GUION PARA
EL ANÁLISIS
CRÍTICO:
I. DRAMÁTICO
Y
II. ESCÉNICO
ÍNDICE:
● Guion
● Aspectos generales
o Géneros dramáticos
● Análisis dramático: elementos:
o Acción, conflicto y estructura
o Personajes
o Espacio y tiempo
o Lenguaje
● Análisis escénico
o Tabla Signos de Kowzan
o Texto oral
o Expresión corporal
o Apariencia externa del actor
o Características del espacio
escénico
o Efectos sonoros no
articulados
IES Pintor Pedro Gómez Artes Escénicas
0. GUION PARA EL ANÁLISIS CRÍTICO
Sugerencias de la Ponencia. Si es un vídeo, primero ordenar las sugerencias,
introduciendo la información en el apartado adecuado.
1.- Aspectos generales de la obra. CLASIFICACIÓN Y CRONOLOGÍA.
- Rama escénica que estamos tratando: teatro, danza, ópera, circo…
- Tipo de espectáculo: oriental/occidental, clásico/vanguardia…
- Género: comedia, tragedia, drama, absurdo, fantasía…
- Modalidad escénica (si se da el caso): clown, cabaret, títeres…
2.- Elementos del TEXTO DRAMÁTICO (para las lecturas dramáticas)
- Contexto histórico y biográfico relevante, influencias recibidas y aportaciones
- Título: es acertado o no, responde al contenido…
- Tema y argumento: qué conflicto plantea, si está bien desarrollado, su profundidad…
- Localización en la estructura de la obra
- Acción, conflicto, personajes: su función, desarrollo y concreción.
- Lenguaje: diálogos (su precisión y relevancia en función de la trama), acotaciones (qué
aportan a la obra: describen la escenografía o cambios de vestuario, emociones, entradas
y salidas de personajes…)
3.- Elementos ESCÉNICOS del espectáculo. TEATRALIDAD
- La adaptación del texto en el montaje concreto que analizamos: si es fiel al original, si se
respeta o modifican los elementos originales (la ubicación espacial y temporal, el número
y características de los personajes, si se cortan o añaden escenas…)
- La puesta en escena: qué recursos plásticos y sonoros se emplean y destacan, cómo es
la ejecución de los actores, la intensidad de la acción desarrollada…
- Edificio en el que se realiza el espectáculo
- Los signos (visuales y auditivos) del espectáculo. Para este punto, es muy útil la tabla
clásica con los 13 signos de Tadeusz Kowzan
4.- Otros aspectos para valorar (examinando si son o no adecuados)
- La duración y el ritmo del espectáculo
- Su finalidad, valores éticos, estéticos, filosóficos, sociales…
- La originalidad de la obra, la dificultad escénica que conlleva
- La adecuación al público al que está orientada, su poder para emocionar y la cercanía o
lejanía que logre establecer con los receptores, así como cualquier otro aspecto relevante
para la puesta en escena.
- Importancia en la Literatura universal, influencia e inspiración en otras obras.
Referencias culturales.
Isabel Bravo Rodríguez
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I. ANÁLISIS DRAMÁTICO
1. ASPECTOS GENERALES
DIFERENCIANDO CONCEPTOS: DRAMÁTICO Y ESCÉNICO
La obra teatral es un texto literario concebido para ser representado en un escenario, por lo que
solo en la representación adquiere su máxima expresividad. Esto nos obliga a considerarla en dos
dimensiones diferentes:
● La creación literaria concebida por el autor, es decir, el mundo y la historia (con todos sus
elementos) imaginados por él, constituye la dimensión DRAMÁTICA de la obra, a la cual pertenece
el texto literario (texto dramático) con sus diferentes elementos estructurales: la acción y las
situaciones que la componen, el conflicto, la estructura, los personajes, el espacio y el tiempo
dramáticos, el ambiente, la tensión dramática, etc.
