LAS 9 ETAPAS DE LA VIDA CREADORA Y SU PARTICULAR ESTILO DE PICASSO

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Las 9 etapas artísticas de Pablo Picasso

Uno de los artistas más prolíficos y versátiles del arte moderno

fue Pablo Picasso. Nació en Málaga en 1881, pero pasó gran
parte de su vida entre su ciudad natal, París y Barcelona.
Su genio fue reconocido tanto por la crítica especializada como
por el público, lo que le permitió disfrutar en vida de los
ingresos millonarios que le proporcionó la venta de sus obras.
En 7 décadas de intenso trabajo dejó al mundo un legado
conformado por 1.885 pinturas, 7.089 dibujos, 342 tapices,
30.000 grabados y litografías, 150 cuadernos de boceto, 1.228
esculturas y 2.280 cerámicas.

Todas las etapas pictóricas de Pablo

Picasso: un genio del siglo XX
La trayectoria del artista se caracteriza por una necesidad
constante de innovación y evolución, es por ello que, para
facilitar su estudio y clasificación, son varias las etapas
artísticas en las que ubican las obras de Pablo Picasso y que
comienzan al terminar sus 5 años de formación en 1900. En
total, el pintor malagueño ha tenido un total de 9 etapas
artísticas.
Período azul
La primera etapa artística de Pablo Picasso agrupa una serie de
pinturas realizadas entre 1901 y 1904. Afectado por el
suicidio de su amigo Carles
Casagemas, los cuadros de esta
época retratan las condiciones de
vida de las clases marginadas de
Barcelona y París de principios
del siglo XX.
En ellos predomina una profunda
melancolía, transmitida por una
gama cromática fría y fondos
desnudos. También se destaca por
la presencia equilibrada del
realismo social y el expresionismo, representados a través de
personajes lánguidos, esbeltos y desolados de cabeza agachada,
en los que se percibe cierta influencia de la figuración del
Greco.
Algunas de las obras de Picasso del período azul son: Dos
hermanas, (1902), El viejo guitarrista ciego (1903), La
vida (1903) y La tragedia (1903).
Período rosa
El período rosa de Picasso lleva este
nombre, por el cambio cromático que
experimentan sus pinturas creadas
entre 1905 y 1906.
Influenciado por el ambiente bohemio
que encontró en el barrio de
Montmartre en París, por sus visitas al
cabaret “El conejo ágil” y el Circo
Medrano, sus cuadros adoptan un
tono cálido y pastel. Los
protagonistas de sus pinturas son
ahora cómicos ambulantes, actores,
acróbatas y arlequines.
Y aunque no abandona del todo la
tristeza de los rostros, las formas son
menos angulosas, más graciosas y llenas. La familia del
acróbata (1905)), El Actor (1904) y La
Bella Holandesa (1906), son parte de
su etapa rosa.

Período negro
Entre 1907 y 1909, influenciado por
el arte ibérico y africano, Picasso
inicia un proceso
de esquematización y geometrización de las formas, al que
también se le conoce como Protocubismo.
En esta etapa comienza a alejarse de lo establecido y aparecen
sus característicos trazos angulosos, los planos sin fondos ni
perspectiva, las caras con apariencia de máscara y los rostros
geométricos que se alargan. Predominan los colores ocres,
rojos, grises y oscuros, que otorgan un dramatismo especial a
las composiciones de esta etapa.
Jarrón de Flores (1908) y Busto de mujer (1909), son algunos
de los lienzos característicos del período negro, pero su cuadro
más reconocido es Las señoritas de Avignon (1907). En él, el
artista malagueño prescinde del espacio, rompe con el
realismo y anuncia el advenimiento de una de sus etapas
pictóricas más emblemáticas: el Cubismo.
Cubismo
De los períodos artísticos de Pablo Picasso, el
Cubismo fue el más representativo de toda su
obra y abarca desde 1909 hasta 1919.
Desarrolló este movimiento junto a George
Braque y en él, ambos artistas rechazan el uso
de los cánones clásicos, representando a
la naturaleza a través de formas
geométricas, esquematizando la realidad e
incorporando los diferentes ángulos desde los
que puede ser observado el objeto dibujado.
Dentro de este período se distinguen varias
fases. Entre 1909 y 1911, el cubismo de
Picasso fue analítico. El artista se centra en el
análisis profundo del motivo, el cual llega a
descomponerse en varios planos planteados desde diferentes
puntos de vista, como se aprecia en Paisaje con dos
figuras (1908).
Cubismo Hermetico
Entre 1911 y 1912 surge el cubismo hermético. En esta fase,
Picasso incluye el mayor número de planos posibles e incorpora
el tiempo como una nueva
dimensión. También incorpora la
técnica de collage en algunos de sus
trabajos.
La abstracción de sus obras en este
período es casi completa a causa de
la extrema geometrización de las
formas representadas, como se
observa en El Poeta (1911) y Naturaleza muerta con
clarinete (1911).
El cubismo sintético abarca desde 1912 hasta 1919. En esta
etapa sus pinturas se caracterizan por tener mayor color y
claridad, siendo piezas más decorativas que conceptuales,
como es el caso de La bouteille de Bass (1914) y Guitarra,
clarinete y botella sobre una mesa (1916).
Neoclasicismo
En esta etapa que se da entre 1917 y 1927, Picasso cambia
radicalmente el estilo, pero sin abandonar el cubismo por
completo. Los rasgos en sus pinturas son
suaves y clásicos. Representa ambientes
familiares y cálidos que transmiten una
mayor tranquilidad, como se aprecia
en Retrato de Olga en un sofá (1918) y
en La siesta (1919).

