CAPÍTULO 3
EL MANIERISMO: Un momento de crisis. ¿Qué es el Manierismo?
El manierismo es una corriente artística que deriva del término italiano “maniera” y
comprende el periodo del Renacimiento tardío que abarca del 1530 a 1630
aproximadamente, esto se da puesto que suceden diferentes situaciones sociales y políticas
que amenazan con la estabilidad del ideal del “hombre equilibrado del Renacimiento
(Universidad Nacional del Litoral, s. f.) Se puede decir que se abandonan los cánones de
belleza y proporción clásica y matemática para anteponer la visión e ideales propios del
artista por lo tanto se le reconoce como un periodo cargado de contradicción, tensión y
anticlasicismo lo cual se puede ve representado mayoritariamente en sus fachadas y la
relación de estas con el interior de las edificaciones de las que son parte. Consideramos
que esta frase engloba adecuadamente el sentimiento de esta corriente “Está nuova
maniera que por un lado no quiere renunciar a los logros y a la tradición formal del
clasicismo, y por el otro no puede ya comulgar con este mundo y prefiere expresar un
erasmiano elogio de la locura” (Trebbi R., s. f.)
Figura 56
“Moisés elevando la serpiente de Bronze” (1575)
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Complejidad y Contradicción en la Arquitectura (1966)
Este es un libro escrito en 1966 por Robert Venturi (1925-2018) el cual es galardonado por
ser un libro revolucionario al ser uno de los textos más importantes del movimiento
postmodernista. Según el Pritzker Architecture Prize (s. f.) Venturi afirma que ”Pedíamos
una arquitectura que promueva la riqueza y la ambigüedad por encima de la unidad y la
claridad, la contradicción y la redundancia por encima de la armonía y la simplicidad". El
contenido de Complejidad y Contradicción muestra sus puntos de vista respecto a la
arquitectura de su tiempo dando a conocer su oposición a la simplicidad del modernismo,
amor a la complejidad, influencia histórica y la ambigüedad inclusiva. Por lo tanto se puede
considerar hasta manierista esta forma de pensar, considerando que este movimiento
también se basaba en el rechazo de las costumbres estilísticas del periodo al que pertenece
generando contradicción y composiciones tanto interesantes como complejas. Además
Stierli M. (2016) en relación a este libro menciona que el autor representaba aprendía de la
historia no como un “repositorio de formas” sino como un set de reglas composicionales
abstractas.
Figura 57
Robert Venturi
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La Obra de Giulio Romano (1499-1546)
Giulio Romano (1499-1546), uno de los pioneros en el movimiento manierista, quien dedicó
gran parte de su vida al arte: fue pintor, arquitecto y decorador italiano del siglo XVI. Su
historia yace desde sus innovadoras ideas en relación al clasicismo del alto renacimiento,
cuando se encontraba siendo alumno de Rafael, uno de los grandes maestros del
renacimiento. Tras la muerte de su mentor en 1520, Romino ayudó a completar los frescos
sobre la vida de Constantino en el Palacio Apostólico, así como obras inconclusas de
Rafael, tales como: Coronación de la Virgen y Transfiguración. Posteriormente, Federico II
Gonzaga le mandó a Mantua, ciudad en donde se puede apreciar gran parte de sus obras
entre arquitectónicas y artísticas, las cuales diseñaba exclusivamente para el Ducal y
alguna de ellas para gusto propio (como es el caso de su casa), se estima que ganaba
alrededor de 1000 ducados al año(hoy en día un solo ducado valdría cerca de 1,5 millones
de euros). (Arte fecit, s.f.)
Figura 58
Giulio Romano
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o%2F&psig=AOvVaw3o4qPBYKJ1usrir-gH_ZJz&ust=1737781895649000&source=images&cd=vfe&opi=899784
49&ved=0CAMQjB1qFwoTCJD2y57MjYsDFQAAAAAdAAAAABAQ
De acuerdo a su trayectoria como artística le ayudó convertirse en maestro del fresco,
conocido por sus trampantojos en el Palacio del Te (1525-1535) y el Palacio Ducal de
Mantua, además de sus trabajos en los Aposentos Papales y la Villa Farnesina en Roma.
