IDEAS CLAVE.

BLOQUE X

*Explica la obra pictórica de Jackson Pollock y Mark Rothko.

1. Características del Expresionismo Abstracto de Estados Unidos.

 Este movimiento artístico surge en EEUU después de la II Guerra Mundial (su cronología no coincide con
título del tema, CUIDADO!!!). Es coetáneo al movimiento europeo denominado Informalismo. Ambos
movimientos coinciden en el predominio del pesimismo y escepticismo, causados por la mortalidad y
destrucción de la guerra.
 Ambas corrientes comparten también la misma estética. Es una pintura abstracta, muy ligada al surrealismo
porque retoman la idea de producir arte por el automatismo. Ahora, el pintor vuelca sobre el lienzo sus
sentimientos (frustración, pesimismo, desasosiego…) anulando cualquier atisbo de control racional. La
ejecución de la obra se convierte en el realmente artístico, no la obra terminada (arte es sinónimo de
acción).
 Incorpora novedades importantes a la pintura: la ampliación del tamaño del lienzo, que va a ser
monumental (esto apareció en Barroco, pero ahora vuelve a recuperarse); se eliminan los títulos a las obras,
catalogándolas como series y con numeración; el uso de materiales industriales (pintura acrílica frente a
óleo); incorporación de nuevas técnicas, como action painting y dripping.
 La aparición de este movimiento en EEUU supone el inicio del arte de vanguardia pleno en esta nación,
independiente de las corrientes estéticas que se desarrollan en Europa. Dicho movimiento es apoyados por
instituciones culturales, como el MoMA (museo que organiza exposiciones de artistas de vanguardia
europeos) y, especialmente, el mecenazgo de Peggy Gungenheim (ésta expone la obras de los jóvenes
artistas, como Jackson Pollock)

2. El Action Painting y Jackson Pollock.

 Esta corriente, que está dentro del Expresionismo Abstracto, se fundamenta en dos técnicas: el action
painting, que consiste en que la pintura se expanda libremente por el lienzo a partir del impulso del artista.
Pollock cuelga botes de pintura perforados que son impulsados para que el pigmento impregne parte del
lienzo; el dripping o goteado conlleva que pintura chorree libremente sobre el lienzo. Con ambas técnicas el
artista no controla el resultado final, ya que depende del azar. El pigmento discurre libremente. Por eso
impera la libertad creadora.
 Pollock es el mejor representante de esta corriente. Su inicio está ligado a vanguardias europeas y en años
40 empieza a investigar con las técnicas anteriormente mencionadas (parece que fue también decisivo el
estudio de las pinturas de arena que realizan los chamanes navajos). El resultado es una obra abstracta, sin
centro compositivo, sin orden. Los colores se superponen como capas, creando texturas que hacen que la
pintura tenga relieve.
 Obras: Ritmo de Otoño, Number V

3. El Color Field y Mark Rothko.

 La corriente Color Field también pertenece al Expresionismo Abstracto, pero su resultado es menos agresivo,
violento. Se caracteriza por el uso de colores planos en combinaciones cromáticas sorprendentes, no
convencionales.
 Mark Rothko es su mejor representante. Sus obras se caracterizan por la presencia de extensiones amplias
de color, con perfiles difuminados, desarrollados en bandas horizontales. Se asemejan a visiones místicas,
espirituales, de Naturalezas mentales. La riqueza plástica la consigue al combinar colores convencionalmente
poco armoniosos, como rojo-anaranjado-rosa. Evoluciona a una obra acromática, con predominio del negro.
 Emplea también grandes formatos, pero su técnica es más tradicional, usando las veladuras para conseguir
la superposición de finas capas de color que simulan brumas.

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  Quiere crear un arte universal, que aúne la espiritualidad oriental y occidental. La pintura japonesa, que es
redescubierta por los artistas tras el conflicto bélico, ofrece a los pintores un nuevo abanico de posibilidades
(de hecho, sus escuelas pictóricas son predecesoras en la creación de un arte abstracto, de rápida
ejecución).
 Obra: Naranja y amarillo.

*Identifica las claves de la pintura hiperrealista y/o el Pop Art, comparando las obras de David Hockney y de los
españoles Antonio López y Eduardo Naranjo, entre otros posibles.

