Géneros y Formas Musicales a Través de la Historia
La música es un arte universal que se ha desarrollado a lo largo de la historia de
la humanidad en diferentes regiones y culturas. A través del tiempo, han surgido una
gran variedad de géneros y estilos musicales, así como diferentes formas de notación
para escribir la música y transmitirla a través de las generaciones.
Géneros Musicales.
En la historia de la música, los géneros musicales son categorías utilizadas para
clasificar y agrupar distintos tipos de música basados en características comunes.
Estas características pueden ser: estructura, ritmo, armonía, instrumentación, temática,
entre otros.
A continuación, se presentan algunos de los géneros más representativos de la
historia de la música:
Música clásica: también conocida como música culta o música académica, se
refiere a la música compuesta en Europa durante el período barroco, clásico y
romántico. Este género se caracteriza por su complejidad, profundidad y
sofisticación, y su ejecución se realiza a través de instrumentos como el piano,
el violín, la flauta, entre otros.
Jazz: nacido a finales del siglo XIX en los Estados Unidos, el jazz es un género
musical que se caracteriza por su improvisación, su ritmo sincopado y la
utilización de escalas y acordes disonantes. Este género tiene sus raíces en la
música africana y la música folclórica americana.
Rock: surgido a mediados del siglo XX en los Estados Unidos, el rock es un
género musical que se caracteriza por la utilización de guitarras eléctricas,
baterías y bajo, así como por su sonido potente y su actitud rebelde. Este
género tiene sus raíces en el blues, el country y el rhythm and blues.
Pop: nacido a finales del siglo XX, el pop es un género musical que se
caracteriza por su ritmo pegajoso, su estructura simple y la utilización de
tecnología para crear sonidos sintéticos y efectos especiales. Este género es
popular entre los jóvenes y se enfoca en temas como el amor, la diversión y la
juventud.
Hip Hop: nacido a principios de los años 70 en Estados Unidos, el Hip Hop es
un género musical que incluye rap, breakdance y graffiti. Se caracteriza por su
ritmo repetitivo, sus letras que hablan de la vida cotidiana de la comunidad
afroamericana, la utilización de samplers y scratch.
Música electrónica: nacida a finales del siglo XX, la música electrónica se
caracteriza por la utilización de sintetizadores y tecnología para crear sonidos y
efectos especiales. Este género incluye subgéneros como el techno, el house, el
trance y el ambient.
Es importante mencionar que estos géneros musicales son solo algunos de los
muchos que existen en la historia de la música, y que con el paso del tiempo, se han
ido desarrollando nuevos géneros y fusiones entre ellos. La música es una expresión
artística en constante evolución y transformación, y cada género musical refleja las
características y los valores de la época y la cultura en la que se desarrolló.
Periodos de la Historia de la Música
La historia de la música se divide en periodos, cada uno con sus estilos y figuras
clave. Estos periodos son: el Renacimiento (1400-1600), el Barroco (1600-1750), el
Clasicismo (1750-1820), el Romanticismo (1820-1900), el periodo moderno (1890-
1960) y el periodo contemporáneo (1960-presente).
La Música en el Mundo Antiguo (5.000 a.C. – 476 d.C.)
Una de las etapas de la música es durante el Mundo Antiguo. Por Mundo
Antiguo se refiere a las civilizaciones establecidas más antiguas de la humanidad:
Egipto y Mesopotamia, Greca, Roma y la China Antigua.
En esta época ya encontramos familiares de instrumentos que conocemos hoy
en día como el arpa y el oboe. En Egipto, ya se utilizaban escalas de 7 sonidos.
La música era un conocimiento de prestigio al que solo tenían acceso personas
como los sacerdotes.
En Grecia, se realizaban obras con argumento como dramas, tragedias y
comedias, que eran acompañadas de música. La música también era una forma
oral de contar historias y leyendas del pueblo y Es de ahí que la música obtiene
una relación estrecha con la filosofía y la cultura. Por su parte, muchos filósofos
y matemáticos estudiaban el sonido, llegando a conclusiones como la afinación
pitagórica (de Pitágoras) que es la base del sistema de construcción de la escala
musical.
En Roma la música se utilizaba en un principio para ritos cristianos y alabanzas.
También contribuyó al canto en latín a la música de canto gregoriano en Grecia.
Posteriormente la música representó un factor humorístico y de festejo,
relacionada con la vida bohemia.