● La representación teatral de esa obra sobre un escenario constituye una dimensión
diferente, la dimensión ESCÉNICA, en la que el texto dramático es un elemento más que se une a
los otros, llamados escénicos. Una representación es una realización concreta de la obra, de forma
que cada elemento creado por el autor del texto literario se “actualiza” sobre un escenario (actores,
espacio y tiempo escénicos, iluminación…). SIGNOS DE KOWZAN.
Aquí analizamos la dimensión dramática.
[Link] GÉNEROS DRAMÁTICOS
El teatro supera los límites de género literario al ser fundamentalmente espectáculo; por ello, está
ligado, más que otro género, a las fluctuaciones ideológicas, estéticas y comerciales de cada época
histórica. Entenderemos, así, que la tragedia fuera el género por excelencia de épocas clásicas,
reflejo de un ideal que se quería mostrar al espectador para que le sirviera de ejemplo a seguir
(determinadas conductas serían castigadas por poderes superiores, llámense Dios o Destino). Por
el contrario, con el nacimiento de la burguesía, más o menos desarrollada en nuestro país, se
preferirán aquellas representaciones que den vida a personajes “de carne y hueso” con los que el
espectador se identificaría o a los que se quiere parecer (ya sea la “comedia nacional” del Barroco,
el “drama romántico” o la “alta comedia benaventina”).
Las diferencias existentes entre los dos géneros teatrales más importantes en la actualidad
(comedia y drama) se deben fundamentalmente al tema y a la intención del autor. Estos dos
elementos son los que determinan el tipo de personajes (con su caracterización concreta) y el
desarrollo de la acción dramática (tensiones y conflictos adecuados al desenlace). A pesar de estas
diferencias [que se analizarán en el texto propuesto], el texto dramático presenta una serie de
características comunes que pasaremos a analizar.
1.1.1. GÉNEROS DRAMÁTICOS MAYORES
El teatro occidental adoptó ya en sus orígenes en Grecia dos formas diferenciadas: la tragedia y la
comedia. A estos dos géneros teatrales mayores vendría a sumársele en el s. XIX el drama, cuyos
antecedentes hay que buscarlos en la Tragicomedia renacentista y la mezcla de géneros que se dio
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en el teatro español del Siglo de Oro o en el
teatro Isabelino inglés.
TRAGEDIA: La gran época de la tragedia
corresponde a la Grecia y la Roma clásicas con
Esquilo, Sófocles, Eurípides y Séneca.
Shakespeare y otros autores ingleses y
franceses como Corneille y Racine la renovaron
en los siglos XVI y [Link] elementos que la
caracterizan son los siguientes (según la
Poética de Aristóteles):
a) Superioridad social y jerárquica de los
personajes: dioses, reyes, héroes mitológicos.
b) La acción del héroe trágico, que pone en movimiento el proceso que lo conducirá a su
perdición, suelen estar causadas por un “error trágico” (hamartía) o por verse arrastrado por una
pasión incontenible. Anagnórisis es el momento en que el personaje trágico descubre su error, su
verdadera identidad, y acepta las consecuencias.
c) El orgullo y obstinación del héroe que persevera a pesar de las advertencias y que se niega a
claudicar (hibris).
d) El sufrimiento del héroe que la tragedia comunica al público (pathos).
e) El sufrimiento del héroe trágico debe producir en los espectadores la purgación de las
pasiones del temor y la compasión (catarsis).
COMEDIA. - En las comedias los personajes protagonistas suelen ser hombres y mujeres comunes,
a menudo ridiculizados o caricaturizados, que son puestos en situaciones absurdas o irrisorias para
diversión de los espectadores. El desenlace de las comedias suele ser feliz y optimista. Su fin es
conseguir la risa del público y el reconocimiento de ciertos vicios, defectos y lacras sociales cuando
no la crítica a determinadas personas e instituciones; el enredo y equívoco de las situaciones, son
característicos de este género teatral cómico. El autor griego Aristófanes llevó este género a su
plenitud en el s. V a. de C. Plauto y Terencio lo desarrollaron en Roma. Shakespeare, Lope de Vega,
Molière… lo hicieron entre los siglos XVI y XVII. Desde el siglo XIX es, junto con el drama, el género
teatral con más vitalidad.
