V.

RENACIMIENTO Teoría I

RENACIMIENTO

Entramos en la edad Moderna que finaliza con la Revolución Francesa o la Revolución

Industrial. No es preciso.

La relación de la arquitectura con el ámbito lingüístico. La arquitectura es un arte, una

técnica que se construye en el espacio, cuya materia es el espacio. Tiene una raíz
constructiva. Se articula de una manera no lingüística; a través de lo visual, de lo material,
de lo técnico. La arquitectura también tiene una estrecha relación con el ámbito lingüístico.

La catedral reúne el conocimiento de la época. Cómo se construye - el pensamiento de la

época. La musicalidad del espacio. El pensamiento escolástico estaba estructurado
organizado formalmente. Intento de racionalizar la fe; de relacionarla con la razón. La
síntesis de ideas en elementos constructivos.

El renacimiento. Hospital de los Inocentes de Filippo Brunelleschi, Florencia. Cuna del

Renacimiento.

Renuncia a la tradición local y del momento, recupera formas del pasado. Los arcos de
medio punto, los frontones, … Llama la atención este edificio, que nace como una “seta” en
el bosque. En esa época, en el resto de Europa se construyen catedrales.

Florencia es un estado del convenio de Italia, poder descentralizado, compuesta por reinos.
No hay un foco, por lo que hace que las ciudades “compitan” entre sí. Potencia una mayor
exploración formal y desarrollo de las artes. ¿Por qué se construye en Roma este ejemplar
totalmente diferente? Por su ambiente cultural. Hay un regreso al pensamiento
humanístico, que toma como referencia fundamental a la figura del ser humano. La
religión ya no será un elemento totalitario.

Dante escribe la Divina Comedia, describiendo su descenso a los infiernos y su posterior

ascensión al cielo. Vuelve a la cosmovisión antigua. Petrarca. Boccaccio. Retoman temas
clásicos del mundo antiguo. Dante escribió la Divina Comedia en Italiano, en lengua
romance.

El latín sigue siendo la lengua de la Iglesia, las instituciones, etc. El latín clásico de Cicerón,
de los textos. 3 lenguas distintas en el panorama actual. Nace la consciencia de que el latín
en el que se trabaja comienza a ser no entendible. Hacen un esfuerzo por conservar la
lengua latina. Se vuelve a los textos clásicos con mucha más intencionalidad. De la lengua
pasan a la ideología de la época clásica, siendo “arrastrados” por un interés en la
lengua, el contenido y las formas del pasado. Se pretende vivir en ese ambiente que se
describe en los textos antiguos. Se pretende patentar en las artes visuales.

En un ambiente cultural donde no ha habido una recuperación intensa y crear en el latin

clásico (no el de la iglesia) y recuperarlo, el paso arquitectónico al renacimiento no se da,
porque no hay interés en volver al pasado. Se dará por influencia de Italia por ese interés
de recuperar la lengua latina.
V. RENACIMIENTO Teoría I

Brunelleschi formaliza este regreso al pensamiento clásico con su arquitectura en Florencia,

comenzando con el Hospital de los Inocentes.

Santa Maria de la Fiore. La construcción e invención de cúpula. No existía la técnica, la

invención. Dos cúpulas paralelas entre las que sitúa la rampa de acceso. Autoportantes, de
ladrillo. Tiene una cierta forma apuntada, nervada. remiten a las bóvedas de crucerías.
Planta de cruz latina.

Brunelleschi, su obra es fruto de un interés cultural. Proviene del mundo filológico,

lingüístico.

El avance de la cartografía. El uso del papel gracias al intercambio cultural. Del mundo
oreintal provienen el astrolabio u otros objetos de observación. Nace un nuevo mundo de la
representación del espacio: el mundo, ciudades, etc.. Y del ser humano.

La perspectiva del hombre teocéntrica pasa a una visión antropocéntrica. Leonardo Da

Vinci. El hombre de Vitruvio.

Esa recuperación de los textos antiguos. Vitruvio → tratado más antiguo. Leonardo expresa
de lo que habla el texto de Vitruvio. Se vuelve a poner al ser humano en el centro del
cosmos.

Los temas que surgen en este momento. El ser humano como centro del mundo
(antropología del ser humano). Relatos mitológicos que muestran alegorías sobre otros
aspectos de la vida. Botticelli pinta a Heros, las Gracias, la generación de Vida (como en el
texto del Banquete) en La Primavera y en El Nacimiento de Venus. Recuperación de los
textos platónicos gracias al movimiento, el traslado de los intelectuales del imperio Bizantino
a Italia.

Se crea una academia, de lectura y traducción entorno a Platón.

La pintura del Renacimiento es muy alegórica, con muchos significados ocultos que
depende de la cultura del espectador para poder descifrarlos.

La representación. Erwin Panofsky. La perspectiva como forma simbólica. Habla sobre la

invención de la perspectiva en el renacimiento y su avance en el pensamiento y mentalidad.

LA PERSPECTIVA

La perspectiva nace de la mano de Brunelleschi. Alberti le dedica su tratado. En el s.XV se

descubre la manera de representar la realidad. Es imposible representar la imagen retínica
en su perfección, ya que se generan efectos ópticos o aberraciones marginales. Grecia ya
jugaba con la perspectiva de las “líneas rectas”. Los romanos con la perspectiva en forma
de espina de pez.

Esta recuperación la podemos vincular a este movimiento humanístico.

V. RENACIMIENTO Teoría I

La Anunciación de Fra Angelico. Mezcla de los dos mundos. Elementos de la tradición

medieval (escena bíblica). El Sol con los rayos. Los ángeles y la virgen con nimbos.
Elementos enfáticos. El arco de medio punto renacentista, capiteles que no son ni corintias
ni medievales. El dominio de la perspectiva, sencilla. Pero el espacio se ordena.

Trinidad de Masaccio. La perspectiva no es solo un avance técnico, es un cambio de mirar,

percibir y ordenar la realidad con la representación. El uso de la perspectiva, con un uso
muy ortodoxo de las leyes de la perspectiva cónica. Casetones que recuerdan a las termas
romanas, capiteles de orden corintio. Combinación de diferentes órdenes en el lenguaje
plástico. Incluso Dios Padre está sometido a las leyes de la perspectiva, físicas, de la
gravedad. Mismo tamaño que los demás de la pintura. No flota, está apoyado en una
plataforma. Racionalidad no basada en la religión. En la pintura se trataba de representar su
absoluta trascendencia, no se buscaba seguir las normas de la física. Es la cosmovisión
simbólica del pensamiento medieval.

Puertas del baptisterio del Duomo de Florencia. Las sur de Andrea Pisano (1330) . No hay
contexto ambiental. Es abstracto.

Las Puertas del Paraíso de Lorenzo Ghiberti → la presencia del espacio. La arquitectura y
el espacio urbano están presentes en las representaciones.

La Flagelación de Piero della Francesca. Cristo sometido a las leyes de la perspectiva,

reducido su tamaño, no siendo el centro de la pintura, no siendo el protagonista. Totalmente
impensable en la Edad Media.

Desposorios de la Virgen. Rafael Sanzio. 1504. → La celebración de la perspectiva y la

arquitectura. El templete. La escuela de Atenas. Ciudad Ideal (1480-90) → propuesta
urbana y utópica de la ciudad.

Con la perspectiva nace una imagen de dominio del mundo; más organizado, rígido.
Importancia de la profundidad y la perspectiva. Generará una manera de proyectar.

PERSONAJES IMPORTANTES

Leon Battista Alberti: es el arquitecto intelectual por excelencia. Retoma la teoría de la

Arquitectura. La recuperación de la lectura de Vitruvio será clave. De un grandísimo valor,
el único testimonio de la antigüedad. No solo se quedan con la lectura, sino que lo
reescriben, actualizándolo. Alberti → Re aedificatoria. 10 libros.

Estos nuevos tratados tendrán una repercusión “inmediata” gracias a la imprenta.

(Gutemberg). De ahí el gran éxito de la arquitectura clasicista. Se tradujo a muchos idiomas,
expandiéndose aún más por el mundo. Era texto, sin ilustraciones ya que Alberti era
humanista. Escrito en latín. Se publicó y tradujo relativamente rápido. Gran acceso a la
teoría de la arquitectura. Se irán acompañando de ilustraciones, ya que será más práctico.
Detalles constructivos, tipologías y elementos de la construcción. (No son de Alberti) pero
nos introducen a la función de los tratados de difundir de modo gráfico las claves del
método arquitectónico.
V. RENACIMIENTO Teoría I

Fachada de Santa Maria de la Novella, Iglesia de Sant’Andrea en Mantua (recuerda a las

termas romanas), Templo Malatestiano en Rimini (inacabado).