En la cultura antigua China, la música tenía un carácter especialmente secular,
misterioso, legendario y era tomada en alta consideración por las dinastías. La
distancia geográfica de la cultura les llevo a alejarse un poco de la música del
resto de las culturas mencionadas y a tener elementos característicos propios
como por ejemplo, la escala pentatónica, que no posee semitonos.
La Música en la Edad Media (476 – 1450)
La música más importante de esta época fue el canto gregoriano, que es un
canto de carácter litúrgico. El canto gregoriano poseía textos en latín y era en un
principio de carácter monódico (una sola línea melódica). Es a partir de estos cantos
que se establece el primer sistema de escritura musical, con notas musicales y cuatro
líneas para escribirlas (a diferencia del actual utilizado: el pentagrama de 5 líneas).
A parte del canto gregoriano, se crearon canciones por parte de los llamados
“menestrelli” que eran juglares y trovadores, artistas ambulantes o de entretenimiento
para fiestas y banquetes en las cortes. Las obras interpretadas eran de carácter lírico y
narrativo.
La música religiosa: Quizás la música más relevante sea en el área
religiosa, específicamente el canto gregoriano, que poseía textos en latín y
tomaba lugar en las misas y fiestas solemnes. El canto gregoriano en este
entonces era monódico, es decir que posee una sola línea melódica.
Música profana: Si nos referimos a la música profana (sin carácter sagrado,
religioso) debemos hablar de los llamados “menestrelli”. Los menestrelli eran
trovadores y juglares, artistas que se movilizaban por el área o que servían
como una forma de entretenimiento durante las fiestas y banquetes. Las obras
de estos intérpretes tenían carácter lírico y narrativo, es decir que recitaban
historias a veces acompañadas de algún instrumento que era fácil de
transportar y que llevaban con ellos mismos. Sus cantos eran prácticamente una
forma de poesía basada en versos con temáticas variadas que trataban de
política, moral, historias épicas y amorosas entre otras.
La polifonía: música escrita a varias voces y que surge por evolución de las
anteriores durante la Baja Edad Media, primero en el ámbito religioso y
posteriormente también en el profano.
Ars antiqua: Se llamaba ars antiqua a la forma de hacer música de los siglos
XII-XIII, en los que se parte de los primeros ensayos polifónicos y se enriquecen
hasta sentar las bases de la polifonía en su etapa de plenitud. Sus más
destacados representantes aparecen en torno a la llamada Escuela de Notre-
Dame de París y son Leonín, organista de Notre-dame, y su sucesor Perotín.
Ars nova: El ars nova fue una corriente musical del siglo xiv que nació como
contraposición al estilo anterior (ars antiqua). Los ritmos, temas y las melodías
se vuelven más variadas. La música iba adquiriendo cada vez más complejidad
en los ritmos y en las voces obligando a replantear y modificar con frecuencia
las normas de su elaboración. Philippe de Vitry escribió en los primeros años del
siglo xiv un tratado sobre cuestiones de notación musical donde exponía los
últimos adelantos en ese terreno; su título Ars nova, ha servido a la ciencia
musical moderna para llamar así a la música del siglo xiv.
Génesis de la notación: Guido de Arezzo se propuso crear un sistema de notación
musical que facilitara su labor de enseñanza. La notación musical en la Edad Media
por Guido de Arezzo, maestro de canto del monasterio benedictino de Pomposa
(Italia), escuchaba desesperado la cacofonía de notas discordantes emitidas por
el coro. Volvió a dar el tono y escuchó cómo trataban de imitarlo. Concluida la
dura jornada de ensayos, Guido meditó en su celda si no habría una forma más
sencilla de enseñar al coro canciones nuevas.
Ni lerdo ni perezoso, Guido (990-1033) se propuso crear un sistema de notación
musical que facilitara su labor de enseñanza. Tal fue su éxito que pasó a ser conocido
como Beatus Guido, inventor musicae («El beato Guido, inventor musical»). Para dar
nombre a las notas, empleó las primeras sílabas de seis versos de un himno a San
Juan Bautista:
Nota Texto original en latín Traducción
ut - do Ut queant laxis Para que puedan
re resonare fibris exaltar a pleno pulmón
mi mira gestorum las maravillas
fa famuli tuorum estos siervos tuyos
sol solve polluti perdona la falta
la labii reatum de nuestros labios impuros
si sancte Ioannes. San Juan.
Cada sílaba representaba una nota de la escala. Ut se sustituyó por Do hacia
1600, cuando también se añadió la sílaba Si, de Sancte Ioannes, el séptimo verso del
himno. El siguiente paso que dio Guido fue inventar un sistema claro para transcribir las
notas.
