Arte Contemporáneo

Arte Contemporáneo
Temas en los que nos vamos a centrar:
1. La vertiente conceptual de la Postmodernidad: Simulacionismo,
Apropiacionismo, Activismos. Nuevos medios, nuevo arte. La pluralidad de
lenguajes del arte emergente. Arte, diferencia, globalización.
2. Nuevos medios, nuevo arte. La pluralidad de lenguajes del arte emergente.

Fecha: 22/02/2024

De París a Nueva York. El expresionismo abstracto

En Estados Unidos regalan ‘lo mejor de cada casa’.

Marcel Duchamp es quien se crea su primer “círculo de intelectuales” en una ciudad

donde no tenía nada que ver con el Arte Contemporáneo.

The Armony Show. Eso fue el antecedente. La primera toma de contacto de la

modernidad en NY. En la exposición se aprecian 3 o 4 obras estadounidenses de arte
clásico y algunas otras obras de Duchamp. Fue la primera toma de contacto. Hubo
muchas críticas, PERO la exposición tuvo mucho éxito.

El estallido de la IIGM fue el colofón de todo. El régimen nazi colocó a muchos artistas
como ‘artistas degenerados’ y los artistas los llamaban ‘artistas degenerados’. Era una
especie de burla (tanto para los artistas como para el comprador de la obra).

Ese arte degenerado la mayoría no se destruyó, sino que se vendió en Suiza y el dinero
lo gastaron en armamento (menudos hipócritas).

¿Qué pasó con Picasso? Picasso se quedó. Ya había hecho Guernica. Tuvo un toque de
atención por parte del régimen nazi (no más obras como el Guernica o que muestren el
régimen de la guerra). Aun así, seguía demostrando el dolor de la guerra.

Cuando había imágenes de plañideras como esta hace

alusión a la expresión española “llorando a mares”. Debajo
de los ojos lagrimosos hay dos barcas. Las lágrimas son
gruesas ya que se dice que ‘eran gruesas como el mercurio’.
¿Por qué? En el pabellón de España enfrente del Guernica
estaba la fuente de Mercurio.

PICASSO. Mujer que llora, 1937.

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Recurre a la Historia del Arte para hablar de bodegones, calaveras o apios como en el
Renacimiento.

En EEUU a nivel general sucedieron varias cosas. El Crack del 29, donde Roosevelt crea
una especie de academia donde los artistas podían trabajar y decorar cosas como los
colegios, los hospitales, las cárceles, etc. Ellos tenían trabajo, su sueldo, PERO también
tenían directrices. Era un arte muy marcado que tenía que tener ese carácter social,
comprometido.

¿Qué pasó con Pollock? ¿Y Rothko? Se fueron a pesar de tener un sueldo. Necesitaban
tener esa voluntad para crear.

Provenientes de una tradición tradicional. No habían tenido Historia del Arte ni ese
bagaje cultural. Sus obras eran de carácter social y en contra del capitalismo poniendo el
foco en la América rural.

ALEXANDRE HOGUE. Área afectada por la sequía. 1934. (IZQ.)

G. WOOD. Gótico estadounidense. 1930 (DCHA.)

Ese era el tipo de obras que se podían apreciar.

Se aprecia en la imagen izquierda cómo están marcados los roles. En algunos cuadros
hay una modernidad contenida donde el protagonista son las tradiciones a conservar y
la unión de la comunidad.

Los estadounidenses quieren intentar crear un arte ‘propio’ pero solo se autoengañan.
Hay una gran influencia de Picasso, Dalí y las vanguardias del surrealismo y los
muralistas mexicanos. Estos últimos viajaban a EEUU.

Profundizando en Rothko y viendo su obra desde 1930 se inspiró en varios movimientos

como el expresionismo alemán, fauvismo y artistas como Picasso y Cézanne.

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Los americanos han intentado demostrar que ese arte vino ‘de la nada’ y en realidad no
cuela. Influencia de los indios es muy muy notable. En Pollock ocurre bastante. En el
resto es arte no occidental a través de las vanguardias.

Resumen: los americanos intentan dársela de originales e intentan que creamos que las
formas y las máscaras tienen que ver con las tribus indias (no es cierto) y están junto
críticos, comisarios, galeristas… todo el mundo del arte para hacer creer que hay ‘un
nuevo arte’ donde el cabecilla es Greenberg.

3 puntos de Greenberg (resumido):

1) Arte que atienda a la plenitud porque cada vanguardia tiene su

característica.
2) Las obras son de grandes dimensiones porque así se va en contra
de la pintura de caballete (europea).
3) Y, obviamente, el lenguaje va a ser abstracto y sin mímesis (arte de
sensaciones).

A finales de los años 30 los artistas prescindieron del Estado para así hacer obras más
suyas y personales. Lo que plasman en esas obras es algo muy íntimo. Para muchos ellos
es una forma de terapia. No piensan en el espectador ni en el mensaje. Necesitan crear
para expulsar lo que tenían dentro. Obras muy personales.

Empiezan en su periodo de experimentación a mirar las vanguardias europeas.

Comienzan la apertura de las galerías como Art of this century Gallery.

Los artistas tuvieron influencias principalmente el autor Diego Ribera.

Diego RIBERA. El hombre en la encrucijada.

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Hay autores que irrumpen en el mundo del arte y forman lo denominado

Expresionismo Abstracto.
Arshile Gorky
Nacido en Armenia con influencia clara en Picasso, André Masson, Miró, etc.

Sus obras de juventud son centradas en bodegones, pero al continuar con su obra
adquirió influencia de Kandinsky y Miró. Nunca se separa completamente de la realidad
pero tiene un lenguaje completamente abstracto.

Despoja de todo significado la obra. Le da igual la escritura automática y todo lo que

aluda al Surrealismo. Lo despoja todo lo que tenga que ver con lo europeo. Solo agarran
las formas. Es ‘vacío de significado’ cuando miran a Europa.

Lenguaje abstracto aunque las obras las utilice para contar sus experiencias e
inquietudes.

La mayoría de los expresionismos abstractos acaba mal (los artistas se suicidaban y este
fue uno de ellos).

GORKY. El hígado es la cresta del gallo. 1944

Willem de Kooning
Nace en Holanda (Roterdam) y se muda a París. Posteriormente va a Nueva York.

Introducido en el expresionismo alemán. Despoja sus obras de significado político-

social. Algo destacable es que en los 40/50, cuando triunfa la abstracción, él (sutilmente)
introduce la figuración (Serie Mujeres). Impronta de ‘provitimismo’ y con brochazos
violentos. Gama de colores amplia. El algunas de sus obras nos adelanta el grafiti.

No vendió nada en Nueva York pero el MoMa le compró su primera pintura.

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En su serie hay una gran alusión a las mujeres clásicas y pictóricas. Intenta demostrar la
fuerza de una mujer convirtiéndola en un monstruo. Equilibrio entre lo figurativo y lo
abstracto.

KOONING, Mujer. 1950.

De esta serie pasó a obras de paisajes abstractos, siendo el título de la serie Intercambio.
Fue una de las obras más caras de la Historia del Arte.

Su mujer (Elaine de Kooning) también hacía cuadros (para Kennedy en su mayoría).

Pero, tras su muerte, ya no hacía muchos más.

Iba avanzando su tipo de obra conforme le sucedían cosas (arte de las manchas).

Mark Tobey
Se basa en la caligrafía oriental para llegar a esa abstracción, pero pasa lo mismo que
pasa con el Surrealismo: despoja de la caligrafía oriental de su significado y la utiliza
formalmente.

Es un pintor de meditación. Él quería unir el mundo oriental y occidental. Trabajo más

meditado y tranquilo.

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Se da a conocer por sus obras Escrituras blancas: laberinto. Tenía que ver con toda esa prisa
y ese estrés que solo por medio de las pinturas y de la filosofía oriental se podía soportar.

Fusión entre oriente y occidente y el deseo de

orientarlo.

TOBEY, Radiación ciudadana. Década de los 40.

TOBEY, Broadway. 1935-36. (AMBAS IMÁGENES)

Fecha: 29/02/2024

https://youtu.be/gWUSh10Cgjo?si=LN_uPbKlFmOCkj6b Vídeo sobre el

Expresionismo Abstracto.

El arte por medio de la Guerra Fría se muestra como un arte intelectual.

Los artistas pueden ser diferentes entre sí pero tienen características comunes:

a. Lenguaje no figurativo (abstracción).

b. Sentimiento profundo de crear un estilo diferente …
c. EL RESTO ESTÁ EN EL PWP

Barnett Newman
Judío con temáticas espirituales. Creador de obras enormes para crear en el espectador
una experiencia fundamental. Es una constante en su obra las líneas que suele hacer un
corte en dos del lienzo. Llama a estas líneas zip, que para él son una especie de silbido.
Empleado para fragmentar la obra.

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BARNETT NEWMAN. Zip

Para él, la obra te habla. Te menciona que debes hablarles a los tuyos y mantener una
vida tranquila.

Robert Motherwell
Algunas obras hablan de la Guerra Civil Española. En EEUU están en calma y aun así
ponen interés y el foco en situaciones de conflicto.

ßMOTHERWELL. Pequeña cárcel española, 1943 – 44.

El título de las obras ayuda a saber bien a qué nos

referimos. Podemos encontrar la similitud en cuánto
a la cárcel por los “barrotes” (líneas).

MOTHERWELL, Elegía a la
República Española. 1948. à

Por otro lado, sus obras más conocidas hacen alusión a la Elegía a la República
Española. También -dice el autor- que tiene también una connotación sexual. También
son de grandes tamaños.

«El blanco y el negro también fue usado por Goya y Picasso. El negro en el Guernica y
el blanco usado por Matisse. Más que estrictamente políticas (sus obras de las Elegías)

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son una insistencia personal de que este recuerdo de la masacre acaecida en un momento
y un lugar determinado no se olviden».

Franz Kline
Realiza los macrosingos. Signos que no significan nada. Inspirado por el arte asiático.

Influencia de Picasso y el arte europeo en su obra Sin título II. A los críticos no le
agradaban mucho las obras de este señor, pero sí la de Suspended (1953). Este hombre sí
entendió que si quieres hacer una obra abstracta que no se lleve a ningún lado hay que
ponerle títulos sin ninguna pista. Es lo que es: una obra donde la protagonista es la
pintura, el no-color y la composición.