Tratado de Filarete: no se imprime. La ciudad ideal, Sforzinda. Forma ideal, idea de

planeamiento, no orgánica. Pensada de nueva planta. Da paso a Palmanova.

Tratado de Francesco di Giorgio Martini: tampoco se imprime. Es una relectura de

Vitruvio. Cómo se piensa el cuerpo humano como referente absoluto en la arquitectura. La
planta del edificio como si de un cuerpo humano se tratara.

Tratados de Serlio: De los más influyentes junto a los tratados de Vignola. La palabra
acompaña a la imagen, predominio de la imagen. Nos muestra edificios que existen.
Ejemplos arquitectónicos actuales como el templete de San Pietro de Montoglio. Ejemplos
que predicen el barroco de Borromini y Bernini. Gran importancia de la arquitectura civil:
palacios, por ejemplo.

Regla de los cinco órdenes de arquitectura de Vignola.

La importancia de la recuperación formal del pasado, no solo en la arquitectura sino en la

literatura, pintura, etc. Encuentra una guía en el pasado. Por primera vez es muy evidente.
Ejercicio reflexivo muy importante. En el s.XV y XVI ya hay una conciencia del pasado, de la
historia.

Se construye remitiéndose en el pasado: arcos de triunfo, entablamentos, columnas, planta

central, etc. En la edad media el conocimiento se transmite por la práctica, por osmosis. El
aprendiz aprende del maestro. El artista y artesano no le caracteriza el don, sino a la
práctica y el aprendizaje.

En el renacimiento hace que la individualidad humana pueda ser resaltada. El artista es

más importante. Da Vinci, reclama que el artes es liberal, puede hacerse entre el
pensamiento intelectual más elevado. No requiere de esfuerzo físico, por lo que es
humanista. La pintura es un arte liberal más cercano a la escultura y la arquitectura, que
requiere de materia. Encarna la figura del genio renacentista.

Leonardo Da Vinci usa el arte no solo para el deleite estético sino también usa el dibujo
como análisis de la realidad y como una herramienta para descubrirla y revelarla. En sus
dibujos se muestra ese interés por absolutamente todo; hasta los pliegues de la tela, la
anatomía humana y sus gestos, el movimiento de los animales, se llega a explorar con
cadáveres para aprender. El dibujo es artístico y técnico a la vez, posteriormente se
separarán.

Predomina una concepción mecanicista de la naturaleza; se entiende la ordenación de los

miembros y de los elementos, que pueden generar movimiento, como si de una máquina se
tratase, se podría emular el vuelo de los pájaros. Leonardo hace un intento de volar (dibujos
y esquemas basándose en esa concepción mecanicista).
V. RENACIMIENTO Teoría I

También se dedica a diseñar inventos (en papel) y armamento ya que trabajaba para la
familia Sforza. Las cuestiones defensivas van cambiando debido a la introducción de la
pólvora a gran escala.

No hay mucho de arquitectura, ni mucho menos construyó. Muchos de sus dibujos se

conocieron después de su muerte y su Tratado de la Pintura se publicó póstumamente.

Palladio (1508-1580). Proviene del mundo de la cantería, del trabajo de la piedra. Será
importante conocer el objeto arquitectónico. Es un arquitecto práctico (construye) y a su vez
escribe un tratado; 4 Libros de Arquitectura. Al igual que Alberti, define lo que es para él la
estética. Por primera vez se exponen dibujos, muy parecidos a los de un tratado de
medicina, diseccionando el cuerpo arquitectónico. Dibujos grabados en madera, predomina
la línea. En el primer libro habla de los órdenes, es muy preciso.

Palladio en la antigua basílica medieval de Vicenza, donde se llevan a cabo actos

municipales, logra convertir un edificio medieval en un edificio renacentista; recubre la
gran sala medieval con la lonja “palladiana” con un orden superior e inferior en fachada,
siguiendo un ritmo. Orden dórico muy claro en planta baja con sus triglifos y metopas en el
entablamento al que se le superpone jónico con entablamento, sin friso decorado. Utiliza
elementos propios de la ornamentación clásica.

En la Villa Forni-Cerato (1541) nos encontramos con una arquitectura desnuda. La

arquitectura renacentista no es solo piel, no es solamente la superposición de un lenguaje
clásico a un edificio que puede ser cualquier otra cosa. Aspira a ser una determinada
relación de las partes con el todo, de tal manera que se puedan conjugar de manera
armónica y que pueda haber un juego geométrico que despierte ese sentido de la belleza
innato como dice Alberti. Palladio busca la armonía a través del volumen, de las líneas, de
los juegos geométricos, etc.

En la Villa Capri o Villa Rotonda se ve algo similar. Es cierto que hay pórticos de orden
jónico que siguen las reglas de composición que recuerda a un templo. Pero la belleza de la
villa radica en su composición volumétrica; en el escalonamiento de los diversos cuerpos
que le dan ese carácter tan especial, simétrico. Totalmente proporcionado, tanto en planta
como en sección.

La Villa de la Malcontenta. La armonía del alzado se debe a la los volúmenes, las formas,
las relaciones de los elementos entre sí, la composición de los huecos y los llenos,...

En sus iglesias en Venecia utiliza los órdenes. Puede haber una arquitectura clásica o
clasicismo sin elementos del lenguaje clásico o simplemente insinuados. En las iglesias
venecianas juega también con los volúmenes de manera más artificial (artificio; juego o
divertimento). Resuelve una iglesia de 3 naves, tan característica del tipo basilical de las
iglesias cristianas a su vez manteniendo el carácter del templo. Il Redentore (1567-1577)
aún más juego de volúmenes y planos; juego compositivo salvando las proporciones
del templo clásico.

El paso del renacimiento al barroco no es tan rompedora. La importancia del tiempo en la

arquitectura, siendo un cambio de evolución. Arquitectura ideal, proyectada pero no
V. RENACIMIENTO Teoría I

construida. No solo circula gracias a la imprenta y los grabados lo construido, sino lo ideado
e imaginativo. En Vignola la imagen traspasa la importancia sobre el texto.

La presencia de la tradición es un elemento muy importante pero se pone al servicio de esta

capa primera regida por las reglas clásicas. Empieza un proceso de evolución y
transformación. Surgen arquitectos que introducen novedades sobre el modelo esencial,
van introduciendo matices y cambios.

Miguel Angel ya plantea cambios hacia la arquitectura barroca. Es el arquitecto arquetipo

del renacimiento y nos acerca al barroco. Nos acerca a ese movimiento y vibración que da
lugar a las formas barrocas. Por su carácter de genio que se le reconoció en vida, triunfó en
todas las artes, artista total:
- El David (1501) en la academia de Florencia (escultor)
- Pinturas en la Capilla Sixtina (pintor)
- Sonetos con planteamiento neoplatónico (poeta)
- El Campidoglio (arquitecto). Grandeza de los grandes conjuntos romanos.
Proyección de esa imagen de la ciudad ideal. Marco arquitectónico para crear un
marco visual de la ciudad. Planta trapezoidal, dando mayor amplitud para facilitar la
perspectiva.

Novedades como introducción del Orden Gigante: cuando los órdenes (las pilastras y
demás elementos de decorum) ocupan dos pisos, regulando el conjunto. Juegos de
entablamentos. Siguen habiendo elementos que caracterizan a la arquitectura clásica:
simetría, proporciones, sobriedad, elegancia natural.

Se mantienen las características del renacimiento pero hace ciertas innovaciones como el
Orden Gigante. Comienza a partir el frontón. Modifica los elementos básicos de
composición de procedencia clásica. El frontón partido y las volutas son propias ya del
barroco.

Esta evolución respecto de la arquitectura renacentista original se ve manifestada en la

Iglesia de San Lorenzo, en Florencia. De modo espacial, se ven esas tensiones entre los
orígenes y esa vibración “que está rompiendo ese cascarón” del renacimiento. La basílica
es de Brunelleschi, la capilla de los Príncipes es posterior. Miguel plantea la sacristía y la
Biblioteca Laurenciana.

La Sacristía nueva es una réplica (es simétrica) de la sacristía vieja que construyó
Brunelleschi. Miguel proyecta la fachada, que a día de hoy, aún no tiene. Es un espacio
funerario, contiene los sepulcros de los Medici.

Con la sacristía antigua conserva la misma planta (el mismo espacio cúbico) y un marco
compositivo similar (bicromático) que delimita las líneas esenciales, y una cúpula. A partir
de aquí, hay muchas diferencias; el espacio de Brunelleschi es mucho más tranquilo, más
plano. En cambio en la sacristía de Miguel Angel en la pared está toda construida; líneas
sobre líneas. Orden gigante: encontramos un orden inferior en los huecos que deja el orden
gigante. Frontón partido en un vano que no tiene hueco. Se le da mucha importancia a la
composición. Juego contínuo de los elementos que busca, de cierta manera, burlarlos a
base de su su repetición, de su abuso.
V. RENACIMIENTO Teoría I

Todo ello crea en el muro una “vibración”. La arquitectura como marco para la escultura y la
escultura como complemento para la arquitectura. En los sepulcros, las imágenes
representan el principio y el fin. No son alegorías religiosas. El uso de la elipse,
remitiéndose a esa visión neoplatónica.