La notación musical cumple una función doble: indica el tono de las notas y el
tiempo que deben durar. En la Alta Edad Media, se situaban una especie de signos
parecidos a acentos sobre las palabras de las canciones, que indicaban vagamente el
tono, pero nada decían de la duración de las notas.
La Música Del Renacimiento (1450 – 1600)
Las etapas de la música más destacadas es la que tuvo lugar durante en el
Renacimiento. Aquí, la música comienza a tomar más complejidad con la polifonía y el
contrapunto, es decir, empiezan a involucrarse más líneas melódicas para jugar con el
sonido a partir de la independencia de las voces, las tensiones y resoluciones en
relación a sus intervalos. Aún se da una diferenciación entre las formas musicales
religiosas (misa y motete) y las populares o profanas como los madrigales y villancicos.
También acompañaba danzas con música instrumental, en formas como el ricercare y
la canzona.
Música Barroca (1600 – 1750)
Se desarrolla mayoritariamente gracias a la ópera, que tomaba lugar en los
teatros acompañada de grupos de instrumentos y a partir de la cual se introduce la
utilización y las bases del desarrollo del lenguaje instrumental de la orquesta sinfónica,
que en esta época tenia a las cuerdas frotadas como recurso predominante.
La época barroca se caracteriza por la apreciación de la hechura, los extremos y
el contraste. Musicalmente hablando, aparece la utilización del concepto de “tonalidad”
y el uso continuo de los bajos. Se utilizan ritmos de compás claro y sencillo, voces
extremas simultáneas, progresiones de acordes funcionales y espacios para la
improvisación. En esta época se asientan las formas musicales de la ópera, el oratorio,
la cantata, el concierto, la sonata y la suite entre otras.
Algunos de los músicos notables de ésta etapa fueron: Johan Sebastian Bach,
Georg Fredrich Händel, Antonio Vivaldi, Georg Phillip Telemann y Claudio Moteverdi.
Clasicismo (1750 – 1800)
El clasicismo tiene a Viena como centro de difusión más potente, seguido por
París, Berlín y Mannheim. La música del clasicismo se caracteriza por su
transparencia, claridad, simetría y solidez en la tonalidad. En contraste con la época
anterior del barroco, el clasicismo buscaba la naturalidad y rechazaba los excesos. Es
en esta época que se establecen los modelos clásicos por excelencia de formas como
la sinfonía y la sonata.
Anteriormente la música era un arte manejado principalmente por la aristocracia,
pero en esta época, pasa a ser difundida mayoritariamente por el público de la
burguesía, aumentando el alcance de la música al público general y de manera
internacional. Dentro de los músicos relevantes de esta época tenemos a Wolfgang
Amadeus Mozart, Franz Joseph Haydn, Antonio Salieri, Luigi Boccherini y Níccolo
Paganini.
Romanticismo (1800 – 1860)
El Romanticismo musical es otra de las claras etapas de la música. En contraste
con las corrientes anteriores, el romanticismo busca la expresión individual sentimental,
la interpretación de la vida y la naturaleza. Se le da la máxima importancia a la
propuesta de ideas personales y a la libertad de creación. Lo exótico era gran motivo
de apreciación.
Musicalmente se da una mayor utilización de cambios armónicos, cromatismos,
tonalidades menores, ampliación de rango y variedad musical. Hay mucha utilización
de colores ambiguos y modulaciones. El tamaño de la orquesta creció notablemente en
cantidad y en inclusión de instrumentos. También se apreciaba más el virtuosismo y la
improvisación.
Algunos músicos importantes de la época: Ludwig Van Beethoven, Friedric
Chopin, Franz Liszt, Richard Wagner, Johannes Brahms, Robert Schuman, Gustav
Malher, Giuseppe Verdi, Franz Schubert, Piotr Ilich Tchaikovsky, Sergei Rachmaninoff.
Impresionismo (1860 – 1910)
Tiene su origen predominantemente en Francia, con los músicos Claude
Debussy y Déodant de Séverac. Algunos argumentan que el impresionismo no es
precisamente un género musical sino una extensión de la ideología.
En todo caso, el impresionismo musical se caracteriza por la total libertad de
creatividad armónica y rítmica, que son establecidos en un principio pero manipulados
durante la obra, también se retoma la utilización de escalas (modos) que habían caído
en desuso durante el Barroco, donde solo se utilizaron las escalas mayor y menor. Se
juega mucho con la insinuación y la sutileza, el tiempo resulta más libre y/o rubato y
sobre todo, se experimenta con el timbre.
