GUÍA ACCIDENTAL

DEL CREATIVO
ABURRIDO

Trabajo Fin de Grado

Grado en Bellas Artes
Universidad de Sevilla
Curso 2017/2018

Autora: Alicia Macías Recio

Tutor: Manuel Fernando Mancera Martínez
Vº Bº del tutor:
DECLARACIÓN DE RESPONSABILIDAD Y AUTORÍA DE
TRABAJO ACADÉMICO
TRABAJO DE FIN DE GRADO

Dª Alicia Macías Recio, con DNI 44243951R, estudiante del Grado en

Bellas Artes de la Universidad de Sevilla.

DECLARA QUE:

El presente Trabajo de Fin de Grado es de mi exclusiva autoría y ha

sido elaborado respetando los derechos intelectuales de terceros,
conforme las citas que constan en las páginas correspondientes,
cuyas fuentes se incorporan en la bibliografía.

Por lo tanto, asumo la responsabilidad de sus contenidos y

elaboración, sin incurrir en fraude científico o plagio.

Para que así conste, firmo la presente declaración.

En Sevilla a 27 de junio de 2018.

Fdo.: Dª. Alicia Macías Recio

No hay llegada al consciente
sin dolor.

Carl Gustav Jung

 Í N D I C E
1. INTRODUCCIÓN 11

| INTRODUCTION 12

2. PRIMER ESTADO: LA AUSENCIA DE INSPIRACIÓN 13

2.1. NACIMIENTO 14

2.2. IDENTIDAD 16

3. SEGUNDO ESTADO: LA IDEA 21

3.1. INCERTIDUMBRE Y CREATIVIDAD 22

3.2. BREVE INTRODUCCIÓN AL DIBUJO 24

3.2.1. ESENCIA 24

3.2.2. “MULTIVOCIDAD” Y POLISEMIA 25

3.3. FUENTE DE INSPIRACIÓN: EL GARABATO 27

3.3.1. FUNCIONALIDAD 28

3.3.2. SIGNIFICADO 30

4. TERCER ESTADO: EL GARABATO COMO

HERRAMIENTA DE TRABAJO 33
4.1. REFERENTES 34

4.2. METODOLOGÍA Y OBJETIVOS 42

5. DOSSIER ARTÍSTICO 45

6. CONCLUSIONES 73

7. LISTADO DE IMÁGENES 77

8. RECURSOS DOCUMENTALES 79

9
1. INTRODUCCIÓN

El presente estudio de investigación, lejos de trabajar sobre las

formalidades del proyecto artístico en sí, se centra en los estadios
previos al desarrollo de la obra.

En él, el artista realiza una reflexión sobre cómo los estados de ánimo
llegan a condicionar la producción artística, concretamente, hace
alusión a la falta de inspiración, acaecimiento que afecta a la gran
mayoría de artistas en algún momento de su evolución creativa. A
partir de que se reconoce este estado de des-inspiración, comienza
el proceso por el cual el ente creativo acabará por encontrar de
nuevo su fuente de iluminación, a través del análisis introspectivo
que abordará desde las diferentes técnicas que existen para
fomentar la creatividad, focalizando su atención sobre el dibujo y
sus propiedades.

Como remate de la hipótesis discursiva, una vez se descubre el

numen del artista, se procede a desarrollar este como proyecto
creativo, y para ello, se establecen unos antecedentes teórico-
prácticos que, junto con la metodología planteada a seguir, serán
las claves para conformar la obra final.

11
 INTRODUCTION

The present research study, far away from working on the

formalities of the artistic project itself, focuses its attention on
the previous stages to the development of the artwork.

The artist makes a reflection on how mind states affect to

artistic production, specifically, it refers to a lack of inspiration
(so common that affects the vast majority of artists at some
point in their creative evolution) and calls it boredom. Once this
de-inspiration state is recognized, the process by which the
creative entity will eventually find its source of illumination again
begins, through an introspective analysis that will approach from
2. PRIMER ESTADO: LA AUSENCIA DE INSPIRACIÓN
the different techniques that exist to encourage creativity and
focusing its attention on drawing and its properties.

Finally at the end of the discursive thesis, once the artist’s numen
is discovered, it is developed as a creative project, and because
of that, a theoretical and practical background is established El primer estado al que hace referencia el presente desarrollo
together with the methodology proposed to be the keys to conform teórico, a pesar de ser entendido el término estado como sinónimo
the final artworks. de disposición, representa sin embargo una in-disposición.
Tomando como referencia las vicisitudes en el aspecto creativo que
se conforman en el artista a lo largo de su discurso, se pretende
con ello revelar el estado anímico que acaece sobre el ente creativo
cuando se encuentra vacuo de inspiración. Para ello se ha de hablar
de cuándo nace dicho estado y cómo, a través del bocetaje sensitivo
o evolución emocional, se identifica. Por lo tanto, el siguiente texto
se abordará desde una perspectiva filosófica, en consonancia con el
proceso emocional y la espiritualidad del mismo.