Entre sus pinturas destacan "El Martirio de San Esteban" (1520-1525, Iglesia de San
Stefano, Génova), "Sagrada Familia" (1522, Iglesia de Santa Maria dell'Anima, Roma),
"Virgen con el Niño" (1520-1525, Uffizi, Florencia) y "Madonna con lavabo" (1525,
Gemäldegalerie Alte Meister, Dresde). (Collins, s.f.)
El Palacio del Té en Mantua (1525).
El Palazzo del Té, diseñado por Giulio Romano entre 1525 y 1532 para el duque Federico II
Gonzaga, es una obra que combina elegancia y creatividad. El edificio se organiza
alrededor de un gran patio central y destaca por sus fachadas rústicas hechas con aparejo
rústico y pilastras dóricas que parecen exageradas, ya que no sostienen nada encima.
Dentro, la Sala dei Cavalli llama la atención por su diseño simétrico y su conexión con otras
áreas mediante una lógia tripartita, logrando un equilibrio entre funcionalidad y belleza.
Según Forster y Tuttle (1971), Romano utilizó materiales de construcciones antiguas,
dándole al palacio un carácter único y ahorrando recursos.
Uno de los aspectos más interesantes es el uso de frescos decorativos y detalles como
triglifos desplazados y frontones interrumpidos en el patio, que desafían las normas clásicas
de manera ingeniosa. Roth (2007) explica que estas características logran crear un efecto
visual atractivo y original.
Figura 59
Palacio del Té en Mantua
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Figura 60
Palacio del Té en Mantua, Planta
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Vida y Obra de Miguel Ángel.
Formación en Florencia.
Michelangelo Buonarroti fue un pintor, escultor, poeta y arquitecto considerablemente
destacado en el renacimiento. Nacido en 1475 en Caprese, al este de Florencia, tuvo un
acercamiento al arte desde sus primeros años, “En 1488 [a sus 13 años] entró como
aprendiz en el taller de Domenico Ghirlandaio (1448/49-1494) en Florencia. Al año siguiente
ingresó en la academia de jóvenes escultores en el jardín de los Médicis, donde
probablemente recibió las enseñanzas de Bertoldo di Giovanni (ca. 1430/40-1491).” (Museo
del Prado, s.f. ). Entre sus obras más importantes, se encuentran los frescos de la bóveda
de la Capilla Sixtina, el Juicio Final, La Piedad y El David.
Viajes a Roma.
Respecto a sus estrechos vínculos con el papado, su paso por Roma fue crucial para su
desarrollo como artista en habilidad y conocimiento. Según National Geographic, En su
primer viaje Roma, recibió el encargo del cardenal francés Jean Bilhères de Lagraulas de
realizar una imponente escultura para decorar su tumba. En agosto de 1498 Miguel Ángel
firmó el contrato para su primera Piedad, del Vaticano…acuerdan que la obra estaría
terminada en un año, y se estableció un pago en diferentes fases.
Para su segunda estancia en Roma, en 1508 el papa Julio II encargó a Miguel Ángel la
decoración de la Capilla Sixtina. Él puso en práctica las habilidades adquiridas en el taller
de Ghirlandaio. Durante la realización, se vió obligado a condiciones incómodas sobre
andamiajes para poder realizar los frescos en las partes más altas de la bóveda trabajando
recostado. En su faceta de poeta lo dejó ver mediante un soneto: «Los lomos se me han
metido en la tripa y con las posaderas hago de contrapeso y me muevo en vano sin poder
ver». En sus últimos años en Roma, Miguel Ángel volvió a trabajar en la capilla Sixtina
veinte años más tarde. “En 1533, Clemente VII de Médicis le encargó que pintara al fresco
el Juicio Universal en la pared del coro, encargo que Pablo III, nada más ser elegido papa
en 1534, obligó al artista a cumplir, exigiendo que trabajara exclusivamente para él.”
