Curso General de Piano

Gallardo Huayoli Hugo José

January 13, 2025

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Contents

1 Introducción 7
1.1 Historia del piano . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 7
1.2 ¿Por qué aprender piano? . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 7
1.3 Cómo usar este libro . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 7

2 Fundamentos de la música 9
2.1 Elementos de la música . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 10
2.1.1 Tono . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 10
2.1.2 Duración . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 11
2.1.3 Dinámica . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 12
2.1.4 Timbre . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 13
2.1.5 Melodı́a . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 14
2.1.6 Armonı́a . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 15
2.1.7 Ritmo . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 15
2.1.8 Textura . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 15
2.1.9 Articulación . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 15
2.1.10 Forma . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 16
2.2 Otros conceptos relevantes . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 16
2.2.1 Temperamento . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 16
2.3 Referencias y divisiones del teclado . . . . . . . . . . . . . . . 17
2.3.1 Teclado y sus secciones . . . . . . . . . . . . . . . . . . 17
2.3.2 Notas musicales . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 17
2.3.3 Octavas . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 17
2.4 Indicación de tiempo . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 17
2.4.1 Compases y ritmos . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 17
2.4.2 Marcas de repetición y saltos . . . . . . . . . . . . . . 18
2.4.3 Acompañamiento staccato . . . . . . . . . . . . . . . . 18
2.5 Armadura de Clave . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 18
2.5.1 Tonalidades . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 18
2.5.2 Sostenidos y bemoles . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 18
2.6 Forma en la Música . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 19

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4 CONTENTS

2.6.1 Estructuras musicales . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 19

2.7 Ligaduras y signos de expresión . . . . . . . . . . . . . . . . . 19
2.7.1 Ligaduras de fraseo . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 19
2.7.2 Ligaduras de expresión . . . . . . . . . . . . . . . . . . 19
2.7.3 Sı́mbolos de acento . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 19
2.8 Anacrusa . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 20
2.8.1 Notas previas al compás principal . . . . . . . . . . . . 20
2.9 Cambio de posición de manos . . . . . . . . . . . . . . . . . . 20
2.9.1 Cambiando de registro . . . . . . . . . . . . . . . . . . 20
2.9.2 Manos cruzadas . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 20
2.10 Sı́mbolos y valores musicales . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 20
2.10.1 Duración de las notas . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 20
2.10.2 Marcación de repeticiones . . . . . . . . . . . . . . . . 20

3 Primeros Pasos: Ejercicios Básicos 23

3.1 Escalas mayores y menores . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 23
3.1.1 Ejercicios de calentamiento . . . . . . . . . . . . . . . . 23
3.1.2 Escalas en diferentes tonalidades . . . . . . . . . . . . 23
3.2 Acordes básicos . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 23
3.2.1 Triadas mayores y menores . . . . . . . . . . . . . . . . 23
3.2.2 Progresiones de acordes básicas . . . . . . . . . . . . . 23
3.3 Arpegios . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 23
3.3.1 Arpegios simples con ambas manos . . . . . . . . . . . 23

4 Técnicas Intermedias 25
4.1 Acordes de séptima y extendidos . . . . . . . . . . . . . . . . 25
4.1.1 Acordes dominantes, mayores y menores con séptima . 25
4.1.2 Acordes suspendidos y con alteraciones . . . . . . . . . 25
4.2 Lectura a primera vista . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 25
4.2.1 Desarrollo de la fluidez . . . . . . . . . . . . . . . . . . 25
4.2.2 Cómo anticipar cambios de acordes . . . . . . . . . . . 25
4.3 Dinámica y expresión . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 25
4.3.1 Uso del pedal . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 25
4.3.2 Crescendo, diminuendo y otros matices . . . . . . . . . 25
4.3.3 Fraseo musical . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 25

5 Repertorio Intermedio 27
5.1 Piezas clásicas para principiantes . . . . . . . . . . . . . . . . 27
5.1.1 Minuets de Bach . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 27
5.1.2 Sonatinas de Clementi . . . . . . . . . . . . . . . . . . 27
5.2 Ejercicios y estudios . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 27
CONTENTS 5