Debussy es conocido como el máximo representante del impresionismo, pero
también se relacionan compositores como Maurice Ravel y Erik Satie, Manuel de Falla,
Isaac Albéniz y los precursores del movimiento: Gabriel Fauré y Camille Saint-Saëns.
Música moderna y contemporánea (1910 – actualidad)
La música moderna es a veces difícil de definir gracias a su amplio rango de
posibilidades. La época se caracteriza por la total libertad y la utilización tanto de
elementos clásicos y estructurales como de formas de experimentación en cuanto a la
ruptura de la tonalidad, formas, técnicas y colores. Uno de los conceptos más
importantes de ésta época es el dodecafonismo, que es música que utiliza las 12 notas
de la escala cromática con total libertad, es decir de manera atonal (no hay tonalidad
establecida).
Se da un fenómeno crucial en ésta época: el surgimiento de la tecnología
electrónica. Gracias a ella nace la posibilidad de grabar el sonido, lo que daría lugar a
la industria de la música y que revolucionaría la forma de escuchar y distribuir las obras
musicales. Si en un principio la música podía escucharse únicamente en vivo, ahora se
podía escuchar en la comodidad del hogar, con el disco de (seguido más adelante por
los casetes, los CD y la música digital) lo que da lugar luego con el nacimiento de la
industria musical. También surgen posibilidades de fusión con otros medios de difusión
masiva como el cine y la radio.
Dichos fenómenos darían lugar a lo que llamamos “música popular” y con ella,
cientos de géneros y estilos musicales como el rock, pop, funk, folk, jazz, reggae,
bossa nova, salsa, electrónica, etc. Hoy en día la música sigue creciendo y
revolucionándose con la tecnología y los avances de la informática, cambiando la
manera en que escuchamos, creamos y compartimos música.
Origen y evolución de la música popular latinoamericana
La música latina es un género musical diverso y vibrante que ha conquistado los
corazones de millones de personas en todo el mundo. Su historia se remonta a las
ricas tradiciones y culturas de América Latina. Los ritmos folklóricos y las melodías
autóctonas de los pueblos indígenas sentaron las bases de lo que hoy conocemos
como música latina. Estas influencias indígenas se mezclaron con las tradiciones
musicales europeas traídas por los colonizadores, creando una fusión única de sonidos
y estilos de culturas indígenas, europeas y africanas, hasta el surgimiento de ritmos
afrocubanos y la influencia de la música española. Cada nota nos cuenta una historia
de rica diversidad.
Orígenes de la Música Latinoamericana, La conquista de los españoles fue un
hecho histórico que sin duda marco las raíces musicales de Latinoamerica. Antes de su
arribo en las costas del nuevo continente, España ya se había visto marcada por la
llegada de los árabes, además de su contacto con otras culturas que provenían de
África y países adyacentes como Francia. Esto también significó la mezcolanza de
sonidos propios de gitanos, judíos, moros, cristianos y gente africana, lo que derivó en
un conjunto que poseía extremada riqueza musicalmente hablando.
La música de América Latina, también llamada música latinoamericana, música
latina o “ritmos latinos”, es la música cultivada en los países de América Latina. Esto
incluye los géneros autóctonos de la región, como el bolero, la salsa, la bossa nova, la
música tropical, el merengue, o la bachata, entre otros, y también los géneros que
derivan de estilos más internacionales como el pop, rock y jazz latinos.
El término empleado popularmente “música latina” (latin music en inglés) se
empezó a utilizar a partir de los años 50 en los Estados Unidos para referirse a los
ritmos musicales típicos de América Latina, buscando una diferenciación entre los
estilos de origen afroamericano de los afrolatinoamericanos. En este sentido, se
considera que hacen parte de la música latina un gran número de géneros: el
merengue, la bachata, la salsa, el dancehall, el Grimey, la bossa nova, la cumbia, el
tango, el fado, la milonga, el rock latino; desde la música norteña de México a la
sofisticada habanera de Cuba, desde las sinfonías de Heitor Villa-Lobos a los sencillos
sonidos de la quena. El único elemento en común que tienen estas músicas es el uso
de los idiomas latinos, predominantemente el español y el portugués de Brasil, aunque
en este último país se prefiere el término música de América Latina.
Para algunos, la expresión “música latina” designa por igual a las músicas
andinas que son en su mayoría de origen indígena y a los géneros caribeños que,
estrictamente hablando, no son latinos y tienen un gran componente africano, tal como
la música jamaiquina, la música de Trinidad y Tobago y la música creole de Haití,
Guadalupe o de la Martinica.