Muchas esculturas inacabadas, la idea está.

16:28
El barroco es movimiento, vibración. La arquitectura renacentista está en silencio, la barroca
es sonora, en plena vibración.
La espiral habla de ascensión, a la sabiduría.

16:42
El dominio de las formas geométricas, trayéndonos a

16:50 - termina explicación teórica -

VI. BARROCO Teoría I

BARROCO

Contexto:
Reforma luterana
Concilio de Trento (1545-1563)

LA FUNCIÓN DE LA IGLESIA

La Iglesia ha sido hasta entonces muy importante en el desarrollo del conocimiento. Acaba
sufriendo las consecuencias de las malas actuaciones y gestiones de su propia institución.
Tiene que reivindicarse.

Dentro de este nuevo periodo monárquico (monarquía absolutista). En 1513-19 nace la

semilla protestante de la reforma de Lutero. Monje que se forma sobre la Biblia y la
religión. Acentúa esas dudas superficiales de San Agustín. Todas sus dudas las pondrá en
cuestión con sus alumnos.

¿Cómo puede ser que el hombre se libre de todo mal y de sus pecados por creer en Dios y
pagar a la Iglesia por ellos? Incongruencias. La Iglesia necesita dinero para construir San
Pedro. Inicia una campaña para captar dinero, para pagar el perdón. Podías cometer todos
los pecados que si tenías dinero podías pagar tu perdón (indulgencias) y salvarte de la
condena eterna. Perversión de la Iglesia.

95 tesis de Lutero: escritas en alemán y ancladas en una puerta de una iglesia, expone todo
lo que no funciona en la Iglesia. Expone la corrupción, condena el comercio de las reliquias,
negaba la divinidad del papado, está en contra de la adoración de imágenes, etc.

Gana muchos adeptos en Alemania, no solo el pueblo sino también intelectuales. Traduce la
Bibia al Alemán para acercar los textos bíblicos al pueblo, el libro más leído gracias a la
impulsión de la imprenta.

En el Almagesto de Ptolomeo se imaginaban el universo y toda la física de una manera que

no era. Hasta ese momento, en lugar de adaptar el modelo cosmológico de la Tierra como
centro del universo, adaptaban todo lo demás, apaños. Para Copérnico debía ser perfecta
la explicación y solución. Su revolución es totalmente contraria a la actual, pasando de un
modelo concéntrico a uno helicoidal. Busca la perfección.

Giordana Bruno será un seguidor de Copérnico. Irá más allá del modelo helicoidal. Elimina
las estrellas fijas, haciendo sin querer, la infinidad del universo. También afirmará, de
manera teórica y filosófica, de vidas extraterrestres.

La Inquisición no puede dejar pasar estos cambios tan drásticos no sólo en la religión sino
también en la sociedad.
VI. BARROCO Teoría I

LA CIENCIA

Kepler, asumiendo la teoría copernicana, corrige las órbitas circulares de Copérnico y

definiéndolas elípticas calculándolas matemáticamente, definiendo el Cosmos. Definió
cuantitativamente el Universo. A día de hoy trabajamos con esas leyes.

Según Thomas Kuhn, el conocimiento científico es acumulativo pero da lugar a sistemas

diferentes de pensamiento.

Galileo se considera filósofo y también matemático. Afirma que las conclusiones

matemáticas tienen repercusiones teóricas. Teoría, física y matemática de la naturaleza.
Hace una gran campaña por el Copernicanismo. Le escribe a Kepler que ambos eran
Copernicanos, alertándole de la peligrosidad de la campaña y de que puede terminar como
él.

Para él la respuesta de todo está escrita en el universo. A través de la observación del

universo con el telescopio, dibujando la luna, los anillos de Júpiter. El telescopio nace en
Holanda como juguete para observar desde los navíos la tierra o en el mar, otros navíos. La
gente desconfiaba de Galileo y aún más del telescopio (instrumento entremedio para
interpretar la realidad). Intenta plasmar sus observaciones en libros.

En 1615 se hace una condena pública al copernicanismo. Cardenal Bellarmino escribe la

Carta a Foscarini:
- Todas y cada una de las palabras de la Biblia son material de fe.
- La Iglesia es el único juez autorizado para interpretar el texto bíblico, que debe
entenderse literalmente
- La teoría copernicana sólo debe ser considerada un instrumento de cálculo
- Los filósofos no deben entrar en el tema de la compatibilidad de la teoría
copernicana y la Bíblia.

Galileo, que tiene buena relación con el Papa Urbano VIII dialoga y debate con él esta
censura, consiguiendo la publicación de su libro sobre teoría Copernicana. Diálogo sopra i
due massimi sistemi del mondo, ptolemaico e copernicano (1632). Galileo modifica su
teoría por la Iglesia, diciendo que es juego matemático, una hipótesis. ¿No hay
consecuencias teóricas de los avances científicos? Distanciación entre estas dos ramas, a
partir de este momento. Galileo fue recluido al final de su vida por sus ideas.

Descartes. Comparte esta visión mecanicista de la naturaleza, como una máquina que
sigue con leyes que podamos entender gracias a la ciencia, las matemáticas y la geometría.
Duda de todo, y planteándose con qué se puede quedar. Lee mucho. Se queda con la física
y matemáticas de Aristóteles y la Teoría Copernicana.

Discurso del método. Análisis que hace partir de lo más mínimo, construyendo el
conocimiento partiendo de lo más simple y rechazando de lo que no estemos seguros. A
partir de esos axiomas elementales dogmáticos descubre axiomas más complejos.
VI. BARROCO Teoría I

Francis Bacon es totalmente contrario a este método de alcanzar el conocimiento. Apuesta

por un método inductivo, a partir de experimentos. “Ascenso mesurado y gradual, de forma
que solo al final se llega a los más generales.” . Usando los inventos científicos, valiéndonos
de los inventos y el progreso de la ciencia, conseguiremos avanzar y demostrar cosas.

La Nueva Atlántida es una visión utópica de que el conocimiento de la naturaleza tenía

consecuencias teóricas, siendo base para la política, economía, etc de la sociedad. Idolatra
a la ciencia. Busca un método racional, a través del empirismo, de cosas concretas.

Newton añade la fuerza a la concepción del mundo. Leyes de movimiento. Vuelve a hacer
hincapié en los principios matemáticos de la naturaleza. La ciencia debe estar apoyada de
ciertas instituciones que le permitan avanzar.

Fundación de la Royal Society de Londres (1660). A los proyectos científicos se le añaden

las artes y la arquitectura. Por primera vez el Estado invierte y les dan cierto poder ya que
da fuerza al estado gracias al conocimiento. Primer momento para las posteriores
academias de las artes. Institucionalización del saber. Recuerda a la organización de los
gremios. Real Academia de la Arquitectura, Francia (1671). Hace los primeros inventarios
de obras antiguas y construcción de edificios.

Con la acumulación de conocimientos por parte de las academias, se acabará llegando a

una ordenación del saber y hasta el surgimiento de la primera Enciclopedia. Esa obsesión
de organizar el conocimiento y poner límites al conocimiento de la arquitectura la tienen
Alberti, Palladio, Vignola, Serlio,... es fruto de esa obsesión que también se tiene en otros
campos

Durante el periodo feudal el Estado era mucho más débil, muy fraccionado. El orden de la
sociedad recaía en la figura de la Iglesia, los reyes gobernaban en sus propiedades. A partir
del s.XV y hasta la Revolución Francesa (1789) se produce un cambio al modelo
absolutista que implica una Iglesia debilitada (por la reforma Luterana) y un rey jefe de
Estado. Resurge el comercio transoceánico y las primeras formas de capitalismo y
mercantilismo. Los estados europeos serán mucho más ricos.

“El estado yo” → centralización del poder. Frase de Luis XIV. Apogeo del absolutismo.
Surgirá la ciencia política.

EL ESTADO BARROCO: ABSOLUTISMO

Los Estados que dan apoyo a estas academias son un nuevo modelo político; el absolutista.
El primer estado absolutista o el primer modelo de Estado absolutista se configura bajo el
reinado de Luis XIII en Francia entre 1610-1643. Se dice que este primer estado está
fundamentado en las teorías Hobbesianas, en la teoría del Leviathan.