ß KLINE, Suspended. 1953

Mark Rothko
Obras de grandes dimensiones y que atienden a la planitud tanto que apenas tienen
volumen. Él murió sin decir con qué producto mezclaba la pintura para que la tela
manchase tanto. Lo que sí sabemos es que da un resultado con un volumen inexistente.

Composiciones equilibradas donde se ve que la pintura es pintura. Cumple con las

exigencias de Greenberg. Ese ambiente que se habla con Kline también está presente.

No le pone nunca título a la obra y lo hace para que no

haya ninguna distracción. Como mucho las numera.

https://youtu.be/6uvCPBsyMiA?si=kKZHsQmMKeuNP-
SA à Rothko en Houston.

Rothko también se quita la vida. En la mayoría de sus

creaciones predomina el negro y no llegó a ver
inaugurada una de sus obras maestras: una capilla en
Houston (no es católica, sino una para todas la religiones.
Sitio y espacio para todas las religiones).

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Se hizo para él y está abierta al público.

ROTHKO. La capilla de Houston.

Adolph Gottlieb
Influencia de los expresionistas. Tiene que ver con lo ancestral. Comienza su
experimentación con el arte europeo. Va dividiendo el cuadro en rectángulos y dentro
de estos va añadiendo detalles ancestrales. Todos vuelven al principio.

En Brink se ve una obra depurada y menos narrativa. Se acoge perfectamente a los

fundamentos del arte abstracto americano.

Hay dos signos desprovistos de significado. La obra es lo que se ve: manchas.

GOTTLIEB, Brink.
1951. (IZQ.).

GOTTLIEB, Mist.
1961. (DRCHA.).

Distinción entre HISTORIA DEL ARTE y MERCADO DEL ARTE. Ahora está dirigido el
mercado del arte. El artista puede hacer lo que quiera.

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 Arte Contemporáneo

14/03/2024

Philip Guston
Se ha hecho una relectura sobre él, porque en su primer inicio fue un expresionista
abstracto siguiendo las pautas de Greenberg, pero por su paleta de colores pastel se le
llama Impresionismo abstracto. Fue a las escuelas de Russell del Federal Art Proyect,
usa un lenguaje figurativo y cercana.

A partir de los años 60 llega a la figuración gigante, aunque no fue entendido por la
crítica, actualmente se ha puesto en valor. Se ven elementos fetiches como zapatos,
cafeteras, ambientes cotidianos, bombillas.

Suele reflejar su estudio donde él trabaja, también aparece el cigarrillo. Sin abandonar
los tonos pasteles. Teteras, inspiración en lo más cercano.

Algo repetitivo en su obra son las alusiones al Kukulkán, que se pinta a sí mismo.
Bombillas sin lámparas, cortinas a lo barroco y cigarrillo.

Jackson Pollock
Realiza el dripping (lanza), el pintor no toca el lienzo con el pincel, sino con su cuerpo
para apoyarse, además se mueve para realizarlo. Esto fue una innovación técnica pero
tuvo mala fama por sus problemas personales y las adicciones.

Participa en el Federal Proyect, pero muy pronto se independiza. Las primeras obras
tienen influencia de los diseños indios en las arenas, que estaban en California cuando
él llegó (es otro tipo de primitivismo).

Antes de su estilo clásico el dripping, hace obras muy

oscuras, imágenes de ritual, diabólicas, ancestrales:

POLLOCK, Movidic. Sigue las pautas de Greeberg y

se escapa de la figuración. Arriba tiene símbolos
indios, barco, mar, es una obra abstracta pero algo se
intuye.

POLLOCK, La loba.
Influencia del surrealismo, los muralistas y sobre todo
de Picasso y el Guernica. No es muy abstracta porque
se ve el animal, pero se ve que es un pintor gestual que
aplica mucha materia y de impresión violenta.

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POLLOCK, Catedral (1947). Inicio de la pintura de acción, el dripping. A partir de aquí

despierta interés en la escena cultural neoyorkina.

* POLLOCK, Mural (1943). Guggenheim lo llama para

hacerle un mural en su casa.

POLLOCK, Ritmo de otoño (1950). Usa el dripping, el

material que usa es nuevo, latas agujereadas para que se
esparza la pintura, son pinceles sin posar y les da la
vuelta.

POLLOCK, Mural (1943).

Algunos historiadores dicen que Pollock entraba en un trance, peor el afirma que sabía
dónde iba a caer cada gota, por lo que era una acción meditada sin trance.

“Cuando estoy inmerso en mi pintura, no soy consciente de lo que hago. Solo después de
pasar un periodo de ‘familiarización’ puedo ver lo que he hecho. No me da miedo realizar
cambios, destrozar la imagen, etc., porque la pintura tiene vida propia.”

— Jackson Pollock, 1947–48.

Guggenheim le daba un dinero todos los meses para que compre materiales y trabaje a
gusto, eran amantes, pero su adicción con la bebida le hacían hacer locuras. Por ello la
mujer, su esposa Krasner le compro una casa en el campo para crear allí su estudio.
Grandes dimensiones, heredadas de los muralistas.

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Llega un periodista de The Live y le hace una entrevista en video y le dijo “repítelo” y él
se dio cuenta que no entienden su arte.

Otra etapa es la transición entre la figuración y la abstracción, muy criticado

negativamente como si fuera un pintor acabado. Preferían apostar por artistas jóvenes
y por el arte pop, el enemigo de Greenberg, un arte hiperfigurativo. Esto hizo que
volviera a beber y se estrelló con el coche.

Lee Krasner
Esposa de Pollock, presentaba obras antes que él, pero tuvo que cuidar mucho
de su marido por sus trastornos. Tienen un cierto parecido y se adecua a las
normas de Greenberg. Crea ambientes coloridos y siempre anda en la
abstracción sin etapa figurativa.

Expresionismo abstracto:

v 1942 – 1952
v No homogeneidad:
Ø Teoría de Greenberg.
Ø Lucha contra la vanguardia europea.
Ø No figuración.
v Década de los 40:
Ø No figuración.
Ø Grandes formatos:
§ Muralistas.
§ ≠ caballete.
v Influencias:
Ø Primitivismo.
Ø Simbolismo

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20/03/2024

El arte POP
Cala más en la sociedad americana. Crea toda una iconografía basada en los medios de
comunicación: TV, revistas de moda, etc.

‘Arte popular’. Nace en Inglaterra y no en EEUU. Países capitalistas que es donde solo
puede nacer el Pop*.

Definición de Arte Pop:

«Popular, destinado a un público de masas, efímero, solución a corto plazo prescindible,
olvidable, de bajo coste, fabricado en serie, joven (dirigido a la juventud), ingenioso, sexy,
efectista, glamuroso, un negocio redondo.»

El arte siempre va a imitar. Importante en el Diseño Industrial. La influencia de cultura

de masas y la publicidad y la propaganda son los más importantes. También tiene
influencia del dadaísmo (ready-made) y los collages.

Muchas temáticas pero hay que saber que el arte Pop es de ciudad. Su finalidad es
presentar como Arte lo que nunca fue considerado Arte (mencionado anteriormente).

E. Paolozzi
Utiliza la técnica del collage. Obra alegre y juvenil. Así es el pop: juvenil y fresco.
Introducción de los ‘desayunos saludables’.

ß PAOLOZZI. Meet the People. 1948.

PAOLOZZI. I was a Rich Man's Plaything 1947.

PAOLOZZI. Real Gold. 1949. à

Muestra una nueva manera de

vivir de forma acomodada y
fácil. Adelantos de todo tipo:
señora del hogar, aspiradora…

Artistas bastante reconocibles ligados a su forma de hacer ‘arte’. El Arte Pop inglés es
diferente.

* Hay un pop tardío que bebe del pop pero tiene su propio lenguaje.

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La mayoría de las exposiciones que han sido el boom del momento fueron en galerías,
no en museos.

Independent group
PETER BLAKE, Portada Sargent Peppers de The Beatles.

R. Hamilton
R. HAMILTON. ¿Qué es lo que hace que los hogares
de hoy sean tan diferentes, tan atractivos? 1956.

Muebles modernos y de diseño. Símbolo fálico

donde se ubica el chupachups. Logo de Ford.
Jamón en lata. Publicidad. Al fondo un teatro con
un concierto de Jazz (algo bastante moderno) y,
como no, la señora de la limpieza con su
aspiradora. En el techo está la luna la cual hace
referencia a la carrera espacial. La alfombra luce
como un cuadro de Pollock donde hace referencia
a que está siendo aplastado el expresionismo
abstracto.

R. HAMILTON. Interior II. 1964. Realiza catálogos de interiores, pero muestra que es una
pintura.

David Hockney
D. HOCKNEY. Beverly Hills Housewife, 1967. Representación de la modernidad y de la
vida acomodada. En el exterior se podría apreciar que es una casa de ahora (o de los 60’s
americana).

D. HOCKNEY. Beverly Hills Housewife, 1967.

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 Arte Contemporáneo

D. Hockney. Portrait of an Artist (Pool

with Two Figures), 1973.

Se adentra en lugares privados. Hay

presencia de sillas (que es como el Pop
nació).

Jasper Johns
Uno de los iconos es la bandera de EEUU. Lo hacen de una manera muy recurrente. La
usan como si fuese un único motivo. Hacen
que se note que es una pintura y no una
reproducción. Descontextualización de la
bandera (ready-made).

Aunque el arte Pop nazca en Inglaterra, en

EEUU tuvo mucho más impacto.

Robert Rauschenberg.
ROBERT RAUSCHENBERG, Retroactive 2. Arriba hay revueltas sociales (estamos en
los 60’s) y también el baseball (beisbol).

Roy Lichtenstein
Descontextualiza el comic. Agarraba una viñeta de comic y la sacaba de sentido (la
arrancaba). Rompe esa historia lineal. Muestra
esa viñeta como obra de arte con técnicas
industriales. Extrañamiento. Pinta la obra. Se
limita a copiar la imagen, la proyecta y la
presenta como obra.

R. LICHTENSTEIN. Look Mickey. 1961.

R. LICHTENSTEIN, Drowning Girl, 1963.

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 Arte Contemporáneo

Mel Ramos
Californiano que trabaja con el desnudo femenino introduciéndolo en marcas
comerciales.

Claes Oldenbourg
Escultor Pop. Formatos grandes. Presenta las obras en galerías. Tiene materiales
cotidianos y nuevos que hacen de la escultura algo que, por tradición, no se piensa.
Esta escultura es blanda.