En su forma más generalizada, la música Latina se corresponde a los bailes y
músicas populares originarios de América latina o que simplemente son interpretadas
en español.
Existen diversos estilos de música latina en el continente americano, en los
cuales predomina en diferente grado elementos musicales europeos, africanos o
indígenas. En el pasado habían sugerido posiciones extremas, como que la música
latina estaba privada de la influencia africana, o por el contrario, que era puramente
africana y carecía de elementos indígenas y europeos. Hoy en día, está generalmente
aceptado que los ritmos latinos son sincréticos. Específicamente, las formas españolas
de composición de canciones, los ritmos africanos y la armonía europea son partes
importantes de la música tropical latina, así como de los géneros más modernos como
el rock, el heavy metal, el punk, el hip hop, el jazz, el ska, el reggae y el R&B.
Música académica de Venezuela, precursores y compositores
La música académica venezolana tuvo un desarrollo paralelo a la música
popular desde la colonia hasta mediados del siglo XIX, cuando el vals europeo y el vals
popular experimentaron una feliz unión a manos de compositores de música para piano
como Ramón Delgado Palacios, Federico Vollmer, Manuel Guadalajara y Salvador N.
Llamozas.
A partir del desarrollo del vals, la identificación del compositor venezolano con
los ritmos y melodías de su pueblo se hace más intensa que en otros países
latinoamericanos. La generación inicial de músicos como José Antonio Calcaño, Juan
Vicente Lecuna, Juan Bautista Plaza, Moisés Moleiro y Vicente Emilio Sojo, que en el
siglo XX enriqueció esta unión del elemento popular con el académico, dio paso a la
Escuela de Santa Capilla (llamada así por el nombre de la esquina donde está situada
la Escuela Superior de Música), conformada por alumnos de la cátedra de composición
del maestro Sojo. Vicente Emilio Sojo, eminente prócer civil venezolano, no solamente
organizó los estudios formales de composición, además de fundar el Orfeón Lamas y la
Orquesta Sinfónica Venezuela, sino que enriqueció el repertorio nacional con cientos
de arreglos de melodías venezolanas que estaban en peligro de caer en el olvido.
Estos compositores escribían y participaban activamente como miembros de la
Orquesta Sinfónica y del Orfeón Lamas, orientados y estimulados por su fundador para
ejecutar sus obras. De esta experiencia de corte eminentemente nacionalista, surgen
obras de arraigo venezolano con calidad internacional. Como ejemplo del nacionalismo
musical venezolano del siglo XX, podemos destacar algunas obras de Vicente Emilio
Sojo: Obertura Festiva, Bordoneo, Solo de Marimba Endecha y Quirpa para guitarra.
De Juan Bautista Plaza: Fuga Criolla, El Picacho Abrupto, El Curruchá, Vigilia, Pico-
Pico y Campanas de Pascua. De Evencio Castellanos: Suite Avileña, Santa Cruz de
Pacairigua, de Antonio Estévez: Cantata Criolla, Mediodía en el Llano, Mata del Ánima
Sola, Concierto para Orquesta y 17 piezas infantiles para piano, de Inocente Carreño:
Margariteña, La Ciudad de los Techos Rojos, Suites para orquesta, Gota de breve
rocío, Obertura Galleguiana y Poema a Carabobo; de Antonio Lauro: Natalia, Yacambú
y valses diversos para guitarra, Giros Negroides, Concierto para Guitarra y Misterio de
Navidad, de Gonzalo Castellanos: Suite Caraqueña, Imitación y Antelación Fugaz y de
Modesta Bor: Son Venezolano, Obertura Sinfónica, Genocidio, Manchas Sonoras,
Acuarelas y Concierto para Piano y Orquesta..
La música coral experimentó un marcado crecimiento a partir de la fundación en
1943, del Orfeón de la Universidad Central de Venezuela. Otras instituciones
educativas siguieron el ejemplo de la UCV y formaron coros estudiantiles. Más tarde
comenzaron a desarrollarse agrupaciones corales en organismos oficiales y empresas
privadas, especialmente en las instituciones bancarias. Para la década de los años 70
se funda el Movimiento Coral “Cantemos” y la Fundación Schola Cantorum de Caracas,
que hoy en día agrupan a cientos de coros adultos e infantiles. Dada la importancia de
movimiento coral venezolano, en abril de 2000 se escoge a Caracas para celebrar el
festival América Cantat III, con la participación de agrupaciones nacionales y corales
provenientes de todas partes del mundo. Es significativo el número de coros
venezolanos que han obtenido importantes premios de excelencia artística en
prestigiosos concursos de música coral de Europa y Asia.
