y el verso, utiliza
coros como en la tragedia griega para comentar la acción, maneja elementos simbólicos y emplea recursos
para alcanzar una gran intensidad dramática. Bodas de sangre se basa en un hecho real: la huida de una
novia, el día de su boda, con su antiguo pretendiente; lo que llevará al final trágico de la muerte de ambos
varones. Yerma, por su parte, trata el drama del deseo de ser madre y la imposibilidad de alcanzar una
realización personal plena, lo que desemboca en el asesinato de Yerma a su propio marido.
- La casa de Bernarda Alba  obra cumbre del teatro lorquiano, es una reflexión sobre el poder, sobre cómo se
interiorizan los mecanismos de poder en la vida privada. (Bernarda, de modo viril, impone por la fuerza un
código de conducta represivo a sus hijas, las cuales, con excepción de la menor, aceptan esas reglas que su
madre ha recibido de la tradición heredada y que ellas están resignadas a perpetuar). Bajo esta reflexión,
aparecen los temas habituales lorquianos: la libertad frente a la autoridad, las pulsiones eróticas y los instintos
naturales enfrentados a las normas sociales y morales, la frustración vital, la condición sometida de la mujer, la
crítica social, etc.

EPÍGRAFE 3:

La trayectoria dramática de Ramón María del Valle-Inclán.

Como sabemos, el género dramático anterior a 1936 se caracteriza por ser eminentemente comercial y con una
programación basada no en la calidad literaria, sino en la capacidad de atracción de un público sin inquietudes
estéticas ni intelectuales. (Destacan autores como Jacinto Benavente, en el teatro realista; Pedro Muñoz Seca y
Carlos Arniches, en el teatro cómico; y Eduardo Marquina, en el teatro poético). Sin embargo, al margen de esas
obras comerciales, se llevaron a cabo intentos de renovación dramática a través de un teatro de más altos vuelos
estéticos. Entre esos intentos sobresalieron dos grandes autores dramáticos: Federico García Lorca y Valle-Inclán.
De este último nos ocupamos en el presente tema.

RAMÓN MARÍA DEL VALLE-INCLÁN (1866-1936)7

Nació Valle-Inclán en Pontevedra, inmerso en la contradicción que suponía una

rama paterna de ilustrados liberales frente a otra materna de abolengo conservador;
de ahí, quizá, la evolución ideológica que sufrió. Defensor del tradicionalismo en
su juventud, mostró –así mismo– sus simpatías por el carlismo conservador en su
6
La farsa es un subgénero dramático que se remonta a la Edad Media, de carácter breve y satírico, del que se desprende un
humor más bien tosco y cuyos personajes aparecen caricaturizados.
7
Ten en cuenta que, con Valle-Inclán, hemos dado un paso atrás en la historia. Céntrate en los hechos históricos de los que
hablamos al ocuparnos del Modernismo y de la Generación del 98: la restauración borbónica con Alfonso XII y regencia de
María Cristina con el ‘canovismo’ (1874-1902); el reinado de Alfonso XIII (1902-1931) que mantiene el ‘canovismo’ e incluye la
dictadura de Primo de Rivera (1923-1930); y la Segunda República (1931-1936).

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madurez, pero finalmente pasó a manifestarse como un decidido progresista que se

opuso a la dictadura de Primo de Rivera y se mostró partidario de la República,
radicalizándose cada vez más a la izquierda. (Razón de la literatura de sus últimos
años, estéticamente revolucionaria y con fuerte acento social).
Excéntrico y de apariencia estrafalaria, Valle-Inclán no pasaba inadvertido y pronto
se hizo célebre entre la bohemia finisecular madrileña disfrazado abiertamente de
bohemio: largas melenas y barbas, peculiar indumentaria, conducta provocadora…;
que revelan una forma de ser inconformista, siempre antiburgués.
Narrador, poeta, dramaturgo, ensayista, articulista…, dedicó su vida a la literatura, lo
que le llevaba a revisar constantemente sus textos.