(National Geographic, s.f.)
Miguel Angel arquitecto en Florencia.
Escalera de la Biblioteca Laurenciana (1524)
La Biblioteca Laurenciana, y su escalera, fue diseñada por Miguel Angel y su construcción
fue comisionada por la familia Medici para, como con otros proyectos, demostrar la alta
capacidad adquisitiva de esta familia a la vez que simbolizaba que su poder se empezaba a
concentrar más en la actividad eclesiástica que en la mercantil, ello sucedió en el año 1524
como un anexo de la Basílica de San Lorenzo en Florencia, Italia (Ackerman J., 1961).
Según Murray P. (1963) Respecto a la configuración espacial de la biblioteca esta presenta
una planta simple en la cual el papa requirió una multiplicidad de ventanas en sus paredes
laterales lo cual terminó configurando la estructura que terminó tomando el proyecto
además se encuentra más elevada que el vestíbulo, razón primordial por la que existe la
escalera en primer lugar, puesto que fue construida sobre restos de antiguos monasterio.
Por su lado, el vestíbulo aparte de resaltar por ser tomado casi en su totalidad por la
escalera, destaca por que sus paredes aparentan ser fachadas con las columnas
geminadas que se insertan dentro de las paredes intentando dar un efecto visual
interesante e inesperado además de representar la utilización de los elementos clásicos de
forma propia, una de las características del manierismo.
Concretamente, la escalera es tan icónica pues fue pensada más como una pieza artística
que una netamente funcional. Con su ubicación y dimensiones dan a entender como se
quiso dar protagonismo a esta pieza dotándola de formas curvas y refinamiento.
Figura 61
Escalera de la Biblioteca Laurenciana
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165
Figura 62
Planta de la Iglesia de San Lorenzo
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165
Figura 63
Planta del vestíbulo donde se encuentra la escalera
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165
Sacristía Nueva (1520)
También llamada la Capilla de los Medici, la Sacristía Nueva se construye en Florencia con
el diseño de Miguel Angel comisionada por la familia de la cual lleva el nombre para servir
de lugar de sepulcro a algunos miembros de esta, ello sucede en el año 1520 ( Williams K.,
s. f.)
Esta capilla se desarrolla dentro de un pequeño espacio como la parte derecha del
transepto de la Basílica de San Lorenzo siendo simétrica a la Sacristia Vieja de Brunelleschi
sin embargo bastante diferente por su distintivo carácter manierista. Aparte de poseer
elementos clásicos como columnas corintias, arcos y frisos tiene a su vez distintas
contradicciones o complejidades como las que menciona Elam C.(1979) una estilista en los
materiales como la dualidad entre la pietra serena y el mármol o una desconexión entre lo
externo y lo interno representado por el que los arcos ciegos de su exterior no calcen con
las divisiones interiores.
Figura 64
Sacristía Nueva
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-a-la-luz-en-condiciones-similares-a-las-concebidas-por-el-genio
Figura 65
Planta de la Sacristía Nueva
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n-b_fig1_371678947
Miguel Arquitecto en Roma
Plaza del Capitolio (1537)
La plaza de Capitolio, ubicada en la colina capitaliana, es el centro del ciudad y la última
plaza renacentista que se mantiene en pie. En la antigua Roma, la colina era la conexión de
todas las vías de la ciudad y se celebraban las victorias bélicas del ejército. Además, los
pueblos de los alrededores acudían para celebrar cultos y sacrificios, ya que, en la cima, se
levantaba un imponente templo dedicado a Júpiter, padre de los dioses romanos. (Barceló,
2024)
Figura 66
Plaza del Capitolio - La colina sagrada de Roma.