El perfil de la ejecución musical en Venezuela cambia definitivamente en 1975, a
raíz de un movimiento orquestal sin precedentes en la historia musical del país. Un
discípulo de Vicente Emilio Sojo, el Maestro José Antonio Abreu, quien para ese
entonces ejercía también las profesiones de economista y parlamentario, funda en
Caracas la Orquesta Nacional Juvenil “Juan José Landaeta”, organización que
posteriormente pasaría a convertirse e Fundación de Estado en 1978, y que se
multiplicaría en diferentes núcleos orquestales juveniles diseminados por toda la
geografía nacional. Estas orquestas juveniles e infantiles convirtieron a la música
sinfónica en un Programa Social del estado venezolano, ya que hoy en día es posible
que niños y jóvenes de todos los estratos sociales, tengan acceso a una formación
musical integral a partir de la ejecución de un instrumento. La masificación de la
enseñanza musical a través de estas agrupaciones artísticas, ha originado un público
cada vez más numeroso en los sectores populares y en la provincia, permitiéndole la
familiarización con la música de los grandes maestros venezolanos y universales,
convirtiéndolos a su vez en elementos críticos importantes en cada una de sus
comunidades.
Otra consecuencia de este movimiento de orquestas juveniles e infantiles, ha
sido la creación de orquestas sinfónicas profesionales y semi-profesionales en diversas
ciudades de Venezuela. Justamente, estas orquestas regionales se nutren
principalmente de jóvenes músicos que han escogido la música como profesión y que
han egresado de las orquestas juveniles. Las orquestas regionales, muchas de las
cuales han alcanzado niveles artísticos de excelencia, reciben su principal aporte
económico del estado venezolano a través del Consejo Nacional de la Cultura -
CONAC- apoyados en algunas casos por sus respectivas gobernaciones.
A la par del desarrollo de la música “clásica”, la música popular del país presenta
también variados matices importantes que la han colocado en un sitial de preferencia,
tanto local como internacionalmente. Junto a los mencionados géneros autóctonos, las
expresiones musicales del continente como el bolero, salsa, balada, rock, jazz latino y
otros géneros urbanos, tienen igualmente calificados compositores e intérpretes en la
escena musical venezolana.
Música Popular Venezolana
Si bien algunos ritmos son populares en ciertas regiones, no son los únicos que
existen, pues hay algunos que son menos populares, pero no por ello deja de
ser música tradicional venezolana, arraigada en lo profundo del corazón del
campesinado, y estos son dichos ritmos:
Aguinaldos y Villancicos Navideños: Son géneros musicales similares, muy
tradicionales de la época navideña, que rinden tributo al nacimiento del niño
Jesús. Los cantos suelen interpretarse por coros de voces y acompañarse por
cuatro, maracas y tambores. Son bastante populares en todo el país en dicha
época del año.
La Parranda: Al igual que el Aguinaldo, la Parranda es también típica de la
época navideña. Se deriva del aguinaldo y los instrumentos utilizados son el
cuatro y las maracas, pero no se basa de forma exclusiva en el nacimiento del
niño Jesús sin que también trata de otras festividades típicas de la navidad como
el año nuevo.
La Gaita Zuliana: Originario de la región de Zulia, la Gaita ha sido adoptada
poco a poco por todo el país y ya forma parte de la música tradicional navideña.
El tema principal de la Gaita a diferencia de las anteriores son alabanzas
religiosas, aunque en los últimos años, debido en parte a su adopción en gran
parte del país, se tratan también temas de crítica social, festividades, temas
amorosos y otros.
El merengue venezolano: Según su origen rítmico, podemos clasificar los
merengues venezolanos en tres grupos: el caraqueño, el oriental y el larense. El
merengue venezolano en general, ofrece letras pícaras y costumbristas, donde
se cuentan pequeñas historias sobre las tradiciones e historias de la época. Los
principales instrumentos utilizados son la trompeta, el saxo, el trombón y el
clarinete, que son acompañados por el cuatro, redoblante y el contrabajo.
El Merengue campesino: Es un género musical festivo y bailable típico de la
región andina de Venezuela. El ritmo lo marca la charrasca, la melodía se
interpreta con el violín o la bandola, y el acompañamiento queda a cargo del
cuatro y, de vez en cuando, la guitarra. Sus letras tratan temas cotidianos de
manera jocosa. Suele ser popular también en regiones del centro y occidente del
país.