DRAMA. - Es el subgénero dramático intermedio entre la tragedia y la comedia. Las pasiones en el
drama no alcanzan la intensidad que poseen en la tragedia. A veces, se intercalan elementos
cómicos (de ahí que se le denomine también con el nombre de tragicomedia). El final suele ser
desgraciado, pudiendo llegarse, incluso, a la muerte de alguno de sus personajes.
Los dramas son muy frecuentes en el teatro isabelino inglés y en el teatro español del siglo de oro
(Lope de Vega, Tirso de Molina y Calderón de la Barca), con nombres, entre otros, de ``comedia
nueva” o “comedia famosa”. En el siglo XIX autores como Chejov o Ibsen confirieron al drama una
gran profundidad simbólica y ética; en lugar de enfrentar a los personajes con una fuerza ciega
contra la que no pueden lucha,r como la tragedia, los enfrenta con conflictos morales, consigo
mismos, con sus pasiones, temores y fracasos o con el sinsentido de la existencia humana.
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1.1.2. LOS GÉNEROS DRAMÁTICOS MENORES
PASO. - Pieza dramática de breve duración, asunto sencillo y tratamiento cómico. El paso,
denominado así por Lope de Rueda en el siglo XVI, está considerado como el precursor
del entremés y se caracteriza por su lenguaje realista.
ENTREMÉS. - En un solo acto y de trama cómica y jocosa; surgió en España, en el siglo XVI; los
entremeses eran representados en los intermedios de las jornadas de una obra.
SAINETE. - Pieza jocosa de breve duración de carácter y argumento popular, en la que se
ridiculizan los vicios y convenciones sociales; derivado del entremés y con o sin
canciones. Es propio del siglo XVIII y su principal cultivador fue Ramón de la Cruz
FARSA. - Pieza cómica destinada a hacer reír. La diferencia entre la farsa y la comedia reside en
el asunto; que en la primera al contrario que en la segunda, no necesariamente tiene
que ser convincente o cercano a la realidad.
AUTO Obra dramática en un solo acto y escrita en verso. Trata temas profundos mediante
SACRAMENTAL personajes alegóricos. El gran teatro del mundo de Calderón de la Barca. Muy
frecuente en el siglo de oro español.
MONÓLOGO Pieza dramática interpretada por un solo actor, aun cuando en ella puedan intervenir
varios personajes; es un parlamento de extensión superior a lo habitual en los diálogos,
pronunciado en solitario o en presencia de otros personajes.
VODEVIL Comedia aligerada con canciones y bailes, de carácter marcadamente frívolo, alegre y
de asunto amoroso, con marcada intriga y enredo; muy popular en Francia en los siglos
XVIII y XIX.
Los géneros dramáticos musicales
ÓPERA Representación teatral a lo largo de cuyo desarrollo, cantan los distintos personajes;
en ella la acción dramática se conjuga con la intervención de la orquesta, danza,
palabra, decorado y otros elementos. Conforme a su estilo y contenido, se puede
hablar de ópera seria, bufa, idílica romántica, legendaria, etc. El origen de la ópera se
sitúa en la Italia de finales del siglo XVI, cuando el músico Emilio Cavalieri y el libretista
Laura Guidiccioni, estrenan las primeras piezas de este género.
ZARZUELA Obra dramática y musical, en la que alternativamente se declama y se canta. Como
género específicamente español, tiene sus orígenes remotos en la musicalización de
distintos misterios y dramas. El creador fue Calderón de la Barca, con su pieza El jardín
de Farelina, estrenada en 1648 y otros dicen que fue Lope de Vega con La selva sin
amor de 1629; el hecho de que muchas piezas de este género fueran representadas
en la casa de recreo denominada La Zarzuela que la familia real poseía en el Pardo,
acabó por conferirle su nombre.