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La remodelación de la Plaza del Capitolio comenzó con el encargo del papa Pablo III al
arquitecto Miguel Ángel en 1537. Además, el papa Pablo III, Alessandro Farnese, solicitó
incluir la estatua ecuestre de Marco Aurelio en el centro de la plaza. Sin embargo,
Michelangelo Buonarroti se opuso rotundamente a esta propuesta. Gracias a su insistencia,
la estatua fue trasladada al Museo Capitolino en el siglo XVI, lo que garantizó su
conservación. Como resultado, se decidió crear una réplica de la estatua para el centro de
la plaza, ya que el papa consideró que su presencia reforzaba el poder y prestigio de la
familia Farnese.
Aunque Roma, como centro cívico, necesitaba un espacio a la altura de su grandeza
histórica, las arcas públicas, es decir, los recursos financieros del Estado, eran deficientes.
Por este motivo, la Plaza del Capitolio no se terminó hasta muchos años después. En el
siglo XVII, tras diversas intervenciones de arquitectos como Miguel Ángel , Cavalieri , Della
Porta y Longhi, la plaza fue finalizada, respetando el diseño original. Posteriormente, en
1940, Atonio Muñoz añadió un pavimento geométrico basado en los dibujos de Étienne
Dupérac. Esta última intervención le otorgó un carácter único a la plaza, que, junto a los
edificios que la rodean, como el Palacio de los Conservadores, el Palacio Nuevo y el
Palacio del Capitolio, constituye uno de los conjuntos arquitectónicos más emblemáticos de
Roma. (Luís, 2021)
Palacio Farnese (1541)
El Palacio de Farnese, encargado por el Papa Paulo III, Alessandro Farnese, al arquitecto
Antonio da Sangallo el Joven, posteriormente también intervinieron Miguel Ángel, Jacopo
Borozzi, Vignola y Giacomo della Porta. Posee 4218 m2, utilizando un plano rectangular de
57 m de ancho y 74 de largo. Por otro lado, es verdad que el proyecto aspira a ser
perfectamente simétrico y proporcionado; sin embargo, la ubicación de la escalera, las
habitaciones y las salas principales rompen la simetría con respecto a los demás espacios
(Capitell, 2005, págs. 48-53).
Aún así, la edificación mantiene los objetivos renacentistas, siendo en la fachada donde
Miguel Ángel realiza su intervención más destacada. Al incorporar cornisas horizontales,
logra separar uniformemente los tres niveles, proporcionando una armonía visual. Además,
resalta la ventana sobre la puerta principal al colocar un gran escudo de armas, subrayando
el poder y prestigio de la familia Farnese. Las ventanas, por su parte, están marcadas con
pilastras de orden corintio, que se adosan al muro, brindando robustez a la fachada. Este
detalle refleja la intención de Miguel Ángel de hacer del palacio una de las estructuras más
sólidas y pesadas de la arquitectura palaciega. En el interior, su intervención se extiende a
la remodelación de la logia que rodea el patio central, con pilastras robustas que se
conectan mediante arcos de medio punto. Estos arcos también se encuentran en la entrada,
pero en su forma contigua, bóveda de cañón. (Centro Vasco de Arquitectura, s.f.)
Figura 67
Fachada del Palacio Farnese - Roma.
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La Cúpula de la Basílica de San Pedro en Roma (1546)
Con la Basílica de San Pedro, Miguel Ángel realizó cambios significativos al diseño original
de Bramante para reflejar los ideales del Renacimiento y resaltar el poder de un cristianismo
renovado, que superará los logros de la antigüedad pagana. Roth (2007) indica que
Bramante había diseñado una planta de cruz griega con varias cúpulas secundarias,
capillas cruciformes y torres cuadradas. Sin embargo, Miguel Ángel simplificó este diseño
eliminando los brazos secundarios y concentrando todo en una gran cúpula central
sostenida por enormes pilares.
La cúpula de Miguel Ángel se diferencia de la planeada por Bramante, ya que no es una
semiesfera perfecta, sino que es más alta y reforzada con nervios exteriores. Está montada
sobre un tambor decorado con columnas falsas y un entablamento fragmentado, y culmina
con una linterna que simboliza el cristianismo al estar coronada por una cruz (Roth, 2007).