En el Leviathan es una teoría política donde se expone que en en estado natural, donde se
dejara al libre albedrío a las personas, imperaría una guerra egoísta de todos contra todos y
acabaríamos matándonos. Si no hubiera una especie de leyes y de orden que nos
permitiera una convivencia, nosotros de manera “primitiva” (o estado de naturaleza)
VI. BARROCO Teoría I

acabaríamos matándonos entre nosotros. De ahí va a la idea de que los hombres para
subsistir se han visto obligados a convenir/acordar una especie de contrato en el que
transfieren sus derechos naturales a un Estado cuya soberanía acaba siendo absoluta.
Cada vez que damos poder a un Estado estamos dando parte de nuestras libertades
naturales. Este Estado está representado por el Rey, la forma más perfecta según Hobbes,
el Leviathan.

El gobierno de los monarcas absolutistas (Luis XIII, Luis XIV - el rey Sol, etc) terminó con la
Revolución Francesa de 1789. Luis XIV representa la idea del estado escogido divinamente,
“el estado soy yo” - el rey. Mediante decretos, el rey gobierna e impone esas leyes.
VII. ILUSTRACIÓN Teoría I

DESARROLLO CIENTÍFICO S. XVIII - ILUSTRACIÓN

Las Academias es donde se establecen las leyes para cada una de las disciplinas. Se
ordena el conocimiento, previamente difundido de persona a persona a estar impartido por
una sede.

En el momento en que Newton publica las leyes de la gravitación universal, todo da un

vuelco. Todo está regido por las mismas leyes, desde lo que pasa en la Tierra hasta lo que
pasa en el mundo. Todo repercute en nuestro mundo. Las ciencias de la naturaleza adoptan
la misma importancia que la filosofía o las ciencias políticas. En el s.XVIII se plasman las
ideas teóricas a papel. Lavoisier, Coulomb o Buffon → científicos.

Voltaire hace un trabajo de difusión de los Principia por Inglaterra y Francia. “Se ha
accedido a la verdad a través de la razón.”

Estos avances científicos son la semilla de la Ilustración. Los experimentos, la ciencia y la

razón se convierten en herramientas de conocimiento. Descartes con su Discurso del
Método pone toda su fe/confianza en la razón.

Mientras se desarrolla esta fe en la Ilustración, en arquitectura se está produciendo una

transición de Barroco a Clasicismo (neoclasicismo). Luis XIV en 1668 le encarga a Perrault
la nueva fachada del Louvre en lugar de a Bernini.

Claude Perrault es un científico que forma parte de la academia de ciencias. Está

interesado en ordenar la arquitectura como una ciencia. Estandariza la arquitectura.
Establece unas leyes que hacen que la arquitectura funcione y sea bella. Encuentra muy
importante la traducción de Vitruvio, la traduce al francés e introduce ilustraciones y
ejemplos de arquitectura francesa.

En el s. XVIII empieza la Ilustración. Conquista de la razón y ansia de conocimiento. Uso de

la razón y experimentación. Generalizar y ordenar todas las ideas anteriores, revisarlas y
proponer algo nuevo. Este pensamiento basado en la razón se extiende a los burgueses. El
conocimiento quiere ser compartido.
“ La Ilustración es la salida de su minoría de edad, de la que él mismo es culpable. Minoría de edad es la
incapacidad de servirse de su entendimiento sin la dirección del otro”. - Kant. Respuesta a qué es la
Ilustración. Se libera del yugo de la religión, escepticismo.

El comercio y el colonialismo, siendo métodos de conocimiento de otras culturas.

Antropólogos como principales documentadores de esas tierras lejanas. Las colonias no
podían fabricar cosas que hicieran competencia a los productos europeos. El triángulo
comercial: Europa (productos manufacturados) - África (esclavos) - America (café, algodón,
etc).

Difusión cultural: Enciclopedia, salones, periodismo, opinión pública.

VII. ILUSTRACIÓN Teoría I

Los salones eran lugares donde se discutían ideas a través de la razón. Los aristócratas
acogen estos debates en sus casas. Estas ideas se ven plasmadas en la Enciclopedia.
“Diccionario razonado de las ciencias, las artes y los trabajos”. 17 tomos.

El periodismo nace en el s.XVII y gracias a él se crea la opinión pública. Montesquieu

cuando visita Londres dice que le llama la atención que los fontaneros lean la prensa, no
solo los intelectuales leen los periódicos, accediendo al conocimiento y creando opinión
pública.

Crítica a la monarquía absolutista: Hume, Lessing, Locke. Montesquieu y Rousseau hablan

de libertad y bienestar. Estas ideas tan revolucionarias desembocan en la Revolución
Francesa. La ilustración acaba con ella (1789).

Voltaire ataca el Catolicismo en Francia, separación de la Iglesia-Estado. Estado laico y

libertad/tolerancia religiosa.

En la filosofía se relega el concepto del alma. Se produce una especie de negación. Deísmo
naturalista, Dios está en todas las cosas, deja de ser alguien alejado y malo. Todo se podía
descubrir desde este mundo. Visión materialista del mundo, propia de la Ilustración.

La razón está por encima de la tradición y autoridad. La idea de autonomía que introduce
Kant, continúa con el idealismo alemán. La posibilidad de crear un pensamiento propio y
autónomo (auto - nomos). El uso de la ironía como método para criticar la actualidad.

2 posturas ilustradas: racionalismo y empirismo. El racionalismo sale de la inducción

(Leibniz, Spinoza, Descartes). Empirismo: analizar la realidad y racionaliza luego.(Locke,
Shaftesbury, Hobbes, Berkeley, Hume, Francis bacon)

La conciencia histórica es saber que somos un sujeto histórico, una pequeña parte de la
historia y que estamos en el resultado de conocimiento y acciones anteriores. Va ligado a la
idea de progreso, avance positivo (Gimbatista Vico, Darwin, Piranesi, John Soane, Hegel,
Marx). Ortega y Gasset se pregunta a principios del s.XX qué ideas entendemos por
progreso y qué es el progreso en sí.

Thomas Hobbes habla de que el ser humano por naturaleza es malo. Habla de un
contrato social, el Leviathan, que un rey ha de organizar. Rousseau habla de la piedad
presente en el estado de naturaleza del hombre, pero en la sociedad en la que se halla, no
puede serlo. Prepara una crítica romántica a la ilustración.

Arquitectos considerados ilustrados:

- Claude Perrault (1613-1688)

- Marc Antoine Laugier (1713-1769) → es ilustrado pero es complicado catalogarlo. Es
un “rebelde” del mundo de la arquitectura ya que a través del mito de la cabaña
primitiva (que ha sido muy discutido a lo largo de la historia.
VII. ILUSTRACIÓN Teoría I

La arquitectura debería volver al principio de la naturaleza. La identidad de la

arquitectura no es ornamental. Intenta liberar a la arquitectura de reglas
arbitrarias durante todo el periodo barroco, devolviendola a la simplicidad de la
naturaleza. No apoya la imitación ciega y sobretodo por esta confianza en los
antiguos a la hora de crear (Vitruvio). Deberíamos ponerlos en duda.

Propugna una arquitectura más racionalista y funcional, despojada de todas las

frivolidades que ha ido adquiriendo a través del tiempo. Hace de la cabaña primitiva
el gran principio para definir todas las leyes inmutables de la arquitectura.

- Giovanni Battista Piranesi (1720-1778) → mirada melancólica al pasado

- Étienne-Louis Boullée (1728-1799) → Cenotafio de Newton (1784). Admiración
hacia la razón, y esa detección en la naturaleza que también vemos en Laugier.
- Claude Nicolas Ledoux (1736-1806) → proyecto de las Salinas. Propone un método
más racional en la arquitectura. Distribución de los obreros alrededor de una
fábrica. Es un modelo que se ha mimetizado más adelante, ya que es racional.
- John Soane (1753-1837)

Se empieza a apelar a los sentimientos y sensaciones del sujeto. Nace la estética

(entendida como ciencia) en el s.XVIII. Apelar a la sensibilidad, cómo se entienden las artes.
El problema del gusto (Hume), la figura del genio, los artistas son genios? (Diderot,
Baumgarten, Shaftesbury). Lo bello y lo sublime (Edmund Burke, Boullée, Kant).

Hacia principios del siglo XIX encontramos textos típicamente románticos, como Heggel.

¿Está preparada la razón ilustrada para explicar el arte y estos conceptos?

VIII. ROMANTICISMO Teoría I

ROMANTICISMO

Conceptos: nacionalismos, poesía, naturaleza e infancia, emoción, gracia-conciencia,

lenguaje, inconsciente, proyecto histórico.

