La Música
del
Siglo XX
JORDI BURUNAT
ÀDAM CÓCERA
ÍNDICE
1. Introducción
2. Contexto Histórico
3. Estilos Musicales
3.1. Nacionalismo
3.2. Post-Romanticismo
3.2.1. Características Post-Romanticismo
4. El Jazz
4.1. Influencias del Jazz
4.2. "Free Jazz"
5. La música en el cine. [Link].
6. Música Contemporánea
7. Otros estilos y conceptos musicales
8. Arte sonoro
9. Libre improvisación (Jazz)
10. Post-Modernismo
11. Ópera
12. Conclusiones
13. Bibliografía
1. INTRODUCCIÓN
El siglo XX se ha caracterizado por los avances de la
tecnología, medicina y ciencia en general, pero también por
crisis y despotismos humanos, que causaron efectos tales
como las Guerras Mundiales, el genocidio y el etnocidio, las
políticas de exclusión social y la generalización del desempleo
y de la pobreza. Como consecuencia, se profundizaron las
ineqüidades en cuanto al desarrollo social, económico y
tecnológico y en cuanto a la distribución de la riqueza entre los
países, y las grandes diferencias en la calidad de vida de los
habitantes de las distintas regiones del mundo. En los últimos
años del siglo, especialmente a partir de 1989-1991 con el
derrumbe de los regímenes colectivistas de Europa, comenzó
el fenómeno llamado globalización o mundialización.
Por otro lado, los esclavos africanos liberados durante ese
siglo, empezaron a tocar músicas inspiradas en la música
tradicional de sus antepasados. La mezcla de estos sonidos y
los avances tecnológicos, hicieron que surgieran nuevos
géneros musicales como el Jazz, el Rock o el Pop.
También, en el siglo XX había música similar a la de
anteriores siglos. Esta era llamada música culta o seria.
La improvisación también fue algo muy importante en esta
época, ya que permitió a los artistas expresarse sin pautas ni
normas establecidas.
Surgió la música electrónica, usando las grabaciones como
objeto sonoro, creada con un ordenador o un secuenciador,
ademas de sintetizadores.
2. CONTEXTO HISTÓRICO
El siglo XX se caracterizó por los avances en general (ciencia,
medicina, tecnología…), el fin de la esclavitud y la liberación
de la mujer, pero también por los regímenes totalitarios, las
guerras mundiales, el genocidio, la exclusión social, el
desempleo y la pobreza.
Fue una época de desigualdades sociales, económicas y
tecnológicas y de grandes diferencias en la calidad de vida de
los habitantes de distintas regiones del mundo.
Grandes acontecimientos del siglo XX fueron la primera
guerra mundial, los felices años 20, crac del 29, la gran
depresión de Estados Unidos, la dictadura de Hitler en
Alemania, la segunda guerra mundial, el holocausto, la
formación de la ONU, la construcción del muro de Berlín, el
asesinato de [Link], la guerra fría, la caída del muro de
Berlín, la creación de la electrónica (el teléfono, la radio, la
televisión, el transistor, los ordenadores e Internet), la creación
de las armas nucleares, la llegada de la electricidad a las
ciudades, la llegada a la luna, y más sucesos que marcaron
un antes y un después en la sociedad.
3. ESTILS MUSICALS
3.1. NACIONALISME
El Nacionalismo en música se refiere al uso de materiales que
son reconocibles como nacionales o regionales. Por ejemplo,
el uso directo de la música folclórica, y el uso de melodías,
ritmos y armonías inspirados por la misma. El nacionalismo
también incluye el uso del folclore como base conceptual,
estética e ideológica de obras programáticas u óperas.
El nacionalismo es comúnmente relacionado al estilo del
romanticismo y Postromanticismo de mediados del siglo XIX
hasta mediados del siglo XX, al cual se le incorporan
elementos locales o folclóricos, aunque existen evidencias del
nacionalismo desde inicios del siglo XVIII. El término también
es usado frecuentemente para describir la música del siglo XX
de regiones no dominantes en la música, sobre todo de
Latinoamérica, Norteamérica y Europa Oriental.
Históricamente el nacionalismo musical del siglo XIX ha sido
considerado como una reacción contra el dominio de la
música romántica alemana.
Los países relacionados con mucha frecuencia al
nacionalismo son: Rusia, Checoslovaquia, Polonia, Hungría,
Noruega, Finlandia, Suecia, Grecia, Ucrania, España y Gran
Bretaña en Europa, y Estados Unidos, México, Brasil,
Argentina, Chile y Cuba en América. Algunos de los
compositores más importantes comúnmente asociados al
nacionalismo en el siglo XX fueron: el brasileño Heitor Villa-
Lobos (el primer y más importante compositor latinoamericano
en destacar en los círculos musicales de Europa), el checo
Leos Janacek, el finés Jean Sibelius, el húngaro Bela Bartok,
el español Manuel de Falla, el mexicano Silvestre Revueltas, o
el estadounidense Aaron Copland, entre muchos otros.
