Preguntas:

Pregunta 1
Las principales etapas del renacimiento italiano
fueron dos etapas: el Quattrocento (s. XV) y el
Cinquecento (s.XVI). Sus núcleos fueron Florencia
y Roma, respectivamente.
Pregunta 2
 Uso de la perspectiva artificial
Pregunta 3
 Deformaciones y exageraciones
 Arte lujoso, con la aristocracia como público
 Gama cromática muy rica
Pregunta 4
Se conoce por mecenas a las personas
adineradas que invirtieron parte de su riqueza en
arte, haciendo así que el Renacimiento se
expandiese considerablemente. Estas personas
ayudaban a los artistas emergentes que no tenían
muchos recursos.
Pregunta 5
 Integración de un espacio ficticio con otro
real, creando espacios dinámicos con líneas
quebradas, curvas, contracurvas… También
se quería integrar la obra en un espacio
urbano.
 Con el realismo del barroco se desarrolla el
retrato y se lleva a cabo una humanización
total, popular,
 El desarrollo de la burguesía comercial y
artesana en la Europa protestante dará lugar
a obras sobre un ambiente urbano, donde
destacan los retratos grupales, así como el
tenebrismo.
Pregunta 6
 En la escultura barroca española predomina
principalmente la madera, para la escultura
funeraria la piedra y se abandona el bronce
prácticamente y la técnica del estofado.
Lo más utilizado fue la imaginería tallada y
policromada. Las figuras no se solían tallar de una
pieza, por lo que se ensamblan por separado y en
caso de competer errores se usaban los
emplastos. Después, se pulía la madera, se les
aplica yeso, se bruñe y se pintan.
Pregunta 7
Pregunta 8
 Incremento de artistas, por lo que es
importante destacar las escuelas de pintura:
escuela valenciana/Ribera y Ribalta, escuela
andaluza (Zurbarán, Velázquez, Alonso
Cano…)
 Realismo y naturalismo; situaciones y
personajes reales y cotidianos, creando
cercanía hacía el espectador.
 Preferencia por el color, con pinceladas
sueltas, juegos de luces y contrastes
lumínicos. Por último, el uso de la técnica del
óleo sobre lienzo en los cuadros de altas
dimensiones.
Pregunta 9
Escuela valenciana/Ribera y Ribalta, escuela
andaluza (Zurbarán, Velázquez, Alonso Cano…).
Obras:
Santa María del Fiore:
Es una cúpula (arquitectura), realizada por
Brunelleschi en el siglo XV con ladrillo, piedra y
mármol, en estilo renacentista en Florencia.
La cúpula se levanta a partir de un tambor
octogonal en ocho segmentos que se unen por la
 parte superior, formando una linterna, con ocho
costillas de mármol en el exterior.
La estructura se basa en la superposición de dos
cupulas (interna y externa), que equilibran su
fuerza mutuamente y, están abrazadas por una
espiral en forma de espina de pez. Toda la cúpula
esta organizada a partir de la sección aurea,
obteniendo una armonía de estructuras perfecta
correspondiente a los cánones renacentistas.
La cúpula es la figura central de Florencia, por sus
dimensiones y perfil, realiza la función esencial de
cobertura del crucero de la catedral y fue
concebida como el símbolo del poder de la ciudad
gobernada por los Medici.
Santa María Novella
Es una iglesia, realizada por Alberti en el siglo XV
en mármol, en estilo renacentista, ubicada en la
ciudad de Florencia.
Alberti creo una gran fachada, proporcionalmente
perfecta, pero decorativamente sobria. Toda ella
esta concebida a partir del segmento áureo y de
la repetición de formas geométricas.
La fachada esta realizada siguiendo la tradición
toscana, de combinar el mármol verde con el
blanco y, también se va construyendo
armónicamente con motivos geométricos.
La función de la fachada era dotar de un
elemento simbólico de entrada y referencia a la
basílica.