5.2.1 Ejercicios de Hanon . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 27

5.2.2 Estudios de Czerny . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 27
5.3 Acompañamiento básico . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 27
5.3.1 Progresiones para canciones populares . . . . . . . . . 27
5.3.2 Acompañamiento de melodı́as sencillas . . . . . . . . . 27

6 Técnicas Avanzadas 29
6.1 Acordes avanzados y modulación . . . . . . . . . . . . . . . . 29
6.1.1 Acordes alterados y de novena . . . . . . . . . . . . . . 29
6.1.2 Modulación entre tonalidades . . . . . . . . . . . . . . 29
6.2 Improvización en piano . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 29
6.2.1 Escalas pentatónicas y de blues . . . . . . . . . . . . . 29
6.2.2 Patrones rı́tmicos en improvisación . . . . . . . . . . . 29
6.3 Técnicas de interpretación avanzada . . . . . . . . . . . . . . . 29
6.3.1 Polirritmos y contrapunto . . . . . . . . . . . . . . . . 29
6.3.2 Uso expresivo del rubato . . . . . . . . . . . . . . . . . 29

7 Repertorio Avanzado 31
7.1 Piezas clásicas avanzadas . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 31
7.1.1 Sonatas de Beethoven . . . . . . . . . . . . . . . . . . 31
7.1.2 Preludios y fugas de Bach . . . . . . . . . . . . . . . . 31
7.2 Estudios avanzados . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 31
7.2.1 Estudios de Chopin . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 31
7.2.2 Estudios de Liszt . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 31
7.3 Acompañamiento avanzado . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 31
7.3.1 Acompañamiento para jazz . . . . . . . . . . . . . . . . 31
7.3.2 Acompañamiento en música contemporánea . . . . . . 31

8 Conclusión 33
8.1 Consejos finales para pianistas . . . . . . . . . . . . . . . . . . 33
8.2 Recursos adicionales para el aprendizaje . . . . . . . . . . . . 33
8.2.1 Libros y métodos recomendados . . . . . . . . . . . . . 33
8.2.2 Aplicaciones y recursos online . . . . . . . . . . . . . . 33
6 CONTENTS
Chapter 1

Introducción

1.1 Historia del piano

1.2 ¿Por qué aprender piano?
1.3 Cómo usar este libro

7
8 CHAPTER 1. INTRODUCCIÓN
Chapter 2

Fundamentos de la música

¿Qué es la música? Esta pregunta ha recorrido las mentes de generaciones

de humanos sin encontrar una respuesta completamente satisfactoria; sin
embargo, este no es un curso de filosofı́a de la música, ası́ que daremos una
definición más simple y útil para los fines del curso. Tradicionalmente se ha
definido a la música como el arte de combinar los sonidos (2), esta definición
resulta insatisfactoria, pues ¿cuál serı́a la diferencia entre la música y el
lenguaje hablado, por ejemplo?
Siguiendo esta lı́nea, he decidido seguir las corrientes de conservatorio
más actuales de música, las cuales la definen como un lenguaje, un lenguaje
compuesto de sonidos y silencios que poseen la particularidad de tener un
significado emocional pero que no tiene significante, ¿qué quiero decir con
esto?, que la música no te remite a cosas de la realidad, sino a sensaciones
y emociones que no se pueden adjudicar a entes, o sea que no poseen signif-
icante. En sı́ntesis, se puede definir en pocas palabras a la música como el
lenguaje metafórico del sonido.
Sin embargo, se debe tener en cuenta la amplitud de la palabra música.
En este caso acabo de definir a la música, en su totalidad, y no estoy teniendo
en cuenta las distinciones que se realizan a cada obra o los lı́mites de si algo
es considerado música o no.
Yendo a la etimologı́a, la cual siempre es interesante tener en cuenta, la
palabra música procede de la expresión latina ars musica, que es una copia del
griego mousiké téchne, que quiere decir arte música o, lo que es lo mismo, arte
de las musas (1). Se puede observar que los griegos utilizaban este término
para relacionarlo con todas las artes, pero que con el paso del tiempo pasó a
designar especı́ficamente la música y la poesı́a lı́rica.
Ahora surge una interesante pregunta: ¿Por qué nos gusta la música?
Los cientı́ficos y músicos han dado diversas razones. La razones principales
de porque hemos desarrollado la música se deben encontrar sin lugar a dudas