En cuanto al exterior, Roth señala que Miguel Ángel sustituyó los detalles equilibrados del
diseño original por grandes pilastras corintias, lo que dio al edificio una apariencia más
robusta. Con estas modificaciones, la basílica no sólo superó en tamaño a la antigua
basílica constantiniana, sino que también se convirtió en un símbolo de la fuerza y
centralidad de la fe cristiana.
Figura 68
La Cúpula de la Basílica de San Pedro en Roma
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.pdf
Puerta Pía (1561)
La Puerta Pía es una entrada histórica de Roma, diseñada por Miguel Ángel en el siglo XVI
para reemplazar la Porta Nomentana. Su estilo renacentista destaca por su estructura
simétrica, columnas y detalles decorativos que le otorgan un aspecto imponente. La fachada
interna conserva un tímpano ornamentado sostenido por pilastras y ventanales decorados
con frontones. Según Julián (2020), "la Puerta Pía es una obra arquitectónica que refleja la
transición estilística del Renacimiento tardío al Manierismo".
Además de su valor arquitectónico, la puerta tuvo un papel clave en la historia de Italia. En
1870, durante la unificación italiana, los Bersaglieri abrieron una brecha en la Puerta Pía
para entrar en Roma, marcando el fin del dominio de los Estados Pontificios y consolidando
a Roma como capital del Reino de Italia. Este evento simbolizó un cambio político crucial en
Europa.
Figura 69
Puerta Pia
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GIACOPPO BAROZZI (1507-1573)
Giacoppo Barozzi o de Vignola nació en el año 1507 en Bolonia, Italia, él fue un arquitecto,
pintor y erudito el cual es recordado por tener un estilo manierista que presenta
características que serían propias del barroco años más tarde por lo cual se le considera
precursor de este.
Su formación empieza orientada a la pintura, sin embargo luego se torna a la arquitectura
tras sus estudios donde trabajó para Peruzzi. Años más tarde en 1530 donde terminó
siendo uno de los arquitectos que participaron en la Basílica de San Pedro. Más adelante
viaja a Francia donde supervisó la decoración de jardines de la corte de Fontainebleau. Ya
de nuevo en Roma vuelve a trabajar en la basílica a la vez que en otros trabajos dentro de
los cuales resaltan el Palacio Farnesio, Villa Julia, Iglesia de Santa Ana dei Palafrenieri ,
Iglesia de Gesu entre otros. (Universidad de Navarra, s. f.)
Por otro lado, también destaca como teórico puesto que escribió dos textos importantes
hasta el día de hoy; Regla de los cinco órdenes de la Arquitectura (1962) y Las Reglas de la
Perspectiva Clásica (publicado postmortem en 1583). En el primero se pretende
estandarizar los dichos órdenes los cuales eran el toscano, dórico, jónico, corintio y
compuesto además de proporcionar las proporciones matemáticas en las que se basan. En
el segundo, se proporciona al lector herramientas prácticas sobre los principios de la
percepción en la arquitectura y dibujo enfocado tanto a arquitectos como artistas en
general. (Enciclopedia Britannica, s. f.)
Figura 70
Giacoppo Barozzi
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Villa Julia (1550)
La Villa Julia fue construida en 1550 como parte de un encargo del Papa Julio III en Roma,
Italia, esta estaba destinada a ser una residencia de ocio además de servir como un
símbolo de poder y refinamiento por parte del papa. Respecto a su diseño destacan tres
figuras prominentes como lo son Giacoppo Barozzi en el área de diseño general y
Bartolomeo Ammanati junto con Giorgio Vasari en elementos decorativos.