San Pietro in Montorio
Es una iglesia, realizada por Bramante, en el siglo
XVI, con mármol y granito, en estilo renacentista,
ubicada en Roma.
El templo se divide en dos plantas. La primera
comienza con una escalinata que limita el
peristilo de 16 columnas de orden toscano, sobre
el que se levanta un entablamento clásico
formado por un arquitrabe, un friso y una cornisa.
 En la segunda planta hay una balaustrada que
rodea todo el conjunto, además de ventanas,
ventanas ciegas y nichos, decorados con una
pechina.
Sobre todo esto se levanta una cúpula de media
esfera, cuyos nervios se unen en una linterna
rematada por una cruz.
En su interior hay una única celda de planta
circular rodeada de pilastras adosadas.
El templo fue construido para conmemorar el
martirio de San Pedro donde la tradición indica
que fue crucificado.
Villa Capra:
Es una vivienda, realizada por Palladio en el siglo
XVI, con piedra, ladrillo, estucado y mármol, en
estilo renacentista/clasicista, en Vicenza.
En el exterior, la Villa Capra tiene un perfil
idéntico en las cuatro fachadas. Cada una de ellas
comienza con una escalinata que conduce hacia
un pórtico de seis columnas de orden jónico, con
su correspondiente entablamento y frontón
triangular, con una estatua en sus vértices. En el
centro se encuentra una cúpula que cubre la sala
circular.
La planta presenta una sensación de simetría en
forma de cruz griega.
David:
Es una escultura exenta, hecha por Donatello, en
el siglo XV, con bronce, en estilo renacentista,
siguiendo una temática bíblica.
David representa a un joven desnudo, con pelo
largo, sombrero y unas grandes botas.
En la mano izquierda, apoyada a su cintura, David
porta una piedra con la que ha abatido a su
 enemigo y, en la otra mano sostiene una espada
con la que ha cortado la cabeza a su oponente.
El joven se encuentra erguido, con la pierna
izquierda adelantada y sobre la cabeza de Goliat,
por lo que esta en una postura de contrapposto,
que expresa reposo y serenidad, tal y como lo
hace su rostro.
Su desnudez permite ver claramente su
anatomía. Formada por curvas y una musculatura
perfecta.
Respecto a la temática, según la Biblia, David se
ofreció a Saul, el rey de Israel a pelear contra
Goliat por la lucha de los dos pueblos. El asunto
concluyo, como se puede ver en la obra, con la
victoria del joven David sobre Goliat.

David:
Es una escultura, realizada por Miguel Angel en el
siglo XVI, con mármol, en estilo renacentista.
David sostiene con su mano izquierda una honda,
que cae sobre su hombro y espalda, mientras que
el brazo derecho pende verticalmente. Además, la
cabeza se encuentra hacia la derecha, dando el
perfil al espectador, ya que la obra tiene que ser
vista de frente.
La pierna derecha se encuentra hacia delante, en
contrapposto y toda la figura se encuentra en
tensión, ningún miembro esta relajado, además
de que el rostro expresa su sensación de vida
interior, trágica, que anticipa la terribilitá
miguelangelesca, alejándose así de los cánones
clásicos.
Por último, Miguel Ángel represento a David como
un guerrero que expresa las virtudes florentinas,
no como el David de Donatello.
Tributo de la moneda:
Es una pintura, realizada por Masaccio en el siglo
XV, usando la técnica de pintura al fresco, en
estilo renacentista, siguiendo una temática
bíblica, que se encuentra en Florencia.
Las figuras adquieren forma propia y corporeidad,
gracias a la introducción de la sombra, siendo una
novedad que dará inicio al renacimiento pictorico.
La obra sigue un esquema medieval, ya que esta
compuesta por 3 escenas, enlazadas a través de
gestos. Todo empieza en la escena circular del
centro, donde están Cristo, San Pedro y el
cobrador, sigue a la izquierda y acaba a la escena
derecha.
