Cubismo
El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia
y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Es una tendencia esencial
pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más,
sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional.
El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que
había bautizado a los fauvistas motejándolos de fauves (fieras); en el caso de Braque y sus
pinturas de L'Estaque, Vauxcelles dijo, despreciativamente, que era una pintura compuesta
por «pequeños cubos». Se originó así el concepto de «cubismo».
El cubismo es considerado la primera vanguardia, ya que rompe con el último estatuto
renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. En los cuadros cubistas,
desaparece la perspectiva tradicional. Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras
geométricas, fragmentando líneas y superficies. Se adopta así la llamada «perspectiva
múltiple»: se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano. La
representación del mundo pasaba a no tener ningún compromiso con la apariencia de las
cosas desde un punto de vista determinado, sino con lo que se sabe de ellas. Por eso
aparecían al mismo tiempo y en el mismo plano vistas diversas del objeto: por ejemplo, se
representa de frente y de perfil; en un rostro humano, la nariz está de perfil y el ojo de
frente; una botella aparece en su corte vertical y su corte horizontal. Ya no existe un punto
de vista único. No hay sensación de profundidad. Los detalles se suprimen, y a veces acaba
representando el objeto por un solo aspecto, como ocurre con los violines, insinuados sólo
por la presencia de la cola del mismo.
A pesar de ser pintura de vanguardia los géneros que se pintan no son nuevos, y entre ellos
se encuentran sobre todo bodegones, paisajes y retratos.
Se eliminan los colores sugerentes que tan típicos eran del impresionismo o el fauvismo. En
lugar de ello, utiliza como tonos pictóricos apagados los grises, verdes y marrones. El
monocromatismo predominó en la primera época del cubismo, posteriormente se abrió más
la paleta.
Con todas estas innovaciones, el arte acepta su condición de arte, y permite que esta
condición se vea en la obra, es decir es parte intrínseca de la misma. El cuadro cobra
autonomía como objeto con independencia de lo que represente, por ello se llega con el
tiempo a pegar o clavar a la tela todo tipo de objetos hasta formar collages.
La obra resultante es de difícil comprensión al no tener un referente naturalista inmediato, y
ello explica que fuera el primero de los movimientos artísticos que necesitó una exégesis
por parte de la "crítica", llegando a considerarse el discurso escrito tan importante como la
misma práctica artística. De ahi en adelante, todos los movimientos artísticos de vanguardia
vinieron acompañados de textos críticos que los explicaban.
[editar] Historia
El cubismo tuvo como centro neurálgico la ciudad de París, y como jefes y maestros del
movimiento figuraban los españoles Pablo Picasso y Juan Gris y los franceses Georges
Braque y Fernand Léger. El movimiento efectivamente se inicia con el cuadro "Las
Señoritas de Avignon" (Demoiselles D'Avignon). Como elemento precursor del cubismo
destaca la influencia de las esculturas africanas y las exposiciones retrospectivas de
Georges Seurat (1905) y de Paul Cézanne (1907).
El cubismo surge en la primera década del siglo XX, constituyendo la primera de las
vanguardias artísticas. Entre las circunstancias que contribuyeron a su surgimiento, se ha
señalado tradicionalmente tanto la obra de Cézanne como el arte de otras culturas,
particularmente la africana. En efecto, Cézanne pretendió representar la realidad
reduciéndola a sus formas esenciales,2 intentando representar los volúmenes sobre la
superficie plana del lienzo de una manera nueva, tendencia que fue seguida por los cubistas.
Ya antes que él, los neoimpresionistas Seurat y Signac tendieron a estructurar
geométricamente sus cuadros. Lo que Picasso y Braque tomaron de Cézanne fue la técnica
para resolver ese problema de lograr una nueva figuración de las cosas, dando a los objetos
solidez y densidad, apartándose de las tendencias impresionistas que habían acabado
disolviendo las formas en su búsqueda exclusiva de los efectos de la luz.
Por otro lado, el imperialismo puso a Occidente en contacto con otras civilizaciones con un
arte propio y distinto del europeo. A través de diversas exposiciones, Picasso conoció la
escultura ibérica y la africana, que simplificaban las formas y, además, ponían en evidencia
que la pintura tradicional obedecía a una pura convención a la hora de representar los
objetos conforme a las ideas renacentistas de perspectiva lineal y aérea. Lo que parece
actualmente excesivo a los historiadores de arte es atribuir una influencia directa de las
máscaras africanas con la obra picassiana.