Etapa surrealista
Si bien el artista malagueño nunca se consideró surrealista,
entre 1925 y 1935, Picasso realizó algunas obras que se
enmarcan en este estilo influenciado por las obras de Joan
Miró, Ives Tanguy, Salvador Dalí y los escritos de André Breton.
El Picasso de la etapa surrealista incorpora monstruos,
representa el mundo onírico, figuras sin sentido aparente y
metáforas plásticas que transmiten temor y sufrimiento, como
se puede ver en Mujer sentada al borde del mar (1930) o en La
danza (1925).

Expresionismo
A lo largo de su trayectoria artística,
Pablo Picasso utilizó la pintura para
expresar los males de su época y para
hablar sobre su vida personal.
Afectado por la Guerra Civil Española,
el auge del fascismo en Europa y la
Segunda Guerra Mundial, el
expresionismo irrumpe en sus obras
entre 1937 y 1947.

Influenciado también por su propio

cubismo, sus lienzos transmiten
sentimientos y expresan situaciones de destrucción y
sufrimiento como en La mujer llorando (1937) y Gato
devorando un pájaro (1939). En el Guernica (1937), una de sus
obras más conocidas a nivel internacional, refleja el dolor que
provocó el trágico bombardeo de la aviación italiana y alemana
sobre el pueblo de Guernica durante la Guerra Civil Española.
Al terminar la Segunda Guerra Mundial, sus pinturas recuperan
el optimismo y se involucra con la causa pacifista, como lo
demuestra uno de sus dibujos más emblemáticos de La paloma
de la paz con flores.

Periodo Vallauris
Retirado en la Costa Azul, Picasso
entra en el período Vallauris, que se
caracterizó por su experimentación con
la cerámica, la arcilla, el diseño de
platos y la escultura.
Inspirado por la luz, los pájaros y la
vida familiar, volvieron a aparecer en
su obra los elementos de circo, los
temas cotidianos y su interés en la
tauromaquia.
Última etapa
La última etapa de Picasso estuvo
comprendida entre 1954 y 1973. En ella, el artista revisa obras
de grandes maestros como Rafael, Velázquez, Delacroix, Goya o
Manet, pero interpretándolas a partir del cubismo que él mismo
había fundado hace más de cuatro décadas atrás.

Las etapas de Pablo Picasso, mucho

más allá del cubismo
Pablo Picasso no sólo fue el máximo representante del
cubismo, sino un artista polifacético cuyas obras cambiaron el
curso del arte del siglo XX.
Parte de su extraordinario legado, está recogido en el
libro Buffón de Picasso publicado por Cartem, una edición de
lujo que recoge un Pablo Picasso muy íntimo y particular,
debido a su relación con Dora Maar.
Definitivamente, una obra gráfica excepcional del artista
malagueño, cuya copia única está conservada en la Biblioteca
Nacional de Francia y que llega a Usted, gracias a Cartem.
La técnica y estilo de Pablo Picasso: Explorando el genio artístico detrás del cubismo

Si hay un artista cuyo nombre resuena constantemente a lo largo de la historia del arte, ese es
Pablo Picasso. Conocido por su revolucionaria técnica y estilo, Picasso dejó una marca
indeleble en el mundo del arte, especialmente a través de su famoso movimiento cubista. En
este artículo, exploraremos la técnica y estilo de Picasso, desde sus comienzos hasta sus
innovaciones más icónicas, y descubriremos qué hace que su trabajo sea tan significativo hasta
el día de hoy.