El romanticismo como momento histórico es una revolución, es una crítica/respuesta a la

ilustración que triunfa ya en el siglo XIX. Es una respuesta a la obsesión por la razón,
que llevada al límite puede acabar agotando la idea, cansando. Ponen en duda que todo se
pueda explicar a partir de la razón. Se da importancia a la sensibilidad, a la emoción.
Viene de este surgimiento de la estética (ciencia de la sensibilidad) y de los escritos de los
pensadores de finales del siglo XVIII.

Rousseau ya tenía una actitud típicamente romántica; en la infancia hallábamos una actitud
mucho más bondadosa y natural (hacia el que había que apuntar). “Somos buenos por
naturaleza, la cultura nos hace peores personas” . La infancia como lugar al que vale la
pena volver, lugar de pureza e inocencia → uso del inconsciente. Mucho más valorada
que antes. Adquiere mucho más protagonismo.

El ser humano es de alguna forma un Dios cuando sueña y un mendigo cuando reflexiona.
“La piedad es pre reflexiva” → no es algo que razonemos, sale natural.

El arte responde a esta actitud intentando tocar las emociones directamente para llegar al
inconsciente y esa sinrazón. La concepción romántica respecto al arte es que la razón
nunca sería capaz de producir los sentimientos que sí produce el arte. La razón es
interpretable, se puede dividir en pequeñas partes (como explica Descartes en El discurso
del Método). La emoción no se puede explicar.

La exaltación de la naturaleza también es una característica importante del romanticismo.

La poesía será el centro de todas las artes, superior. Es en la poesía donde encontramos
por excelencia la radicalidad y toda la fuerza de la belleza. Es directamente imaginación,
nos hace volar, soñar, nos obliga a imaginar. Es muy capaz de transmitir la emoción de la
que requiere el arte para su creación.

Nombra sin nombrar; las cosas no se pueden decir directamente. En el momento en que
las decimos directamente se pierde toda la mística de esa idea, las posibilidades de
imaginación de esa idea, lo que suscita. Se da rodeos, se nos deja entrever; de esa manera
se abre todo un mundo de posibilidades de imaginación. El uso de la consciencia es mortal
para el arte. No tenemos que intentar razonar y entender lo que vemos en una obra de arte
(como diría Sontag).

Admiraban los sueños. Escucharse a uno mismo desde el inconsciente que suponen los
sueños y atender a ellos, escribir sobre ellos. Se despierta la fuerza del inconsciente. Se
empieza a confiar en él.
VIII. ROMANTICISMO Teoría I

El lenguaje se empieza a valorar, su uso, las distintas técnicas: analogías, silencios,

ritmos,... El cómo escribían empezaba a provocar unas emociones distintas en el lector;
una forma distinta de percibirlo, una sensibilidad distinta. De aquí la importancia de la
poesía.

Escriben la frustración de no poder encontrar las palabras para explicar emociones o

sentimientos. La razón es insuficiente para explicarlo todo.

Nueva literatura gracias a este interés por el lenguaje; se escriben por primera vez textos
breves que explican ideas abiertas y compendios de aforismos, poemas, nubes de ideas,
textos donde el autor se deja llevar expresando sus emociones.

Nacionalismos por la exaltación del lenguaje. Búsqueda del origen e identidad de las
culturas. Una especie de infancia de las culturas. ¿De dónde venimos? El nacionalismo
como un sentimiento de pertenencia a una comunidad (no un lugar físico).

La idea de que una nación, una comunidad ha vivido cosas como conjunto, tiene un pasado
histórico perdido que le ha llevado donde está, va ligado con el concepto de conciencia
histórica y de proyecto histórico.

En el momento en el que te das cuenta de que formas parte de una cronología temporal y
que eres el resultado de lo que venía antes; eres la consecuencia y lo que hagas repercutirá
a los que vengan después de ti, por lo que formamos parte de un proyecto histórico. La
filosofía incluye la historia de la filosofía y debemos pensar la historia y nuestra posición en
el mundo en relación a la historia venidera.

Surgirán formas de pensar como es la filosofía en la historia, la concepción de la humanidad

como un proyecto histórico.

La filosofía de Hegel entiende el ser humano como sujeto dinámico, en movimiento, ya

que lo que hagamos afectará después ya que formamos parte de un continuo movimiento
de la historia. No nos quita capacidad de acción. Nos hace ser conscientes de que
formamos parte de un cambio constante. Habla sobre el espíritu.

Marx analiza la historia en clave materialista. Hace una historia de la

economía/interpretación económica que le sirve para explicar lo que debería suceder en el
futuro y hacia dónde cree que tiende la sociedad.

A través de entender que formamos parte de la melodía o coreografía de la historia,

también surgen las ideas de libertad y revolución. Una actitud propia del romanticismo es la
acumulación desordenada de conocimiento y dejar fluir las ideas. No hay una intención
ordenadora como sí tenían los ilustrados.

El arte romántico se entremezcla con neoclasicismo, rococó,... En la pintura, pinturas de

Turner, en las que no se dibuja nada claramente, se deja entrever realidades pero no de una
forma muy evidente, sino “a través del rodeo”. Esas cosas que deja entrever dan paso a la
imaginación y a la propia interpretación.
VIII. ROMANTICISMO Teoría I

En música, encontramos a Beethoven (típicamente romántico), Bach, Mozart….

Schinkel es un arquitecto difícil de definir. Catedral sobre una ciudad (1813), pinta una
catedral que no se sabe cual es; abre un mundo yendo más allá de lo que existe, es un
mundo imaginario. Es neoclásico (Alles Museum, Berlín, 1823-30) , ilustrado pero en
algunas obras arquitectónicas o pictóricas es romántico. Esa mirada con nostalgia, ese
origen perdido, es una actitud romántica.

John Soeane es romántico cuando en su casa de Londres (1812) no encontramos

arquitectura que está cumpliendo con leyes o normas, está mostrándose a sí mismo. Es un
museo de sus obsesiones. Encontramos a la persona en sí, a través de las antigüedades
que va coleccionando, su interior. Es una intromisión en su persona. Es un romántico en esa
desnudez, en esa acumulación del peso de la historia de forma desordenada. Acumulación
de información sin filtro. Es un historicista.

Riegl, Violet de Duc, Ruskin también son románticos - a su manera. Las siete lámparas de
la Arquitectura de Ruskin o las Piedras de Venecia. Lo vemos en su descripción y dibujos
de los edificios de Venecia, y aquello que destaca de esos edificios, muestra lo más
vulnerable de esa arquitectura. Muestra hasta cómo envejece.

Riegl y su visión del patrimonio y esa capacidad de discernir entre los tipos de valores que
damos a los objetos con los que nos encontramos y por qué damos ese valor a los objetos
antiguos. Se empiezan a hacer inventarios patrimoniales, históricos, propio de esta etapa de
la ilustración y la ilustración.

¿Violet Le Duc se le podría llamar romántico? Ciertamente tiene ese interés por el
patrimonio, y hace un intento en volver la cosas a un estado que seguramente nunca
llegaron a estar, no se sabe si es una actitud romántica.

Goya, gran ilustrado español, se tomó una especie de “revancha” del pintor cortesano, y con
una actitud casi romántica, en sus pinturas negras y grabados, muestra la guerra desde el
aspecto heroico de antes, sino desde la violencia y su lado más crudo. Enseña la parte más
dolorosa de la guerra y el lado más inconsciente e íntimo de esos personajes que nos
muestra en sus cuadros.

Hay actitud romántica de los arquitectos, pero no hay arquitectura como tal.

En el jardín inglés podríamos encontrar en el modo de tratar paisajísticamente el entorno.

En ese parque se conforma a partir de restos de épocas pasadas, incluso imita ruinas en
algunos casos. Creaciones románticas que tienen que ver con el espacio. Los proyectos de
Boulée también tienen algo de romántico; esa desmesura, de asombro de lo sublime, de lo
sobrecogedor.
IX. SIGLO XIX. LA CIUDAD Teoría I

SIGLO XIX. LAS CIUDADES

Se acuña la palabra Urbanismo. No se había considerado que las ciudades lo necesitaran.

¿Cómo es esa ciudad hereditaria de los avances tecnológicos de la Ilustración? En la
Ilustración ya se mostraba el temor a un mundo mecanizado. Justo en este siglo se
materializa ese tipo de ciudad: la Ciudad Industrial.

Tesis del final de la Historia: Hegel. Solo nosotros, los sujetos que damos la forma a lo
bueno y a lo malo, somos capaces de cambiar las cosas. Fukuyama en 1992 escribe El fin
de la historia y el último hombre después que cayera el muro de Berlín (1989).

Manifiesto Comunista (1948). Karl Marx. Fuente de conocimiento de la vida en la ciudad en

el siglo XIX. Analizó y calculó la vida en la ciudad. Acuñó términos como proletariado.
Analiza el impacto del capitalismo.