En la dilatada producción valleinclanesca podemos distinguir cuatro periodos: de la estética de la belleza

(Modernismo) a la estética de la fealdad (Esperpento).
1. Etapa decadentista (hasta 1906)  orientación del Modernismo con estética aristocratizante y refinada:
amigo y profundo admirador de Rubén Darío, Valle-Inclán se convirtió en uno de los principales adalides del
Modernismo. Durante esta época, su dedicación literaria fue la narrativa8 pero también dio sus primeros pasos
como dramaturgo. Títulos: Cenizas y El Marqués de Bradomín (versión teatral de sus Sonatas).
2. Etapa del primitivismo (1907-1909)  orientación del Modernismo con estética bronca y desgarrada:
aunque solo ocupa tres años, escribe en esta época cinco obras de notable importancia: las dos primeras de su
trilogía Comedias bárbaras y la trilogía completa de La guerra carlista. Rasgos del primitivismo son la aparición
de la violencia, la crueldad, la barbarie, la destrucción, la brutalidad, las pasiones desbordadas… en un mundo
rural plagado de leyendas, mitos, ritos mágicos y supersticiones populares.
3. Etapa del distanciamiento artificioso (1910-1920): durante la segunda década del siglo, Valle-Inclán escribe
obras teatrales en verso, pero no al modo del teatro poético modernista, sino como experimentos dramáticos
con los que el escritor crea un mundo artificioso, muy literario, buscando inspiración en la tradición teatral
clásica y recreando ambientes y motivos literariamente tópicos, donde los protagonistas aparecen como
estereotipos y clichés literarios. Entre sus títulos destacan: Cuento de abril (que trata los desgraciados amores
de un trovador medieval por una princesa), Voces de gesta (que dramatiza los conflictos carlistas en el país
Vasco), La Marquesa Rosalinda (con un tono grotesco), El embrujado (situada en la Galicia mítica), etc.
4. Etapa del esperpento (desde 1920): fecha clave para Valle-Inclán y el esperpento, pues publica dos farsas en
las que la mayoría de los personajes son marionetas grotescas, con lo que supera el ciclo anterior de aire
juguetón. Por otro lado, debemos aclarar que, en esta última etapa, las fronteras entre narración y drama no
están claras del todo, ya que el valor descriptivo y narrativo de las largas acotaciones acercan ambos géneros.
De esta época son sus obras dramáticas más conocidas.
 QUÉ ES EL ESPERPENTO: aunque no es exactamente un nuevo género literario, sí supone un esfuerzo por
encontrar formas expresivas novedosas, por lo que podríamos hablar de nueva categoría estética que nos
ofrece la vida humana y la sociedad desde una óptica sistemáticamente deformada. Aunque parezca lo
contrario, su intención es realista. Esto se entiende al conocer la realidad española del momento: según
Valle-Inclán, para mostrar dicha realidad grotesca se necesita una distorsión: ya no vale el realismo de la
segunda mitad del XIX del espejo plano, ahora es necesario el realismo del espejo cóncavo. 9 Por ello, a la
intención realista se añade la intención de crítica social, pues se muestra el absurdo de la realidad.
 LA ESTÉTICA DEL ESPERPENTO:
El esperpento se ayuda de múltiples referencias a tradiciones literarias diversas (como la tradición celestinesca,
el sainete, el entremés, el teatro de títeres, las parodias de géneros clásicos, la tradición oral y popular, las
técnicas de origen cinematográfico…). De toda esa mezcolanza, surgen los rasgos que definen su estética:
- Deformación sistemática de la realidad, que aparece caricaturizada.
- Utilización de contrastes: frecuencia de saltos bruscos en los que chocan dos elementos opuestos
(acontecimientos, ambientes, personajes, ideas, emociones, valores, lenguaje…). De ahí la mezcla de lo
cómico y lo serio, de lo sublime y lo vulgar. De ahí, también, la oscilación entre el mito y la realidad: los
personajes y las situaciones van de la grandeza del mito a la miseria de la realidad. En ocasiones, esto se
consigue con la parodia de mitos y tópicos literarios.

8
Recuerda, de la época modernista de Valle-Inclán, sus Sonatas (Memorias del Marqués de Bradomín), tema 4.
9
Recuerda lo que decía Stendhal de la estética realista: «Una novela es un espejo que se pasea por un ancho camino. Tan
pronto refleja el azul del cielo ante nuestros ojos, como el barro de los barrizales que hay en el camino. ¡Y el hombre que lleva
el espejo en el cuévano será acusado por ustedes de ser inmoral! Más justo sería acusar al largo camino donde está el barrizal
y, más aun, al inspector de caminos que deja el agua estancada y que se formen los barrizales». (Tema 3)