3.2. POST-ROMANTICISME
3.2.1. CARACTERÍSTICAS POST-ROMANTICISME
Particularmente en la primera parte del siglo, muchos
compositores escribieron música que fue una extensión de la
música romántica del siglo XIX. La armonía —salvo mayor
complejidad— fue tonal, y los agrupamientos instrumentales
tradicionales, como la orquesta o el cuarteto de cuerdas, se
mantuvieron como los más usuales. Los músicos más
representativos de este movimiento fueron Gustav Mahler,
Richard Strauss y Sergey Rachmaninov sin embargo muchos
de los grandes compositores modernistas comenzaron sus
carreras en este estilo tales como Bela Bartok, Igor Stravinsky
y Arnold Schoenberg.
Muchos compositores prominentes —entre ellos Dmitri
Kabalevski, Dmitri Shostakóvich y Benjamin Britten— hicieron
significativos avances en el estilo y la técnica romántica
mientras continuaban empleando un lenguaje melódico,
armónico, estructural y textural relacionado con el del siglo
XIX, accesible al auditorio promedio. Particularmente en la
primera parte del siglo, muchos compositores escribieron
música que fue una extensión de la música romántica del
siglo XIX. La armonía —salvo mayor complejidad— fue tonal,
y los agrupamientos instrumentales tradicionales, como la
orquesta o el cuarteto de cuerdas, se mantuvieron como los
más usuales. Los músicos más representativos de este
movimiento fueron Gustav Mahler, Richard Strauss y Sergey
Rachmaninov sin embargo muchos de los grandes
compositores modernistas comenzaron sus carreras en este
estilo tales como Bela Bartok, Igor Stravinsky y Arnold
Schoenberg.
Muchos compositores prominentes —entre ellos Dmitri
Kabalevski, Dmitri Shostakóvich y Benjamin Britten— hicieron
significativos avances en el estilo y la técnica romántica
mientras continuaban empleando un lenguaje melódico,
armónico, estructural y textural relacionado con el del siglo
XIX, accesible al audito.
4. El Jazz
4.1. Características del Jazz
El jazz es una forma de arte musical que se originó en los
Estados Unidos mediante la confrontación de los negros con
la música europea. La instrumentación, melodía y armonía del
jazz se derivan principalmente de la tradición musical de
Occidente. El ritmo, el fraseo y la producción de sonido, y los
elementos de armonía de blues se derivan de la música
africana y del concepto musical de los afroamericanos.
4.2. “Free Jazz”
El free jazz es uno de los estilos o subgéneros propios del
jazz. La expresión se utiliza en inglés, aunque la traducción
«jazz libre» expresa igualmente el sentido del término. En sus
comienzos, en Estados Unidos se conoció como new thing
(literalmente la «cosa nueva»)
Las circunstancias que caracterizan este estilo son
absolutamente revolucionarias en la historia del jazz, aunque
algunas de ellas ya se habían ensayado (desde otra óptica) en
el campo de la música contemporánea:
El ritmo no se localiza en ningún grupo de instrumentos, sino
que se extiende a la globalidad en forma de impulsos, de
energía. Es decir, se trata de un visión moderna de la
polirritmia del hot.
Los tempos se conciben de manera herética respecto de la
ortodoxia occidental, variando de manera perceptible.
La melodía y el ritmo no se tratan como sectores
independientes, sino interrelacionados.
A los acordes y la estructura melódico-armónica se enfrenta la
invención espontánea, la acción y la atonalidad.
Se pierde totalmente el concepto de fraseo, llegándose a una
autonomía de los distintos sonidos, ampliándose la entonación
y el timbre específico de los instrumentos al campo de los
ruidos.
Se incorporan experiencias sonoras y filosóficas de otras
músicas del mundo, especialmente de África.
Algunos álbumes destacados del “Free jaz” son:
Free Jazz: A Collective Improvisation, de Ornette Coleman
Ascension, de John Coltrane
The Magic City, de Sun Ra
The Cry of My People, de Archie Shepp
Karma, de Pharoah Sanders
Bap-Tizum, Art Ensemble of Chicago
5. LA MÚSICA EN EL CINE [Link]
Al principio del siglo XX las películas eran mudas, así que
tenían que tener música par hacer que el sonido del proyector
no se notase tanto. Generalmente esta música era una
melodía de piano que cambiaba dependiendo del contexto de
la escena.
En 1927 salió “el cantante de jazz ” la primera película sonora
de la historia. Esta película apenas contenía dos minutos de
diálogo con sonido, pero esos dos minutos fueron suficientes
para cambiar la industria cinematográfica.