Todo ello no hubiera sido posible sin la aparición de la fotografía pues esta, al representar
la realidad visual de manera más exacta que la pintura, liberó a este último arte de la
obligación de representar las cosas tal como aparecen ante nuestros ojos y forzó a los
artistas a buscarle un sentido diferente a la mera transcripción a las dos dimensiones de la
apariencia externa de las cosas. La aparición del cubismo se ha relacionado, además, con
otros dos hechos acontecidos en la misma década que revelan que las cosas pueden ser
diferentes a como aparentan ser: el psicoanálisis al evidenciar que pueden existir
motivaciones más profundas para los actos y pensamientos humanos, y la teoría de la
relatividad, que revela que el mundo no es exactamente, en su estructura profunda, como lo
presentaba la geometría euclidiana.
[editar] Cubismo analítico o hermético (1909-1912)
En 1909 Braque y Picasso estrechan su amistad y consiguen desarrollar la nueva tendencia.
Juntos crearon las dos tendencias del cubismo. La primera es el cubismo analítico (1909-
1912), en donde la pintura es casi monocroma en gris y ocre. Los colores en este momento
no interesaban pues lo importante eran los diferentes puntos de vista y la geometrización,
no el cromatismo. Fueron elaborando un «nuevo lenguaje» que analiza la realidad y la
descompone en múltiples elementos geométricos. Los puntos de vista se multiplicaron,
abandonando definitivamente la unidad del punto de vista de la perspectiva renacentista. Se
introducen en la pintura los «pasos», definidos como ligeras interrupciones de la línea del
contorno. Los volúmenes grandes se fragmentan en volúmenes más pequeños. Entre las
obras de esta fase del cubismo se encuentra el Retrato de Kahnweiler (1910, Instituto de
Arte de Chicago).
A este período también se le llama de cubismo hermético, pues por la cantidad de puntos
de vista representados, algunas obras parecen casi abstractas. Al hermetismo se llega
porque los planos acaban independizándose en relación al volumen de manera que es difícil
descodificar la figuración, reconstruir mentalmente el objeto que esos planos representan.
El color no ayudaba, al ser prácticamente monocromos y muchas veces convencionales, no
relacionados con el auténtico color del objeto. La imagen representada, en definitiva, era
ilegible, casi imposible de ver, a no ser por algunos objetos como una pipa, o letras de
periódico, que permiten distinguir lo que se está representando.
Es en esta fase cuando el cubismo se presenta en público. Pero no por obra de Picasso y
Braque, que exponían privadamente en la galería Kahnweiler, sino por otros pintores que
conocieron la obra de aquellos en sus talleres. Se presentaron al Salón de los
Independientes de 1911. En su sala 41 aparecieron obras de Jean Metzinger, Albert Gleizes,
Henri Le Fauconnier, Fernand Léger y Robert Delaunay. Provocaron el escándalo y
rechazo de público y crítica. Ello llevó a que se construyera ya una obra doctrinal de
primera hora explicando los hallazgos de la nueva tendencia. Así, el primer estudio teórico
del cubismo lo hicieron en 1912 Gleizes y Metzinger: Du cubisme («Sobre el cubismo»).
Apollinaire, por su parte, escribió Les peintres cubistes («Los pintores cubistas.
Meditaciones estéticas») en 1913. Hubo otras adhesiones, como la de la mecenas Gertrude
Stein o los marchantes como Ambroise Vollard y Henry Kahnweiler. Otros poetas, además
de Apollinaire, defendieron el nuevo estilo: Pierre Reverdy y Max Jacob.
Además del rechazo de los tradicionalistas de la pintura, hubo posteriormente críticos que
venían de la propia vanguardia, centradas en dos problemas que planteaba el cubismo: su
estatismo y su adhesión a lo figurativo. En efecto, sobre todo los futuristas objetaron al
cubismo que en sus obras el movimiento estuviera ausente, siendo así que el mundo actual
es esencialmente dinámico. Guido Severini, a quien se considera el más cubista dentro del
futurismo, lo criticó en Del Cubismo al Clasicismo (1921), aunque con el tiempo (1960)
reconoció que debía al cubismo gran parte de su técnica. Algunos cubistas fueron sensibles
a esta crítica y crearon obras influidas por el futurismo, como hizo Marcel Duchamp con su
primera versión de Desnudo bajando una escalera (1911, Museo de Arte de Filadelfia, col.