OPERETA Especie de ópera, de asunto frívolo y carácter alegre, en el que predomina la sátira.
REVISTA Espectáculo teatral de carácter frívolo en el que alternan elementos dialogados y
MUSICAL números musicales.
MUSICAL El musical anglosajón es un género teatral que combina música, canción, diálogo y
ANGLO-SAJÓN baile, y que se representa en grandes escenarios, como los teatros de West End
(Londres) o en Broadway (Nueva York). Tal y como lo conocemos hoy en día, nació en
las primeras décadas del siglo XX con la evolución de las operetas (género cómico
derivado de la ópera) y del teatro de variedades, hacia un espectáculo más
estructurado propuesto por Oscar Hammerstein II (libretista estadounidense) con sus
primeros espectáculos.
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2. ELEMENTOS DEL TEXTO DRAMÁTICO
La palabra dramático deriva de “drama” y este término procede de la palabra griega que
significa 'hacer', por esa razón se asocia normalmente a la idea de acción.
El mundo dramático se construye a partir de un doble eje organizador capaz de lograr su
unidad específica. Este doble eje sobre el cual estructura el mundo dramático está compuesto por
la ACCIÓN y el CONFLICTO que constituyen los dos núcleos temáticos de toda obra dramática.
2.1. ACCIÓN Y ESTRUCTURA
La acción dramática es la forma estructurada que supone la interacción entre los
personajes y asegura el desarrollo y solución del conflicto.
La acción es el conjunto de todos los hechos o sucesos que suceden en escena durante la
representación, los cuales están relacionados con la actuación y con las situaciones que afectan a
los personajes. Dicho de otro modo, la acción es el argumento que se desarrolla ante nuestros ojos
cuando asistimos a una representación escénica.
La acción dramática configura la estructura INTERNA (cerrada, abierta, circular, etc.),
dividida en las siguientes partes:
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Exposición o La acción comienza con la exposición de una situación de equilibrio precario
presentación: y de los elementos que atentan contra ese equilibrio. Se suele presentar al
protagonista o a otros personajes y sus propósitos.
Conflicto o su Se muestra la situación dramática inicial del conflicto,indicando el obstáculo
aparición inicial o presentación del antagonista. Comienza la fase ascendente de la
acción.
Complicación o Corresponde a la serie de esfuerzos que realizan ambas fuerzas para superar
desarrollo a la antagonista.
Crisis o climax El término de la fase anterior, está marcada por el clímax o crisis máxima, el
momento de mayor intensidad en el choque de fuerzas.
Desenlace Fase descendente a partir del clímax hasta el término de la obra, y consiste
dramático, básicamente en la eliminación del obstáculo o la desaparición o anulación
resolución final de la energía del protagonista (anticlímax). La eliminación del obstáculo
(triunfo del protagonista) o la anulación de su energía (triunfo del
antagonista), es un proceso que puede realizarse de un modo abrupto o
gradual.
Gustav Freytag, investigador
alemán, propone en 1863, un
esquema de estructura
dramática que consta de:
Por otra parte, en una obra dramática la acción suele organizarse en su estructura externa
(que depende de la tradición literaria y de las convenciones de cada época) de la siguiente forma:
a) ACTOS (también denominados JORNADAS). La antigua tragedia griega no se dividía en
actos, sino en episodios (de dos a seis) separados entre sí por las intervenciones del coro. A partir
del teatro romano se generalizó la división en cinco actos, hasta que Lope de Vega (1562-1635)
redujo la acción a tres actos, división que llega hasta hoy.
b) Si dentro de un acto se produce un cambio de espacio, entonces se ha producido un cambio
de CUADRO, con lo que dentro de un acto puede haber distintos cuadros según los espacios que
aparezcan.
c) Por otra parte, cada vez que un personaje sale de la escena, o bien cuando se incorpora
uno nuevo, se produce una nueva ESCENA. Un acto constará de tantas escenas como entradas y
salidas de personajes haya.