La burguesía ha sometido el campo a la ciudad. Ha creado urbes inmensas, ha aumentado

prodigiosamente la población de las ciudades a expensas de la de los campos, y así ha sustraído una
gran parte de la población a la sencillez de la vida rural. Del mismo modo que ha subordinado el
campo a la ciudad y a las naciones bárbaras o semibárbaras a las naciones civilizadas, ha subordinado
los países de agricultores a los países de burgueses, Oriente a Occidente.

------------------------------------------------

La burguesía suprime cada vez más el desparrame de los medios de producción, de la propiedad y de
la población. Ha aglomerado la población, centralizado los medios de producción y concentrado la
propiedad en un pequeño número de manos.

A partir de los conceptos que preestablece se da cuenta que es un voraz consumo de vidas
humanas. Proletarios: su única propiedad es la prole (hijos). Es un crítico de la ciudad, más
allá de su posterior pensamiento política. El consumo y la industria se ha acelerado
respecto a las otras épocas. El capitalismo es una rueda imparable. Ansia de consumo,
“consumismo”.

Weber en La ética protestante y el espíritu del capitalismo constata que la religión

protestante es la predominante entre las clases capitalistas alemanas. Él argumenta que el
espíritu moderno del capitalismo ve el beneficio como un fin en sí mismo, y persiguiendo
beneficios como virtuosos. Un sistema de producción.

La ciudad crecerá de manera incontrolable. Éxodo del campo a la ciudad. Barcelona,

Manchester, Chelsea, … Todas las vías de transporte que se construyen para acelerar la
distribución y transporte de mercancías han establecido segregaciones y barreras físicas,
mentales y sociales.

Walter Benjamin habla sobre la situación de la mujer en esta ciudad industrial, trabajando en
las fábricas, cuidando a los hijos y teniendo cuidado de la casa. Tentativas sobre Brecht,
Iluminaciones III.
IX. SIGLO XIX. LA CIUDAD Teoría I

En las circunstancias actuales la familia es una organización para explotar a la mujer como madre.
Palagea Wlassova, viuda de un obrero y madre de un obrero, está por tanto explotada doblemente:
en cuanto perteneciente a la clase obrera en primer lugar y en segundo lugar, en cuanto mujer y
madre.

Esta paridora dos veces explotada representa a los explotados en su humillación más honda.

Cerdà también observó la vida en la ciudad. La esperanza de vida en 1837 del estrato no
privilegiado era de 19 años. Centenares de calles de menos de 3 y 6m de ancho. La idea de
Salvador Rueda de la Superilla apunta a la idea de que en las manzanas hubiera
vegetación.

Haussman, plan urbanístico en París, cortando sin miedo el trazado preexistente. Los
boulevares donde el flaneur que se pasea por ellas para ver y ser visto.

La importancia de la higienización y comunicación son ideas transversales en todos estos

planes urbanísticos que se empezaron a desarrollar a partir del s.XIX.

FORMAS DE REPRESENTACIÓN DE LAS FORMAS DE VIDA EN LA CIUDAD

La fotografía fue inventada por Daguerre en 1879.

La fotografía retrata a la sociedad más pobre, las formas de vida más banales y miserables
en la ciudad. Se convierte en un registro de la realidad, nos da una presencia real. “Un corte
del tiempo”. Pone su foco en los márgenes de la sociedad: niños trabajando en fábricas,
mujeres,... Retrata como dice Walter Benjamin la banalidad de la elección de los objetos, la
anonimidad de los fotografiados, ...

Roland Barthes dice: “ Llegará un día en el que no sabré si recordaré a mi madre o a una
fotografía de mi madre”

Los hermanos Lumiére inventaron el cine en 1897. Acumulación de pequeños instantes que
se sucede con la acumulación de muchas fotografías - fotogramas. Fotos aéreas, esa visión
de la ciudad desde arriba nos permite pensar cómo mejorar e intervenir.

El socialismo utópico, con propuestas de Robert Owen - Armony, Indiana (1825) y Charles
Fourrier (1772) proponen vida en colectividad. Surgieron críticas también por parte de los
arquitectos y urbanistas, Ebenezer Howard: Garden cities. Dejando de lado las utopías.

La fotografía pone en jaque al arte ya que le roba la capacidad de representación de la

realidad. El arte al principio hace el esfuerzo de salir a las calles y plasmar esos cambios
que han sucedido en la ciudad. ¿Cuál debe ser el papel del arte ?¿Qué es la realidad para
el pintor?

La pintura impresionista ofrece nuevas atmósferas como la nocturna, iluminación, … que la

fotografía no podía captar. El arte pasa de ser una representación de la realidad a ser una
IX. SIGLO XIX. LA CIUDAD Teoría I

concepción de ella. Reniegan del realismo. Buscan el efecto sensorial que el contexto
provoca al pintor.

Se revaloriza la artesanía a la industrialización. La revolución industrial degradada la ciudad.

El movimiento del Arts & Crafts en Inglaterra, negando el producto industrializado, en serie,
no es más que un movimiento desesperado por encontrar la belleza.

Morris decía que las manos iban a dejar de tener importancia. El aura de algo “original” que
se va perdiendo a lo largo del surgimiento expresada en La obra de arte en la época de su
reproductibilidad técnica de Walter Benjamin.

El surgimiento de la publicidad, instrumento del capitalismo para poder venderse, intenta

apelar a la necesidad de consumo del comprador. ¿Se puede considerar a la publicidad
arte, teniendo en cuenta su origen y objetivo?

La literatura. Dickens narra la cruda realidad de la ciudad, crítica. Kafka transformó la

literatura con sus novelas y escritos, hace una crítica desde el Castillo hasta la
Metamorfosis.

¿Qué sucede en el mundo del pensamiento, filosofía? Planta la semilla del arte abstracto
del s.XX. Los impresionistas intentan expresar de forma racional la realidad. Schopenhauer,
Wagner y Nietzsche como grandes pensadores.

Schopenhauer plantea un abismo entre lo racional y lo irracional, planteará el lado oculto

de las personas que solo se deja entrever en el arte. La música como arte superior. La
arquitectura al final, siendo el arte más material y real. No podemos captar todo el contenido
de la obra del arte, tiene que haber una parte de oculto y misterioso. Shopenhauer lee
filosofía oriental, sobre todo china. Habla sobre esa irracionalidad del arte, como una forma
de emoción que trasciende más allá de la realidad. La quietud, la meditación como ideas
innovadoras que traslada de las filosofías orientales.

Nietzche, seguidor de Schopenhauer, sigue con su idea del lado oscuro (dionisiaco). Y un
lado apolíneo, ordenado y bello. El arte tiene que ser una mezcla de los dos. El lado
dionisiaco que te destruye y arrebata y que el lado apolíneo que calma. Obra de arte total,
Gesamtkunstwerk.

Wagner, seguidor de Nietzsche, expresa esta idea de arte total en su música. A. Schönberg
también.

¿El arte tiene que reproducir la realidad, mímesis de la naturaleza? Desde luego que no.
Busca a través del sujeto, de la ciudad, de la naturaleza del artista,... ¿El arte buscando no
en la naturaleza, puede ser bello?
X. SIGLO XX Teoría I

SIGLO XX. VANGUARDIAS

Las ciudades del siglo XIX descritas por Marx, Benjamin… como insoportables.

Nuevos inventos como la fotografía, los invernaderos, el hormigón armado (combinar el

acero con el cemento portland). Toma un gran protagonismo en la arquitectura en el siglo
XX.

Encontramos una arquitectura que se ha revelado a la industrialización, desplegando

ornamentación exageradamente, intentando conservar la idea de belleza. El Modernismo
en Catalunya, financiado por la burguesía, que emprenderán las fábricas textiles que darán
forma a esa ciudad densa que fue la ciudad de Barcelona del s.XIX.

Hay un punto de inflexión en la arquitectura a partir de la primera guerra mundial gracias

al movimiento moderno y a arquitectos como Adolf Loos. Idea de arquitectura que no
necesita de esa ornamentación y buscar ese placer en su contemplación, sino más bien en
ser cómodamente vivida y a ser útil.

La fábrica de turbinas de Behrens (1908-9), empieza a dejar de ser un canto al ornamento y

una búsqueda desesperada de la belleza. Summerson dirá que esta fábrica se trata de un
templo de los antiguos sin los atributos ornamentales del clasicismo y que ha
reinterpretado sus necesidades funcionales; es una reinterpretación del templo, con sus
proporciones, con su colocación en el terreno sin las necesidad de los atributos
ornamentales del clasicismo.

Empieza a normalizar los materiales que hasta el momento habían aparecido, los avances
técnicos: el hierro, el vidrio,… Llevados al extremo en el Modernismo y en la arquitectura de
finales del siglo XIX, se empieza a normalizar y relajar su uso, entendiendo sus propiedades
y óptima funcionalidad.