12 13
 En relación al tema del aburrimiento que atañe al presente escrito,
2.1. NACIMIENTO Nietzsche estableció tres transformaciones del espíritu: camello,
león y niño; para hablar del educador–artista en Así habló Zaratustra
(1885), que bien se podrían tomar como referencia en la exposición
Las desventuras humanas tienen su origen en no saber estar en de los estados creativos en los que el artista se ve, inevitablemente,
pleno reposo, sin pasiones, ni divertimentos, sin quehaceres, sin inmerso. Dichas variaciones en el carácter/esencia del individuo,
aplicación. Sentimos entonces nuestra nada, nuestro abandono, nuestra que serán tomadas de forma categórica para el ser en conjunto,
insuficiencia, nuestro vacío; inmediatamente surgen del fondo de nuestra maestro o aprendiz, resultan ser un buen símil que, de manera
alma el aburrimiento, la melancolía, la tristeza, la pena, el despecho, la
paralela, ejemplifica el recorrido espiritual que ha de emprenderse
desesperación.
desde el nacimiento hasta el segundo estado, el cual se abordará
más adelante a lo largo del desarrollo teórico. En primer lugar ocurre
Pascal, Pensamientos.
la fase del “camello”, en la cual, como nos indica Nietzsche, el sujeto
se vale de diseños y programas de comportamiento elaborados por
otros para llevar a cabo sus labores; es, digamos, transportador
pero no experimentador, hace uso del aprendizaje pero no a través
El primer estado nace cuando el artista se percata de que ha de la empírica sino de la emulación. Sin embargo no es esta la fase a
perdido la sensibilidad visual y se produce la parada estrepitosa del la que el primer estado hace referencia, pues equivaldría al papel del
asombro ante las imágenes que se impresionan en su retina. Ese alumno primerizo, que bebe y no para de beber, hasta que se para
momento en el que a pesar de que el exterior exista, la percepción a saborear el contenido que se le ofrece, que es cuando el alumno
se anula y como consecuencia, la huella misma de lo visible. Donde pasa a ser creativo. Es entonces cuando el “camello” se transforma
el ímpetu y entusiasmo que antes motivaban la contemplación se en “león”, ente enfadado que preso de su desconfianza ante los
han convertido ahora en extraños palabros cuya función se presenta saberes preestablecidos desea romper, acabar y desbancarlo todo.
desconocida para un observador ciego que no se encuentra, pero se La tercera de las transformaciones del espíritu, “el niño”, se abordará
halla, sin embargo: aburrido. más adelante.

Como se irá estableciendo a lo largo de esta investigación, el De forma parecida a la que Nietzsche establece como
aburrimiento compone un estado constante de lo que se vislumbra transformaciones del espíritu es como tiene lugar el transcurso de
como perpetuo desasosiego. Para el artista es aquí cuando el monte acontecimientos, impresiones y emociones que llevan al artista, en
de lo que es idea se derrumba y no queda rama de inspiración a la un principio capaz, ingenioso y creativo, al estado prosaico en el que
que agarrarse entre los escombros. Todo aquello que pudiera ser se descubre ahora y que, falto de convicciones y con la cabeza llena
raíz de pensamiento y firme base de principios se aleja, se esconde, sólo de cuestiones amotinadoras, se halla: desinspirado, derrotado,
se disfraza. La contradicción comienza a ser la única pieza de aburrido.
lógica en el desarrollo de los empecinados razonamientos. En lugar
de verdades, posee absurdos. Lo que en un pasado se consideraba
auténtico, pierde ahora toda su credibilidad. Esta amalgama de
premisas tomará forma en el desarrollo del discurso.

14 15
 Los surrealistas lo denominaban locura y lo consideraban un estado
2.2. IDENTIDAD mental propicio para la creación, en muchos de los escritos que
emitieron junto al Manifiesto Surrealista hacían de él una herramienta
de trabajo con la cual escapar del raciocinio y profundizar así en el
Las cosas nos dejan en paz, no nos molestan. Pero tampoco nos ayudan, subconsciente.
tampoco alteran nuestro comportamiento hacia ellas. Nos abandonan
absolutamente a nosotros mismos. Precisamente porque no tienen nada
La represión de las reacciones antisociales es tan quimérica como
que ofrecernos, nos dejan vacíos. Dejar vacíos significa que las cosas
inaceptable. Todos los actos individuales son antisociales. Los locos
que existen delante de nosotros no nos ofrecen nada.
son las víctimas individuales por excelencia de la dictadura social; en
nombre de esta individualidad que es lo propio del hombre, exigimos
Heiddeger, Los conceptos fundamentales de la metafísica: mundo, que se libere a estos galeotes de la sensibilidad, pues además no es
finitud, soledad. potestad de las leyes encerrar a todos los hombres que piensan y
actúan. (Breton, 1924)