Tambores de la costa Es un género típico de las costas centrales del país
derivado de la tradición de los esclavos africanos que llegaron a Venezuela en la
época colonial. Su música es generada por percusiones, su canto combina una
voz solista con un coro de voces y sus temas suelen ser alusivos al amor, la
diversión, religión y anécdotas de la cotidianidad. El baile, de ritmo enérgico, se
ejecuta en parejas, cuyos miembros se alternan con otros bailarines que forman
un círculo a su alrededor.
Calipso Guayanés Es un género musical de canto y danza alegre y de
celebración típico de la región guayanesa del país. Proviene de las islas
antillanas de habla inglesa, por lo que es normal que las letras de algunas
canciones estén escritas en español y otras en inglés. Entre los instrumentos
que se utilizan para interpretarlo están el cuatro, la charrasca, los tambores y la
marimba. Suele ser muy popular en el resto del país durante la celebración del
carnaval.
El bambuco Dentro de la música andina destaca el Bambuco que se
caracteriza por ofrecer melodías románticas, idílicas y con ciertos matices
señoriales, localizadas en los estados de Zulia, Lara y Distrito Capital. El
Bambuco tiene su origen en España y América con un ritmo acompasado y
con cadencia. Los principales instrumentos utilizados son el piano, la guitarra y
el bajo aunque en ocasiones también se acoplan el violín, el cuatro y la flauta.
Música Campesina Localizada en los estados de Mérida, Táchira y Trujillo es
la expresión cultural de los Andes. La principal diferencia con la música
llanera es el cambio del güiro por las maracas y la guitarra por el arpa. A
principios de los 70 se formaron las primeras agrupaciones musicales y desde
entonces ha ido evolucionando y dándose a conocer hasta nuestros días. Los
principales instrumentos utilizados en la música campesina son el violín, la
guitarra, el cuatro, el güiro y el requinto. Los estados de Mérida, Táchira y Trujillo
están situados cerca de la frontera con Colombia, por lo que se han visto
influenciados por el vallenato colombiano.
El Callao Dentro de la música afrocaribeña, encontramos el Calipso
venezolano conocido como Callao, género importado de Trinidad a finales del
siglo XIX por los inmigrantes que llegaron a Venezuela durante la fiebre del oro.
El galerón El galerón se caracteriza por tener un compás lento y suele ir
acompañado del cuatro, la guitarra y el bandolín. Las letras de las canciones
abordan temas patrióticos, religiosos, sentimentales y filosóficos. Es muy
habitual en celebraciones y festividades y cada estado suele tener sus propias
versiones personalizadas.
Fulía Al igual que otros estilos musicales, la fulía es cantada o recitada
interpretada en combinación con la guitarra, bandolín, cuatro y bandola. Este
ritmo es muy alto, pero no se puede bailar por diversas creencias religiosas.
Polo A diferencia del galerón, el polo es mucho más alegre y cuenta anécdotas
del día a día de los habitantes, mientras realizaban las tareas habituales que
tenían encomendabas en sus respectivos poblados.
Malagueña De origen español, es de ritmo libre e improvisado, pero repitiendo
siempre los mismos acordes del acompañamiento. Es similar a la jota, pero a
diferencia de ella, se canta en un tono mayor. Instrumentos que acompañan a la
malagueña son la guitarra, cuatro y bandolín.
La Jota Canto triste y melancólico que cuenta historias relacionadas con la
pesca y el amor. Suele ir acompañado de guitarra, cuatro y bandolín. De origen
español, se asemeja mucho a la malagueña, pero se diferencia en que la jota se
canta en un tono menor pero los instrumentos que la acompañan son los
mismos.
Tonada llanera Es un género derivado de los cantos de arreo y ordeño de
ganado en los llanos venezolanos. Originalmente, sus letras solían improvisarse
durante las faenas del llano y sus canciones versan sobre labores cotidianas del
campo. Su canto se acompaña principalmente por el cuatro, aunque también
pueden intervenir otros instrumentos tradicionales.
Golpe tocuyano Es una variedad del joropo que se ha erigido como un género
en sí mismo. Se diferencia del anterior por tener ritmos un poco más lentos,
tambores incorporados, prescindir del arpa o la bandola si es necesario, y contar
con letras más melódicas que pueden ser interpretadas por un único cantante,
por coros de voces o ambos.
Instrumentos Folklóricos de Venezuela
La música tradicional venezolana se basa principalmente en el uso de cuatro
instrumentos musicales, que con el tiempo se han ido perfeccionando y mejorando en
su sonido y son: el cuatro, las maracas, el arpa y la bandola.