Como análisis de su planta, se puede distinguir un claro eje longitudinal dentro del cual se
desarrollan las diferentes partes del proyecto las cuales abarcan el casino, patio principal y
el nymphaeum el cual es un monumento dedicado a las ninfas. Posee evidentemente un
estilo manierista por la utilización de elementos tradicionales pero de forma no convencional
, además se puede mencionar la decoración escultórica que comprende personajes
mitológicos. A si mismo el diseño juega con las alturas por lo cual proporciona al usuario de
diferentes perspectivas y por ende sensaciones. (Coolidge J. 1943)
Figura 71
Villa Julia
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Figura 72
Planta de la Villa Julia
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Iglesia de San Andrés en Vía Flaminia (1552)
Encargada por el papa Julio III, la iglesia conmemora su huida tras el saqueo de Roma por
las tropas de Carlos V. Construido por el arquitecto Vignola entre 1552 y 1553. Su diseño
exterior refleja el interior, destacando una planta cuadrangular con cúpula y tambor de forma
ovalada, siendo esta la primera vez que se usó dicha forma en arquitectura religiosa,
característica que se popularizó en el Barroco. La fachada, de estilo clásico y austero,
presenta dobles pilastras corintias planas en los extremos, un acceso adintelado coronado
por un frontón triangular, y dos ventanas arqueadas rematadas con verenas. (Warleta, 2016)
Figura 73
Vista Frontal y Perspectiva de la Iglesia de San Andres de Via Flaminia
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oyectual_atemporal20200303-115840-yzbj4a.pdf
El Palacio Farnese en Caprarola (1559)
El Palacio es una manifestación tardía del manierismo renacentista italiano, construido entre
1559 y 1579 en Ronciglione, a menos de 50 km al norte de Roma. Su edificación representó
una oportunidad estratégica para conectar Caprarola con Montessi, dado que, hasta
entonces, la única vía de acceso a la ciudad era la proveniente de Viterbo, al norte. Por esta
razón, el Palazzo fue emplazado sobre un eje vial orientado de noroccidente a suroriente,
alineado con su eje de simetría.
Figura 74
Plan Topográfico, Palazzo Farnese de Caprarola
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oyectual_atemporal20200303-115840-yzbj4a.pdf
El Palacio Farnese de Caprarola fue encargado por el cardenal y, posteriormente, papa
Alessandro Farnese al arquitecto Giacomo Barozzi, conocido como Vignola. Este destacó
por proyectar un diseño singular que integra un patio central rodeado por una planta
hexagonal, otorgándole al edificio una apariencia similar a la de un castillo. Este efecto se
ve acentuado por sus imponentes dimensiones y los bastiones que rematan las cuatro
esquinas más cercanas al acceso principal, además de un torrión que refuerza la esquina
más lejana de dicho acceso. Estos elementos arquitectónicos cumplían una doble función:
servían como mecanismos de defensa y proyectaban la fuerza y el prestigio de la familia
Farnese.
La entrada al palacio, condicionada por la topografía de la colina, se organiza en dos
niveles. En el primer nivel, el más bajo, se encuentran dos escaleras caballeras
semicirculares que conducen al segundo nivel. Desde este punto, dos escaleras de doble
tramo permiten finalmente el acceso al interior del Palacio. En su distribución interna, el
edificio consta de cinco plantas, de las cuales dos son subterráneas y estaban destinadas a
usos de servicio. Las plantas superiores albergan los espacios sociales y privados, todos
articulados en torno al patio central circular, un diseño original de Sangallo el Joven. Este
elemento clave permitió a Vignola distribuir uniformemente las crujías del edificio,
superando la complejidad geométrica impuesta por la planta hexagonal del conjunto.