Para ellos, el saber o conocimiento popular no era otra cosa más

Identificamos pues el estado en el que el artista se encuentra, al que que provisional, pasajero, incierto. De ahí la intención de ahondar en
se le otorga el nombre de aburrimiento, no sin discernir antes las lo más interno y profundo de la mente del ser humano, para poder
razones que a tal juicio acogen: así rescatar los pensamientos y verdades más primitivos que, con
el respaldo de la historia y la memoria genética, no pueden ser más
Se habla entonces no del aburrimiento que viene de la carencia que concluyentes. Seres excéntricos eran los surrealistas, pero no
de ocupación, sino de otro muy distinto. El aburrimiento que se por ello dementes ni lunáticos, como se les solía tachar de manera
sobreviene sobre uno mismo por la pérdida de fe en todo desempeño. desacertada. Los dadaístas, por su parte, se burlaban del objeto
El filósofo Lars Svendsen lo llama tedio y trabaja sobre él haciendo firmado, al ser considerado sujeto en sí mismo, y transformaban
un extenso recorrido a través de la historia y de los muchos desde el vacío del tedio del hombre modernizado la cotidianeidad en
autores que abordaron este tema como Schopenhauer, Kierkegaard, algo insólito.
Nietzsche o Heidegger. De las muchas perspectivas que tremendos
intelectos aportan, el presente análisis se centrará en la del filósofo El amor por la novedad es la cruz simpática, es la prueba de un
alemán Martin Heiddeger, cuya visión inquisitiva y provocadora da mimportacarajismo ingenuo, signo sin causa, pasajero, positivo.
un vuelco al estado del aburrido y lo convierte en condición inherente Pero esta necesidad es tan vieja como otras. Al dar al arte el impulso
de la suprema simplicidad: la novedad, uno es humano y verdadero
al hombre moderno en su escrito Los conceptos fundamentales de
respecto de la diversión, impulsivo, vibrante para crucificar al tedio.
la metafísica: mundo, finitud, soledad (2007). (…) Yo escribo este manifiesto para mostrar que pueden ejecutarse
juntas las acciones opuestas, en una sola y fresca respiración, y
Sin embargo, la filosofía no ha sido la única disciplina que se también de la afirmación, no estoy ni a favor ni en contra y no lo
ha encargado de tratar el tema del tedio, existen numerosas explico porque odio el sentido común. (Tzara, 1918)
aproximaciones literarias y artísticas que lo sitúan como un estado
estético tanto de obra como de autor. Les daba la impresión de que el arte andaba rozando ya la estupidez
del elitismo pragmático, así pues se dispusieron a elaborar una
burla que, de forma estilizada, agredía toda certeza quedando sin