C. OLDENBOURG. Pinza para la ropa. Filadelfia, 1976 (14 metros).

C. OLDENBOURG. Navaja suiza.

21/03/2024

Andy Warhol
Este señor se crio en una familia humilde y es de origen eslovaco. Tiene diversas
enfermedades que le hacen estar mucho tiempo en casa y le crean inseguridades tochas.
Arrastra esos problemas en la piel.

Viaja a Nueva York y empieza a buscar un futuro. Acaba trabajando en revistas de moda
y publicidad.

Recomendaciones de documentales:

• https://youtu.be/yJek_MMzZH8?si=jtAYgs2-uCKJQ70_ Documental de
Warhol.
• https://youtu.be/JVAlV3XlCc0?si=u-ZsftpYjiALbfpy ¿Quién disparó a Andy
Warhol?

Resumen del arte Pop: superficial pero hay que comprender que es la visión de la
época. Veníamos de un artista presente (Expresionismo Abstracto; ej.: Pollock) y
pasamos a un artista Pop que va a ser bastante frio en eso. La mitad del proceso lo
harán las máquinas. Cambia la visión del artista: de uno involucrado a uno no
presente. También cambia el concepto de obra única. Por otro lado, cambia la
subjetividad del arte anterior (Expresionismo abstracto con obra subjetiva) por una
obra objetiva y reconocida por todos.

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 Arte Contemporáneo

Frases que Andy Warhol dijo algún día…

«La razón por la que pinto de este modo es porque quiero ser una máquina.»

«Pienso que cualquiera puede hacer por mi todas mis pinturas.»

Comienza a fijarse en lo “realmente americano” y adquiere una nueva iconografía Pop.

Hay actores, actrices, cantantes, señores del gobierno (Kennedy)… y en 1962 comienza
con la serigrafía.

Su técnica era la serigrafía y su procedimiento es: elige la fotografía, la recorta, la

encuadra, la manda al taller de serigrafía, ampliarla, seleccionar los cobres y hacer
plasmarlo en papel o tela.

A. WARHOL. Latas de sopa Campbell. (1962).

A. WARHOL. Cajas Brillo. (1964). 1

A. WARHOL. Marilyn Monroe.

Comienza a hacer representaciones de catástrofes y comienza a representar en gran

cantidad la calavera. La silla eléctrica hace referencia a la definición de lo que era
inspiración para Warhol: lo americano y la muerte.2

1 «Tocan un tema fundamental de la era posmoderna. El arte no se distingue de la copia ni de la realidad.

No es un envase, es una copia del envase y el concepto de la obra es otro. Es una obra tan provocativa que
un crítico dice que esa obra es el fin del arte. Eso alude al fin del relato de la historia del arte que ha ido
desarrollando una serie de revoluciones para demostrar algo nuevo. Los límites del arte se expanden hasta
llegar más allá.»

2 También dirigió films como Chelsea Girls. The Factory.|Grupo de música: Velvet Underground.

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 Arte Contemporáneo

Hace una relectura de La Última Cena de Da Vinci. También hay escenas donde se despoja
de personajes (paisajes).

Los años 70 fueron más tranquilos para Warhol.

[…]

También realiza una serie de polaroids donde se traviste. Hace homenajes a su madre (se
apellidaba Warhola en realidad). También aparecen artistas, actores, músicos…

Andy Warhol vino a la meseta (Madrid) y conoció a personas como Ágata Ruiz de la
Prada y Maruja Mallo. Hizo una exposición centrándose en las armas. Las críticas fueron
hacia él como cuchillos, incitando su obsesión por las formas fálicas y que estaba siempre
haciendo fotos con su polaroid.

Visitó el Prado, pero duró 15 minutos y no miró ni un cuadro. Fotografió a la gente que
los miraba. Un performer (o eso dice).

COMPRAR ES MÁS AMERICANO QUE PENSAR, Y YO SOY EL COLMO DE LO AMERICANO.

- ANDY WARHOL.

J. Michel Basquiat
https://www.museoreinasofia.es/coleccion/obra/socialite-celebridad

https://youtu.be/3TzyGDWiqLs?si=q9gUdQFF9ssRD1_w

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 Arte Contemporáneo

03/04/2024

(Este tema no toca ahora pero a la profe le apeteció darlo).

El apropiacionismo de los 80’s

Cuando nos referimos al apropiacionismo nos referimos a la utilización de elementos,
imágenes, técnicas o ideas de una obra de arte que ya existe para la creación de una
nueva obra.

En los 80’s es cuando nace este término. Dentro de las artes visuales es una obra que cita,
copia, reconstruye, hibrida o manipula imágenes y les asigna nuevos significados. Puede
ocurrir que solo cambie el concepto y no la imagen; es decir, NO se manipula la imagen,
sólo se descontextualiza.

Arthur DANTO, El abuso de la belleza. Libro recomendado.

Inspirarnos en cosas del pasado para hacer algo nuevo que aporte algo que evolucione
a la sociedad.

A. WARHOL. La última cena.

José Manuel BALLESTER

Artista que saca al individuo de la pintura. Realiza una fotografía de la obra (no es la
obra, es una FOTO) y, en sus series, hace que desaparezcan sus personajes. Lo hace con
El jardín de las delicias de El Bosco y la Venus de Botticelli.

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 Arte Contemporáneo

04/04/2024

Zhang Hongtu
HONGTU. Last Banquet, 1989. Preside la mesa Mao Setun lo encarna como Jesús, tiene el
poder politico y casi religioso, lo rodea su corte con el uniforme militar. El faldón de la
mesa es rojo, como la bandera del comunismo. Detalles como las ventanas que no tienen
el punto de fuga, sino que es mármol.

Verónica Ruth
Performance. Última cena con mujeres, una revisión de género. Las participantes son
madres, primero quietas y después vienen sus hijas.

Simboliza la fractura con las representaciones clásicas de los pasajes bíblicos hasta ese
momento. En esta obra se reflexiona sobre la situación de a jure en el mundo actual,
empoderándola, al tiempo que ofrece una versión de la obra de Leonardo más cotidiana
y próxima. El color rojo en los vestidos nos evoca a la violencia y la sangre derramada
por miles de mujeres, muy a menudo en presencia de los hijos.

La performance comienza con una seña estática, que mimetiza las poses de la obra de
Leonardo. Ellas participantes son madres o pendo el silencio y La Paz que reinaba hasta
[…].

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 Arte Contemporáneo

Yasumasa Morimura
Olympia y Venus. En ocasiones no se apropia las figuras, sino las poses de los
personajes, el cortinaje o los colores. Como ocurre con la Olympia de Manet y la venus
de Tiziano, cambia la fidelidad del perro por la libertad del gato. Morimura se trasviste
y se apropia de la Olympia, la sirvienta es un hombre, se habla de prostitución
masculina , la colcha es más de estilo japonés.

MORIMURA, Olympia.

Adán y Eva, Tiziano y Rubens. Rubens era espía y recibía mucha ayuda de los
aprendices. Son muy similares, se ha tomado la licencia en pequeños detalles.

Pablo de Valladolid de Velázquez y El pífano de Manet. Se apropia del aire, las sombras y
el fondo. La postura no tiene nada que ver. Morimura hace un apropiacionismo de ello,
usa el humor y la ironía, enseña el culo. Se viste de Pífano y realiza un tríptico.

Descanso al medio día, Millet y Van Gogh. Lo toma como influencia y lo adapta a su estilo,
con pincelada suelta pero los mismos elementos, el carro de heno, los zuecos, las
herramientas.

El Angelus, Millet y Salvador Dalí. Dos campesinos se paran a rezar, momento de

recogimiento. Dalí lo repite con obsesión, o bien los protagonistas están centrados o
forman parte de otro cuadro. Tal fue su obsesión que hizo hacerle pruebas al cuadro para
ver que había tras el cuadro, a él le pareció ver que entierran a un niño y lo relacionó con
la pérdida de su hermano mayor.

Mujer desnuda con fondo de montañas de Picasso y Desnudo bajando la escalera Duchamp. Si
Picasso y Braque descubren el cubismo y Duchamp años más tarde lo realiza, hay un

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 Arte Contemporáneo

basado previo para realizar esta obra. Coge muchas influencias como el cubismo, la
facetación, el futurismo. Es una influencia y no una apropiación.

Picasso y las meninas. Usa el lenguaje cubista. Hace más de 50 versiones que casi todas
están en el museo Picasso de Barcelona. No solo se apropia del cuadro, sino a sus
personajes que les dedica varias obras en solitario. En algunas ocasiones lo respeta más.

WitKin, copia de gelatina de plata. Gente abandonada, obsesión social, la muerte está
presente en su vida. Menina Mutilada, detalles de miró y Picasso. Además la fragua de
Vulcano. Usa bodegones de animales muertos.

10/04/2024

Informalismo
Hay una diferencia entre Estados Unidos y Europa tras la II GM. Esta acaba con todo el
arte bello en el continente. Se podría decir que la II GM dañó el arte en Europa para
siempre. Los artistas después del desastre van a eliminar de sus obras todo rastro de
equilibrio, armonía, belleza, e incluso de forma, para pasar a utilizar lenguajes donde se
desmiembra, destruye, deshace y mutila. Para ello se llenan de materiales y herramientas
-la mayoría antiartísticas: cola, sacos, arena, barro-. Las herramientas empleadas serán
inventadas o, a veces, utilizarán sus propias manos. Los pinceles a veces servirán para
pintar y otras para arañar.

Fijamos el comienzo aproximado del Informalismo en 1945, coincidiendo con el

Impresionismo Abstracto Americano.

No hay homogeneidad en este grupo. Esto es debido a las circunstancias un movimiento

introspectivo, crítico y mostrará al individuo como vulnerable, incluso débil,
intrascendente, por lo que en lugar de abandonar la figuración crean una nueva imagen
del hombre.

Es cierto que algunos van a abandonar la figuración e incluso el óleo como material.
Ambas cosas les recordaban a la manera de hacer de antes de la II GM.

El artista será completamente sincero, teniendo las obras una carga de sinceridad como
nunca antes. Se traduce como una captura de fuentes y un modo de actuar muy cercanos
a buscar los orígenes del individuo (y del mundo) y que haya un acercamiento a la
pulsión de los niños a la hora de dibujar e incluso a las personas con discapacidad /
enfermedades mentales.

22
 Arte Contemporáneo

Francis Bacon
Roza la figuración pero a su vez la deformación. Logra su objetivo: el desagrado en la
pintura.

El amor es el demonio à película que habla de la vida de Francis Bacon. Enlace de la

película.