Arensberg). Por otro lado, aunque en su época no resultaba fácil deslindar el cubismo de la
abstracción, hoy resulta evidente que siguen sujetos a una representación figurativa de las
cosas reales. Se seguían representando sillas, botellas o figuras humanas, aunque las
descompusieran en planos y volúmenes geométricos. No se apartaban de representar la
realidad, sino que querían representarla en el cuadro con un nuevo lenguaje.
El camino trazado por Picasso y Braque pronto fue seguido por los pintores Juan Gris (José
Victoriano González) y Louis Marcoussis, el primero influido por Picasso, el segundo por
Braque. Gris, tercer gran nombre del cubismo. Este madrileño malvivía en París dibujando
para revistas y periódicos. A partir de 1911 se interesó por el problema de la luz sobre los
objetos, creando cuadros con iluminación naturalista, en los que los rayos luminosos
oblicuos y paralelos entre sí inciden sobre formas rígidas, como puede verse en su Retrato
de Picasso de 1912. Él mismo dijo haber adoptado el cubismo «analítico», multiplicando
los puntos de vista y usando colores vivos. Para el año 1912, Braque y Picasso ya habían
realizado collages, y Gris comenzó a introducir en sus obras diversos materiales como la
madera o la tapicería, bien imitándolos, bien pegándolos (El lavabo, 1912).
Braque, por su parte, influyó en el polaco Marcoussis (Ludwig Markus). Más ortodoxo y
menos original que Gris, creó una obra con colores intensos y cercana a veces al futurismo.
Comenzó en 1912 a trabajar el cubismo analítico, con obras como Naturaleza muerta con
damero (1912, Museo Nacional de Arte Moderno, Centro Georges Pompidou).
[editar] Cubismo sintético (1912-1914)
En El Portugués (1911) de Braque aparecen palabras y números, lo que abrió una nueva vía
que llevó al segundo período del cubismo, el cubismo sintético (1912-1914). Braque, que
había sido el primero en utilizar la caligrafía, y que más de una vez intentó imitar la madera
o el mármol, fue quien inició esta última fase del cubismo al realizar papier collés, pegando
directamente papeles decorados en la pintura. Picasso y Braque comenzaron a incorporar
material gráfico como páginas de diario y papeles pintados, técnica que se conoce como
collage. En 1912 Picasso realizó su primer collage, Naturaleza muerta con silla de paja
(Museo Picasso, París), en el que añade al lienzo pasta de papel y hule. El color es más rico
que en la fase anterior, como puede verse en los rojos y azules de Botella de Suze (1913,
Saint Louis, Misuri, Universidad Washington). Estas obras sintéticas son más simples, más
sencillas de entender en cuanto a que son más figurativas, se ve claramente lo que se
pretende representar. Los objetos ya no se reducen a volúmenes y planos expuestos en
diversas perspectivas hasta ser irreconocibles, sino que se reducen a sus atributos
esenciales, a aquello que los caracteriza de manera inequívoca y sin lo cual no serían lo que
son. Por ello, aunque reducido a lo esencial, queda claro en todo momento lo que son. Para
representar los objetos «tipo» de manera objetiva y permanente, y no a través de la
subjetividad del pincel, se recurre a lo que parece un ensamblaje. Los cuadros están
formados por diversos materiales cotidianos que se pegaban o clavaban a la tela, como tiras
de papel de tapicerías, periódico, partituras, naipes, cajetillas de cigarros o cajas de cerillas.
El cuadro se construye con elementos diversos, tanto tradicionales (la pintura al óleo) como
nuevos (como el papel de periódico). Los cafés y la música inspiraron estos bodegones.
Otras obras de Picasso pertenecientes a esta fase del cubismo sintético son El jugador de
cartas (1913-14) o Naturaleza muerta verde (1914). Braque realiza en esta época El
clarinete (1913), el Correo (1913), Aria de Bach (1913-14) o Violeta de Parma (1914).