1. Características del Pop Art.

 Su origen es simultáneo en Inglaterra y EEUU, apareciendo a mediados de los 50, pero desarrollándose
plenamente en la década de los 60.
 Surge como reacción al pesimismo del Informalismo y el Expresionismo Abstracto, respectivamente. La II
Guerra Mundial ha sido superada, dando paso a un momento de esplendor económico, por lo que surge este
movimiento que busca lo divertido, el colorido, lo simple… influencia del Dadaísmo.
 Retorna a la figuración frente a la abstracción anterior, pero se inspira en la cultura popular urbana,
generada por el capitalismo. Ésta se refleja en el cine, la publicidad, el cómic… expresiones de comunicación
de masas que se llevarán al campo artístico. Esto hace que sea accesible a un sector más amplio de
población, ya que el Expresionismo sólo es valorado por un reducido número de intelectuales.
 La obra de arte no es un medio para transmitir las emociones del artista. Se elimina cualquier atisbo de
subjetividad no sólo en la temática, sino también en la técnica empleada para la ejecución de la obra. Es
habitual el uso de métodos mecánicos de producción, como la serigrafía, o su imitación. La huella del artista
desaparece, es algo mecánico.

¡¡¡¡¡ATENCIÓN!!!!! Según estándares, siguientes autores no aparecen pero son básicos en movimiento.

Andy Warhol.

Su obra se inspira, primero, en personajes de cómic para, luego, sustituirlos por objetos cotidianos ligados a la
cultura americana (Coca-Cola) e iconos del cine (Marily).

Emplea serigrafías de vivos colores, en las que siempre introduce un elemento diferente para adecuarse al concepto
de unicidad del arte.

Ray Lichtenstein

 Se inspira en el cómic al trasladar al lienzo imágenes de los mismos. Los amplía a través de proyección
fotográfica, por lo que el trabajo es anónimo, y elimina el carácter narrativo al individualizar la escena.
 Plásticamente predomina el contorno negro de las formas y el relleno con color plano y vivo, su obra
adquiere un acabado brillante.

Oldenburg.

 Trabaja en el campo de la escultura.

 La influencia dadaísta es muy importante ya que sus obras representan objetos de la vida cotidiana que
aparecen descontextualizados.
 En su serie The Store presenta diferentes objetos extraídos de la realidad, presentados como artísticos y
realizados en materiales industriales. Transgrede la categoría escultórica al finalizarlos con toque de dripping
(técnica de Expresionismo Abstracto), introduciendo la técnica pictórica.
 Sus obras más modernas siguen presentando diversos objetos, pero la novedad es que ha ampliado el
tamaño de los mismos (ej una pinza de ropa gigante en una plaza) y experimenta con materiales novedosos
(ej Helado de cucurucho).

Segal

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  Trabaja campo de escultura
 Su material más habitual es el yeso, generalmente sin policromar. Incorpora a las esculturas objetos
extraídos de la realidad.
 Sus escenas son figurativas, con figura humana como protagonista, pero cargadas de tristeza.

2. Características del Hiperrealismo.

 Esta corriente pictórica surge en la década de los 60 en EEUU, pero se desarrolla principalmente en la década
de los 70.
 Como Pop Art reivindica que la pintura sea figurativa, que esté relacionada con el mundo cotidiano, urbano,
de nuestra sociedad capitalista y que el sentimiento del autor quede anulado. Sin embargo, el hiperrealismo
utiliza una técnica tradicional (aunque se apoya en medios mecánicos como la fotografía) para captar la
realidad objetivamente, tal y como la vemos.
 Plásticamente se caracteriza por: uso de iconografía/temática inspirada en la vida del individuo, en las
ciudades, escenas sin importancia; esa temática realista se presenta en el óleo en un formato grande,
monumental, de manera que así que rompe el nexo realidad/arte (la pintura es otra realidad, aunque se
inspire en ésta); la técnica empleada es depurada, lenta, tradicional, aunque como hemos dicho se ayudan
de fotografía para plasmar el más mínimo detalle de esa realidad capturada.
 La minuciosidad de la técnica y la precisión de los detalles hacen que la obra adquiera un aire de frialdad,
falta de sentimiento.
 Autores: Estes, Close. En España surge una escuela paralela al hiperrealismo, pero en ésta el sentimiento de
soledad y tristeza predomina en la obra, por lo que se introduce una subjetivad que no es propia del
hiperrealismo canónico. Antonio López es su más reconocido artista.
 En escultura el detalle de la representación se consigue gracias al uso de materiales muy innovadores y
material real. La reproducción de la realidad en tercera dimensión resulta sorprendente al conseguir engañar
totalmente al ojo. El ilusionismo es pleno. Autores Hanson, Andrea y Mueck (este último suele jugar con los
tamaños. Os sorprenderá)