El Cuatro Conocido como cuatro llanero, criollo o cuatro tradicional es
un instrumento de cuerda, que como indica el nombre, solo está compuesto por
cuatro cuerdas. Entra dentro de la clasificación de las guitarras antiguas y
españolas con un tamaño reducido en comparación con las guitarras
tradicionales.
Este instrumento es el más emblemático dentro de la música venezolana ya que
se utiliza tantos en zonas rurales como en las grandes ciudades. Se puede tocar de
forma individual o bien como acompañante de otros.
Maracas Las maracas son muy utilizadas en la cultura popular cubana y en el
folklore del Llano situado entre Venezuela y Colombia, En su interior podemos
encontrar desde pequeñas piedras, hasta semillas, pasando por cristales, arroz
o pequeñas piezas metálicas. Las maracas se utilizan en Venezuela desde
tiempos precolombinos y son uno de los instrumentos de percusión más
importantes en la música del país.
Arpa Llanera Es un instrumento de origen europeo que después se introdujo en
los Llanos de Venezuela y Colombia por conquistadores españoles a través de
las diferentes misiones religiosas que establecieron para difundir el catolicismo a
través de la música. El arpa llanera puede estar compuesto por 32 o 33 cuerdas
de diferente grosor y se encuentran organizadas según el grosor de este. A
diferencia de otros instrumentos de cuerda, el arpa llanera no dispone de
pedales para alterar el sonido que nos ofrece este instrumento.
Bandola Existen dos tipos de bandolas: bandola llanera y bandola oriental. La
llanera, como bien indica el nombre la podemos encontrar en los llanos de
Venezuela y Colombia. La bandola llanera además dispone de siete trastes
(separación existente en el diapasón del mástil de los instrumentos de cuerda).
Por otro lado, encontramos la bandola oriental, confeccionada con cuerdas
nailon y utilizada para interpretar música tradicional venezolana como el Joropo.
Violín Es heredado de la tradición europea que se ha incorporado a varios
géneros de la música venezolana, entre los que destaca el merengue
campesino.
El tiple Es parecido a la guitarra en su forma y tamaño. Posee las mismas
cuerdas de la guitarra, a excepción de las correspondientes a las notas Mi y La.
A pesar de que tienen varias características en común, existen diversas teorías
acerca del instrumento del cual procede. Se dice que en lugar de la guitarra,
desciende del timple canario, entre otras opiniones. En Venezuela, su uso es
muy común en el estado Lara y los Andes.
Tambores venezolanos Provienen de la cultura africana y la mayoría de los
tambores venezolanos son utilizados en tradiciones de carácter ritual, como las
fiestas en honor a San Juan Bautista, San Benito, San Antonio o en los Velorios
de Cruz de Mayo. En la zona de Barlovento son muy populares y, en general, en
la mayoría de las zonas costeras del país, pudiéndose apreciar en casi cualquier
momento del año su ejecución en plazas y malecones, para diversión de los
visitantes. Existen varios tipos que son: tambores de calipso (parte de los
elementos que conforman el carnaval de El Callao), el mina y el curbata,
tamboritas, chimbagueles, pipas, baterías de tambores, etc.
Los carrizos Son diversos tipos de instrumentos de viento o aerófonos, casi
todos de origen indígena. Pertenecen al grupo de las flautas de pan,
conformadas por más de dos tubos de cañas de tamaño distinto, unidos entre sí
como en forma de balsa.
La tura Su construcción se hace a partir de cañas, y también son especies de
flautas. Existen varios tipos: la tura grande macho/hembra y la tura pequeña
macho/hembra. Tienen varios orificios que pueden variar entre dos y cuatro. Son
utilizadas en la fiesta de Las Turas, una tradición típica de los estados Falcón y
Lara.
La guarura Es un instrumento propio de la tribu yekuana, del Amazonas. Es
también un instrumento de soplo que produce un sonido fuerte y penetrante,
fabricado con una concha de caracol marino que consta de una abertura o
boquilla para su ejecución. Es utilizado en fiestas tradicionales, como el baile del
mono, en el estado Monagas.
Furruco Este instrumento consta de dos partes. Una es una base parecida a un
tambor y la otra es una vara de caña que usualmente se recubre con cera de
abeja. El sonido que produce al hacer presión con la vara sobre el cuero de la
base con ambas manos es más precisamente una vibración que se asemeja el
efecto de un bajo.
Otros instrumentos de cuerda usados en la música llanera son la guitarra, el
requinto y el tiple, característico de Lara y de la región andina.