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- Personajes: (1) Aparición del personaje colectivo: el individuo humano no puede ser protagonista, pues los
conflictos individuales pierden importancia frente a los conflictos sociales de la multitud. (2) Degradación de los
personajes a través de su muñequización: concepción de los personajes como si fueran títeres de una farsa.
Son personajes ridículos, grotescos, de apariencia distorsionada. A veces animalizados o cosificados, a veces
meros fantoches de los que se vale el autor para ofrecernos una visión desgarrada de la realidad social.
- En el lenguaje del esperpento caben destacar algunos aspectos: (1) Variedad de tonos y registros, y
convivencia del lenguaje culto preciosista con la lengua popular descarada y arrabalera, ya que el modo de
expresarse de cada uno es lo que caracteriza a los personajes. (2) El uso del humor, que deriva en una risa
amarga o en un sarcasmo mordaz con fuerte carga crítica. (3) El empleo de figuras retóricas como la hipérbole,
la ironía o el oxímoron10. (4) El uso especial de las acotaciones: de gran extensión, describen personajes y
ambientes; su carácter literario y el estar integradas en los diálogos, contribuye a la ambigüedad del género (a
caballo entre la novela y el teatro)
- Temas recurrentes: la avaricia, la lujuria y la muerte.
 OBRAS DRAMÁTICAS ESPERPÉNTICAS:
• Divinas palabras: retoma el mundo misterioso y primitivo de la Galicia ancestral, pero las leyendas y los mitos
han desaparecido, y ahora solo queda un mundo sórdido y miserable, dominado por la avaricia y la lujuria, en el
que un pueblo harapiento, ignorante y supersticioso es sometido y subyugado por efecto de unas palabras (las
‘divinas palabras’) dichas en un latín evangélico que nadie entiende. Es una tragicomedia de aldea donde
abundan personajes tarados y deformes tanto física como espiritualmente, con una técnica alejada de lo
convencional y cada vez más personal: múltiples escenarios, rápidos cambios de escena, gran cantidad de
personajes, muchas y elaboradas acotaciones…
• Martes de carnaval: recoge tres esperpentos cuyos protagonistas son grotescos militares (lo que supone una
sátira antimilitarista). Títulos: Los cuernos de don Friolera (parodia del tópico del honor calderoniano, reiterado
hasta la saciedad en los melodramas de su tiempo), Las galas del difunto y La hija del capitán.
• Luces de bohemia: obra cumbre de Valle-Inclán, fue la primera que designó con el término ‘esperpento’.

Luces de bohemia, de Ramón María del VALLE-INCLÁN

 EDICIONES: apareció publicada en entregas semanales en la revista España, en 1920; y cuatro años
después se editó en libro con significativas variantes que intensificaron el carácter crítico de la obra al incluir
denuncia social y política.
 ESTRUCTURA: la obra se compone de quince escenas aparentemente inconexas, con desfile constante
de personajes, dispersión de la acción y variedad de escenarios. Sin embargo, Valle-Inclán consigue la unidad
de la obra gracias a diferentes elementos (como los personajes, los temas tratados, los símbolos
recurrentes…). Las quince escenas pueden agruparse en dos partes:
- Las doce primeras escenas: transcurren en apenas unas horas (desde el crepúsculo hasta el amanecer del día
siguiente) y se estructuran en torno a la idea de un viaje por el Madrid nocturno de los dos personajes
principales (Max Estrella y Latino de Hispalis). A pesar de su carácter episódico, guardan una estructura
circular, como vemos a continuación: en la escena I, Max sale de su casa hablando de la muerte; y en la XII,
vuelve a su casa a morir. En las diez escenas centrales (II-XI), Max va tomando conciencia de la realidad social
española; y justo a medio camino, en la escena VI, Max tiene un encuentro en el calabozo con un obrero
catalán, personaje que, desde el punto de vista crítico de la obra, tiene enorme importancia, como veremos.
- Las tres últimas escenas: constituyen un epílogo tras la muerte de Max Estrella.
 SENTIDO DE LA OBRA: Valle-Inclán compone, con Luces de bohemia, una peculiar elegía, un canto a la
muerte de la bohemia heroica, que más que una forma de vivir era una forma de entender Vida y Arte como
la misma cosa, fuera del alcance de la vulgar sociedad burguesa cuyos valores despreciaba. Ese es el mundo
del protagonista, Max Estrella, con cuya muerte se representa la muerte de toda la bohemia heroica.
 PERSONAJES: dado que la obra está poblada de numerosos personajes (unos cincuenta), podemos hablar
de personaje colectivo, y la reaparición de algunos de ellos sirve para dar unidad a la obra, a modo de
amalgama entre los episodios aparentemente inconexos. La mayoría de los personajes están caracterizados de
forma esperpéntica, con la asimilación de los comportamientos humanos a los de monigotes de teatro de