Arte de 50 obras del Papa Inocencio X.

Jean Fautrier
Serie Rehenes. Se representan los otage que son los llamados rehenes de su serie. Pasan de
ser menos icónico y más material-textural. No es una figuración a
uso porque prima lo material. Se llaman superficies construidas las
capas de materia empleadas para estas obras.

Va más allá. Intenta demostrar lo que sucede en una guerra:

heridos, rehenes, etc. Podría ser un rostro o un cerebro humano. No
es claramente figurativo.

Se mostraron todas a la vez como si fuese un pelotón de

fusilamiento. Es un artista característico del siglo XX ya que tiene rol de activista y de
persona que denuncia lo que necesita.

Arthur Dubuffet
Empleo de una ironía descarnada. Pensaba que tenía todo el mundo el poder de ser
artista. Pensaba que los niños de pequeños dibujan y esto se considera arte y creatividad.
Democratización del arte y forma de cargarse el artista genio-artista único.

Vuelve a las manifestaciones arcaicas. Obras que parecen grafitis. Lo hace por parte de
los niños y las personas con enfermedades mentales. Se conoce como Art brut3.

3Obra de arte que se hace sin pensar que será una obra de arte. Realizada por personas que no
piensan que esa obra pertenecerá al mercado del arte y/o institución.

23
 Arte Contemporáneo

El arte que hacen los niños y los enfermos mentales siente que es su propio arte. Como
si fuese su estilo. Por ello, se asemeja a un arte más naif e infantil reivindicando el Art
brut.

«Yo persigo una espiritualidad primitiva no contaminada por la sociedad. Pero sobre todo,
busco incluir algo que existe en un universo aparte; absurdo, espontáneo y sin prejuicios
ni intereses artísticos.»

— Arthur DUBUFFET

«Un arte sensato, ¡qué idea más tonta! […] en la obra se tiene que sentir al hombre y no
al artista. […] con este tipo de obras vemos las obras reinventadas que parten de sus
impulsos.»

Todos tenemos capacidades expresivas. Todos podemos aportar. Todos podemos avocar
desde que somos niños.

Aboga por usar cualquier tipo de material y le da muchísima importancia al trabajo de

la superficie y la materia.

Algunas de sus obras se aprecian que se han realizado con alquitrán y que nos transporta
al grafiti callejero.

Hay otras obras que llama Las damas. Compuesto por cuerpos de mujer arcaica donde su
referencia es una Venus. Resaltan las caderas y el pecho. Por un lado prima la materia, la
textura y, formalmente, prima la sencillez.

DUBUFFET. Vaca con nariz delicada,

1954.4

___

Texturología: textura + materia.

4 LE GUSTA LA IMAGEN. POSIBLEMENTE CAIGA EN EXAMEN

24
 Arte Contemporáneo

11/04/2024

DUBUFFET. Banco de los equívocos, 1963. Sencillos entramados y con una fusión de
colores sencillos. Lo llama el L’Hourlope, lo que significa “mundo paralelo”.

Representación del álgebra y de ese mundo paralelo. Relieve casi nulo. El límite de este
mundo paralelo va a ser el coucou bazar à cuadro animado. = Mundo paralelo en
movimiento.

Grupo CoBrA
Co: Copenhague. Br: Bruselas. A: Ámsterdam.

Algunos artistas que pertenecían a este movimiento eran Egill Jacobsen, Pierre
Alechinsky, Asgar Jon y Karel Appel.

Empleo de colores fuertes y líneas curvas. Referencias de James Ensor5 y Munch.

Influencia del paso de los grafitos urbanos. Prima del

inconsciente, el azar, la ironía y lo naif.

Sensación de cuadro infantil, aunque se sepa que un niño no

lo haría así. Regeneración cultural con este tipo de obras.

Importante carga social. Valoran el gesto por encima de todo.

Aplican el color de forma más o menos espontánea y lo hacen
sin contaminación y sin censura.

E. JACOBSEN. Acumulación. 1937

EUROPA ESTADOS UNIDOS

Informalismos Expresionismo abstracto

Nuevos Realismos Arte Pop

Nuevos Realismos
Los nuevos realismos son una manera que tenemos los historiadores de englobar a los
artistas bajo un mismo nombre aunque no tengan nada que ver entre sí.

A 40º au dessus de DADA. Esto es un manifiesto realizado por Pierre Restany en 1960.
Nuevos realismos: nuevos acercamientos perceptivos a lo real. Nos acercaremos
bastante al Arte Pop porque alguno de los nuevos realistas, se apropian de imágenes
aparentemente sin importancia, triviales, obtenidas de los medios de comunicación, de
la realidad urbana y cotidiana, de la tecnología y de la industria.

5 Referencias siempre de los carnavales. Le gustaban de pequeño.

25
 Arte Contemporáneo

Irá en contra del Expresionismo abstracto americano. Empleo de objetos producidos en

masa, objetos comerciales e incluso cogidos de la basura, escombros, etc.

Se disolvió en 1970.

«La pintura de caballete o cualquier método de expresión clásica en la escultura y la pintura ha

llegado a su fin. ¿Qué nos espera en lo actual? La apasionante aventura de lo real percibido en sí
mismo y no a través del prisma de la transcripción conceptual o imaginativa.»

Técnicamente usan el ensamblaje y enlazar será un elemento más. No buscarán en sus

obras generar emociones, sino a basarse en el tratamiento del objeto.

18/04/2024

Yves Klein
Dentro de los Nuevos Realismos veremos al figura de Yves Klein. No se parecerá a
Manzoni u otro de los nuevos realistas.

Pintor francés y uno de los mayores exponentes del arte conceptual. Esto no es una
corriente / movimiento artístico, sino una característica.

El arte conceptual nace con Duchamp. Para el autor prima la idea sobre el objeto.
Comienza a hacer una serie de obras de un solo color como sus Cuadros monocromos. Esto
ya se realizaba con anterioridad.

Pronto se basará en el Azul Klein Internacional. Comienza a ser

famosete en el mundo artístico parisino por ese azul eléctrico tan
diferente.

Trabajaba en Iris Clert, una galería. En esta galería se iba a hacer una
exposición de Yves Klein. Había globos, cocteles y hombres
uniformados vestidos de azul Klein. Todos los que iban ahí sabían lo
que iban a ver: cuadros monocromos color azul Klein. Pensó el artista que la experiencia
artística del espectador ya había sucedido, por ello, en su exposición El vacío, cuando los
invitados entraron se encontraron la sala completamente vacía. Había zonas de
sensibilidad pictórica inmaterial -zonas que, aunque no esté la obra, el espectador la
siente-.

26
 Arte Contemporáneo

«He tomado conciencia de aquello que llamo la sensibilidad pictórica, que existe más allá
de nosotros y pertenece todavía a nuestra esfera. Nosotros no detentamos ningún derecho
de posesión sobre la vida misma. Solamente mediante nuestra toma de posesión de la
sensibilidad podemos adquirir la vida. La sensibilidad que nos permite perseguir la vida
al nivel de sus manifestaciones materiales de base, en los cambios y el trueque que son el
universo del espacio, de la totalidad inmensa de la naturaleza. ¡La imaginación es el
vehículo de la sensibilidad! Transportados por la imaginación tocamos la vida, esa misma
vida que es el arte absoluto en sí mismo.»

Hay presencia de algunos debates como el papel del artista. Aquí el artista no hace nada.
Aquí solo existe el espacio y tu pensamiento que lo reproduce.

El autor también emplea las

antropometrías, que es emplear el
cuerpo como pincel.

Esto se suele hacer en público como si

fuese una performance. El resultado es
una estampa corporal.

Una de sus últimas obras es Salto al vacío (1960) donde da a entender

que esa fotografía es real. Es la primera fotografía simulacro. Esa
imagen nunca ocurrió. Yves Klein termina con la fotografía como
huella; como recuerdo.

Otra de las acciones famosas de este señor es que se especializó en vender obras y
materiales. Vendió hasta 9 zonas de sensibilidad pictórica inmaterial. ¿Qué hacía? Tiraba
oro al río e inmortalizaba ese momento con una cámara y, junto a un recibo, se certificaba
la cantidad que figuraba en el fondo del Sena. Una vez que el comprador recibía la
fotografía y el recibo, el ritual incluía la quema del recibo como símbolo de que la zona
inmaterial se volvía intrínsecamente parte de ellos y dejaba de existir cuando ellos se
morían.

Esta performance pretendía equilibrar el orden natural que se había desequilibrado a

través de la venta del espacio.

27
 Arte Contemporáneo

25/04/2024

Pierre Fernández Arman

Experimentó con los sellos de caucho, y comenzó a hacer diseños con ellos, llamándose
la serie “Cachets”. Utiliza objetos cotidianos y los encumbra, haciendo parte de estas
obras. Primero cogió el sello, pero después comenzó con estos objetos cotidianos como
una estatuillas, realizando así “trayectorias de objetos” llamados también “Allures
d’objets”.

El paso del tiempo en el arte refleja que es igual de válido el arte clásico como su arte
moderno, tanto la estatuilla como lo pintado forma la obra completa. ¿qué pasa con la
basura que nadie quiere? Arman pensó que el acto de acumular se iba a convertir en un
acto creador, y era algo similar a lo que hacían los hombres prehistóricos. Estas
acumulaciones los va a poner en un espacio hasta hacerlos angustiosos, cuestionando el
objeto que tienen en la sociedad de consumo y su presencia en todas partes.

Crea por tanto estos cubos de basura de cristal, llamados “Poubelles”, o también hacia
acumulaciones de objetos llamados “accumulations”.

Los objetos también pueden ser más delicados, como las tazas o más agresivos como las
pistolas contando el pasado, reflejando el tiempo con relojes o lo siniestro con muñecas.
Después llega a las “Cóleras”, los objetos cuando explotan o se dañan, yendo en contra
del objeto nuevo y brillante, el objeto cuando es objeto y le quita la función,
convirtiéndolo en obra de arte.

Daniel Spoerri
Utiliza los objetos cotidianos y la basura, quitándole la etiqueta de desperdicio para
convertirla en obra de arte, lo que el mundo desecha él lo aprovecha para convertirlo en
arte. Él hace lo que se llaman “mesas cepo o cuadros engañosos”, siendo esto elementos
de la comida pegadas a la mesa, actuando a la mesa a su vez como lienzo, como cuadro.

Muestra los objetos cotidianos de otra manera, dándole un sentido artístico, utilizándose
la comida real dentro del arte “Tableaux Pièges”.