Finalmente, cada escena tiene un paisaje propio y
Masaccio usa la perspectiva cónica ubicando a
Jesús en el punto de fuga.
Ultima cena
Es una pintura, realizada por Leonardo Da Vinci,
en el siglo XV, en estilo renacentista, utilizando la
técnica de tempera grasa sobre yeso, que se
encuentra en Milán.
Leonardo escogió esta técnica, ya que le permitía
pintar de forma más lenta, sin embrago, con el
paso del tiempo se ha deteriorado mucho por
dicha técnica.
En la obra se pueden ver 13 personajes, Jesús en
el centro y los 12 apóstoles alrededor, en grupos
de 3, creando así una perspectiva matemática.
Todos los apóstoles visten con colores azul y rojo
y, la luz del cuadro procede de la parte trasera.
En toda la pintura se puede ver una gran
teatralidad, con gestos de asombro, sorpresa,
colera… Todo ello por la anunciación de Jesús de
 la traición de uno de sus discípulos, sin
nombrarle.
San Lorenzo del Escorial:
Es un monasterio, realizado por Juan de Herrera,
en el siglo XVI, en estilo manierista, en San
Lorenzo de El Escorial.
El conjunto ocupa un rectángulo, con cuatro
torres en los ángulos coronadas por agujas y
cubierta a dos aguas con ventanas y chimeneas.
La fachada principal articula toda la planta en
forma de parrilla. Además, para luchar contra la
sobriedad, se añade el orden toscano en todo el
conjunto y el dórico en la iglesia. Este estilo es
conocido como herreriano.
Fue construido aislado de la sierra de
Guadarrama, a petición de Felipe II para
conmemorar la victoria en la batalla de San
Quintín.
Sacrificio de Isaac
Es una escultura, realizada por Berruguete en el
siglo XVI, con madera tallada y policromada, en
estilo manierista, siguiendo una temática bíblica y
se encuentra en Valladolid.
La escultura formaba parte del retablo mayor de
la iglesia del monasterio de San Benito.
Su estructura en espiral es manierista, haciendo
girar sobre un eje las dos figuras de forma
serpentinata y canon alargado.
La escultura tiene multifacialidad, es decir, tiene
varios puntos de vista óptimos y, destaca el
dramatismo en las figuras y el descuido de las
formas anatómicas clásicas.
Los personajes se cubren con prendas decoradas
por la técnica del dorado y del estofado.
 La obra pertenece a la imaginería, que es un tipo
de escultura española enfocada en los temas
religiosos, con un realismo extremo.
Finalmente, respecto a la temática, El Dios de
Abraham le hace una prueba de obediencia
teniendo que sacrificar a Isaac y en el momento
del sacrificio, aparece un ángel que le dice a
Abraham que un cordero ha de ser sacrificado,
liberando a Isaac.
Columnata de San Pedro del Vaticano:
Es una plaza, realizada por Bernini, en el siglo
XVII, con mármol, en estilo barroco y se
encuentra en el vaticano.
La plaza se estructura en dos espacios: uno de
forma trapezoidal y otro elíptico (plaza oblicua),
que se relaciona con el abrazo a la cristiandad.
En la plaza oblicua se creó una columnata de 4
hileras de columnas de orden dórico, con mayor
separación en el centro y que terminan con dos
frontones triangulares clásicos. Sobre las
columnas se levanta un entablamento y una
cornisa.
La plaza recta va disminuyendo en función de su
aproximación a la fachada.
David:
Es una escultura exenta, hecha por Bernini, en el
siglo XVII, en estilo barroco, con mármol,
siguiendo un tema bíblico y se encuentra en
Roma.
David, se encuentra preparándose para lanzar la
piedra con la que derrotara a Goliat, por lo que se
encuentra con la pierna derecha adelantada,
creando una gran diagonal que desarrolla una
composición en aspa. También está en tensión,
tanto sus músculos como su rostro.