16 17
 embargo impune e inocente al haber hecho “dada” (que significa que lo considera prescindible de manera individual y al que sólo le
nada). preocupa la reacción del conjunto. Jean Baudrillard ejemplificaba
este asunto de una forma muy abrupta y clara:
Este planteamiento, que poseían tanto los surrealistas como los
dadaístas, de vago saber problemático, sin soporte, que compone ¿Qué puede significar todavía el arte en un mundo hiperrealista por
una sociedad casposa y carente de sentido, es precisamente el anticipado, cool, transparente, publicitario? ¿Qué puede significar el
que se refleja en el espejo de nuestro artista aburrido que, siendo porno en un mundo pornografiado de antemano? (…) En un mundo
consagrado a la indiferencia, el arte no puede más que acrecentarla.
contemporáneo (o simplemente atemporal por no estar el estado
(Baudrillard, 2007)
emocional localizado en el tiempo), se comporta como vanguardista
al poseer la intención y el anhelo del deseo que ha perdido: el deseo
de crecer. Ahora todo se presenta lúgubre y desconocido, el cúmulo Tal abandono al mundo de las tareas provoca pues una indiferencia
de negaciones compone un todo del que resulta difícil escapar. total hacia las cosas que rodean al hombre, que se sume en un
estado del más puro y contemporáneo aburrimiento: de sí mismo.
Pensarse artista conlleva la labor de nunca dejar de crear, hacer de
la mente un lugar donde las ideas no paren de aflorar: “el chirriar de Es entonces cuando se entra en el tedio (el taedium para los
la cigarra aún no es arte, pero puede serlo” (Sklovski, 1991). Pero romanos y el mundo medieval), donde el instante mismo del tiempo,
esta importante responsabilidad se torna ofensiva cuando no hay el presente, deja de existir. El tiempo deja de ser percibido como
más concepto que el desasosiego. La losa de la verdad choca de una dimensión lineal que se desarrolla en tres etapas: pasado –
bruces con lo que algún día se tuvo el valor de llamar imaginación, presente – futuro, para extenderse de manera irracional en un plano
pues no es posible atisbar ni un ápice de originalidad o inventiva que se expande, infinito, y supone una carga existencial para el
estando uno tan desencantado con la realidad que acontece. La individuo que, sujeto irremediablemente a la física de este universo,
ambición de dar vida a la creación se vuelve pesada y abrumadora se encuentra desubicado ante la amplitud de posibilidades que se le
ante la imposibilidad de hacerlo: “yo siento, hasta el extremo de plantean: “se revelaba la verdadera naturaleza del presente: era todo
quedar moralmente aplastado y físicamente aniquilado, la necesidad lo que existe, y todo lo que no fuese presente no existía” (Sartre,
de producir” (Van Gogh, 2012). 2016). Se padece pues una “experiencia pura del tiempo” (Sartre,
2016) a través de la cual la existencia toma conciencia de aspectos
fundamentales y en lugar de resultar esta una situación desesperada
Todo esto resulta más fácil de asimilar si analizamos las palabras de
se convierte en hecho revelador donde “la filosofía sucede en un
Heidegger en sus lecciones de Metafísica. Según él, la modernidad
temple de ánimo fundamental” según la proposición de Heidegger
ha hecho del ser humano un ser ocupado en una época en la cual
(Heidegger, 2007).
el mundo es igual a su imagen y por tanto la apariencia prima ante
la profundidad del individuo. Viene a decir que, desde el apogeo de
la fotografía y el cine (y ahora internet, desconocido para nuestro Cuando se pierde la fe en el arte, en el acto creativo y en la
filósofo), el retrato de la sociedad se convierte en retratado, pues exaltación y el gozo que provoca el advenimiento de una buena idea
se crea un enlace de retroalimentación en el que la ficción emula feliz, comienza el recorrido en busca de la iluminación, el cual ha
a la realidad al mismo tiempo que ocurre en el sentido contrario. de emprenderse con el lastre de tener la certeza de saber que se
Siendo esto así el ser se pierde y deja de atender sus instintos más ha creado con satisfacción y la imposibilidad de seguir haciéndolo.
primarios para, en su lugar, satisfacer las necesidades de un sistema Aquí es pues, con la demolición de todo dogma, donde el “león” de

18 19
 Nietzsche se desprende de su afán destructor y da paso al olvido
que evidencia un nuevo principio donde el “niño” posee el deseo de
aprender y experimentar, por primera vez. Accede entonces el ser a
un plano alternativo que permite aflorar una serie de aptitudes, hasta
entonces perdidas o desconocidas, como el apetito, la pretensión,
la pasión o el interés. Es así, a través del estado de meditación
que proporciona el aburrimiento como, por medio de la catarsis, el
mundo se abre de manera realmente genuina: el “león” se convierte
en “niño”, al igual que lo hizo Gregorio Samsa en insecto (Kafka,
2011). Tiene lugar la metamorfosis: el artista aburrido muta en otro
que, ávido de conocimiento, se presenta más optimista.

Este primer estado de tedio o aburrimiento, al margen de formar

parte de la producción artística, se coloca, de hecho, como base 3. SEGUNDO ESTADO: LA IDEA
elemental del proceso creativo al significar el detonante de la acción EL DIBUJO INCONSCIENTE Y EL GARABATO
que le sucede, pudiendo concebirse así como la materia prima del
desarrollo teórico – práctico.

Este segundo estado surge cuando, tras haberse enfrentado el

artista a una situación límite, como lo es el bloqueo ideístico 1 , se
inclina ahora hacia la experimentación y el análisis dentro del campo
artístico plástico. Dando paso, sin embargo, a un comienzo pausado
y medido. Pues los fundamentos existencialistas del primer estado
que lo precede, han supuesto un fuerte pilar que no deja lugar a
la precipitación. De esta manera, habiendo recorrido el camino
emocional que lleva desde la desesperación y el aburrimiento hasta
la ilusión y el entusiasmo, se le presenta ahora al artista el desafío
de buscar su fuente de inspiración, para así poder desarrollar su
creatividad en un ambiente, que aun siendo hostil al principio, se
muestra apacible y sosegado.