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2.2. CONFLICTO
Las obras dramáticas tienen como eje central el desarrollo de un conflicto, es decir, un
enfrentamiento entre dos fuerzas opuestas que luchan por alcanzar su objetivo. El conflicto
adquiere el carácter de dramático en el interior de la obra y puede referirse a diversos temas: amor,
guerra, venganza, etc.
Debido a la variabilidad de situaciones y de tipos humanos se puede hablar de diferentes
tipos de conflicto. A continuación, se listan los que se emplean con más frecuencia en el teatro,
teniendo en cuenta de que en una obra pueden aparecer varios conflictos:
Conflicto externo: Conflicto interpersonal: Conflicto interno
■ De carácter social, ■ El conflicto amoroso, dado por
político, imposibilidades, rivalidades familiares, ■ El conflicto entre
ideológico, religioso… triángulos amorosos. la pasión y la razón, el
deber social y los intereses
■ El conflicto metafísico■ El conflicto por rivalidades personales.
o cósmico: el hombre contra personales pasionales, económicas,
un principio o deseo que lo políticas, ideológicas. ■ Entre dos
sobrepasa (Dios, la muerte, la alternativas o decisiones
libertad…) ■ El conflicto por cuestiones posibles totalmente
morales o visiones del mundo irreconciliables.
irreconciliables
La tensión dramática es la reacción que se produce en el espectador ante los
acontecimientos que están ocurriendo en la obra. Los autores buscan el interés del público
mediante la inclusión de momentos culminantes al final de cada acto, lo cual contribuye a que se
mantenga la atención hasta el desenlace. La tensión dramática pone en juego recursos como el
avance rápido de la acción justo después de la presentación, de modo que se pone inmediatamente
en marcha el conflicto; momentos que van retardando el desenlace, con lo que el interés aumenta,
y el denominado anticlímax, cuando el conflicto que presenta la acción llega a un desenlace
inesperado o no previsto.
2.3. LOS PERSONAJES
Un drama bien logrado requiere tanto de una acción atrayente como de buenos personajes.
Los personajes de una obra dramática viven constantemente una situación que los incita a actuar
con urgencia, situación que se origina de las relaciones que cada personaje tiene con los demás. A
este conjunto de relaciones de tensión que mantienen entre sí los personajes y que los impulsa a
actuar se le llama situación dramática.
En consecuencia, los personajes son los agentes de la acción, elementos fundamentales del
mundo dramático.
Para analizar los personajes, los clasificaremos desde distintas perspectivas:
2.3.1. Según su rol escénico
Rol es un término vinculado a la función o papel que cumple alguien o algo. Se conoce
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como rol social al conjunto de comportamientos y normas que una persona, adquiere y aprehende
de acuerdo a su estatus en la sociedad. Se trata, por lo tanto, de una conducta esperada según el
nivel social y cultural. Si un indigente camina descalzo por la calle, dicho comportamiento será
aceptado o tolerado por la sociedad; en cambio, si quien camina descalzo es un abogado o un
médico, dicha situación generará un extrañamiento y una condena social.
El rol escénico tiene una conducta esencialmente dramática, corresponde al desarrollo
textual ideado por el autor y se corresponde a menudo con estereotipos o clichés sociales y
psicológicos (el padre autoritario, el hijo rebelde, el mendigo…). La conducta teatral, en cambio,
aunque se construye sobre la base del rol dramático, presenta una amplia gama de matices que
vienen dados por las relaciones escénicas con los otros personajes y consigo mismo (el conflicto
dramático), así como en las emociones que suscitan en los espectadores (tensión dramática). Así,
un personaje teatral puede desempeñar diversos roles de acuerdo al contexto escénico: una actriz
encarnando a una mujer madura sobre el escenario puede hacer el rol de vendedora en una tienda,
de madre de su hijo, de esposa de su marido y aficionada fanática de Ricky Martin.