3. Compara la obra de David Hockney, Antonio López y Eduardo Naranjo.

 Hockney es un pintor en constante evolución. En los años 60 se traslada a California, donde adopta la
estética Pop. Sus cuadros de esta etapa suelen mostrar viviendas unifamiliares de la costa californiana, con la
piscina presente. Usa una paleta viva (azul, verde, amarillo) que aplica sobre las superficies de forma plana.
La figura humana siempre está presente, de forma explícita o insinuada (por ejemplo, efecto del agua tras el
chapuzón en la piscina, no se ve al individuo, pero está claro que acaba de tirarse al agua). Obra: El gran
chapuzón.
 Antonio López realiza obras de un técnica depurada, tradicional, lenta (uso de veladoras en sus óleos,
muchas veces es perceptible el boceto a lápiz inicial. Considera el autor que la obra nunca está acabada,
retoques constantes). Su temática habitual es la ciudad de Madrid (Gran Vía, muestra ciudad al amanecer,
vacía.) o escenas de interiores en los que la presencia humana es ligeramente perceptible (El lavabo,
presencia de hombre por elementos pero, además, ligeramente reflejado sobre superficie metálica del
grifo), o retratos de sus habitantes en escenas personales, íntimas, sin posar (Mujer en bañera).
 Eduardo Naranjo no es realmente hiperrealista ya que en sus obras, ejecutadas con una técnica precisa,
incluye imágenes de lo irreal (personajes del pasado como fantasmas, ausencias a través de objetos…). Por lo
tanto, su obra está cargada de melancolía, de fantasía, de añoranza. Se denomina su estilo como “realismo
mágico onírico”.

*Comenta las claves del expresionismo figurativo, desde el Expresionismo Alemán hasta la obra de Francis Bacon y
Lucien Freud.

1. El Expresionismo Alemán.

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  CUIDADO, la cronología de esta vanguardia coincide con fauvismo y cubismo!!!!! Se inicia en 1905 y finaliza
con I Guerra Mundial, aunque algunos autores siguen trabajando tras la misma. Este movimiento pictórico
influye en el cine (Gabinete de Dc Caligary, por ejemplo)
 La pintura se convierte en un medio de expresión de cada artista, en el que impera la libertad (coincide con
Romanticismo). Sirve para mostrar sus emociones, su estado de ánimo, es decir, es subjetivo. Cada artista
busca su forma de expresión.
 Hay unas características comunes en estos artistas, aunque cada uno imprima su personalidad: importante
influencia del arte primitivo, especialmente africano; uso del color violento, fuerte, para transmitir su estado
de ánimo (esto les diferencia de fauvistas, que querían crear obras bellas sin más); recuperación del
contorno duro, agresivo; deformación formal, con predominio de la angulosidad; perspectiva
antiacademicista; no se busca la belleza.
 Existen dos centros creativos:
 El puente (1905-1913): se desarrolla en la ciudad de Dresde. Su estética, influida por predecesores
como Van Gogh, Ensor y Munch, refleja el ambiente de angustia de la Alemania prebélica. Hay un
predominio del contorno duro, angulosidad que deforma perspectivas y figuras, un color antinatural.
Los temas más representados son escenas urbanas y escenas de interiores, empleados para
denunciar la sociedad en la que viven. Kirchner es el más relevante: Calle de Dresde (1908) y Cinco
mujeres en la calle (1913), son dos obras con la misma temática pero que reflejan la evolución
artística y personal del artista hacia formas más angustiosas y colores más oscuros y apagados.
 El Jinete Azul (1911-1914): se desarrolla en Munich, importante centro artístico en Alemania desde
finales del siglo XIX. El artista tiene que emplear el arte para expresar su mundo interior, con el que
conecta el espectador al ver la obra. Kandinsky y Marc lideran el movimiento, cuya base
fundamental era eliminar las influencias del arte académico y reivindicar el valor estético de otras
manifestaciones, como el arte primitivo, autores de vanguardias como Cézanne o el arte popular
ruso (publican grabados de obras en publicación Almanaque).
Kandinsky es el más importante, considerado padre de la abstracción junto a Mondrian y Malevich.
Tiene tres series (permiten observar su evolución hacia la abstracción. Sus cuadros paulatinamente
abandonan la reproducción de elementos del mundo real. Esta evolución se desarrolla desde su
participación en El Puente hasta su etapa en Bauhaus): En Impresiones se reconocen algunas
formas, aunque el color es el elemento esencial; en Improvisaciones la realidad desaparece, y la
pintura es un conjunto de colores y formas que buscan una armonía entre sí; finalmente,
Composiciones hay una serie de signos (líneas, puntos) y elementos de diferentes colores que crean
una musicalidad visual (su relación con la música es muy fuerte, de hecho tiene una relación
estrecha con el compositor de la Dodecafónico Schönberg. Crea un paralelismo entre la música,
abstracta para el oyente, y la pintura: formas y colores son las notas que en este caso se desarrollan
sobre el lienzo, y que el observador “oye” en su interior, le tocan el alma. Para Kandinsky esta
capacidad creadora está reservada a algunos genios, como Miguel Ángel, que generalmente no son
comprendidos por la sociedad de su tiempo, se adelantan al mismo). En De lo espiritual en el arte
(1912) y Punto y línea sobre el plano (1926) explica su concepto del arte.