Dos películas que retratan la transición del cine mudo al cine
sonoro son Cantando bajo la lluvia (1953) y The Artist (2011).
La música en el cine del siglo XX llegó a su punto más álgido
con la creación de la banda sonora. Algunos conocidos
compositores de bandas sonoras para el cine son: Ennio
Morricone, John Williams, James Horner y Hans Zimmer.
Algunas bandas sonoras están tan ligadas con la película en
la que aparecen que las relacionamos en el momento en que
las escuchamos. Algunos ejemplos son: El Bueno, el feo y el
malo (1966) la saga Indiana Jones, la saga Star Wars, la saga
Jurassic Park, Harry Potter, E.T. el extraterrestre (1982),
Tiburón (1975), El Rey León (1994), Braveheart (1995) o
Titanic (1997)
6. MÚSICA CONTEMPORÁNEA
La música contemporánea es la que se ha creado a partir de
la retirada del modernismo musical a mediados de los 70,
después de la Segunda Guerra Mundial.
6.1. Movimientos de la música contemporánea
Movimiento Moderno: También conocido como modernismo,
fue una corriente de renovación artistica desarrollada a
principios del siglo XX, durante la denominada belle époque.
Algunos modernistas destacados son: Luis de Pablo,
Wolfgang Rihm, Harrison Birtwistle, Gunther Schuller o Kaija
Saariaho.
Posmodernismo: Una influencia muy fuerte en la música
contemporánea. Es el modo más común de expresión
artística. Dentro de este estilo se clasifican movimientos
artísticos como la Movida Madrileña.
Poliestilismo: Es el uso de múltiples estilos o técnicas
musicales. Comienza a finales del siglo XX. Compositores
poliestilísticos son: Frank Zappa, Arturo Rodas, Hans Werner
Henze o Valentín Silvestrov.
Conceptualismo: Una obra conceptual es un acto cuya
importancia musical se obtiene del marco más que del
contenido de la obra. El mejor representante del
conceptualismo es John Cage, con su obra 4' 33'' que sólo
consistía en silencios.
Libre improvisación: La improvisación es música improvisada
sin reglas previas establecidas, secuencias de acordes o
melodías previamente reconocibles. Entre los artistas más
reconocidos de este estilo están los saxofonistas Evan Parker
y Peter Brötzmann, el guitarrista Derek Bailey, y el grupo
improvisacional británico AMM.
7. OTROS ESTILOS Y CONCEPTOS MUSICALES
El mundo de la música también se ve influido por ese cambio
social y cultural: busca abrirse nuevos caminos y romper con
el pasado.
En busca de la novedad y la experimentación.
Nuevos géneros como el jazz o el rock y sus derivados
arrebatan a la música culta el protagonismo, casi exclusivo,
del que había gozado durante siglos. Poco a poco se irá
convirtiendo en una música de minorías, ajena al éxito a los
intereses comerciales.
La llegada de la tecnología alterará la forma de componer e
interpretar la música. Los medios electrónicos e informáticos
tendrán una función importante dentro del fenómeno musical.
Al igual que la mayoría de las artes en el siglo XX, la música
responde a factores sociales, políticos y culturales.
8. ARTE SONORO
Búsqueda de la novedad, ninguna obra puede parecerse a
otra y para ello hay que experimentar con todo lo que se tenga
a mano. Cualquier objeto puede ser capaz de producir música.
Se tiende a llamar la atención del oyente por lo que se
encuentran piezas extrañas que no tienen nada que ver con la
música que se había realizado hasta entonces.
La pérdida de unidad estilística y técnica se hace evidente ya
que no hay un lenguaje y un tipo de expresión únicos, sino
una pluralidad de movimientos.
9. LIBRE IMPROVISACIÓN (JAZZ)
Libre improvisación o improvisación libre es música
improvisada en muchos casos sin reglas previas establecidas,
secuencias de acordes o melodías previamente acordadas.
•La libre improvisación, como estilo de música, se
desarrolló en Europa y EEUU en la mitad y fines de la
década de 1960 en mucho en respuesta o inspirado por
el movimiento del free jazz así como por la música
clásica contemporánea.
•Entre los artistas mas reconocidos dentro de este estilo
están:
•Los saxofonistas: Evan Parker y Peter Brötzmann
•El guitarrista Derek Bailey
•Y el grupo improvisacional británico AMM.
10. POST-MODERNISMO
Es una influencia fuerte en la música contemporánea. Un
crítico señaló que una manera fácil de encontrar
«postmodernismo» es buscar la palabra «nuevo» o los prefijos
neo- o pos- en el nombre de algún movimiento.