9
10 CHAPTER 2. FUNDAMENTOS DE LA MÚSICA

en la evolución. Algunos han propuesto que facilita el cortejo, como en otros

animales como pajaros o peces, si bien es cierto parece un factor influyente,
no parece suficientemente satisfactorio, además teniendo en cuenta que la
mayoria de la musica inicial para en gran parte influenciada por un tinte
religioso. Otros han sugerido que ayuda a la cohesión social, pues las notas
que se realizan en la música se asemejan a los sonidos del lenguaje humano,
por lo que al identificar en un acorde menor cierta tristeza es porque nos
parece similar a la voz triste de un ser humano, probablemente también haya
influido pero me parece que el deseo del humano de crear música tiene que ver
con algo más profundo en su ser interior. Desde que el humano se desarrolla
completamente como un ser completamente cognitivo por allá, hace más de 60
mil años, lo que nos ha caracterizado es la búsqueda de patrones y la creaciónd
de simbolos para interpretar y sobrevivir en el mundo, además de poder
desarrolar la capacidad de transformarlo. Sin embargo, para esto la evolución
tuvo que favorecer a los individuos que constantemente buscan patrones en
su mundo, en ese sentido, la música serı́a una consecuencia casual, realmente
no premeditada, de esta constante simbolisacion de la realidad, aqui ya se
podrian añadir las anteriores consecuencias, pero me parece que el punto vital
viene de aqui, del deseo de encontrar elementos de gran orden en el mundo
y de a partir de aqui resolver el problema e identificar lo que la realidad nos
esta contando sobre nuestro entorno.
Tras esta breve introducción a los conceptos centrales de la música como
arte, es momento de entrar a ver cuales son los pilares centrales de este
lenguaje, es decir cuales son los componentes que la conforman.

2.1 Elementos de la música

Existen muchas discrepancias sobre cuales son los elementos de la música,
debido a que existen distintas formas de definirlos. Algunos señalan que es-
tos refieren a las cualidades del sonido; sin embargo, en este curso iremos
por otra linea, donde definiremos a los elementos del sonido como compo-
nentes cualitativos de la composición musical, es decir, que cuando un autor
desea generar una obra musical debe tener en cuenta principalmente estos
conceptos, pues son los más relevantes.

2.1.1 Tono
El tono refiere a la frecuencia a la que un sonido es emitido. Por ejemplo, la
nota La que se encuentra en el centro de un piano es un sonido emitido a la
frecuencia de 440 Hz, es decir, a una frecuencia de 440 ciclos por segundo.
2.1. ELEMENTOS DE LA MÚSICA 11

¿Que quiere decir exactamente que un sonido posee una frecuencia? Esto
significa que la fuente del sonido esta haciendo vibrar a las particulas del aire
a esa frecuencia ¿De qué manera esta el aire vibrando? Cuando la fuente de
sonido hace vibrar las primeras particulas, estas empujan a las siguientes,
haciendo que el sonido se expanda por el medio. Al final, la frecuencia serı́a
el número de veces que las particulas de aire van y vuelven, o también el
número de ondas por segundo que se crean en el aire.

Figure 2.1: Ondas de sonido propagandose a cierta frecuencia

Para referirnos al tono en la música utilizamos un sistema de doce notas

que se van repitiendo. ¿Por qué hacemos esto? Basicamente se debe a que dos
sonidos donde uno posee un tono con el doble de frecuencia que el otro nos
suenan similar, esto se debe a los armonicos, que son algo que explicaremos
más adelante cuando mencionemos el timbre. De aquı́ que como muestra el
cuadro, a medida que va creciendo la frecuencia las notas volverán a repetirse
en un ciclo que solo termina hasta donde es capaz de escuchar el oı́do humano.
Se dice que una nota es alta o aguda cuando posee una mayor frecuencia
que otra que es baja o grave. Ası́ mismo, para escribir el tono de una canción
utilzamos la posición vertical de las notas en el pentagrama, donde la clave
será la nota de referencia sobre la cual se ubicarán el resto de notas.