Se empieza a esbozar un tipo de arquitectura más limpia y sencilla. Nueva sensibilidad

estética, que va transformando la arquitectura. Ya no se le está dando todo al espectador
para que esté agusto con lo que contempla sino que se le da una imagen más cruda. Con el
tiempo la sensibilidad del espectador también irá cambiando.

Viena y Adolf Loos.

Adolf Loos desafía directamente al Modernismo, no solo en su arquitectura sino también

en sus textos. Ornamento y delito (1931) empieza a distinguir una arquitectura doméstica
de una monumental de forma que reconoce que la arquitectura doméstica no tiene que
tener la opulencia y ornamentación que complazca al espectador.

Las casas de Loos molestaron e irritaron ya que se entendía que era arquitectura desnuda
(le denunciaron). Los interiores eran exquisitos; acertaba con la configuración espacial y con
el uso de los materiales que empleaba (creación de atmósferas, sin ser ornamental)
X. SIGLO XX Teoría I

buscando que fuera agradable vivir. Creía que lo más importante de la arquitectura
doméstica era el interior.

Loos, Schönberg, Wittgenstein, Schiele, Klimt, Kandinsky. Coetáneos en Viena. Klimt abre
el camino a autores como Schiele y otros autores vieneses que muestran un arte más
torturado. Pintor seguidor de Klimt, entiende el arte como un laboratorio, donde vale la pena
explorar. Empieza a elaborar un lenguaje propio que le permite definir el arte de una manera
diferente. El arte de Schiele no es confortable al igual que la arquitectura de Loos.
Disciplinas que desde el mundo del arte empiezan a ser poco confortables, empiezan a
buscar las sombras del mundo, a molestar al espectador. Schiele es un artista
incomprendido a diferencia de Klimt.

Kafka introduce en la literatura el sinsentido, que molesta al lector. Metamorfosis, El

castillo, Cartas a su padre, deja al lector caer en un sinsentido y en una incomprensión que
confunde al lector. A la vez hace una crítica a la sociedad del momento a través de ese
absurdo.

Klimt y Schiele mueren de gripe española y Kafka de tuberculosis. Kafka dio la orden a su
heredero de quemar toda su obra (a lo cual se negó).

Schönberg con la música atonal y dodecafónica rompe con la armonía anterior. El arte se
convierte en una pequeña transgresión que molesta. Es un arte experimental. No les
importa molestar y provoca enfado. Espectador y obra se distancian de forma irreversible.
Viena como primer lugar donde sucede esta ruptura del arte, como crítica a la tradición.
También se produce con otras corrientes como el cubismo.

Cubismo

Picasso y Braque en 1905 ya con sus exposiciones cubistas respondían un poco a esta
tradición clásica artística de forma reaccionaria. Nace en Francia y tiene dos etapas: el
cubismo analítico que busca descomponer totalmente los objetos y el cubismo sintético
en el que se descarta la perspectiva para representar todos los planos del objeto en la
misma obra.

Es uno de los episodios más extraños de las vanguardias porque es iniciado prácticamente
por estos dos artistas y porque sobretodo se trata más de un juego reaccionario que de un
manifiesto. No tiene una base teórica como tal, no se le puede llamar estrictamente una
vanguardia ya que éstas van acompañadas de manifiestos escritos elaborados (dadaísmo,
surrealismo, futurismo). Del cubismo no hay escritos.

Desde ese juego, sin vergüenza, consigue un tsunami de sensaciones encontradas entre
los pintores. Se oponen al realismo, van más allá del impresionismo y de una forma muy
desvergonzada. Esa actitud de alguna manera “ridiculiza” a todos los artistas anteriores. Es
la ruptura con la realidad más grande que la pintura ha sufrido hasta el momento.
Destruye la realidad y la recompone.
X. SIGLO XX Teoría I

El cubismo multiplica los puntos de vista y se niega a someterse a las leyes de la visión
que regían a la pintura. ¿Qué influencia tiene este laboratorio pictórico sobre las formas de
la arquitectura? (Le Corbusier)

Futurismo

Tiene programas y forman grupos para tratar temas. Manifiesto del Futurismo de Marinetti
(1909): deslumbrado con los avances de la modernidad científica y avances tecnológicos
del momento. Apuesta por el futuro y rechazan todo lo anterior. Apuestan por las ciudades
donde se implementen los nuevos materiales ya que consideran que la arquitectura debe
responder a la vida moderna y no a la vida pasada. Es un movimiento populista. El fascismo
inspira al futurismo (futuristas italianos como Marinetti se incribirían en el fascismo).
Inclusión del dinamismo como parte fundamental dentro de la obra pictórica y
arquitectónica.

El arte figurativo con el cubismo se descompone y se rompe con el arte abstracto. Siglo XX.

Arte abstracto

Kandinsky es fan de Schönberg. En él escucha una enorme libertad y a la vez una falta de
un relato congruente. Schönberg es en parte Shopenhaueriano, por esa idea de obra de
arte total (Gesamtkunstwerk) que muestra no solo lo armónico y lo equilibrado sino otro lado
mucho más libre, irracional y difícil de explicar que debe condensarse en la obra de arte.

Picasso empotra elementos reales en sus collages, Sí que hay algo de realidad aunque
después la desmiembre y la descomponga. Kandinsky va más allá; siente una especie de
revolución interior y buscar dentro de sí mismo - considera que el artista debe ser una
especie de mensajero de algún tipo de mensaje que no puede dejar de explicar - y debe
de ser un transmisor de mensajes hacia la población a través de sus obras de arte.

Tiene 3 etapas: las impresiones, improvisaciones y composiciones. Las impresiones, cierta

relación con el movimiento futurista. En las composiciones no se reconoce ya nada, es
arte abstracto. Pasa del arte figurativo de su etapa de impresiones al arte abstracto de una
manera progresiva. La abstracción es una huida, un escaparse. Es el pionero del arte no
objetual.

Kandinsky habla de una objetividad sin referirse a un objeto. Cuando habla de no

objetividad a uno de los capítulos más importantes del arte contemporáneo que es este
paso de lo figurativo a lo objetual y deja de lado la servidumbre de la pintura de siempre
depender de la realidad. La pintura se ha quedado sin objeto ya que se lo ha robado la
fotografía.

Buscan formas y gestos que sucederá con el expresionismo abstracto. La mímesis en

cambio no permitía descubrir la gestualidad y esa “brocha libre” por el lienzo. A partir de
este momento con Kandinsky se libera esa brocha, esa gestualidad es totalmente libre.
X. SIGLO XX Teoría I

Kandinsky buscaba que las formas abstractas le llevaran a emociones espirituales. En su

libro De lo espiritual en el arte (1912) se convierte en un buscador de emociones en el
receptor. Él es el creador de esas emociones. Mondrian es paralelamente parecido en ese
aspecto espiritualismo.

A Mondrian, vinculado al movimiento holandés Neoplasticismo (1917) o Constructivismo

Neerlandés, le sucede algo parecido. Era teosofista, también tenía concepciones
espirituales de lo que la obra de arte debía producir en el espectador. Como Kandinsky, al
ver las primeras radiografías al ser humano, le parece algo ciertamente sobrenatural.

Se obsesionan con cosas que no se comprenden de estos nuevos avances científicos, que
les parecen inexplicables y que por tanto, les lleva a imaginar mundos sobrenaturales y
realidades que no se pueden explicar más allá de la nuestra. No son ideas muy racionales
ya que son una constante fuga al mundo espiritual de Mondrian. Las líneas en sus cuadros
tienen significados profundos y espirituales.

La formulación de la Teoría de la Relatividad (1905) de Einstein plantea una revolución

física, que nos hace plantearnos otra naturaleza, como funciona el mundo con este cambio
de paradigma. Determina la estructura del átomo y elaborar de física cuántica a partir de
esta cuarta dimensión de orden matemático. Los artistas se preguntan y se imaginan esta
cuarta dimensión.

Suprematismo

El suprematismo de Malevich absorbe muchas de estas ideas europeas pero se lanza a

colonizar un mundo no perceptible visualmente. Mondrian y Kandisnky buscaban que la
pintura condujera hacia un plano de emociones. Malevich va más allá.

El cuadrado negro sobre fondo blanco es ese punto final, casi de la historia de la pintura.
Esa idea de fin de la historia hegeliana. Él cierra un ciclo de elucubraciones y
experimentos para abrir uno nuevo, que es arte que viene después. Sus cuadros transmiten
un deseo de trascendencia, de ir más allá. Una espiritualidad sin estar relacionada
directamente con la religión.