Para hacer el análisis de un personaje dramático, se tienen en cuenta tres dimensiones:
Dimensión física: Sexo, edad, descripción física (peso, altura), apariencia, defectos deformidades,
enfermedades…
Dimensión psicológica: historia familiar, valores morales, actitud frente a la vida, virtudes y defectos,
temperamento, objetivos…
Dimensión social: clase social, ocupación, educación, religión, raza, nacionalidad, y lugar de residencia,
filiación política…
2.3.2. Según su tipo de conflicto
Los críticos teatrales establecen varios tipos básicos de conflicto dramático en un personaje:
conflicto interior, social, cósmico… (Ver tabla del apartado 2.2.)
Esto se ve de una forma más clara si nos paramos a pensar el personaje en términos de
Querer en lugar de Ser, así nos preguntamos ¿Qué quiere mi personaje (o qué no quiere)? En lugar
de ¿Qué es o quién es? Esta pregunta se plasmará en la interpretación.
2.3.3. Según función
a) Protagonista: es el centro de la acción, es el personaje principal. Encarna o representa a
una de las fuerzas en conflicto dentro de la obra dramática. Alrededor de él se teje la historia. Es el
que con mayor frecuencia aparece en la trama y sobre el cual recae el peso de la acción. Su tarea
principal consiste en buscar la solución del conflicto para conseguir el objetivo o propósito que
persigue con sus acciones. En síntesis, es el personaje más relevante de la obra dramática. Es el
“bueno” de la historia dramatizada.
b) Antagonista: es considerado también un personaje principal dentro de la obra dramática.
Encarna o representa a la otra fuerza en pugna, que se opone a la fuerza dramática del
protagonista; vale decir, es el personaje opositor, ya que su propósito u objetivo fundamenta l es
impedir que el protagonista llegue a concretar sus anhelos. Es considerado, por ende, el “malo” de
la historia dramatizada.
c) Secundario: es aquel que no representa una de las fuerzas en conflicto, sino que se suma
con su fuerza a la del protagonista o a la del antagonista, es decir, su accionar está dirigido a
respaldar a una de las fuerzas en conflicto. Debido a lo anterior, su participación es importante para
el desenlace de la obra, esto es, la desaparición o la derrota de una de las fuerzas en lucha (ayudante
/ oponente).
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d) Colectivo: es aquél que no se singulariza, sino que se le considera representante o portador
de las características de un determinado grupo. Pese a ser una sola persona, representa a muchas
otras.
e) Alegórico: es un personaje que encarna un solo defecto o virtud. Por el procedimiento de
la alegoría, se logra trasponer ideas o entes abstractos en personajes dramáticos que poseen
entidad propia, que hablan y actúan por sí mismos. Por lo tanto, estamos hablando de un personaje
simbólico al que se le otorgan las características de las abstracciones que representa.
Contraste escénico entre actores
La relación entre ellos se desarrolla en
torno a oposiciones:
a) Destinador – destinatario o emisor –
receptor y viceversa.
b) Sujeto – objeto: el personaje sujeto
realiza la acción, toma la iniciativa. El
objeto es pasivo.
c) Ayudante – oponente: respecto al
personaje principal, aquellos que
colaboran o dificultan la persecución del
objetivo de este.
2.3.4. Según su evolución
a) Estáticos: invariables en sus rasgos, no evolucionan. Se comportan de una misma manera
desde el comienzo al término de la obra.
b) Dinámicos o evolutivos: varían, experimentan cambios conjuntamente con el desarrollo de
la acción. Modifican su modo de ser.