2.1.2 Duración
Refiere al tiempo que se mantienen las vibraciones producidas por un sonido.
En la partitura es representada a través de la forma de una nota, ya sea
redonda, blanca, negra, etc.
12 CHAPTER 2. FUNDAMENTOS DE LA MÚSICA

Figure 2.2: Frecuencia en Hz de las distintas notas musicales

Figure 2.3: Notas La y Do en en un pentagrama en la clave de Sol

2.1.3 Dinámica

Refiere a las graduaciones en la intensidad del sonido. Fı́sicamente depende

de la amplitud de las ondas de aire, y su representación es en decibelios.
En la música existen dos formas de manejar la dinámica de una canción. En
primer lugar, se encuentra la dinámica de grados, la cual a través de palabras
italianas señala la intensidad del sonido. En segundo lugar, está la dinámica
de transición, donde la intensidad de la música irá bajando o subiendo.
2.1. ELEMENTOS DE LA MÚSICA 13

Figure 2.4: Tabla de figuras y silencios musicales que reflejan la duración de

los sonidos y silencios

Figure 2.5: Dinámica de grados

2.1.4 Timbre
Refiere a los armónicos, y a la intensidad de estos, que posee un sonido. Aqui
surge la pregunte de ¿Qué es un armónico? Anteriormente habı́amos señalado
que cuando tocas una cuerda lanzas un sonido a cierta frecuencia, bueno, esto
es parcialmente incorrecto, pues en realidad tocas varias frecuencias debido
a que una cuerda se mueve no de una sola manera, sino de varias. A cada
14 CHAPTER 2. FUNDAMENTOS DE LA MÚSICA

Figure 2.6: Dinámica de transición

una de estas frecuencias que posee una cuerda o el aire que vibra dentro de
un tubo, se le conoce como armónicos, siendo la frecuencia principal de un
sonido su armónico fundamental.
De esta manera, la diferencia entre el Do de un piano y el Do de un
violı́n está en los armónicos que despierta cada instrumento, y la intensidad
de estos, lo que significa que es el timbre el que distingue a los instrumentos
entre sı́.

Figure 2.7: Armónicos

2.1.5 Melodı́a
Es un conjunto sucesivo de sonidos en el tiempo que son percibidos como
una sola entidad. Extendiendonos más, se puede decir que es una forma de
ver la música en sentido horizontal, algo que era común, por ejemplo, en
la polifonı́a medieval, donde se escribı́a la música como distintas melodı́as,
cada una tocando distintas notas al resto. En cambio, serı́a después del
2.1. ELEMENTOS DE LA MÚSICA 15

renacimiento que se inicio un enfoque de la música donde se está se veı́a

como la unión de tres partes: melodı́a, armonı́a y ritmo.

2.1.6 Armonı́a
Es el conjunto de sonidos que se dan simultaneamente en una pieza musical.
En este sentido, se podrı́a decir que se opone a la melodı́a en que es una
perspectiva vertical de la música, donde nos enfocamos en las consonancias
y disonancias que tienen las notas cuando estas suenan a la vez.

2.1.7 Ritmo
Es el movimiento regular de elementos débiles y fuertes en el tiempo. Es el
esqueleto de una pieza musical, pues nos señala como colocaremos las notas
en el tiempo, y cuando estás seran fuertes o débiles.

2.1.8 Textura
Refiere a las varias capas de melodı́a que posee una canción, y cómo estas
interactuan entre sı́. Existen varios tipos, aquı́ señalamos algunos.

• Monofonı́a Solo existe una melodı́a en la canción, sin acompañamiento

de armonı́a u otras melodı́as. Ası́, por ejemplo, si todos los instrumen-
tos tocan las mismas notas, se considera una monofonı́a.

• Homofonı́a Existe una melodı́a principal, donde siguiendo el mismo

ritmo, el resto de instrumentos van formando acordes para la melodı́a
central.

• Polifonı́a Suenan distintas melodı́as, que pueden ser independientes o

imitativas.

• Heterofonı́a Aunque existe una sola melodı́a, cada músico la interpreta

de distinta manera. Muy común en la música performativa, como el
jazz.

2.1.9 Articulación
Refiere a la forma en que se realiza la transición entre notas o en la misma
nota. También se puede entender como la forma en que una nota es tocada.
Las distintas articulaciones posibles dependerán del instrumento, por lo que
veremos más adelante la notación de las posibles articulaciones para el piano.
16 CHAPTER 2. FUNDAMENTOS DE LA MÚSICA

2.1.10 Forma
Refiere a la estructura que posee una canción, basada en ciertos prototipos
que se han creado para potenciar la creación musical. Ejemplos de formas
musicales son la rapsodia, la sonata o el minueto.