En este período Juan Gris realiza una pintura más libre y colorista. Emblemática es su
Place Ravignan, naturaleza muerta ante una ventana abierta (1915), donde el exterior se
representa a la manera tradicional, con perspectiva renacentista, mientras que el interior de
formas deconstruidas y compuestas desde diversos puntos de vista con planos quebrados.
Por su parte, Marcoussis llega a la cumbre de su tarea creadora con obras más poéticas y
personales como Músico (1914, Galería Nacional de Washington, col. Chester Dale)
María Blanchard nunca llegó a la total descomposición de la forma pero dejó su fanufactura
en forma de ricos colores. Su famosa "Mujer con abanico" (1916, Museo Nacional Centro
de Arte Reina Sofía),"Naturaleza muerta" (1917, Fundación telefónica) o "Mujer con
guitarra" (1917, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía) son ejemplos del intenso
estudio que realiza sobre la anatomía de las cosas, como señaló Ramón Gómez de la Serna
y del peso del color en su pintura. Tras esta etapa regresa a las técnicas figurativas donde
queda impresa la influencia de las vanguardias.
La Primera Guerra Mundial puso fin a la fase más creadora del cubismo. Muchos de los
pintores cubistas, al ser franceses, fueron llamados a la lucha (Braque, Léger, Metzinger,
Gleizes, Villon y Lhote). En la posguerra, sólo Juan Gris siguió trabajando el cubismo más
o menos ortodoxo, aunque en un estilo más austero y simple, en el que los objetos quedaron
reducidos a su esencia geométrica. Marcoussis creó una obra más poética. Braque siguió
trabajando en la misma línea del cubismo sintético, con papel encolado. Nuevos pintores
adoptaron un lenguaje cubista, como María Blanchard. Pero la mayoría de los pintores
hasta entonces cubistas, empezando por el propio Picasso, fueron adoptando nuevas
tendencias, como ocurre con Duchamp y Picabia, que crearon el dadaísmo o Mondrian que
se adhirió a la abstracción. El cubismo, como movimiento pictórico, se puede dar por
terminado hacia 1919.
Vida
Georges Braque nació en Argenteuil-sur-Seine, Francia, en una familia de artesanos. Creció
en Le Havre y estudió en la Escuela de Bellas Artes (Ecole des Beaux-Arts) desde 1897
hasta 1899.
Llegó a París en 1900. Allí estudió primero en la Academia Humbert, en la que conoció a
Marie Laurencin y Francis Picabia, después, a partir de 1903, en la Escuela de Bellas Artes.
La exposición fauvista de 1905 le impresionó tanto que se adscribió a este estilo, usando
preferentemente los colores rosa y violeta. Realizó en 1906 con Othon Friesz un viaje a
Amberes y, durante el verano boreal de 1907, a La Ciotat y a L'Estaque. En otoño de ese
mismo año, la exposición retrospectiva de Cézanne y la amistad que trabó con Pablo
Picasso, que acababa de pintar sus Señoritas de Aviñón, le hicieron cambiar de estilo. El
trabajo de ambos, en estrecha relación, hará surgir y evolucionar al cubismo. En el verano
boreal de 1908 pinta paisajes en L'Estaque, en 1909, en Normandía y La Roche-Guyon.
En 1914, fue movilizado y participó en la Primera Guerra Mundial, siendo herido de
gravedad en 1915. Regresó a París. En 1917 se reincorporó a su trabajo y realizó al final de
la guerra una obra esencialmente basada en la naturaleza muerta.
En 1930 se compra una casa en Varengville, cerca de Dieppe. La Segunda Guerra Mundial
le inspiró obras más serias y austeras. A partir de 1947, su trabajo se ve constantemente
interrumpido por la enfermedad.
Murió el 31 de agosto de 1963 en París, a la edad de 81 años y actualmente hay un colegio
en Nantes con su nombre.
[editar] Estilo
George Braques tuvo unos primeros momentos fauvistas. En el verano boreal de 1907 pinta
en L'Estaque, lugar donde pintó Cézanne, una serie de paisajes "lineales" que son ya pre-
cubistas.