El genio creativo detrás del cubismo

Pablo Picasso nació en España en 1881 y comenzó a mostrar su increíble talento desde muy
joven. Desarrolló un estilo artístico único que abarcaba una variedad de técnicas y estilos,
desde el realismo hasta el surrealismo. Sin embargo, quizás su mayor legado sea su
contribución al movimiento cubista, que revolucionó la forma en que el arte se percibía y se
creaba.

El cubismo, un movimiento artístico que se originó a principios del siglo XX, se caracteriza por
la representación de objetos desde múltiples puntos de vista, utilizando formas geométricas y
fragmentación visual. Picasso, junto con su compañero artista Georges Braque, fue pionero en
esta técnica, creando pinturas que desafiaban la percepción tradicional del arte y la realidad
misma.

La técnica de Picasso

Lo que hace que la técnica de Picasso sea tan impactante es su habilidad para representar la
realidad de una manera completamente nueva y original. A través del uso de líneas quebradas,
formas geométricas y una paleta de colores atrevida, Picasso logró descomponer los objetos
en sus componentes básicos y reconstruirlos de una manera que desafiaba las convenciones
artísticas de su tiempo.

Además, su dominio del dibujo y la composición le permitió crear imágenes que eran al mismo
tiempo abstractas y reconocibles, lo que obligaba al espectador a ver el mundo de una manera
completamente nueva. Su enfoque innovador de la representación visual cambió para siempre
la forma en que los artistas creaban arte y cómo el público lo percibía.

El estilo distintivo de Picasso

El estilo distintivo de Picasso se refleja en su enfoque audaz y sin miedo para romper las reglas
y desafiar las normas establecidas. Sus pinturas, esculturas y cerámicas se caracterizan por
líneas dinámicas, figuras distorsionadas y una sensación de movimiento y energía. Además, su
capacidad para capturar la esencia de sus sujetos de una manera que iba más allá de la mera
representación visual lo convirtió en un maestro del retrato.

A lo largo de su carrera, Picasso experimentó con una variedad de estilos y técnicas, desde el
clasicismo hasta el surrealismo, pero siempre mantuvo una sensación de identidad única que
reflejaba su visión artística inimitable. Su capacidad para reinventarse constantemente y
desafiar las expectativas lo convirtió en un pilar del arte moderno y un referente para
generaciones futuras de artistas.

FAQs sobre la técnica y estilo de Picasso

1. ¿Cuál fue la influencia más significativa en la técnica de Picasso?

La influencia más significativa en la técnica de Picasso fue el arte africano y las máscaras
tribales. Estas formas de arte primitivo influyeron en su enfoque de descomponer y
reestructurar la realidad en sus obras cubistas.

2. ¿Cuál es el legado de Picasso en el mundo del arte?

El legado de Picasso en el mundo del arte es inmenso. Su contribución al cubismo cambió para
siempre la forma en que se creaba y percibía el arte, y su influencia se extiende a través de
una variedad de movimientos artísticos, desde el arte abstracto hasta el expresionismo.

3. ¿Cómo puedo identificar una obra de arte de Picasso?

Las obras de arte de Picasso se caracterizan por su estilo distintivo que incluye líneas
quebradas, formas geométricas y una paleta de colores audaz. Además, sus retratos son
reconocibles por la forma en que capturan la esencia única de sus sujetos a través de la
distorsión y la reinterpretación visual.

En conclusión, la técnica y el estilo de Picasso son testimonio de su genio artístico y su

capacidad para desafiar las convenciones establecidas. A través de su innovadora contribución
al cubismo y su estilo distintivo, Picasso dejó una marca indeleble en el mundo del arte, que
continúa inspirando y fascinando a artistas y espectadores por igual. Sin duda, su legado
perdurará por generaciones venideras, demostrando que su genio creativo sigue siendo tan
relevante y poderoso como siempre.

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