2.2 Otros conceptos relevantes

2.2.1 Temperamento
El temperamente refiere al tipo de afinación que se realiza de un instrumento.
Transfiriendo las imperfecciones entre los sonidos para remediar el problema
de la coma pitagórica, pues tras realizar completar el circulo de quintas no
regresamos a la nota inicial, sino que nos atrasamos por un doceavo de nota.
A continuación se señalan los temperamentos más importantes en la historia:

• Afinación pitagórica: Luego de completar el circulo de quintas, se deja

la última nota en su forma imperfecta, siendo la relación entre esta
nota y la inicial la quinta del lobo. Fue utilizada durante toda la edad
Media, donde el uso de la tercero fue muy menor, y siempre se preferı́a
la quinta.

• Temperamento mesotónico: Surgido durante el renacimiento, donde se

buscaba ampliar el uso de la tercera. Comúnmente se dividı́a la coma
pitagórica en cuatro, y esta imperfección de cuarta de coma se repartı́a
entre todas las notas. Sus problemas radicaban en que aún existı́a la
quinta del lobo, además de que no se podı́a realizar un desplazamiento
ha tonalidades remotas y dejaba todas las quintas con ciertos batimien-
tos.

• Temperamentos barrocos Surgidos durante el barroco, destacan porque

fracccionan la coma pitagórica y la reparten entre un instrumento, de-
jando algunas quintas perfectas y otras imperfectas, pero no dejando
toda la escala con batimientos. Un ejemplo es la afinación Werckmister,
utilizada en el barroco alemán.

• Temperamento igual Se volvió de uso común en el clasicismo, donde

la busqueda de una mayor complejidad musical era impedida por los
temperamentos, pues te veı́as restringido a ciertas tonalidades y escalas.
De esta manera, la mayor parte de la música occidental se podrı́a decir
que está desafinanda, pero que a cambio nos permite mayor complejidad
musical y una facilidad en la creación de instrumentos y bandas.
2.3. REFERENCIAS Y DIVISIONES DEL TECLADO 17

2.3 Referencias y divisiones del teclado

2.3.1 Teclado y sus secciones
El teclado del piano está compuesto por 88 teclas, divididas en teclas blan-
cas y negras. Las teclas negras están organizadas en grupos de dos y tres,
formando patrones que se repiten a lo largo del teclado. Este patrón permite
identificar fácilmente las diferentes notas musicales. A cada grupo de teclas,
desde una nota hasta su repetición en una altura más aguda o más grave, se
le llama ”octava”. El teclado está dividido en varias octavas.

2.3.2 Notas musicales

Las notas musicales son las siguientes: Do, Re, Mi, Fa, Sol, La, Si. Estas no-
tas se repiten a lo largo del teclado en diferentes registros. Las teclas blancas
corresponden a notas naturales, mientras que las teclas negras representan
sostenidos (♯) o bemoles (♭). Las notas en las teclas negras son alteraciones
de las notas naturales.
Este ejemplo muestra una octava completa desde Do hasta Do.

2.3.3 Octavas
Cada conjunto de 12 teclas (7 blancas y 5 negras) forma una octava, que
se repite en diferentes registros del piano. Las notas en diferentes octavas
suenan igual, pero con distintas alturas (agudas o graves). Por ejemplo, el
”Do” de una octava suena una octava más alto que el ”Do” inmediatamente
anterior.A continuación, se muestra cómo una octava se representa en la
partitura.
Aquı́ tenemos dos octavas ascendentes desde Do.