Son bodegones contemporáneos. También hizo una performance en una galería,

haciendo después una serie de obras cuando terminaron de comer todos los que
acudieron a la galería. Suele utilizar los restos de comida para hacer performance y su
obra.

02/05/2024

Jean Tinguely
Realización de engranajes que forman sonidos que no sirve para nada. Recuerda a lo
dadá (Picabia).

Introduce el concepto de ‘tiempo’ y ‘movimiento’. Estas máquinas cuando se ponen en

movimiento emiten voces, ruidos, etc.

28
 Arte Contemporáneo

Los nuevos realistas tienen cosas en común pero son completamente diferentes. Todos
parten de la experiencia de lo real. ELEVAN LO REAL A LA CATEGORÍA DEL ARTE.

J. Tinguely crea construcciones que combina con el movimiento y se une a lo que se

conoce en EEUU como Junk Art6.

J. TINGUELY. Danza de la muerte del doctor Mengele. Años 60.

Cesar Baldaccini
Empleo del hierro y el acero. Diseños mecanizados. Comienza a trabajar con desechos
de coches de los desguaces.

Presencia del color. Empleo de pigmentos.

Agarra un dedo pulgar enorme y lo convierte en su seña de identidad. Es una parte de

nuestro cuerpo realizado con diferentes materiales (oro, resina sintética, plástico…) y de
todos los tamaños que se puede presenciar tanto en la calle como en museos.

Por último, crea sus Expansiones. Agarra algo de lo real.

Introduce poliuretano dentro de una maleta. Ese
elemento se expande. Tiene sentido porque creas una
escultura que va cambiando, se mueve y que va
parándose cuando quiera.

Cambia el sentido de cultura tradicional de una forma

nunca antes vista.

Piero Manzoni
Nuevo realista que hace uso de lo real PERO se basa en que el arte lo hacen los artistas,
NO los objetos. Esto tiene que ver con el mercado del arte antes y ahora.

6 Junk Art es el término acuñado por L. Alloway para designar al movimiento artístico americano

de los años cincuenta que surge como reacción al idealismo del expresionismo abstracto.
Introduce en sus obras materiales sin valor, desechos, basura y otros desperdicios urbanos, bajo
la forma de assemblages, detritus urbanos y objetos de consumo recuperados. Representa una
rebelión contra la doctrina tradicional de materiales nobles y un deseo de mostrar que las obras
de arte pueden crearse aprovechando objetos humildes y despreciables.
A menudo asociado al neodadaísmo, nace con las Combine- Paintings de Rauschemberg y, hasta
1962 constituye el medio en el que el assemblage evoluciona hacia los ervironments y los
happenings, desarrollando un mayor interés por el objeto cotidiano que desembocó en el pop.
Los artistas junk más destacados son Dine, Oldenburg, Kaprow, Grooms, Samaras, Di Suvero,
Stankiewics o Chamberlain.

29
 Arte Contemporáneo

‘Rollo de papel con línea’. Es importante que esté su firma, que esté numerada y la
longitud de la línea. Lo único que tiene sentido en la obra es que la ha firmado el artista.
Es un hijo del ready-made.

En la cajita con el huevo hace una crítica al mercado del arte porque todo lo firmado por
un artista se vende. Selló un huevo. Tiene importancia el artista à pone la huella.

Arte conceptual = idea > objeto.

Decía que los cuerpos pueden ser esculturas andantes. Firmó un cuerpo así que es una
escultura en movimiento. P. MANZONI. Firma de Manzoni y escultura viviente. 1961.

P. MANZONI. Base mágica. Cada uno quien se suba es una

escultura. Él piensa en hacer historia con esta obra.

P. MANZONI. Base del mundo. El pedestal está a la inversa.

¿Cuál será la escultura? El mundo; la tierra. Es el pedestal de
la tierra. à

Las latas de Mierda de artista están todas firmadas. Se venden ‘al peso’ en condición al
precio/peso del oro de ese momento. La última que se vendió se adjudicó por 100mil
euros.

Arte urbano / Land Art

Christo y Jeanne-Claude
Punto ecológico para conservar los edificios. No deja de ser arte efímero.

El punto del Land-Art al ser efímero… ¿cómo entra en el mundo del arte? Mediante
fotografías, videos y bocetos.

La pareja empezó envolviendo botellas. Avanzaron hasta plantearse la idea de envolver

/ cambiar el paisaje por un tiempo y dieron el paso envolviendo por primera vez la calle
Visconti de París.

En España pidió permiso para Madrid (la Puerta de Alcalá) y Barcelona (Monumento de
Colón).

30
 Arte Contemporáneo

Pero en otros lugares le dieron el sí como en la Catedral de Colonia, París.

CHRISTO Y JEANNE-CLAUDE. The Floating

Piers. La más significativa fue la del Lago Iseo.
Desde que entras tienes ese color amarillo que
hace un dibujo encima del agua, por lo que da una
sensación de que estás caminando por encima del
agua.

También envolvió el Arco del Triunfo de París. Se costea estos proyectos con las ventas
de catálogos y bocetos. No pide dinero, solo los permisos para hacerlo.

07/05/2024

Richard Long
Artista histórico pero, además, diferencia sus obras tradicionales con el material que
vende en galerías para sufragar sus obras en la naturaleza.

[…] Nadie apostaba por el Land Art. Richard Long da un paso más allá con sus obras en
museos como el Pompidou.

Walter de María
Se crea un espectáculo natural gracias a sus obras. Más efímero, imposible. WALTER DE
MARÍA. The Lightning Field, 1977.

Nancy Holt
El protagonista no es solo un círculo concéntrico sino el astro Sol. Es el elemento más
preciado y necesario de la naturaleza. Esta señora es más mística. NANCY HOLT. Sun
Tunnels, 1973.

Ana Mendieta
Realiza su propia ‘pirámide’ funeraria con mucha relación con lo ancestral; su cultura.

ANA MENDIETA. Señal de sangre N.º 2, 1974. à https://youtu.be/KnliG2gNouQ

Se casó con Carl Andre. Persona la cual la mató, básicamente.

Arte óptico y cinético

Op-art es la abreviatura de "Optical-Art", se empleó por primera vez en 1964 en la revista
Times. En España lo llamamos Arte óptico.

31
 Arte Contemporáneo

El Op-art surge en EE.UU. hacia 1958 y su carta de presentación fue la exposición en el

Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1965 "The Responsive Eye" (El ojo sensible).

Explora la fragilidad e inestabilidad del ojo humano, observa los efectos ópticos y se
interesa por plasmar sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional,
“engañando al ojo” mediante ilusiones ópticas. Transpone, de alguna manera, la ciencia
al arte.

Una de sus características es que el espectador tiene que

participar, por ello, se llama Arte óptico y cinético. Se llama así
por la percepción y presencia del espectador para que la obra
tenga sentido.

Este tipo de obras son imposibles de fotografiar y reproducir.

ß VICTOR VASARELY. Arlequin. 1952.

Estas obras no nacen solas y tienen influencias del Suprematismo y el Realismo en la

Vanguardia Rusa o, incluso, la parte más abstracta de la Bauhaus; el Neoplasticismo de
Mondrian, etc.

Características
1) El lenguaje es ABSTRACTO: ausencia de figuración o de referencias subjetivas de
carácter emocional.
2) Creación de efectos visuales (vibración, parpadeo, movimiento aparente).
3) Creaciones compuestas por patrones de repetición de líneas, cubos y círculos
concéntricos, en los que predominaban el blanco y negro y la contraposición de
colores complementarios.
4) Participación del espectador: en muchos casos necesita moverse delante de la obra
para apreciar toda la gama de efectos ópticos.
5) Empleo frecuente de pintura acrílica para conseguir colores impecablemente lisos y
uniformes.
6) Gran efecto de profundidad, para ello los colores crean efectos vibrantes y hay un
hábil uso de las luces y las sombras. Como consecuencia, la confusión se da entre
fondo y primer plano.
7) El resultado es el de un espacio tridimensional. Aunque el movimiento no sea real,
el efecto es de total dinamismo.
Se empleó tanto el diseño que resultó un arte hiper-explotado y, por tanto, fue
desahuciado.

En Europa, el Arte Óptico surgió a mediados de los años 60. El centro del arte óptico en
Europa es París, aunque tiene adeptos por diferentes países europeos, por ejemplo, el

32
 Arte Contemporáneo

grupo Zero en Alemania. Tuvo una gran aceptación popular, por lo que muchas obras
se convirtieron en diseños y fueron explotados con fines comerciales por la industria de
la moda y de la publicidad.

Víctor Vasarely
Realización de obras de grandes dimensiones. Juega con las formas superpuestas con las
líneas blancas y negras. Hace que no pueda observarse por mucho tiempo.

Diseños modernos que podrían ser de hoy. Punto psicodélico. Empleo del estudio de la
óptica7. Empleo de la sensación del volumen y tridimensionalidad. En pintura era algo
imposible. ¿Algo tridimensional y con sensación de movimiento? Impensable.

Julio le Parc
Introducción de mecanismos. Presencia de la naturaleza. Relación directa
con la instalación.

El concepto de arte sigue con ese ‘abanico’.

J. LE PARC. Continual-luz cilindro. 1962 – 2012. à

El espectador tiene que ir recorriéndola para encontrarle todo su sentido.

Groupe de Recherche d’Art Visuel

Tiene un manifiesto. El Manifiesto GRAV, contenido en forma de folleto, se distribuye
ampliamente por primera vez en la 3a Bienal de París, en octubre de 1963.

Lo que quieren principalmente es la participación activa del espectador y que supere los
vínculos tradicionales del arte y se unan a las nuevas manifestaciones artísticas.

El programa de la acción Une journée dans la rue [Un

día en la calle] señala los diferentes puntos de la
ciudad en los que se desarrollarán actividades que
solicitarán la participación activa de sus habitantes.
En la propuesta se destaca que estas nuevas
situaciones permitirán establecer un vínculo
diferente con los transeúntes, con miras a superar los
vínculos tradicionales del público con las
manifestaciones artísticas. Asimismo, este programa
incluye una encuesta de siete puntos referida a la

7Tenía muy en cuenta la ciencia. Forma de introducir la ciencia en el arte. Realizado

anteriormente por los expresionistas.

33
 Arte Contemporáneo

relación del público tanto con el arte moderno como de vanguardia, que debía
responderse afirmativa o negativamente.