2. Francis Bacon.

 No pertenece a ninguna corriente artística, es más, va contra de la tendencia generalizada ya que apuesta
por una pintura figurativa en un momento en el que el arte abstracto imperaba. Sin embargo, al igual que el
Informalismo y el Expresionismo Abstracto, emplea el arte para reflejar el drama que se ha vivido durante la
II Guerra Mundial.
 Desarrolla un lenguaje personal, fácilmente reconocible. Deforma las figuras para mostrar interior de las
mismas; éstas aparecen en actitudes o gestos atormentadas; la representación espacial (la perspectiva) es
fundamental para acentuar ese sentimiento. Ésta es anulada, sustituida por fondos planos, o insinuada a
través de recreación de espacios interiores angostos.

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  Su técnica presenta influencia de autores barrocos, especialmente de Rembrandt y Velázquez (a quien
admira) por el uso del color (utilizado de forma subjetiva, para mostrar emociones, no de forma armoniosa
como en Renacimiento).
 Uso habitual de trípticos (tipología propia de arte medieval religioso, para altares), en los mostraba
diferentes versiones de un mismo tema.

3. Lucien Freud.

 Trabaja durante la segunda mitad del siglo XX y, al igual que Bacon, la figura humana es la protagonista de su
obra.
 Muestra al retratado de una forma descarnada, sin buscar la belleza. Se centra en la representación de la
cualidad de la piel, sus imperfecciones, al pintarlo desnudo (el retratado se da a conocer de una forma
íntegra). Sus personajes se presentan en actitudes naturales, sin posar, muchas veces obscenas por su
naturalidad. Indaga en la personalidad, en lo psicológico, no en lo meramente superficial.
 Su técnica es muy pastosa, matérica (la superficie adquiere textura). Esta forma de pinta se asocia a una
ejecución rápida, como Delacroix o Goya. Sin embargo, en Freud es fruto de un trabajo cuidadoso y lento,
cada pincelada es meditada.

*Describe la importancia de la escultura vasca, indica las obras de Jorge Oteiza, Eduardo Chillida y Agustín
Ibarrola.

1. Características generales

 La escultura vasca de la segunda mitad del siglo XX consigue un éxito internacional gracias a las figuras de
Chillida, Oteiza y, después, Ibarrola. Como curiosidad, Chillida y Oteiza fueron coetáneos pero no tuvieron
una relación amistosa (Chillida alcanza el éxito internacional en vida, mientras que a Oteiza el
reconocimiento le está llegado después de fallecido. Para algunos, Oteiza fue el verdadero líder de esta
escuela, aunque no consiguió ser tan mediático).
 Por un lado, tienen la influencia del constructivismo ruso por su visión de crear un arte basado en lo
científico, lo matemático; por otro, la influencia de Picasso y Julio González por el uso del hierro para
construir esculturas abstractas; finamente, la tradición industrial vasca ligada a la metalurgia.

2. Eduardo Chillida

 Su formación como arquitecto influye en su visión de la escultura.