1-. En esta investigación lo entenderemos como el punto en que uno se queda en

blanco en cuanto a nuevas ideas

20 21
 En la Revista Mexicana de Neurociencia, dos investigadores
3.1. INCERTIDUMBRE Y CREATIVIDAD publicaron un artículo que versaba sobre el cerebro y la creatividad,
cuyo contenido establecía una nueva definición de la misma que,
dejando atrás los conceptos de partir de cero o genialidad y dejando
No apruebo los principios y no los considero dignos si no se traducen así la posibilidad de la creación accesible a cualquiera que se lo
en actos. (…) ¿Qué es dibujar? ¿Cómo se llega? Es la acción de abrirse propusiera, establecía:
paso a través de una pared de hierro invisible que parece encontrarse
entre lo que se siente y lo que se puede. (…) Y la grandeza no es una
cosa fortuita, sino que debe ser deseada. Determinar si los actos de un Creatividad es la función cerebral que asocia, analiza e interpreta
hombre deben conducirlo a los principios o los principios a los actos es conocimientos adquiridos para generar nuevas ideas, que beneficien
una cosa que me parece tan difícil de decidir y que vale tan poco la pena al individuo o a la comunidad. (Escobar y Gómez, 2006)
como la cuestión de saber qué ha existido primero: la gallina o el huevo.
Pero considero como una cosa positiva y de gran importancia que uno Así pues, la probabilidad del genio, aunque presente, no se considera
se esfuerce en desarrollar su energía y su pensamiento. característica. Pues según los datos recabados, la creatividad
viene a ser un proceso al que se llega tras la realización de un
Vincent Van Gogh, Cartas a Theo. estudio previo, sea cual sea su índole, que a través del análisis, la
experimentación, el conocimiento y la elaboración, tiene lugar en el
cerebro humano.

El viaje en busca de las musas que se dispone a encaminar nuestro De esta manera, barajando diferentes posibilidades y vías de
artista, al ser un recorrido personal, tiene ciertas peculiaridades actuación artísticas mientras se deja llevar la mano sobre el papel
en su metodología que podrían no ajustarse a las pautas que sean con un utensilio cualquiera, es como el sujeto reflexiona sobre la
habituales en otro individuo. Si bien podría compararse con una importancia de saber y, sobre todo, desear estimular la creatividad.
imagen muy aclaratoria a modo de metáfora: cuando uno se dirige Van Gogh, a lo largo de todo el groso de cartas que escribió a su
a una biblioteca sin tener idea de lo que se dispone a buscar y, al hermano Theo durante su desarrollo artístico, expuso sin descanso
llegar, no puede más que pararse a contemplar la cantidad de libros la idea de que la creatividad no es algo innato en el ser, sino que ha
e inmensidad de contenido que se exhibe ante sus ojos; entonces, de avivarse y fomentarse constantemente para convertirla en hecho
empieza a examinar los géneros, descarta los relatos históricos inherente.
quizá, o las autobiografías, analiza el tipo de literatura, si son
novelas, ensayos, etc., más tarde se decanta por tal o cual, elabora un
árbol de temas que le interesan, empieza a ojear sinopsis, reconoce
con sorpresa a autores dentro del género escogido... finalmente,
mientras bosqueja unos cuantos garabatos en su bloc de notas
para pasar el tiempo, se decide a coger varios libros a ver si tiene
suerte y de alguno de ellos se enamora. Es así como se lleva a cabo
este proceso, con entusiasmo y a ciegas, pues nunca se sabe cuál
podrá ser el numen que lleve a la satisfacción y gozo que provoca la
concepción de la creación.

22 23
 reconoce. Por tanto, se ha de admitir que el dibujo sí existe en la
3.2. BREVE INTRODUCCIÓN AL DIBUJO naturaleza, ya que si un ente aún no desarrollado y cuya relación con
el dibujo es nula o inexistente, lo reconoce, entonces el dibujo debe
3.2.1. ESENCIA
tener, por descarte, alguna relación objetiva con la realidad. Este
vínculo viene explicado por Jean Baudrillard en El complot del arte,
donde exponía que cualquier representación artística, sea dibujo,
Rigurosamente el dibujo no existe, la línea es el medio por el cual el pintura o escultura, compone una “abstracción del mundo en dos
hombre se percata del efecto de la luz sobre los objetos; pero no hay dimensiones, que quita una dimensión al mundo real e inaugura, de
líneas en la naturaleza donde todo está lleno: es modelando como se
ese modo, la potencia de la ilusión” (Baudrillard, 2007). Así, el dibujo
dibuja.
Honoré de Balzac, La obra maestra desconocida. es una representación bidimensional fehaciente de algo relativo a la
realidad que contiene al individuo.