Comenzamos con un movimiento ligado a su predecesor, el
modernismo; o sea que el postmodernismo es el estilo musical
surgido en respuesta al modernismo, hacia la década de los
50’s, en este estilo se fijaba a la creación o manufactura del
hombre como elemento central del arte, para qué el público
disfrute de su contemplación.
Jhon Cage, una de las figuras más importantes de este
género:
•Compositor estadounidense nacido en 1912 y fallecido
en 1992 a la edad de 80 años.
•La característica principal de su composición es el abuso
de los silencios, o “silencios interminables”, y sonidos
aleatorios, tanto en su timbre como en su volumen y su
duración con el objetivo de crear un estilo de música
interesante y diferente. Su música no solamente se basa
en el argumento de que no hay “música” o “ruido” sino
sólo “sonido”, y que las combinaciones de sonidos
hallados constituyen eventos musicales, sino también en
la importancia de focalizar la atención y en la “invención”
como esenciales al arte.
•Es una figura prominente en la música del siglo XX
creciendo durante su vida, y hoy es recordado por
muchos como el fundador de la música postmoderna.
•Cage cuestionó la misma definición de música en sus
piezas, e insistió en la filosofía de que todos los sonidos
son esencialmente música. En su 4’33” confronta al
oyente con su idea de que los sonidos no intencionales
son tan musicalmente válidos como los originados por un
instrumento.
•Cage, sin embargo, ha sido catalogado por algunos
como demasiado vanguardista en su enfoque; por esta
razón, muchos encuentran su música antipática.
El posmodernismo toma lo popular y lo reduce a su guía
estética. Uno de los primeros movimientos que rompió con el
modernismo se inspiró en el trabajo de Cage, y su énfasis en
los sonidos por capas: el minimalismo.
Otro aspecto de posmodernidad se puede encontrar en la
tonalidad «posclasicista» a la que están dedicados
compositores como Michael Daugherty y Tan Dun.
En la música de origen europeo, la tonalidad es la
organización musical que se define por el orden de los
intervalos dentro de la escala de los sonidos.
La tonalidad es una manera de organizar las doce alturas de
una escala, la primera y más importante de las cuales se
llama tónica (en inglés key note) y todas las demás funcionan
en relación con ella.
La tonalidad y la escala expresan ambos la misma serie de
sonidos, solamente que en la escala los sonidos deben
sucederse obligatoriamente en movimiento conjunto
(ascendente o descendente), mientras que en la tonalidad no
importa el orden de presentación: pueden presentarse por
movimiento conjunto o disjunto.
Entre los movimientos o estilos que corresponden a la música
post moderna los más importantes son:
•El Minimalismo
•El Poliestilismo
•Conceptualismo
•Libre Improvisación
11. ÓPERA
El siglo XX ha sido considerado “el siglo difícil” en la historia
de la ópera. Ahora que encaramos el siglo XXI, la
comprensión de la aventura de la ópera en su siglo más
accidentado es fundamental para comprender y disfrutar un
género cuya vigencia se afirma más y más.
La comprensión del fenómeno de la ópera se funda en la
conceptualización de toda su historia. La ópera tiene cuatro
siglos largos de existencia:
• Durante los tres primeros (XVII, XVIII y XIX), fue el
principal espectáculo de la sociedad occidental, su
espejo privilegiado para enfrentarse a los avatares de la
vida.
• En el cuarto siglo de su existencia, el siglo XX, la ópera
sufre una erosión y un desplazamiento de tal magnitud
que pudo justificar el mito de la “muerte de la ópera”.
Pero, de nuevo, la ópera vuelve a convocar un interés
cultural creciente en nuestra sociedad.
El gran repertorio del pasado se somete a transformaciones
de su puesta en escena, no exentas de polémica; mientras
que la apuesta por ponerla al día a través de nuevas
producciones se extiende, no sin dificultades, por la mayor
parte de los países del ámbito occidental. El público, por su
parte, ha dejado ya de ser exclusivamente el tradicional
aficionado al canto o el adinerado que va a lucirse en los
grandes teatros. La ópera reclama y alcanza cada mayor
atención de los sectores sociales más interesados en la vida
cultural.
12. CONCLUSIONES
El siglo XX fue un siglo de cambios en todos los aspectos:
• Cambios sociales, ya que se empezaron a adoptar
políticas igualitarias, al mismo tiempo que se adoptaban
políticas a favor de la segregación racial.
• Cambios artisticos, ya que el arte empezó a ser mas
personal, contaba una historia sobre el autor.
• Cambios científicos, con inventos como la televisión o
Internet.
• Cambios en la forma de vida, ya que la llegada de la
electricidad a las casas hizo que la vida de la gente fuese
mas sencilla.
• Y cambios en la música, que empezó a cambiar y a
dispersarse en infinidad de ramas.
13. BIBLIOGRAFÍA
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