 En su etapa inicial la influencia de Moore es clara, pero al regresar a España tras su estancia en París sigue la
iniciativa de julio González y de tradición vasca y el hierro se convierte en el material preferente. Su estilo se
caracteriza por la descomposición del bloque de hierro en unidades menores, como “brazos”, que se
retuercen y articulan entre sí, consiguiendo un equilibrio entre la masa y el vacío, la luz y la sombra. Ejemplo
Elogio a Pablo Neruda.
 Sigue preocupándose por las cualidades plásticas de los materiales, investigando sobre las posibilidades de la
piedra, madera, alabastro, hormigón. Es muy interesante su trabajo con piedra, sobre todo con alabastro.
En estas obras predomina la masa que aparece siempre perforada por hueco y hendiduras que hacen que la
luz actúa de diferente forma (más perceptible en alabastro por ser translúcido). Además, el efecto lumínico
es potenciado por el tratamiento de superficies, jugando entre lo pulido y lo desbastado, ejemplo Lo
profundo es el aire.
 Se va a interesar finalmente por la creación de una escultura de carácter casi arquitectónico, es decir, de un
tamaño más monumental y que se relacione con el medio, el entorno, en el que ésta se ubica. Los peines del
viento son tres esculturas colocadas en la costa donostiarra. Realizadas en hierro, sus retorcidas formas se
integran con el mar, en perfecto equilibrio, simbolizando las tensiones que generan las fuerzas de la
Naturaleza. El Elogio del horizonte, levantado en Gijón, una monumental escultura en hormigón permite la
conexión entre la obra de arte, el paisaje y el hombre, que penetra en la misma formando parte de ella.

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3. Jorge Oteiza.

 Su trabajo teórico ha sido muy influyente en artista de todas disciplinas, así como su Laboratorio
Experimental (permite la investigación de proyectos con elementos regulares, pequeños y accesibles, como
tizas).
 En su primera etapa la influencia del primitivismo, de Picassi y Brancusi es evidente. Crea obras macizas, de
formas rotundas y básicas. En los años 50 realiza obra semifugarativa, como el friso de la basílica de
Aranzazu de Los Apóstoles.
 A partir de los años 40 empieza su investigación basada en la energía. El conocimiento de los avances en
física nuclear le hace resolver el elemento escultórico como una unidad (átomo) que genera una energía.
Ésta puede ser elevada si la escultura se rompe en entidades menores (fisión), como hizo Moore. Sin
embargo, observa que dicha energía es mayor cuando se añaden esas entidades (fusión). Esta relación entre
arte y ciencia se basa en el constructivismo ruso, decisivo en sus proyectos posteriores.
 En los años 50 inicia proyecto Laboratorio Experimental. Tiene un componente teórico elevado. Se inicia con
el estudio de la influencia de la geometría en el arte del siglo XX (Neoplasticismo y Constructivismo). A partir
de ahí, empieza a concebir la escultura desde el vacío (el vacío ha sido importante en la primera mitad del
siglo XX en escultura, pero siempre relacionado con la masa, creando una tensión. Oteiza es revolucionario al
creer que el fin de la escultura es crear el vacío, el espacio). Va deshaciendo las formas geométricas básicas
como esferas, cubos y cilindros.
 Su investigación formal y teórica le lleva a su serie Cajas Metafísicas entre 1958-59. No volvió a desarrollar
ninguna otra serie más porque concluyó que su estudio le llevaba a la nada, al vacío total.

4. Agustín Ibarrola.

 En los años 50 se traslada a París donde, junto a otros artistas españoles, funda el grupo Equipo 57 (junto a
El Paso, uno de los primeros movimientos de vanguardia en España durante el franquismo). Éste propone la
creación de un arte abstracto basado en la geometría, preocupado por el espacio principalmente.
 Son muy interesantes sus intervenciones en bosques. Modifica el entrono a través de pinturas sobre las
cortezas de los árboles. La más conocida es El Bosque de Oma, es una reflexión sobre el espacio y las reglas
del arte. Las formas y los colores pintados sobre el soporte cilíndrico de los pinos crean un «muralismo
tridimensional» que juega a recrear composiciones planas en tres dimensiones. Para ello el artista ha partido
de la relación volumen-plano, cóncavo-convexo, negativo-positivo, es decir de la relación de los distintos
elementos que componen el espacio que son la base de su obra escultórica y pictórica.

¡¡El resto de los estándares, desarrollados en el tema, tienen pocas posibilidades de caer en Ebau, según la primera
reunión armonizadora a la que asistí, para la convocatoria del 2017. Hasta el momento lo han respetado, no creo
que este año vayan a cambiar!!