El personaje de Balzac, Frenhofer, aseguraba que el dibujo como

tal no existía (Balzac, 2017). Se puede entender de esta afirmación 3.2.2. “MULTIVOCIDAD” Y POLISEMIA
que los trazos dibujísticos no aparecen de forma literal en el mundo
natural, pero no sería correcto asegurar que, como consecuencia,
el dibujo no existe en la naturaleza. Así pues, se procede a analizar
El dibujo, al igual que la palabra, constituyen sistemas de signos
las causas del reconocimiento y asociación de los dibujos con
que permiten una transposición simbólica de una realidad sensible
elementos del mundo material, para así poder explicar la esencia o imaginada, pero, a diferencia del lenguaje, el dibujo impone su
natural del dibujo y, por tanto, su adecuación al proyecto artístico transcripción a una serie de artificios estilísticos (...), de modo que su
en el siguiente apartado. uso permite la exteriorización, construcción y atravesamiento de los
fantasmas de los niños, lo que permite la ligazón de los afectos (...),
Entre los muchos estudios que abordan el entendimiento de la gracias al proceso psíquico defensivo de la represión, siendo entonces
percepción del ser humano, Julian Hochberg presta atención a este el dibujo un sistema simbólico que favorece la simbolización, la
rehistorización, la resignificación y la reintegración de lo reprimido al
tema en concreto, decretando de manera firme que el dibujo existe
sistema psíquico consciente
en la naturaleza:
Nicolás Uribe, Inconsciente, palabra e imagen. Reflexiones sobre el uso
“Cuando aparece en el campo visual un margen entre dos superficies del dibujo en la clínica.
le acompaña además una diferencia de luminosidad: es decir, el
fenómeno se produce a causa de la iluminación, a causa de la
diferencia de texturas, etc.; una silueta con cierta diferencia de
luminosidad proporcionaría un indicio de profundidad que ofrecería
indicaciones acerca de dónde encontrar en la periferia el borde o Dentro de los muchos propósitos que pueda tener, desde el disfrute
margen de un objeto” (Gombrich, Hochberg y Black, 2007). personal hasta la gráfica publicitaria, el dibujo se ha venido usando
desde hace tiempo como herramienta en sesiones de arteterapia.
Esta es la razón por la cual, como ejemplo, dado el caso de un Así pues, se procede a analizar la función del dibujo dentro de la
bebé al que se le muestra el dibujo del contorno de su biberón, lo arteterapia en lo relativo a la presente investigación. Como referencia

24 25
 se puede citar a la doctora en antropología Eva Marxen, arteterapeuta,
que realiza un planteamiento del dibujo como rescurso intelectual,
3.3. FUENTE DE INSPIRACIÓN: EL GARABATO
que hace las veces de catalizador, y cuyo cometido principal consiste
en practicar de manera interna el reconocimiento de las emociones
y sucesos: “planteando al arte como medio terapéutico que labora Enfermo estaba y eso fue de la creación el motivo.
en pro de la recomposición de una trama simbólica fracturada, así Creando convalecí y en ese esfuerzo sané.
como el valor de la sublimación para el sujeto que padece” (Morandi,
2013). Freud cita a Heine, Introducción al Narcisismo.

El procedimiento habitual que sigue la arteterapia con el dibujo

consiste en hacer que el paciente realice una composición sin saber
qué está dibujando en realidad, lo que permite al individuo representar Con ánimo de fomentar su creatividad, el artista no cesa de
sus problemas en una situación o localización idealizados, donde garabatear a rotulador sobre los márgenes de su libreta, como
toda figura aparece disfrazada de algo menos pernicioso o que, aquel que visitó la biblioteca con anterioridad. Pues esta acción,
incluso, llega a resultar agradable para el sujeto, pues es un recurso que resulta tan corriente, siempre ha conseguido aportarle paz y
psíquico que pretende sacar los complejos (Domínguez, 2014). Para concentración (véase 3.2. y 3.3.1.). Mientras, enfoca su estudio en
trabajar la psicología en los niños, se ha hecho uso de él a menudo otros asuntos a los que espera sacar provecho e incluso llegar a
como medio de emersión de los traumas, junto con otros ejercicios desarrollar, si se decide, como proyecto artístico.
de expresión, como explica Uribe en su estudio.
Finalmente se percata de que entre todo lo escrito en busca de
Luego el grafismo del dibujo, lejos de ser un simple entretenimiento, inspiración, había pasado por alto algo importante: el garabato. Le
aporta también relajación y bienestar pues permite que “los llama la atención la espontaneidad del trazo, la fuerza de los cortes,
estados de ánimo afloren a través del dibujo, al ser gestos gráficos la intensidad del movimiento. Le atrae, parece que ha encontrado el
y materializados en papel, reflejo de las personas, un poco como motivo de sus próximas creaciones.
gesticular con el rostro. El hombre no puede dejar de proyectarse en
todo lo que hace” (Sandri, 2014). Así pues, el espectro de dibujos y Por fin se encuentra inspirado.
sus significados es tan amplio como lo es el de las personas que los
realizan, por lo que el dibujo en sí mismo es multívoco y polisémico.
La erradicación digital. Colérica Finch,
2018.Pintura digital.