2.4 Indicación de tiempo

2.4.1 Compases y ritmos
La música se organiza en compases, que son divisiones regulares del tiempo.
Cada compás contiene un número fijo de tiempos, que puede variar depen-
diendo del tipo de compás. Los tipos más comunes son 4/4, 3/4, y 2/4. El
ritmo es la distribución de las notas en el tiempo dentro de estos compases.
Este ejemplo muestra un compás en 4/4 con cuatro notas de negra.
18 CHAPTER 2. FUNDAMENTOS DE LA MÚSICA

2.4.2 Marcas de repetición y saltos

En las partituras, existen sı́mbolos que indican cuándo se debe repetir una
sección de la música o realizar un salto a otra parte de la obra. Ejemplos de
estos sı́mbolos incluyen el ”D.C. al Fine” (Da Capo al Fine), que indica que
se debe volver al inicio de la pieza y tocar hasta la indicación ”Fine”, y el
”D.S. al Coda”, que dirige al intérprete a una sección llamada Coda.
Este ejemplo muestra una repetición de una secuencia de notas.

2.4.3 Acompañamiento staccato

El staccato es una técnica que se indica mediante puntos sobre o debajo de las
notas en la partitura. Las notas deben tocarse de manera corta y separada,
con un ataque claro y sin prolongar su duración más de lo indicado.
En este ejemplo, cada nota debe tocarse de manera corta y separada.

2.5 Armadura de Clave

2.5.1 Tonalidades
La armadura de clave es el conjunto de sostenidos o bemoles que aparecen
al principio de cada pentagrama, justo después de la clave (de Sol o de Fa).
Indica en qué tonalidad está escrita la pieza, es decir, cuál es la nota ”base” o
tónica de la obra. Esto también define las notas que serán alteradas durante
la interpretación.
Este ejemplo muestra la escala de Sol Mayor con un sostenido en Fa.

2.5.2 Sostenidos y bemoles

Un sostenido (♯) aumenta una nota en un semitono, mientras que un bemol
(♭) la disminuye en un semitono. Estas alteraciones son necesarias para
modificar la escala en la que está escrita la obra. Por ejemplo, una pieza en
Sol Mayor tiene un sostenido en la nota Fa, lo que indica que cada Fa debe
tocarse como Fa♯.
Este ejemplo incluye Fa sostenido, La bemol, y Si bemol.
2.6. FORMA EN LA MÚSICA 19

2.6 Forma en la Música

2.6.1 Estructuras musicales
La forma de una pieza musical se refiere a su estructura o cómo está organi-
zada. Las formas más comunes incluyen la forma binaria (dos secciones: A-B)
y la forma ternaria (tres secciones: A-B-A). En la música clásica, también
son comunes formas más complejas como el rondó o el tema con variaciones.
Estas estructuras determinan cómo se repiten o contrastan las diferentes sec-
ciones de una pieza.
Este ejemplo ilustra una forma binaria simple.

2.7 Ligaduras y signos de expresión

2.7.1 Ligaduras de fraseo
Las ligaduras de fraseo son lı́neas curvas que conectan varias notas en una
melodı́a. Indican que esas notas deben tocarse de manera conectada, sin
separación, como si fueran parte de una misma frase musical. Estas ligaduras
no afectan la duración de las notas, sino la forma en que se interpretan.
Este ejemplo muestra una ligadura de fraseo, donde las cuatro notas se
tocan conectadas.

2.7.2 Ligaduras de expresión

Similares a las ligaduras de fraseo, estas indican que una serie de notas debe
tocarse de manera fluida y conectada. Se suelen utilizar para indicar un
carácter expresivo en una frase musical.

2.7.3 Sı́mbolos de acento

Los acentos son marcas que se colocan sobre o debajo de las notas para indicar
que deben tocarse con mayor énfasis o volumen. El sı́mbolo más común es
el ”¿” sobre la nota, y su función es destacar una nota en particular dentro
de la melodı́a.
Aquı́, cada nota tiene un acento, lo que indica que deben tocarse con
mayor intensidad.
20 CHAPTER 2. FUNDAMENTOS DE LA MÚSICA

2.8 Anacrusa
2.8.1 Notas previas al compás principal
La anacrusa es un grupo de una o más notas que preceden al primer compás
completo de una pieza. Estas notas se interpretan como un ”levantamiento”
o introducción a la música principal. A menudo, la anacrusa se utiliza para
iniciar frases melódicas con mayor fluidez.
Este ejemplo muestra cómo la anacrusa se coloca antes del primer compás
completo.