 Además, viste un paño que añade dinamismo con
un juego de pliegues y claroscuros.
Vocación de San Mateo:
Es una pintura, realizada por Caravaggio, en el
siglo XVII, en estilo barroco, usando la técnica de
oleo sobre lienzo, siguiendo una temática
religiosa y se encuentra en Roma.
La composición se basa en una oficina de
recaudación de dinero, que es interrumpida por
Jesús y San Pedro.
Los personajes se encuentran en la parte inferior.
Caravaggio utiliza la técnica del tenebrismo
pictórico, iluminando con gran intensidad desde
una sola fuente a los personajes, jugando con las
sombras y los claros. Aparte de la luz, el resto de
la pintura se encuentra a oscuras.
Finalmente, cabe destacar el naturalismo
presente en los personajes y su vestuario,
característico del autor.
La ronda de noche:
Es una pintura, realizada por Rembrandt en el
siglo XVII, usando la técnica de oleo sobre lienzo,
en estilo barroco y, concretamente es un retrato
colectivo.
En el centro se encuentran el capitán y el
teniente, que son los protagonistas, resaltados
principalmente por un foco de luz y, el resto, en
penumbra, se organizan en tres grupos
triangulares.
Los escorzos de las manos y las armas de los
personajes crean dinamismo y movimiento.
Este retrato grupal es de la Compañía de la
Guardia Cívica de Ámsterdam, cuando fueron
encargados de ir a por María de Medici.
Inmaculada
Es una escultura exenta de Alonso Cano, hecha
en el siglo XVII, en estilo barroco, hecha con
madera policromada, siguiendo una temática
religiosa.
La virgen, joven, viste un manto azul que tiene un
perfil fusiforme, siendo delgado por abajo, pero
ancho por la parte central, añadiendo volumen y
dinamismo.
Al mismo tiempo, aunque sea poco expresiva en
cuento a carga emocional, la virgen mira hacia
abajo, aislada, creando misterio al espectador.
Además, su cabeza ligeramente girada, al igual
que su cuerpo y la posición de sus manos, juntas,
rompen con la visión frontal.
Además, la escultura, pertenece a la imaginería.
Las Meninas:
Es un retrato, hecho por Velázquez, en el siglo
XVII, usando la técnica de oleo sobre tela, en
estilo barroco.
Las figuras se encuentran en la parte inferior de
la composición, creando así un gran campo
visual, además de que el espejo y la puerta
abierta al fondo crean una gran profundidad.
Velázquez, usa un gran realismo, para añadir
detalles complejos y hace un uso de la luz muy
típico de la técnica pictórica, donde hay dos focos
de luz: el primero va directamente hacia el
centro, donde resaltan las figuras en primer plano
y, el segundo, proviene de la puerta abierta al
final de la habitación. El resto de la composición
queda en penumbra.
Además, Velázquez, usa la perspectiva aérea y
difumina los contornos de los cuerpos, además de
que la paleta cromática es muy rica.
 Finalmente, en el centro de la obra se ubica la
infanta Margarita, rodeada de dos meninas; a la
derecha se encuentra una señora “enana”, con
un niño y un perro, y también, en la izquierda se
encuentra el propio Velázquez, es decir, se hizo
un autorretrato.
Las hilanderas:
Es una pintura de Velazquez, hecha en el siglo
XVII, usando la técnica de oleo sobre lienzo, en
estilo barroco, siguiendo un tema mitologico.
La composición es compleja; en primer plano se
encuentran unas hilanderas trabajando con dos
mujeres en el centro, que representan a Aracne y
a Minerva.
El tratamiento de la luz es meticuloso, radia en la
nuca de Aracne y en la rueca de Minerva.
En el fondo, aunque es difícil, se diferencian tres
damas, y una de ellas mira al espectador, a
Aracne y a Minerva.
En el tapiz tejido por Aracne se muestra un
cuadro de Rubens sobre el rapto de Europa.