‘CryptoPong Participate #2 Málaga (2024)’ es una obra basada en NFT, que

homenajea al videojuego de Atari Pong (1972). Su objetivo es profundizar en las
actividades y conductas del consumismo, el valor y la propiedad en la era digital a
través del tenis de mesa.

CryptoPong Participate #2 Málaga (2024), de Kvetny y Velasco, es una instalación

interactiva, y una obra basada en NFT, que homenajea al clásico videojuego de
Atari Pong (1972) cuyo principal objetivo es profundizar en las actividades y
conductas del consumismo, el valor y la propiedad en la era digital a través de un
juego muy conocido, el tenis de mesa. Los participantes en la obra, compuesta por
quinientas pelotas de ping pong que brillan en la oscuridad, y entre las que se
esconden cincuenta obras de arte más, son invitados a jugar. Todas las pelotas en
cuya superficie haya un dibujo original pueden ser intercambiadas por un NFT o
bien conservadas como obras de arte físicas. De este modo, además de funcionar
como una demostración de las reglas del tenis de mesa, CryptoPong Participate
refleja las reglas de la compra y venta de obras de arte en la cadena de bloques.

08/05/2024

Abstracción postpictórica
Es el arte oficial del arte contemporáneo, apoyado por las instituciones. Es un
enfriamiento de la pintura, habla por sí mismo, sin sentimiento alguno.

Influencias: Dadá, muralistas, surrealismo abstracto, suprematismo, neoplasticismo,

constructivismo, Bauhaus (J. Albert)

No se veía la mano del artistas y se acercaba a la pintura pura, a la utopía que perseguían
los vanguardistas de que el arte habla por sí mismo, sin referencia alguna a la realidad.

Kenneth Noland
"Un lienzo cuadrado (neutro, sin forma) con el toque de pincel retocado para borrar el toque de
pincel, de superficie mate, plana, pintada a mano alzada (sin barniz, sin textura, no lineal, sin
contorno nítido, sin contorno impreciso) que no refleje el entorno -una pintura pura, abstracta no
objetiva, atemporal, sin espacio, sin cambio, sin referencia a ninguna otra cosa, desinteresada- un
objeto consciente de sí mismo (nada inconsciente), ideal, trascendente, olvidado de todo lo que no
es el arte...".

No quiere que se vea la pincelada, no quiere la mano de autor, no quiere nada accesorio.
Hard edge — contornos duros.

34
 Arte Contemporáneo

OBRAS:
1) Aleteó, 1960 — no hay figuración, lenguaje abstracto, plano, sin profundidad.
Colores vivos y formas circulares, los contornos no son definidos, se pueden ver
restos de pinturas depositados
2) Límite de la tierra, 1960 — un paso más a la frialdad usa pintura acrílica mezclada
con aceite para que se quede pegada, colores más fríos, contornos más definidos,
cierta profundidad en el rojo.
3) Camino interior, 1961 — los motivos de las obras son sencillos, elementos
geométricos círculos, rombos, cuadrados que eliminan la emoción. Colores fríos,
¿Qué tiene sentido? Si, pero no es lo que quiere, porque separa el arte de la vida.
4) C, 1964 — pintura de contorno duro, crea el cuadro con forma y se hace popular por
esta obra porque parecen galones. La tela esta sin imprimar y pinta de tirón.
5) Cherry dulce oscuro, 1966 — En el bucle, 66 — cuadros con formas, que
progresivamente se van alargando más.
6) Pausa , 1966 — abandona los galones, franja de colores de la misma tonalidad, tela
cruda y de grandes dimensiones. Contorno duro.

Frank Stella
Utiliza contornos duros y los cuadros con forma como Nolland, colores planos y
comienza con obras en blanco y negro, que deja entrever formas cuadradas. Tiene mucho
que ver en el arte óptico, no tiene la sensación de movimiento, pero los cuadros
concéntricos tienen formas parecidas.

Hagamatana — lo blanco que hay detrás es pared, está delimitado a la forma de las
figuras del lienzo, colores más vivos

En los años 80, pasa a otra etapa de cuadros con volumen, utiliza metal y materiales extra
artísticos como el aluminio o el acero y entra saltándose las normas de Greenberg de la
pintura y la escultura.

Diseña coches.

Noby dick — un día paseando por el acuario de NY y se enamora de las ballenas belugas
y hace una relectura de mobydic, creo nuevas naves para hacer sus obras y durante más
de 10 años hace su gran obra tan grande que nunca se ha podido ver expuesta en su
totalidad. Lo dividió en 132 partes, capítulos de mobidick. Representa la ballena, las
olas… Cuando lo termino la obra formada 1200 fragmentos y algunos dicen que llego
hasta los 1700, las instituciones fueron comprándole fragmentos, lo que hizo que su obra
quedase repartida y no se pueda ver al completo.

Helen Frankenthaler
En el otoño de 1952, a la edad de veintitrés años, Helen Frankenthaler realizó su
legendaria pintura Montañas y mar, la primera obra en la que utilizó su famosa técnica
a base de "manchas de color absorbidas". Diluyendo la pintura con trementina o
queroseno, la artista desarrolló una técnica que permitía que el lienzo sin imprimación
filtrara y absorbiera la pintura. La mancha resultante, que dejaba a menudo un aura a su

35
 Arte Contemporáneo

alrededor, daba a la obra una sensación de movimiento continuo, uniendo imagen y

soporte.

Montañas y mar, basada en los acantilados costeros de Nueva Escocia visitados por
Frankenthaler el verano anterior, es una de sus numerosas abstracciones ─igual que
Granja en otoño y Acres (ambas de 1959)─ que evocan recuerdos de paisajes. Sin
embargo, las cualidades orgánicas de las pinturas de Frankenthaler tienen tanto que ver
con las propiedades de los materiales que utiliza como con cualquier alusión real a la
naturaleza. En Frankenthaler, que insiste en no ser una pintora de acción, prima la
fluidez de la pintura, que es lo que anima su obra, y no el movimiento, como por ejemplo
en la técnica de goteo de Jackson Pollock.

Aunque Montañas y mar descubre las primeras influencias de Frankenthaler, entre las
que se encuentran las de Vasily Kandinsky, Joan Miró y Arshile Gorky, su empleo del
lienzo sin imprimación y la unión de pintura y dibujo fueron motivados por un
encuentro con las pinturas en blanco y negro de Pollock en una exposición en la Betty
Parsons Gallery de Nueva York en 1951. El rechazo de Pollock hacia la pintura de
caballete inspiró también el proceso más libre de Frankenthaler. Vertiendo el pigmento
líquido en el lienzo desnudo extendido sobre el suelo, Frankenthaler creaba unos
paisajes diáfanos, de zonas de color cambiantes, casi transparentes. Absorbidas por las
fibras de algodón, estas aguadas atmosféricas conseguían un efecto óptico de
profundidad, evitando la ilusión de perspectiva y manteniendo el aspecto plano del
lienzo.

Es el puente de Pollock y lo que podía surgir, estamos en el 1952, tiene características de

ambos.

A partir de los 60 ya va más en consonancia a lo postpictórico.

Canal, 1962 — no hay la mano del pintor, sino que vierte el líquido.

Morris Louis
Es un artista que vivía en Chicago y además odiaba NY, hasta que Nolland le convenció
para ir con él y convencerlo de las nuevas tendencias. A los 41 años comienza a trabajar
justo después de ver “Montañas y mar”, se influyó y pinto su obra con características
similares. Vierte la pintura, mueve el cuadro y la diluye.

Greenberg describió de esta manera: "Louis derrama pintura en una tela de lona de algodón
gruesa, sin marco y sin preparar, dejando el pigmento casi en todos lados lo suficientemente
diluido, sin importarle cuántas capas de este están sobrepuestas, para que el ojo sienta debajo la
fibra y la trama de la tela. Pero "debajo" es una palabra incorrecta. La tela, estando impregnada
con pintura, más que simplemente cubierta por ella, se vuelve pintura en sí, color en sí mismo,
como género teñido; la fibra y la trama forman parte del color".

Franjas irregulares de color, paralelas, aparecen ahora en diagonales como formando

alas en los bordes de grandes áreas de tela que se dejan sin pintar. Michael Fried señala:
"Los arroyos inclinados. Abren el plano del cuadro más radicalmente que nunca, como si mirando
la primera señal viéramos por primera vez el vacío. El deslumbrante espacio de la tela sin tocar

36
 Arte Contemporáneo

repele y al mismo tiempo subyuga alojo, como un abismo infinito, abismo que se abre tras la más
mínima marca que nosotros hacemos sobre una superficie plana, o se abriría si innumerables
convencionalismos tanto del arte como de la vida práctica no restringiesen las consecuencias de
nuestro acto dentro de estrechos límites".

ENLACES DE INTERÉS: https://historiadelarte4.blogspot.com/2007/07/nueva-

abstraccion.html

https://www.guggenheim-bilbao.eus/exposiciones/despues-de-montanas-y-mar-
frankenthaler-1956-1959#

09/05/2024

Hiperrealismo
Más detallista incluso que la fotografía.

Chuck Close
Realiza dibujos principalmente retratísticas como a él mismo o a Brad Pitt u Obama.
Pincelada muy fina. Tuvo ayuda de un vocabulario fotográfico. Gran aportación de la
sensibilidad.

15/05/2024

“Hiperrealismo”. Una de las palabras empleadas tanto como adjetivo como movimiento
artístico. Este estilo resulta una vuelta de tuerca. La aparición de la fotografía hizo mucho
daño. Llega un momento donde unos pintores le echan un pulso a la fotografía
empleando los recursos fotográficos para su propio beneficio: de la foto realizan el
cuadro.

Richard Estes
Misma técnica. En este caso el autor se centra en paisajes; paisajes americanos; paisajes
de la época. Prescinde de personas para que así nos centremos en los reflejos, los cambios
de luz, etc. Estas superficies pueden actuar como espejo.

R. ESTES. Cabinas telefónicas. 1967 – 68. Presencia de varios planos.

R. ESTES. Café Espress. 1975. Reflejos.

R. ESTES. Doble autorretrato. 1973. Aparece con su cámara fotográfica. Es un guiño: “voy
a hacerlo mejor que la máquina”. En este caso, la cámara se convierte en un proceso de
creación. Esta máquina no produce, sino que es una parte del proceso. El papel de la
cámara como accedora de la obra se queda renegada a la cámara como parte del proceso
de creación.