2.9 Cambio de posición de manos

2.9.1 Cambiando de registro
En muchas piezas para piano, las manos deben cambiar de posición a lo
largo del teclado para tocar notas en diferentes registros. Esto requiere co-
ordinación para que las manos se desplacen sin interrupción en la música.
Este ejemplo ilustra cómo las manos cambian de registro (octava) en una
pieza.

2.9.2 Manos cruzadas

En algunos casos, una mano cruza por encima de la otra para alcanzar notas
más graves o más agudas. Esta técnica, aunque avanzada, es común en piezas
de mayor dificultad y requiere precisión en el movimiento de las manos.

2.10 Sı́mbolos y valores musicales

2.10.1 Duración de las notas
Cada figura musical tiene una duración especı́fica. Las notas pueden ser re-
dondas (4 tiempos), blancas (2 tiempos), negras (1 tiempo), corcheas (medio
tiempo), y semicorcheas (un cuarto de tiempo). Estas figuras determinan
cuánto tiempo debe durar cada nota dentro del compás.

2.10.2 Marcación de repeticiones

Las barras de repetición (——: :——) indican que una sección de la música
debe repetirse. Además de las barras de repetición, también se pueden usar
2.10. SÍMBOLOS Y VALORES MUSICALES 21

instrucciones como ”D.C. al Fine” y ”D.S. al Coda” para guiar al intérprete

en la estructura de la obra.
Este ejemplo muestra cómo se indica una repetición en la partitura.
22 CHAPTER 2. FUNDAMENTOS DE LA MÚSICA
Chapter 3

Primeros Pasos: Ejercicios

Básicos

3.1 Escalas mayores y menores

3.1.1 Ejercicios de calentamiento
3.1.2 Escalas en diferentes tonalidades

3.2 Acordes básicos

3.2.1 Triadas mayores y menores
3.2.2 Progresiones de acordes básicas

3.3 Arpegios
3.3.1 Arpegios simples con ambas manos

23
24 CHAPTER 3. PRIMEROS PASOS: EJERCICIOS BÁSICOS
Chapter 4

Técnicas Intermedias

4.1 Acordes de séptima y extendidos

4.1.1 Acordes dominantes, mayores y menores con séptima
4.1.2 Acordes suspendidos y con alteraciones

4.2 Lectura a primera vista

4.2.1 Desarrollo de la fluidez
4.2.2 Cómo anticipar cambios de acordes

4.3 Dinámica y expresión

4.3.1 Uso del pedal
4.3.2 Crescendo, diminuendo y otros matices
4.3.3 Fraseo musical

25
26 CHAPTER 4. TÉCNICAS INTERMEDIAS
Chapter 5

Repertorio Intermedio

5.1 Piezas clásicas para principiantes

5.1.1 Minuets de Bach
5.1.2 Sonatinas de Clementi

5.2 Ejercicios y estudios

5.2.1 Ejercicios de Hanon
5.2.2 Estudios de Czerny

5.3 Acompañamiento básico

5.3.1 Progresiones para canciones populares
5.3.2 Acompañamiento de melodı́as sencillas

27
28 CHAPTER 5. REPERTORIO INTERMEDIO
Chapter 6

Técnicas Avanzadas

6.1 Acordes avanzados y modulación

6.1.1 Acordes alterados y de novena
6.1.2 Modulación entre tonalidades

6.2 Improvización en piano

6.2.1 Escalas pentatónicas y de blues
6.2.2 Patrones rı́tmicos en improvisación

6.3 Técnicas de interpretación avanzada

6.3.1 Polirritmos y contrapunto
6.3.2 Uso expresivo del rubato

29
30 CHAPTER 6. TÉCNICAS AVANZADAS
Chapter 7

Repertorio Avanzado

7.1 Piezas clásicas avanzadas

7.1.1 Sonatas de Beethoven
7.1.2 Preludios y fugas de Bach

7.2 Estudios avanzados

7.2.1 Estudios de Chopin
7.2.2 Estudios de Liszt

7.3 Acompañamiento avanzado

7.3.1 Acompañamiento para jazz
7.3.2 Acompañamiento en música contemporánea

31
32 CHAPTER 7. REPERTORIO AVANZADO
Chapter 8

Conclusión

8.1 Consejos finales para pianistas

8.2 Recursos adicionales para el aprendizaje
8.2.1 Libros y métodos recomendados
8.2.2 Aplicaciones y recursos online

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