10
Oxímoron: figura retórica que consiste en combinar, en una misma estructura sintáctica, dos palabras o expresiones de
significado opuesto, que originan un nuevo sentido; p. ej., un silencio atronador.

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guiñol. Por otro lado, hay que señalar que muchos de esos personajes literarios están inspirados en personajes
reales del momento, lo que le proporciona a la obra cierto aire de crónica.

- MAX ESTRELLA: poeta ciego que se encuentra en la miseria y absolutamente marginado como escritor.
Inspirado en un personaje real (el escritor bohemio Alejandro Sawa) representa una forma concreta de
ser “artista”: la “bohemia heroica”, que concibe el arte como un valor de orgullo aristocrático, como un
ideal de vida, despreciando la mercantilización de su obra y con una actitud claramente antiburguesa. Max
adquiere, por momentos, grandeza y perfiles trágicos (como en las tragedias clásicas, el destino fatal se
Personajes principales

cierne sobre él); pero en otros momentos su vida heroica se convierte en una existencia patética y absurda,
pues la sociedad que lo rodea es cruel y grotesca. El personaje se caracteriza por su histrionismo (o
afectación exagerada), su lenguaje irónico, corrosivo, rotundo, provocador, imaginativo y lleno de ingenio.
Su ceguera es símbolo de su lucidez11; la lucidez que le capacita para comprender que la bohemia heroica
ha muerto. Su apellido, Estrella, es metáfora de la “estrella” que nos guía en la noche madrileña.
- LATINO DE HISPALIS: es el cínico lazarillo que acompaña a Max. Jamás aparece con un rasgo de
nobleza: es un ser ruin, mezquino, al que se le llama ‘perro’ en varias ocasiones (tanto por ser ‘lazarillo’
como por las connotaciones negativas del término). Representa el álter ego de Max: la bohemia
golfante, acomodaticia, prostituida, parasitaria… Su nombre hace referencia al poeta latino (Virgilio) que
acompaña a Dante a los infiernos en La Divina Comedia.

- MATEO: es el obrero catalán con quien comparte Max calabozo (en la escena VI). Su nombre está
inspirado en la figura histórica de un anarquista que puso una bomba en la boda de Alfonso XIII. Mateo
Figuras no esperpénticas

manifiesta sus anhelos de justicia y plantea la lucha de clases y la necesidad de una revolución, alejado de
los rasgos esperpénticos de otros personajes. La conversación que mantienen Max y Mateo es
determinante para la concienciación de Max. Más adelante sabremos que Mateo ha sido asesinado por la
Policía, lo que hunde al poeta en la desesperación.
- MADRE DEL NIÑO MUERTO: figura conmovedora que Valle-Inclán respeta en toda su dignidad al no
esperpentizarla. Representa la tragedia de la madre con su niño muerto por un disparo de la Policía, frente
a la indiferencia del resto de personajes. De nuevo, como con el asesinato de Mateo, se critica el abuso de
autoridad, los malos tratos, el terror indiscriminado de la Policía.

- RUBÉN DARÍO: gran escritor modernista, muy apreciado por Valle-Inclán, representa el mundo ya pasado de la
bohemia.
literarias
Figuras

- EL MARQUÉS DE BRADOMÍN: protagonista de las Sonatas, novelas escritas por Valle-Inclán en su época
modernista. Representa la primera literatura del autor; pero, ahora, se muestra distorsionado, al aparecer preocupado
por el dinero, algo que habría sido insólito en el personaje de las Sonatas.

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En la mitología, la sabiduría se representa a menudo con la ceguera. Así ocurre entre los adivinos, muchos de los cuales han
sido cegados como castigo por alguna divinidad, la cual, en compensación, les concede el don de la adivinación.