2.4. ESPACIO
¿Dónde se realiza la acción? Por un lado, en un espacio escénico y por otro en un espacio
dramático. El primero es el espacio teatral, el escenario donde evolucionan los actores y en el que
convencionalmente tiene lugar la representación. El segundo, es un espacio de ficción, donde el
texto sitúa la acción de la obra dramática y que el espectador reconstruye con su imaginación.
Puede ser real o ficticio, realista o fantástico, exterior o interior, urbano, natural o rural,
simbólico, etc. Y luego se materializará en el espacio escénico. A la hora de escribir una obra teatral
hay que concretar qué tipo de espacio vamos a elegir.
2.5. TIEMPO
No es fácil el tratamiento del tiempo en una obra dramática, ya que ésta se desarrolla ante los ojos
del espectador y las posibilidades que ofrece una novela, por ejemplo, son prácticamente infinitas
en comparación con una obra teatral.
Hemos de tener en cuenta que, por un lado, está el tiempo de la representación, es decir, lo que
dura la obra teatral (dos o tres horas, habitualmente). En ese tiempo se debe desarrollar una acción
determinada, que puede durar lo mismo que la representación, o no coincidir. Se trata del tiempo
dramático, constituido por los distintos momentos en que suceden las situaciones y las relaciones
que se establecen entre ellos y con la realidad (sucesión temporal, simultaneidades, saltos
temporales, evocaciones retrospectivas, anticipaciones, elipsis…). Debido a las diferencias entre
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tiempo de la representación o escénico y tiempo dramático, los personajes deberán hacer
referencia al tiempo que transcurre, denominado tiempo aludido. Así, hemos de diferenciar entre
tiempo de la representación, tiempo de la acción y tiempo aludido.
Finalmente, tenemos la época que hace referencia al período histórico, al momento en que sucede
la acción representada (Edad Media, siglo XXI, etc.).
Aristóteles, en el siglo IV a. C., estableció en su Poética unas sencillas técnicas que ayudaban a evitar
los saltos espaciotemporales: se trata de la regla de las tres unidades, según la cual la acción de una
obra dramática solo se podrá desarrollar en un día (unidad de tiempo), en un único espacio (unidad
de lugar) y con un solo hilo argumental, sin acciones secundarias (unidad de acción). Lope de Vega
rompe con estas reglas tan estrictas y el teatro del Romanticismo (XIX), siguiendo las directrices de
Lope en su Arte nuevo de hacer comedias, consagrará la ruptura definitiva con la Poética de
Aristóteles.
2.6. LENGUAJE: DISCURSO DRAMÁTICO
2.6.1 Texto principal:
Una obra dramática es un texto escrito –o de transmisión oral- que recoge un material lingüístico
principal y secundario (parlamentos de personajes y acotaciones) destinado a una representación
y, por tanto, ajustado a las convenciones propias del teatro, lo que le otorga un carácter diferente
al de los otros textos literarios, independientemente del proceso de comunicación en que entrará
este texto.
En el lenguaje dramático predomina una estructura dialógica presentada a través de las diversas
formas del discurso de los personajes:
a) Diálogo: intercambio de mensajes entre dos o más
personajes, alternando los papeles de emisor y
receptor. Se presenta a través de los parlamentos de
los personajes o voces dramáticas. Es una recreación
literaria, una imitación de los diálogos en situación
directa de comunicación. El que esa “imitación” sea
más o menos fiel o realista depende del tipo de obra
y de la tradición teatral en la que esta se inserte.
Tipográficamente, cada intervención de un personaje
aparece marcada. Lo más importante es que el
diálogo permite la presencia de diferentes “voces” en
la obra: no hay un punto de vista único, como en
muchas narraciones, ya que son los propios
personajes quienes hacen avanzar la acción. Ésta es
la principal función del diálogo, crear la acción
dramática, ser el vehículo que hace explícitos los
conflictos que dan sentido a la obra.
Además, el diálogo es un instrumento de
caracterización de los personajes: muestran su
estado de ánimo, sus sentimientos, sus deseos… Hay
que tener en cuenta lo que los clásicos llamaban el DECORO (coherencia entre la manera de hablar
de un personaje y su caracterización personal y social).