37
 Arte Contemporáneo

* R. ESTES. Apollo. 1968. Parece una postal. Engaña unos segundos a la percepción.

R. ESTES. Urban Landscapes Suite-Grants. 1972.

Antonio López
Artista que va por libre. En un momento determinado coincidió cronológicamente con
el Hiperrealismo. No se vale solo de la fotografía, sino que también pinta a caballete al
aire libre. Hiperrealismo pasmoso. Estas obra las realiza en torno al 74.

En los 50 predominaba la mancha y tenía un estilo castizo y español.

Su obra avanza y el mismo estilo continúa en los 90 – 2000, aunque no tiene mucho
sentido que sea así.

Retrato de la familia Real. No comparar. Subjetividad. Contexto.

22/05/2024

Duane Hanson
Los escultores utilizan materiales como resina, fibra de vidrio, silicona y pinturas
acrílicas para reproducir fielmente todos los detalles de la anatomía humana y construir
esculturas que tematizan la vida y la muerte.

Empleo de personajes cotidianos para hacer una crítica, una llamada de atención o para
ensalzar los componentes de la sociedad americana. Democratización total del arte.

D. HANSON. Joven consumista. 1973.

D. HANSON. Señora. 1988. à Retrato de la parte de la sociedad en la que el autor vive.

Crítica a la perfección y los cánones del arte. ¿Está caricaturizando? NO. Visibiliza lo no-
normativo. Son los años que son en EEUU, es lo que él quiere compartir con nosotros.

John de Andrea
Temas un poco más sexualizados. Obras con una medida diferente. Punto manierista.
Más esquematizadas pero con un nivel de detallismo clave.

Ron Mueck
Esculturas hiperrealistas con un gran tamaño. La escala es lo que nos dice que es una
escultura. Artista más cercano a nuestro tiempo. Se diferencia de
los tradicionales por esta diferenciación de proporciones.

Sí es hiperrealista porque ha metido algo nuevo: el tamaño.

* Está en negrita.

38
 Arte Contemporáneo

Body Art
A finales de los 60, surgen una serie de manifestaciones artísticas como el arte
conceptual, las performances, el arte del cuerpo o el Land Art, todas ellas
manifestaciones artísticas activas, donde ya no prima la obra acabada, sino el proceso
de creación y la idea, a partir de la cual surge el discurso.

La principal diferencia entre el Body Art y el arte tradicional es que este último se lleva
a cabo en un espacio real con un cuerpo real, al cual utiliza para expresar
preocupaciones y reflexiones propias del individuo y de la historia del arte.

Se utiliza pues el cuerpo como denuncia de opresión social, sexual, víctima de la

contaminación, de su propia vulnerabilidad, manifestación de su carácter orgánico,
perecedero, mutilable, blanco de la crueldad, así como de su conducencia con la
tecnología y la biología.

¿Cómo se utiliza el cuerpo?

1) Objetualmente
2) En la realización de creaciones como ‘documentos estáticos’ (fotografías, notas y
dibujos)
3) Mediante la acción o performance y, por tanto, se basa en cuestiones como la
percepción, el comportamiento de los espectadores y la temporalidad de la obra o
los ‘documentos dinámicos’ como los videos.

Tienen la inspiración de los Nuevos Realistas para elaborar este estilo artístico. Surge en
los 60 en EEUU y también en Europa.

Gina Pane
El cuerpo es el medio y el arte es la performance.

“La herida es la memoria del cuerpo; memoriza la fragilidad, el dolor, es decir, su existencia real.
Es una defensa en contra del objeto y de las prótesis mentales.” Gina Pane.

GINA PANE. Acciones sentimentales, 1973. Los artistas del cuerpo han reflexionado sobre
el dolor, sometiéndose a experiencias intensas, como en este caso, donde la artista se
practica incisiones con cuchillas de afeitar en varias partes del cuerpo.

29/05/2024

La finalidad del artista es lo que importa. Poner al límite el cuerpo, hacer un cuadro del
lienzo o cualquier otra cosa entra en el mundo del arte.

La artista pone al máximo su cuerpo para reivindicar una serie de cosas. Lo que está
utilizando no es solo su cuerpo, sino intenta también echar mano de su mente. El cuerpo
es un puro objeto. El dolor, el aguante y los límites los pone la mente más que el cuerpo.

39
 Arte Contemporáneo

Gina Pane intenta enfrentarse al temor a la muerte y encontrar un sentido a la existencia

la vez que, con su acción, denota desinterés por los conceptos de belleza y perfección
corporal vigentes.

Marina Abramović
En la imagen aparece Marina Abramovic.

Una de las performances más dura es Ritmo 0 de Marina Abramovic.

Presencia de 72 objetos sobre una mesa de una

galería. Había de todo (lo bueno y de lo peor). Tenían
instrucciones: podían usar los objetos sobre la artista.
Ella se convierte en objeto.

En una de sus performances, Rhythm 0 (1974)

anunció que sería un objeto pasivo durante seis horas
y que los espectadores podrían hacer con ella lo que
quisieran, y que podían usar una serie de objetos como deseasen, entre ellos una pistola
cargada. La actuación acabó con una pelea entre el público cuando alguien intentó usar
el arma.

Demostración de una serie de cosas a través del cuerpo. Hasta dónde será capaz de llegar
el individuo si le dejas ‘libre albedrío’. Deshumanización y objetualizarían del cuerpo.
Arte de resistencia.

La performance es una disciplina que puede vivir/combinarse con cualquier estilo.

Realiza sus obras con la que era su pareja sentimental, Ulay. Imponderabilia. 1977.

30/05/2024

Relation in time, que tuvo lugar en Bolonia el mismo año, se ataron del pelo uno al otro
mirando en direcciones contrarias durante más de 16 horas.

40
 Arte Contemporáneo

https://youtu.be/1sRSoGAc3H0?feature=shared

AAA-AAA (1978). Aquí los dos artistas se gritaban el uno al otro en un pulso para
establecer cuál era el más dominante.

https://youtu.be/RGfbSQ7WseM?feature=shared

Rest energy, de 1980, fue otro de los performances más polémicos porque representaba
un peligro real para Marina. Aquí Abramović sostenía un arco y Ulay templaba la cuerda
del arco con una flecha apuntándole a ella durante 4 horas.

https://youtu.be/XprgZEzDIyg?feature=shared

La artista está presente es una de sus acciones más populares. Se inauguró el 14 de marzo
de 2010 en el MoMA de Nueva York y, en ella, Abramovic permaneció 736 horas y 30
minutos sentada inmóvil frente a una mesa.

https://youtu.be/traUaknfR5o?feature=shared

Orlan
Según Orlan, el cuerpo es fundamental para la resistencia existencial, así como para la
resistencia política y social. A través de su experiencia artística, Orlan nos muestra que
el cuerpo no es solo una envoltura física. Es a través del cuerpo que podemos explorar y
entender el entorno que nos rodea, cuestionar las normas establecidas y redefinir nuestra
propia identidad.

La obra de Orlan no busca simplemente embellecer el cuerpo, sino más bien

transformarlo y reinventarlo. Ella propone un cuerpo desacralizado y disidente, que
puede ser decorado y utilizado como una forma de expresión artística. Su enfoque va en
contra de los estándares de belleza impuestos por la sociedad y busca empoderar a las
personas para que se apropien de su propio cuerpo y lo utilicen como una herramienta
de libertad y autenticidad.

Orlan, posiblemente sea la primera artista en utilizar la cirugía plástica para hacer su
propio autorretrato. Deconstruye imágenes mitológicas de mujeres y de la historia del
arte y las inserta en su rostro para crearse a sí misma.

¿Por qué esas mujeres? -Diana por su

característica de diosa agresiva, Psyché por
su belleza espiritual, Europa de Gustave
Moreau por su amor a la aventura, la Venus
de Boticelli por ser la diosa de la fertilidad y
la Mona Lisa de Leonardo por su
inteligencia.

Le Drapé - le Baroque, 1979-1986. Se

convierte o relee algunos aspectos
barrocos.

41
 Arte Contemporáneo

MesuRages, 1974-2011. Emplea su cuerpo como unidad de medida.

Autohibridaciones entre mujeres, inspirada en los

retratos de Dora Maar llorando que hizo Pablo
Picasso. ORLAN insertó trozos de fotografías de
su rostro en 12 obras del pintor malagueño,
empleando herramientas digitales.

Lo que hace se puede llegar a considerar

apropiacionismo.

Los fotomontajes eran una crítica a Picasso uniéndose a todas estas reflexiones que
señalaban a Picasso como maltratador. Lo que dice en el video es que no acusaba a
Picasso como maltratador pero sí uso las obras de Dora Maar donde salía gritando para
ayudar a las mujeres que estaban pasando por ese trance.

05/06/2024

Arte conceptual. Joseph Beuys

Fluxus es un movimiento internacional que se desarrolla a partir de 1961 dentro del
nuevo interés que surge tanto en Estados Unidos como en Europa por el Dada y la figura
de John Cage.

Opuesto a la tradición artística este movimiento busca ante todo la fusión y la mezcla de
todas las prácticas artísticas: música, acción, artes plásticas. Participan en este
movimiento artistas como Brecht, Dick Higgins, Al Hansen, Kaprow, Nam June Paik ,
Vostell y La Monte Young. Una vez elegido el nombre del movimiento Maciunas edita
una antología vanguardista elaborada por Young y proyecta una publicación que refleja
el estado de flujo en que se funden las artes. En 1962 Maciunas organiza una gran “Gira
Fluxus” que dura hasta 1964, pasando por Moscú, Tokio y Berlín. En 1963 Joseph Beuys
se une a Fluxus en Düsseldorf y los conciertos del grupo de multiplican por toda
Europa. Esta efervescencia de Fluxus va acompañada de panfletos, sellos, carteles,
películas y cajas que se reeditan muchas veces. En Fluxus se mezcla la alta cultura con la
popular, el arte, el juego, lo insignificante y un inexistente valor mercantil del producto
o acciones realizadas.

George Maciunas, su líder, dijo que Fluxus-Arte-Diversión debía ser simple, entretenido
y sin pretensiones y tratar de temas triviales sin dominar técnicas y ensayos ni aspirar a
valor institucional o comercial.

Fluxus no es pintura ni escultura, teatro, cine o música, pero impensable sin la

vanguardia musical y Cage. Es la confluencia de esos medios, fue la primera forma de
arte desde el Dadaísmo en apostar por la fusión de géneros.