26 27
 3.3.1. FUNCIONALIDAD Habitualmente se suele reprender a los niños, y cuanto más a los
adultos, que hacen uso del garabato como pasatiempo. Pero resulta
ser, a la vista de los acontecimientos, un acto equívoco. En lugar de
recriminar y negar la creación de estas marcas tan espontáneas que
Es sabido que existen diferentes técnicas para provocar el estímulo ayudan al individuo a pensar, se debería potenciar, al igual que se
cerebral, mejorar la forma en que se fijan las ideas y grabar nuevos hace con el pensamiento analítico.
contenidos en la mente. Entre ellas se encuentra realizar los
comúnmente denominados garabatos, cuya ejecución simultánea
Sunni Brown, férrea defensora del garabato como muestra de libre
junto con otra tarea no distrae en la mayoría de los casos, sino que
expresión, sostiene que nuestra cultura está tan intensamente
evita caer en el aburrimiento y no resta recursos a la labor principal.
focalizada en la información y lenguaje verbal que nos encontramos
casi ciegos ante el valor del garabato, pues “es algo innato, no se
La profesora de la Universidad de Plymouth (Reino Unido) Jackie puede negar la expresión de este instinto tan primario” (Brown, 2011).
Andrade, realizó un experimento mediante el cual demostró que Y es que no resulta ningún misterio que todo el sistema educativo
garabatear mientras se recibe una llamada telefónica ayuda a dirija sus fuerzas hacia el progreso de la lógica aritmética, dejando
retener la información de forma más eficiente. En él, dividió a de lado y condicionando así la creatividad en los niños desde que
los participantes en dos grupos separados, los cuales recibirían se les prohíbe garabatear nada más empezar a estudiar los libros.
una llamada, aunque sólo en uno de ellos se podría hacer uso de Esta no es otra sino la muestra de que el razonamiento intuitivo e
bolígrafo y papel para distraerse 2 . Como resultado, el grupo con imaginativo existe y es una posibilidad presumiblemente factible,
acceso al garabato pudo asimilar el contenido de la llamada con un pues si todo niño en pleno crecimiento lo posee y hace uso de él
29% de más exactitud que el primero de ellos. La profesora asegura continuamente, cualquier adulto que se preste sería capaz, en todo
que “garabatear aporta concentración mientras que reduce el soñar caso, de conservarlo y así poder incentivarlo, ya sea a través del
despierto” (Andrade, 2009). Llegados a un punto del estudio en que, garabato como de cualquier otro ejercicio que impulse a la propia
tanto las referencias a las aplicaciones del dibujo en terapia como creatividad.
herramienta recuperadora de información, como las que siguen a la
utilidad del garabato como elemento nemotécnico según Andrade,
Además, el garabato es una manifestación del inconsciente, al
adquieren tanto peso, se establece, por tanto, la base por la que
realizarse de manera automática mientras ocupan la mente otras
el garabato, siendo a su vez dibujo, compone un recurso psíquico
tareas, por lo que no necesita confirmación de la conciencia 3 .
cerebral que aporta relajación, y con el cual se procesa y asimila
Benjamin Walter hablaba del inconsciente óptico (Benjamin, 2014)
mejor la información.
como aquello que percibimos de lo que vemos y asimilamos sin
quererlo, pues de manera racional no sabemos que lo conocemos.
El garabato constituye pues una medida preventiva ante la falta de Entonces, esta expresión podría interpretarse como aquello que al
concentración y es un ingrediente elemental en la resolución de alzar la vista vemos, pero sobre lo que no focalizamos, aquello que
problemas y el procesado profundo de información. recibimos y entendemos pues forma parte de las sucesivas ojeadas

3-. Existen diferencias de opinión entre si las acciones que escapan a la conciencia
forman parte del subconsciente o del inconsciente, pero dado el carácter metódico
2-. Se entregó un cuaderno y un bolígrafo a cada participante con la condición de no de este discurso, se tomará en consideración el segundo, al ser el término usado por
realizar anotaciones sobre el contenido de la llamada telefónica. los autores de referencia.