Existen dos fases en su cubismo. En una primera época pinta cuadros de superficies
superpuestas y planos angulares, componiendo a base de cubos; usaba pocos tonos
cromáticos. Después pasó por una fase de "cubismo analítico" (1909-1912), en el que los
objetos quedaban descompuestos en facetas hasta el punto de ser irreconocibles. En un
tercer momento cultiva el "cubismo sintético", es decir, con unidad compositiva. Impulsa
más que Picasso esta tendencia del cubismo sintético.
A la vuelta de la Primera Guerra Mundial desarrolló un estilo propio, con forma unida al
color. Representa figuras de gran tamaño. Pinta algún paisaje. Y realiza, sobre todo,
multitud de bodegones de estructura similar.
Después de la Segunda Guerra Mundial pinta cuadros de pájaros y de estudios.
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Cuando Georges Braque vio por primera vez Las señoritas de Aviñón de Picasso quedó
asombrado. Braque, que estaba descontento de sus propios experimentos, pintó
entonces Casas en l'Estaque. Se trata de un cuadro que es también una respuesta a las
ideas de Cézanne. Braque abandonó la perspectiva y construyó formas con el color.
Iluminó cada forma por separado en vez de representar un paisaje donde la luz
procediera de un único punto de vista. Incluso la línea diagonal del árbol es un recurso
que Cézanne había utilizado ya.
Al igual que Picasso, estaba sustituyendo la perspectiva tradicional y su ilusión
tridimensional por un espacio pictórico mucho más plano. Las figuras y objetos
representados parecían empujados hacia la superficie del lienzo (al eliminar toda la
ilusión de profundidad, los elementos de la escena avanzan hacia delante, salen de su
contexto y quedan amontonados como objetos dentro de una caja. "un cuadro está
acabado cuando ha borrado la idea".
En esta fase inicial del cubismo, Braque experimenta con la reducción volumétrica de
las figuras, objeto y espacio a planos amplios y sencillos, con el interés centrado en la
plasmación de la forma tridimensional de los objetos. "No basta con conseguir que la
gente vea lo que uno pinta, debe conseguir también que lo toque", afirmaba Braque.
Braque estaba más preocupado por la representación del espacio, por lo que esta fase
experimental del Cubismo alcanza su punto culminante con las obras realizadas en
l'Estaque. Todo está geometrizado, reducido a cubos. Se entiende el comentario de
Louis Vauxcelles: "Braque maltrata las formas, lo reduce todo -lugares, figuras y casas-
a esquemas geométricos, a cubos". Pero lo que no apreciaba Vauxcelles era que,
mediante la interrelación de esos planos, la yuxtaposición arbitraria de luces y sombras
que niegan la existencia del principio de un solo foco de luz, a la vez que destaca
facetas que de otro modo no podríamos ver, la colocación de objetos escalonados unos
encima de otros, y no unos detrás de otros, y el recorte del celaje, Braque estaba
destruyendo la perspectiva tradicional y su sentido de profundidad, acercando el
espacio hacia el espectador para hacerlo realidad. "Lo que más me atraía y además era
el principio rector del cubismo, era la materialización de ese nuevo espacio que yo
percibía".
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4-Podríamos decir que a comienzos del siglo XX, el arte academicista ya estaba
agotado. Los impresionistas, postimpresionistas, fauvistas, etc. ya había marcado el
camino para que las vanguardias continuaran derecho y recto hasta la victoria. Pero en
camino algo se perdió, o más bien, se transformó, y comenzaron los problemas. Con su
estética anti-arte, su museofobia y su anhelo por unir el arte con la vida cotidiana, los
artistas vanguardistas cruzaron los límites del arte que regían entonces vigente, hasta
el punto de ver disolverse el propio concepto de arte en sus producciones
estéticamente anestesiadas.
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en el terreno artístico, las llamadas vanguardias históricas, una serie de movimientos
artísticos de principios del siglo XX que buscaban innovación en la producción artística; se
destacaban por la renovación radical en la forma y el contenido; exploraban la relación
entre arte y vida, y buscaban reinventar el arte confrontando movimientos artísticos
anteriores. También es común utilizar, en la comunidad hispanohablante, el propio término
avant-garde para referirse a esas escuelas artísticas en particular o a cualquier otra escuela
o tendencia similar.
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http://es.wikipedia.org/wiki/L'Estaque