Sus artistas procedían sobre todo de la vanguardia musical y literaria (Maciunas,

Benjamin Patterson, Yoko Ono, Robert Filliou…).

42
 Arte Contemporáneo

En realidad, más que de un movimiento, deberíamos hablar de un fenómeno singular

por su carácter internacional. Sus acciones acústicas y visuales sencillas, llamadas actos
o actividades, se realizaban con o sin artista, y ante un público participante o no.

Fluxus se servía de objetos insólitos, como los juegos Flux-Kits: maletas con sellos,
pancartas, libros… Ejerció una influencia decisiva en la performance, el videoarte y en
obras de Sigmar Polke, entre otros.

Da un paso más y van a decir que todo en la vida es arte. Es como lo que ocurría en las
vanguardias pero de una manera superlativa. Toda acción es arte; la cotidianidad.

ARTE CONCEPTUAL
CARACTERÍSTICAS

1. Se desarrolla en EEUU e Inglaterra a partir de finales de la década de los 60.

2. Lo más importante es el concepto. Es la utilización del arte como sistema de

conocimiento.

3. Indefinición (difícil de definir o explicar a simple vista).

4. Contexto / influencias: movimiento estudiantil 1968, movimientos como el minimal

o la abstracción geométrica de las vanguardias, Duchamp, Guerra del Vietnam,
nuevas tecnologías…

Conceptual lingüístico:

— Total eliminación del objeto artístico

— Juegos con el lenguaje

— Art & Language Press

— Joseph Kosuth

Conceptual empírico-medial:

— Reconocimiento de la importancia de la representación irónica y del papel mediador

del arte en la aprensión de la realidad.

— Centrado en la percepción y el reconocimiento visual.

— Sol Lewitt

https://youtu.be/JTEFKFiXSx4 à Arte del silencio.

Artista influyente de la 2ª mitad del siglo XX. Artista alemán y tremendamente político.
Es uno de los roles que pueden coger los artistas. Activismo social y político.

Participa en la IIGM y retrasmite lo que pasa dentro de los aviones. En un momento, su

avión se estrella y se queda solo; casi muerto. Es recuperado por un par de personas de
la zona y le colocan varios fieltros y pieles de animales para que así entre en calor. Todos

43
 Arte Contemporáneo

esos materiales naturales se convierten en la materia de su obra. Emplea lo que hace que
le salva la vida para hacer arte. Se llega a convertir en un chamán en una de las acciones
para poder curar. Le da ¿poderes? Curativos y simbólicos.

J. BEUYS. Cómo explicar los cuadros a una liebre muerta (1965).

“Una liebre puede comprender mucho más que un hombre con su

obstinado racionalismo”. En su acción de 1965 en la galería
Schmela de Düsseldorf, Beuys se presenta con su cara y cabeza
cubierta de miel y polvo de oro. Bajo su pie derecho una placa
metálica atada a su zapato, bajo su pie izquierdo un patín de
fieltro, en sus manos una liebre muerta. La acción dura tres
horas, en su primera parte Beuys recorre la galería explicando,
de forma inaudible para el público, cada uno de los cuadros a la
liebre muerta. Mientras explica cada cuadro, el artista hace que
la liebre lo toque con sus patas. El público contemplaba la acción desde una ventana y
una puerta de vidrio. Sólo una vez finalizada esta primera parte el público era admitido
y Beuys continuaba su explicación, pero ya sentado en una silla. La liebre, símbolo tanto
lunar como de fertilidad terrestre, es siempre en la obra de Beuys un signo de la
inspiración, la intuición. La liebre, en tanto que terráquea, habitante de las cuevas
subterráneas, invoca a un calor distinto al solar, el propio calor terrestre, el fuego interno.
El metal adosado al pie derecho de Beuys es receptor de dicho calor que llega desde
abajo. El fieltro en el pie izquierdo, aislante, simbólicamente impide su fuga. La miel y
el oro, dos signos alquímicos de la sabiduría, le dan el carácter de iniciador en esta
ceremonia. Y, como supo decir Beuys: “Si coloco miel y oro en mi cabeza, se infiere que estoy
haciendo algo relativo al pensar”.

Hay otra performance: I Like America and America Likes Me (1974). Conocida también
como “El Coyote”), fue la primera performance realizada por el artista Joseph Beuys en
los Estados Unidos.

Beuys era prácticamente un Dios del arte

conceptual en los círculos artísticos europeos,
sobre todo por su promoción del performance, y
fue con esta obra como se ganó al arte
internacional.

La obra comenzó justo en el momento del viaje

desde Düsseldorf a Nueva York. Al llegar al
aeropuerto, Beuys se envolvió en una manta de
fieltro —material fetiche del artista— y se apoyó en un gran bastón de pastor, siendo
conducido en una ambulancia hasta una galería donde compartió habitación durante 3
días con un Coyote salvaje.

44
 Arte Contemporáneo

Los espectadores observaban a los dos especímenes tras una malla metálica y fueron
viendo como el artista hablaba con el animal, le ofrecía diversos objetos e interactuaban
juntos. El coyote mordía el fieltro, rodeaba al artista o se meaba en el Wall Street Journal,
todo un símbolo del capitalismo.

Al final de los tres días, Beuys abrazó al coyote. Al parecer se habían hecho amigos y tal
como vino, regresó a Alemania sin haber pisado el suelo neoyorquino en todo el viaje.

¿Qué significaba todo esto? Según Beuys, la acción reflejaba: “la historia de la persecución
de los indios norteamericanos, además de la relación completa entre Estados Unidos y Europa
[…]. Quería concentrarme sólo en el coyote. Quería incomunicarme, aislarme, no ver de Estados
Unidos más que el coyote […] e intercambiar roles con él”.

El mundo del arte entró en éxtasis. Ya no se necesitaban pinceles o lienzos para

trasmitir ideas complejas. Si tenía un concepto en mente, un tipo podía crear arte de la
nada.

La confrontación entre Beuys y el coyote simbolizó para muchos la reconciliación entre

cultura y naturaleza. Los aullidos y las palabras teutonas del artista, una especie
de encuentro de culturas. La obra en general, una especie de intento por curar a
América del trauma causado por uno de los genocidios más grandes de la historia hacia
los nativos americanos.

Bomba de miel en el lugar de trabajo (1977). Colocó dos toneladas de miel, cien kilos de
margarina, dos motores de barco, un contenedor metálico, tubos de plástico y tres
recipientes de bronce, que hacían las veces de una máquina orgánica. El proceso artístico,
en este caso, no consistió en elaborar los objetos a partir de materias primas como barro,
madera o yeso, sino en generar asociaciones entre ellos, contraponiendo sus cualidades.

Robles. En la documental hizo otra obra colaborativa que tardaron muchos años en
hacerla 7000 robles y le acompaña un monolito. Se hizo en la parte más importante del
centro de Kasell, en la puerta había un montón de piedras enormes. Una piedra por
árbol. Es una acción artística y ecológica.

Frases de Joseph Beuys:

“Cada hombre es un artista. En cada hombre existe una facultad creadora virtual. Esto
no quiere decir que cada hombre sea un pintor o un escultor, sino que existe una
creatividad latente en todas las esferas del trabajo humano”.

"La creatividad no está limitada a aquellos que ejercen una de las artes tradicionales, e
incluso en éstos no se limita al ejercicio de su arte. Hay en todos un potencial de
creatividad que queda cubierto por medio de la agresión de la competencia y del éxito.
El descubrir, investigar y desarrollar este potencial debe ser tarea de la escuela. La

45
 Arte Contemporáneo

política es arte también en este sentido: no como el ‘arte de lo posible’ sino de la

liberación de todas las fuerzas creativas".

“A mi juicio, el arte ha llegado a un término, toca a su fin y ahora comienza un periodo

en que asoma la necesidad de un arte social”.

“...La Humanidad se encuentra probablemente en la crisis más grave que tal vez haya
conocido en toda su historia. El problema de la supervivencia sobrepasa el problema
de la salud del hombre y concierne a la seguridad de todo el planeta. Se trata de un
peligro planetario”.

“La vanguardia es ciertamente una reacción contra lo que ya existe, mas no se limita a
una reacción brutal que sólo consistiría en criticarlo todo por espíritu de contradicción,
sino que propone, en cambio, un nuevo proyecto para conducir a la sociedad en su
conjunto hacia una nueva forma”.

Ben Vautier
Componente de fluxus, utiliza la caligrafía de niños, pero su mensaje no era propio de
niños. Por ejemplo: “life is a competition”. Murió ayer, se suicidio por amor como yo.

46
 Arte Contemporáneo

Repaso examen
1) 4 imágenes + 1 extra.
2) Ir una por una contextualizando y comentando la imagen.
3) Relacionarlas entre sí.
4) Pollock es performativo también, antecedente.

JOSEPH BEUYS

1) Arte conceptual definición y carcaterísticas

2) Contexto y ubicación
3) Antecedentes, grupo fluxus
4) Hablar brevemente de su vida, porque se liga a su obra
5) Definir la obra en sí à es una obra activa, performática, colaborativa, obra artística
y ecológica, en qué consiste.

ARTE ÓPTICO

1) Definir el arte óptico, como surgió, características, contexto, ubicación (primero

EEUU, después Francia)
2) Antecedentes influencias: vanguardias abstractas europeas, suprematismo,
realismo…
3) Autor aunque sea, no hace falta titulo en sí
4) Hablar de la obra, necesidad de la presencia del espectador para que la obra tenga
sentido, tridimensionalidad, imposible de fotografiar (aura), la ciencia, engaño a
modo de juego.

KLEIN

1) Nuevos realismos, Europa, características, ubicación, contexto. Crítica social,

manifiesto.
2) Antecedente: dadá de Duchamp
3) Monocromos, el vacío
4) Antropometrías, el proceso de creación es la obra de arte, performance.
5) Imposibilidad de la venta del objeto artístico
6) Al realizarlo en un museo, es entrar en el mundo del arte

MARINA ABRAMOVIC

1) Importancia del proceso, juego, performance, las ubicaciones, participación del

observador.
2) Se puede relacionar con el body art de Klein, aunque no es del todo body art él. Ella
sí pertenece al body art.
3) La importancia de la idea, del concepto

47
 Arte Contemporáneo

VERÓNICA RUZ FRÍAS

1) La última cena
2) Apropiacionismo, performance
3) No cree que la ponga

EXAMEN — 70%

PICASSO NOW — 25%

DOS VISITAS + CONFERENCIAS + PARTICIPACIÓN ACTIVIDADES

— 5%

48