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TEMA 8. El teatro español anterior a 1936:

tendencias, rasgos principales, autores y obras más significativas

8.1. El teatro comercial: comedia burguesa (Jacinto Benavente), teatro cómico (Pedro Muñoz Seca y Carlos
Arniches) y teatro poético (Eduardo Marquina).
8.2. El teatro renovador: Federico García Lorca.
8.3. La trayectoria dramática de Ramón María del Valle-Inclán.

* Autor para “Localización razonada de un texto literario” del examen PAEG: Ramón María del Valle-Inclán (teatro).

EPÍGRAFE 1:

El teatro comercial: comedia burguesa (Jacinto Benavente), teatro cómico (Pedro Muñoz Seca y
Carlos Arniches) y teatro poético (Eduardo Marquina).
El género dramático se encuentra muy condicionado por los intereses comerciales, porque su fin último es la
representación, que requiere una fuerte inversión. El teatro español anterior a 1936 se divide en dos bloques:
- El teatro comercial, que triunfa en sus tres tendencias: (1) comedia burguesa, que satisface los gustos del
público burgués; (2) teatro cómico, que incluye costumbrismo de corte tradicional; y (3) teatro poético, escrito
en verso, que une rasgos neorrománticos con rasgos modernistas.
- El teatro renovador, que aporta nuevas técnicas y temas: con Lorca y Valle-Inclán.
Dentro del TEATRO COMERCIAL, nos encontramos con distintos tipos:
- Teatro de consumo destinado a un público de extracción popular: aunque el llamado género chico era el más
abundante, hacia 1910 agota sus recursos y se fragmenta en múltiples fórmulas comerciales. Estos nuevos
espectáculos suponen cambios estructurales en las obras.
- Teatro propiamente literario destinado a un público burgués: la comedia burguesa o de salón, el teatro social y
las nuevas tendencias afines al Modernismo (con Jacinto Benavente).

TEATRO REALISTA: JACINTO BENAVENTE (1866-1954)

• Evolución de su teatro: desde la estética simbolista hacia un conservadurismo no solo estético sino ideológico.
Se quedó anclado en un realismo que criticaba suavemente las hipocresías y convencionalismos burgueses.
• Producción de Benavente: Los intereses creados (contrapone materialismo y espiritualismo). Señora ama y La
malquerida (dramas rurales ambientado en un medio campesino dominado por la fatalidad y los atavismos
ancestrales, donde se desarrolla un mundo violento de pasiones en un clima moral sofocante).

TEATRO CÓMICO: PEDRO MUÑOZ SECA (1879-1936) Y CARLOS ARNICHES (1866-1943)

 PEDRO MUÑOZ SECA: creador del astracán (o astracanada). Su obra más conocida es La venganza de Don
Mendo, parodia de los dramas históricos neorrománticos.
 CARLOS ARNICHES:
- Los sainetes: desarrollados en un ambiente madrileño, el lenguaje es el protagonista. Destacan La fiesta de
san Antón y El santo de la Isidra.
- La tragedia grotesca: la comicidad surge de las situaciones dramáticas. Destacan La señorita de Trévelez,
¡Que viene mi marido!, Los caciques…

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TEATRO POÉTICO: EDUARDO MARQUINA (1879-1946)

Escrito en verso, mezclaba el estilo modernista con temas históricos de ideología tradicional. Entre sus autores,
destaca Eduardo Marquina.
• Estética dramática: obras líricas por lo elaborado del lenguaje, mientras que el argumento era tratado de
manera superficial. En su trayectoria, el autor parte de la estética modernista con el teatro poético, pero con el
tiempo triunfa con un teatro histórico casticista en verso.
• Producción de Marquina: Las hijas del Cid y En Flandes se ha puesto el sol.

EPÍGRAFE 2:
El teatro renovador: Federico García Lorca.
El género dramático se encuentra muy condicionado por los intereses comerciales, porque su fin último es la
representación, que requiere una fuerte inversión. El teatro español anterior a 1936 se divide en dos bloques:
- El teatro comercial, que triunfa en sus tres tendencias: (1) comedia burguesa, que satisface los gustos del
público burgués; (2) teatro cómico, que incluye costumbrismo de corte tradicional; y (3) teatro poético, escrito
en verso, que une rasgos neorrománticos con rasgos modernistas.
- El teatro renovador, que aporta nuevas técnicas y temas: con Lorca y Valle-Inclán.