El suprematismo se fundó en Rusia antes de la 1a GM entre 1915-16 por Malevich. El

movimiento promueve esta abstracción geométrica en busca de la supremacía de la nada y
una representación del universo sin objetos. Rechazaba todo el arte convencional
entendido hasta el momento y buscaba la pura sensibilidad a través de la abstracción
geométrica.

Es una actitud mística. Malevich leyó a Shopenhauer, que le dejó cautivado con la idea de
voluntad irracional que actúa sobre todas las cosas y que le invita ir un paso más allá con
todas sus obras, conseguir que el arte y la pintura ya no sean materiales, no dependan
de este mundo banal sino que nos impulsen más allá. Quiere que sea tan inmaterial como la
música, que sea un arte mucho más elevado.
X. SIGLO XX Teoría I

Entrará en una concepción de la arquitectura con un suprematismo tridimensional, con los

arquitectones. Pasa a la arquitectura para dar un salto dimensional, por explicar que una
obra de arte podía ser tridimensional.

¿Si la pintura se adentra en este mundo de la abstracción, perderá todo su poder crítico o
su propia crítica será adentrarse en esta abstracción? Se está respondiendo a ella misma,
criticando al mundo del arte.

1a GUERRA MUNDIAL. Guerra de trincheras. (1914-1918). Morirá gente hasta el día antes
de finalizar la guerra. Mueren muchos artistas. 21 años después, 2a GUERRA MUNDIAL.
Los hijos de los supervivientes de la 1a GM son enviados a la 2a.

Suiza se mantiene neutral y precisamente allí es donde se funda el Cabaret Voltaire (1916)
y el inicio del Dadaísmo. Propone un rechazo total a todo lo anterior. Las circunstancias de
aquella guerra exigían no sólo la anarquía sino la destrucción de todo lo anterior.

Surrealismo

Al finalizar el movimiento dadá finaliza y se inició el Surrealismo. Siguiendo la idea de que

hay que cambiar la vida se muta en la sentencia de Karl Marx de “hay que transformar el
mundo”.

Al servicio de esta revolución, pretende recuperar aquello del hombre que la sociedad y sus
condiciones y formas de represión le habían hecho ocultar. Se quería recuperar la pura
esencia de la persona; el yo más básico, auténtico e inconsciente a través de la
recuperación del inconsciente y de los sueños. Época de Freud y el origen del psicoanálisis.

Se intenta dar libre paso a las pasiones, los deseos, la liberación a través de la escritura
automática, el humor negro,... y de alguna manera permitir al ser humano vivir en plenitud y
dejar de lado las formas represivas y condicionantes de la vida en sociedad. Es una actitud
muy lógica teniendo en cuenta el contexto histórico de la Primera Guerra Mundial.

André Breton y Louis Aragon se conocen en el pabellón psiquiátrico de enfermos de guerra.

El surrealismo es una huida adelante muy parecida a la de Malevich. Surrealismo: más allá
del realismo. Max Ernst,

Miró llegaba a situaciones extremas en su vida (como no comer en mucho tiempo) y se

ponía a pintar. Probaba qué sucedía si se escapaba de la realidad, si la forzaba y la llevaba
al límite.

Este escape de la realidad se entiende preguntándose: ¿realmente se puede seguir

haciendo arte después de lo que se ha visto en la guerra y la cantidad de gente que está
muriendo? Si se da algún tipo de belleza será una belleza convulsa, no será tranquila,
impresionista, relajada.

Esta transformación de la realidad social que tiene unas consecuencias en el mundo

artístico, ¿qué consecuencias tiene en el mundo de la arquitectura? ¿En qué derivará la
X. SIGLO XX Teoría I

transformación técnica industrial y estos nuevos materiales, estas nuevas propuestas?

¿Cómo será la respuesta de la arquitectura a la precariedad de la vivienda al acabar la
Primera Guerra Mundial?

Arquitectura tras la 1a Guerra Mundial

Con el movimiento moderno surge una arquitectura consciente de crear espacios que
mejoren la calidad de vida de las personas que vivien en esas ciudades del s.XIX. Con el
desarrollo del técnico del s.XIX precisamente produce 2 cuestiones que nos permiten
pensar en la arquitectura del movimiento moderno:

- materiales innovadores con los que se puede transformar la arquitectura y que

puede dar lugar a esqueletos muy ligeros, abrir fachadas y vanos al aire y
movimiento. Se consigue ventilación y asoleamiento. El movimiento moderno
rentabiliza al extremo estos avances.
- se enfrenta a la carencia de hábitat. densidad máxima en las ciudades por la
revolución industrial, por el desastre económico de la 1a GM y la destrucción y por la
proliferación de enfermedades y pandemias. Necesidad de hábitat después de estas
enfermedades para evitar la transmisión mejorando la calidad.

Escuela de la Bauhaus (1919-32)

Este movimiento moderno lo vemos formalizado y materializado en la Escuela de la

Bauhaus. Plantea la colaboración entre todas las artes aplicadas y una negación del
pasado - ya que creen que hay que mejorar muchas cosas. Crean esa idea de cerrar los
ojos, de no mirar atrás y plantear una arquitectura que mejore todos esos problemas, solo
mirando atrás para adoptar esos nuevos materiales.

Cambia mucho según los directores que tiene:

● 1919-25 Bauhaus de Weimar de Walter Gropius

● 1925-32 estará en Dessau. 1928-30 Meier como director. 1930-33 estará Mies Van
der Rohe, trasladándose el último año a Berlín.

Con la fundación de estas escuelas es el momento de concebir la arquitectura como una

herramienta para el futuro, para mejorar esas condiciones. Crece esa idea de convertir la
arquitectura en una obra de arte total capaz de solucionar prácticamente todos los
problemas y proporcionarnos la calidad de vida que necesitamos y tener un lado divertido
(no solo con la decoración).
X. SIGLO XX Teoría I

Congresos de CIAM y fractura con el gusto público

La arquitectura que viene tras la Bauhaus es la arquitectura de los congresos CIAM, que
favorece el debate, la reunión y la creación de unos discursos que no habían sido
elaborados hasta el momento. Obligan a los arquitectos a reunirse y a discutir y crear una
nueva arquitectura que pondrá el foco en la solución de los problemas de la vivienda.

Esos encuentros determinaron el sino de la arquitectura del s.XX. Se intenta por primera
vez que la arquitectura aprenda a servir a la sociedad y se reconocen las graves carencias
de la sociedad industrial precedente que ha dejado cicatrices por todo el territorio y
cicatrices urbanas.

El objetivo es aumentar la luz, la ventilación para vivir en menos espacio pero con mejores
condiciones de vida. Y para resolver los problemas de la ciudad industrial. El movimiento
moderno fue un proceso de reflexión teórico acerca de cómo la arquitectura podía
transformarse asumiendo los nuevos recursos técnicos y para servir a esas verdaderas
necesidades humanas.

Todo lo que se pensó en ese momento sí que atendió a problemas sociales. Incluso los
proyectos de Mies, tan estilizados, ese esteticismo, esa pureza, ese despojamiento, esa
simplicidad nos enseña que la belleza también puede estar acompañada de lo sencillo y
que no necesita consumir un exceso de recursos.

Le Corbusier tenía esa idea que la arquitectura moderna lo podía englobar todo y que
podíamos encontrar arquitectura en casi todos los objetos, Los objetos ya no quedan al
margen, la industria va a colaborar por primera vez con la arquitectura. La Carta de
Atenas (1941). Le Corbusier no cede nunca a una belleza estética, cada material es lo que
tiene que ser; sinceridad pura. Le Corbusier se acoge a una versión del Cubismo; el
Purismo.

El Purismo analiza las formas más puras, más sencillas. La arquitectura de Le Corbusier
crea un puente entre estas formas muy sencillas y la arquitectura. Es una herramienta para
su configuración espacial, para una mayor calidad de vida y un diseño, una distribución, un
proyecto de arquitectura que no esté basado en lo que se ha dado antes sino en formas
totalmente nuevas. Incorporará este elemento formal no solo en arquitectura sino también
en la pintura.

Todo esto deja atrás la subordinación que tenía la arquitectura a todos los referentes
históricos anteriores y a la concesión al gusto público; ya no se está haciendo una
arquitectura bella para el gusto público, se hace una arquitectura que responde a sí
misma y a sus necesidades (principalmente la falta de hábitat). Igual que el arte
contemporáneo.

Esta fractura entre el gusto que promueven las artes y el que aprende la gente hoy en día
es dramática y surge de este momento. Hay una ética detrás de todo programa
arquitectónico de ese momento. No solo consiste en barrer el exceso ornamental en el
mundo de la arquitectura sino es despojarlo de todo ese ornamento por razones estéticas
sino por razones éticas.
X. SIGLO XX Teoría I

¿El arte y la arquitectura deben comprometerse con el contexto social que les da lugar?