(Sweigh Wólfram, 2019, págs. 8-9)
Figura 75
Perspectiva del Palazzo Farnese de Caprarola
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En la parte posterior del Palacio se encuentran los jardines de Villa Farnese, diseñados y
construidos por el arquitecto y escultor Giacomo Del Duca entre 1565 y 1630. Estos jardines
están organizados en terrazas de diferentes alturas. Dentro de la villa, se pueden ver
viñedos, laberintos de plantas, fuentes y estatuas. Además, el cardenal dispuso que se
colocaran fuentes escondidas a lo largo del recorrido, lo que causaba que los visitantes se
mojaran mientras recorrían el jardín, algo que Alessandro buscaba como parte divertida de
la experiencia. (Daud, 2021)
Figura 76
Villa Farnese de Caprarola
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orici-caprarola%2Fpalazzo-farnese%3Ffbclid%3DIwAR1X505bC7pX5MmZ8za8HttAHtAjATSLVSUCXCWYscKF-
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La Iglesia del Gesú en Roma (1568)
La Iglesia del Gesù en Roma, construida entre 1568 y 1584, fue diseñada por Giacoppo
Barozzi de Vignola y su fachada fue finalizada por Giacomo Della Porta. Su estructura
cuenta con una nave principal amplia, capillas laterales y una gran cúpula que ilumina el
centro de la iglesia, creando un espacio claro y abierto. Este diseño, que dirigía la atención
hacia el altar mayor, buscaba facilitar la participación de los fieles en las ceremonias
religiosas. Según García Mejía, Blas Bermúdez y Bernabé Castrejón (2017), la fachada
introdujo un estilo que marcó un cambio en la arquitectura religiosa, combinando volúmenes
y luces de manera innovadora.
El interior de la iglesia está decorado con frescos, figuras de estuco y detalles en madera
que destacan por su riqueza y profundidad. Las capillas laterales, como la de la Madonna
della Strada y la del Sagrado Corazón de Jesús, están adornadas con mármoles de colores
y pinturas que inspiran devoción. Por ejemplo, la capilla de la Madonna della Strada tiene un
altar curvo y frescos de Giovan Battista Pozzi, mientras que la del Sagrado Corazón de
Jesús se caracteriza por columnas dobles y una obra de Pompeo Batoni. Además, la capilla
de San Ignacio de Loyola, decorada con materiales como oro y mármol, alberga el sepulcro
del santo y refleja la importancia de la orden jesuita en la época. Este diseño influyó en
muchas otras iglesias, convirtiendo al Gesù en un modelo arquitectónico y espiritual.
Figura 77
La Iglesia del Gesú en Roma.
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Figura 78
La Iglesia del Gesú en Roma, Planta
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Iglesia de Santa Ana dei Palafrenieri en el Vaticano (1565)
La Iglesia de Santa Ana dei Palafrenieri, diseñada por Giacomo Barozzi da Vignola, es uno
de los primeros ejemplos de iglesias con planta ovalada. De acuerdo con Cuevas del Barrio
(2007), este diseño combina la forma ovalada de la cúpula con una planta que prioriza el eje
principal, donde se ubican la entrada y el altar mayor. Aunque los altares laterales del eje
transversal pueden generar algo de confusión, los arcos y columnas logran unificar el
espacio y darle equilibrio.
Una innovación importante de Vignola fue extender la forma ovalada a la planta, aunque
mantuvo un exterior rectangular típico de su estilo. Esto hacía que el interior y el exterior no
estuvieran totalmente conectados, algo que cambiaría con el Barroco. Este proyecto refleja,
un periodo inicial de experimentación con plantas ovaladas, que más tarde se volverían más
simbólicas y funcionales.
Figura x:
Iglesia de Santa Ana dei Palafrenieri en el Vaticano
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Figura 79
Iglesia de Santa Ana dei Palafrenieri en el Vaticano, Planta
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“los Cinco Órdenes de la Arquitectura”
Las 5 órdenes de la arquitectura o “Regola delli cinque ordini d'architettura” es un escrito
hecho por Jacopo Vignola que “esquematiza en cuadros y dibujos un procedimiento
concebido por él para la construcción de los cinco órdenes arquitectónicos. El manual de
Vignola fue el libro más usado en materia de arquitectura y constituyó el fundamento
didáctico de las escuelas de arquitectura hasta el siglo XIX.”(Universidad de Navarra, s.f.)
En su contenido podemos analizar las características de los órdenes dórico, jónico, corintio,
toscano y compuesto, así como su relación con principios básicos de geometría y
proporción.