FEDERICO GARCÍA LORCA (1898-1936)

Poeta de la Generación del 27, fue también autor dramático. El teatro lorquiano es poético, tanto por sus
argumentos como por el lenguaje utilizado. El tema dominante es el enfrentamiento entre el individuo y la autoridad,
y predominan las protagonistas femeninas, sobre las que se cierne la amenaza de la frustración.
• Teatro simbolista: El maleficio de la mariposa.
• Teatro en verso modernista: Mariana Pineda.
• Farsas de guiñol o Teatro de marionetas: Los títeres de Cachiporra.
• Farsas para (ser representadas por) personas: La zapatera prodigiosa y Amor de Don Perlimplín con Belisa en
su jardín.
• Teatro vanguardista próximo al surrealismo: tildadas de ‘irrepresentables’ por el propio autor, destacan El
público, Así que pasen cinco años y Comedia sin título.
• Teatro realista: en él se encuadran un drama urbano (Doña Rosita la soltera) y su trilogía rural (Bodas de
sangre, Yerma y La casa de Bernarda Alba).

EPÍGRAFE 3:

La trayectoria dramática de Ramón María del Valle-Inclán.

RAMÓN MARÍA DEL VALLE-INCLÁN (1866-1936)

- Evolución ideológica: defensor del tradicionalismo en su juventud, mostró sus simpatías por el carlismo
conservador en su madurez, y pasó a manifestarse finalmente como un decidido progresista, radicalizándose
cada vez más a la izquierda.
- Excéntrico y de apariencia estrafalaria: largas melenas y barbas, peculiar indumentaria, conducta
provocadora…; que revelan una forma de ser inconformista, siempre antiburgués.
- Narrador, poeta, dramaturgo, ensayista, articulista…, dedicó su vida a la literatura, lo que le llevaba a revisar
constantemente sus textos.

En la dilatada producción valleinclanesca podemos distinguir cuatro periodos: de la estética de la belleza

(Modernismo) a la estética de la fealdad (Esperpento).
1. Etapa decadentista (hasta 1906)  orientación del Modernismo con estética aristocratizante y refinada: Títulos:
Cenizas y El Marqués de Bradomín (versión teatral de sus Sonatas).

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2. Etapa del primitivismo (1907-1909)  orientación del Modernismo con estética bronca y desgarrada: escribe
las dos primeras obras de su trilogía Comedias bárbaras y la trilogía completa de La guerra carlista. Rasgos del
primitivismo son la aparición de la violencia, la crueldad, la barbarie, la destrucción, la brutalidad, las pasiones
desbordadas… en un mundo rural plagado de leyendas, mitos, ritos mágicos y supersticiones populares.
3. Etapa del distanciamiento artificioso (1910-1920): escribe obras teatrales en verso, pero no al modo del teatro
poético modernista, sino como experimentos dramáticos con los que el escritor crea un mundo artificioso. Entre
sus títulos destacan: Cuento de abril, Voces de gesta, La Marquesa Rosalinda, El embrujado…
4. Etapa del esperpento (desde 1920):
 QUÉ ES EL ESPERPENTO: nueva categoría estética que nos ofrece la vida humana y la sociedad desde una
óptica sistemáticamente deformada. Aunque parezca lo contrario, su intención es realista. A la intención realista
se añade la intención de crítica social, pues se muestra el absurdo de la realidad.
 LA ESTÉTICA DEL ESPERPENTO:
- Deformación sistemática de la realidad, que aparece caricaturizada.
- Utilización de contrastes: frecuencia de saltos bruscos en los que chocan dos elementos opuestos
(acontecimientos, ambientes, personajes, ideas, emociones, valores, lenguaje…).
- Personajes: (1) Aparición del personaje colectivo. (2) Degradación de los personajes a través de su
muñequización: a veces animalizados o cosificados.
- Lenguaje: (1) Variedad de tonos y registros, ya que el modo de expresarse caracteriza a los personajes. (2) El
uso del humor, que deriva en una risa amarga o en un sarcasmo mordaz con fuerte carga crítica. (3) El empleo
de figuras retóricas como la hipérbole, la ironía o el oxímoron. (4) El uso especial de las acotaciones.
- Temas recurrentes: la avaricia, la lujuria y la muerte.
 OBRAS DRAMÁTICAS ESPERPÉNTICAS: Divinas palabras, Martes de carnaval (Los cuernos de don Friolera,
Las galas del difunto y La hija del capitán) y

Luces de

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