Por último, el diálogo también puede funcionar para trasmitir indirectamente al lector y
espectador contenidos básicos para la comprensión de la acción dramática. La ausencia de un
narrador hace que la mayor parte de las informaciones sobre sucesos que acontecen fuera de
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escena, sobre las características del espacio o sobre el transcurso del tiempo (elementos aludidos),
se hayan de poner en boca de los personajes que dialogan.
b) Monólogo Es la forma de discurso que permite que un personaje solo en escena pueda
expresar sus ideas sin dirigirse a nadie, sino como revelación de su pensamiento más íntimo.
Hoy en día el término monólogo se ha puesto de moda gracias a las intervenciones que ciertos
humoristas realizan sobre un escenario ante el público.
c) Soliloquio: Es también una forma de discurso para un personaje que está solo en escena, pero la
ligera diferencia que tiene con respecto al monólogo es que el personaje dirige sus palabras a
alguien. Muchos autores no advierten diferencias entre monólogo y soliloquio, ocupándolos como
sinónimos.
d) Aparte: forma discursiva en donde un personaje habla en voz alta, suponiendo que los otros
personajes presentes en la escena no lo escuchan, estableciendo, además, una cierta complicidad
con otro personaje o con el público. Muchas veces, en estos apartes se manifiestan sentimientos o
pensamientos personales.
e) Mutis: se conceptualiza como el silencio de un personaje que señala su retiro de la escena.
f) Voz en off: Cuando se habla fuera de escena.
g) Coro: se daba en el teatro grecolatino, en ciertos momentos de la representación; era la voz de
la conciencia del personaje, el narrador o una comunidad de personas. Este personaje colectivo
solía poner el punto final a cada uno de los episodios en los que estaban divididas las obras
dramáticas.
2.6.2. Texto secundario:
No se ve ni oye durante la representación. Llega al espectador solo si aparece en el programa de
mano que se entrega junto con la entrada, o si se lee una versión impresa de toda la obra:
● Título de la obra.
● Drammatis personnae. Relación inicial de todos los personajes que intervienen. Aportan
al lector información sobre edad, parentesco, nombre, relaciones entre ellos. Suelen aparecer por
orden de importancia. En realidad, se trata de una acotación.
● Acotaciones (didascalias, del gr. “enseñanzas”). Son orientaciones que intentan
clarificar la comprensión de la obra, por lo cual, aunque aparezcan ante nuestros ojos cuando
leemos una obra dramática (normalmente entre paréntesis o con letra cursiva), no pueden ser
pronunciadas durante una representación, sino que el autor las incluye, bien para el lector, bien
para el director de la puesta en escena. Las acotaciones pueden ser de varios tipos:
1. Hacen referencia a la acción. Indican el lugar, la iluminación, el decorado, los sonidos o
ruidos, pero también, la presencia de materiales expresivos diferentes del contenido y la forma de
los parlamentos y elementos técnicos como sonidos, música, iluminación, objetos, cambios, etc. O
cuestiones relacionadas con el espectáculo, por ejemplo, proyección audiovisual, audición de
música antes de levantarse el telón, etc.
2. Las referidas a los personajes. Informan sobre el vestuario, gestos, tono de voz, por
dónde entran y salen los personajes, qué hacen, etc. Se trata de aclaraciones que el autor de la obra
dramática realiza sobre cómo debe ser el decorado, cómo se tienen que mover los personajes, qué
gestos deben hacer…
3. La Información sobre la ficción. Acotaciones, con frecuencia, dirigidas más a un lector
que no propias de un texto para ser representado: desde la localización espacial y temporal
(macroespacio, siglo, año…) hasta acotaciones sobre la interioridad de los personajes. Ofrecen
instrucciones sobre los aspectos no verbales de la puesta en escena.
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