Según Delagardette, Vignola define el orden dórico con características de un capitel más
rico en molduras, con motilones en la cornisa y triglifos en el friso, con columnas de una
altura de ocho veces su diámetro. “El jónico tiene volutas en su capitel, su cornisa está
adornada con dentellones, y su arquitrabe tiene tres fajas. El Corintio …está condecorado
con dos órdenes de hojas y diez y seis volutas: su cornisa tiene dentellones y modillones, y
su arquitrabe está adornado con tres fajas. El orden Toscano …no tiene modillones ni
dentellones en su cornisa. El Compuesto se diferencia de los otros en su capitel, que
participa del Jónico, cuyas volutas son las mismas con corta diferencia, y del Corintio, del
cual son los dos órdenes de hojas: su cornisa participa también mucho de la Jónica, de la
que son los dentellones; su arquitrabe tiene dos fajas solamente”. (Delagardette, 1858)
Otros arquitectos en Roma en la segunda mitad del siglo XVI.
Giacomo Della Porta y Domenico Fontana.
Giacomo della Porta fue el más importante constructor del último trimestre del siglo XVI de
Roma. Él completó muchos de los diseños de Miguel Ángel, como la cúpula de San Pedro.
También construyó muchos de sus propios palazzos, iglesias y fuentes. Entre sus
principales obras se encuentran la Iglesia del Gesú, la cúpula de la Basílica de San Pedro,
la Iglesia de la Maddalena, etc.
Por su parte, Domenico Fontana (nacido en 1543 en Melide, Milán [Italia]; fallecido el 28 de
junio de 1607 en Nápoles) fue un arquitecto italiano que trabajó en la Basílica de San Pedro
y otros edificios famosos de Roma y Nápoles. Entre sus obras principales se encuentran el
Palacio de Letran, el Palacio Apostolico del Vaticano y la Capilla Sixtina en la basílica de
Santa Maria la Mayor.
Las transformaciones urbanas de Roma a fines del siglo XVI por mandato de Sixto V.
(1585)
El cardenal Montalto pasó años sin vida pública, acumulando riqueza mediante la extracción
de bienes de los opositores de la Contraforma. Cuando fue proclamado papa bajo el
nombre de Sixto V, en el siglo XVI, implementó reformas urbanísticas con la ayuda del
arquitecto Domenico Fontana. Estas intervenciones incluyeron la apertura de calles,
nivelación del terreno y demolición de ruinas, facilitando el acceso a los principales lugares
de devoción. Su objetivo fue organizar la ciudad con ejes urbanos y un urbanismo centrado
en las fachadas, mejorando la circulación y visibilidad de los espacios religiosos.
(Camarasa, 2016)
Figura 80
El urbanismo en Roma bajo Sixto V.
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Otra de las acciones importantes que tomó el papa Sixto V, fue la construcción de obeliscos,
de la mano de Fontana, tales como: obelisco de San Juan de Letrán, de la Plaza de Santa
María la Mayor y de la Plaza del Vaticano. Siendo esta última la más resaltante debido a su
historia y ubicación. Además, por sus amplia altura de más de 25 metros de longitud y un
peso aproximado de 350 toneladas. Para la construcción, Domenico calculó que se
necesitaría a unas 900 personas, 140 caballos y un sin número de andamios, tornos y
poleas. Un dato curioso fue que no dejó hablar a nadie en el proceso de construcción, lo
hizo para que se pueda escuchar con claridad las indicaciones, afectando con pena de
muerte al que se atreva a desovedecer. Es ahi donde repentinamente, uno de los peones
llamado Benedetto Bresca desde lo más alto advierte que se debe mojar las poleas, ya que,
por la fricción podrían llegar a sobrecalentarse y, posteriormente, romperse. Esta acción
salvó al obelisco de la destrucción, es aquí donde elogian el conocimiento de Bresca y el
papa le otorga un trabajo mas privilegiado de suministrar las palmas que serían utilizadas
durante los oficios de Semana Santa.
Figura 81
Obelisco-Vaticano.
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ATLAS DE PLANTAS