28 29
 que emprendemos a lo largo del día, mas sin embargo no somos salir su angustia a través de estos oportunos trazos que, de manera
conscientes de ello pues no es a eso hacia donde se dirige nuestra muy conveniente, acaban por convertirse en proyecto artístico.
atención. Podría ponerse como ejemplo algún objeto cotidiano que
se visualiza a diario, como una baldosa del suelo del jardín, pero Como bien decía Marcel Duchamp “el deleite estético es algo que
que al no ser información relacionada con la mirada en cuestión, hay que evitar” (C. Danto, 2013). Así, frente al caos que representa
pasa desapercibida. Así pues esta definición de inconsciente la demolición del raciocinio, nos encontramos ante el retrato a
óptico podría, de buena manera, ajustarse metafóricamente a la rotulador de un cerebro desaforado.
funcionalidad y propósito del garabato, ya que llega a convertirse en
una acción común y repetitiva, cabría llamarse cotidiana, a la que no
se le presta interés, al igual que lo hacen las vistas sucesivas que
constituyen el primero, que pasan inadvertidas ante la conciencia
del sujeto.

Así, de forma intuitiva, espontánea e inconsciente, es como tiene

lugar la producción del garabato que nuestro artista acaba de
descubrir como objeto de producción artística.

3.3.2. SIGNIFICADO

Dada la multivocidad y polisemia del dibujo en general, a las que se

hizo mención con anterioridad, debe existir pues un trasfondo en las
grafías que se dibujan en el garabato del artista en particular.

Teniendo esto en cuenta, junto con la funcionalidad nemotécnica

y relajante que de por sí posee 4 , no resulta extraño pensar que, al
igual que se realiza de la misma manera que uno mueve la pierna
impulsivamente, se rasca la cabeza o juega con el bolígrafo, sea
entonces el garabato un reflejo de la liberación del estrés que el artista
posee, relativo al pesado trayecto existencial que se ha llevado a
cabo a través del primer y segundo estado. Así, se presentaría como
el vestigio de una lesión en la creatividad e imaginación del artista
que, a lo largo del curso que sigue la cadena de pensamientos que
van desde el aburrimiento hasta la inspiración, se entretiene y deja
Amanecer BIS. Colérica Finch, 2018. Pintura digital
4-. Según Andrade y las aplicaciones del dibujo en arteterapia.

30 31
4. TERCER ESTADO: EL GARABATO COMO HERRAMIENTA DE
TRABAJO
ANTECEDENTES PRÁCTICOS Y TEÓRICOS - EL PLANO
PROCESUAL

A través de la perspectiva que aporta el bagaje ideológico del primer

y segundo estado, es como se abren paso los violentos grafismos
del garabato, mediante una investigación y análisis exhaustivo de
la mecanicidad y automatismo como símbolo del comportamiento
repetitivo, para dejar a un lado el caos que se figura en una mente
derrotada, convirtiéndose así en estrategia de desarrollo de un
nuevo lenguaje que se presta a participar en “el juego entre los
hombres de todas las épocas que es el arte”, como decía Marcel
Duchamp (Burriaud, 2015). Una vez establecido el garabato como
fuente de inspiración, se convierte en objeto de trabajo a desarrollar
como obra artística. El presente capítulo versará pues sobre los
fundamentos e ingredientes teórico-prácticos que confeccionan el
proyecto, como son los referentes artísticos y la metodología de
trabajo a seguir.

33
 4.1. REFERENTES
Marcel Duchamp (Blainville-Crevon, 28 jul 1887/ Neuilly-sur-Seine,
2 oct 1968)
Los siguientes autores han sido escogidos tras estudiar y analizar
los respectivos métodos y técnicas de elaboración del proyecto El arte ha de ser un mordiente físico (como el ácido sulfúrico) capaz
artístico, observando las diferentes relaciones y conexiones que se de quemar toda estética y calística.(...) El artista puede declarar a los
pueden establecer con el presente trabajo teórico/práctico. cuatro vientos que él es un genio pero tendrá que esperar el veredicto
del espectador para que sus declaraciones adquieran valor social
y para que la posteridad lo incluya finalmente en los manuales de
Historia del Arte. (Cabanne, 1987)
Jackson Pollock (Cody, 28 ene 1912/ Springs, 11 ago 1956)
Marcel Duchamp es considerado
El cuadro cobra vida propia, intento dejar que se exprese (Jiménez, el padre del Arte conceptual por
2016) sus ready-made. En ellos, buscaba
deshacerse de la pintura retiniana y
Pollock es una de las figuras artísticas más relevantes del siglo académica para dejar paso a “obras
XX y, al igual que muchos otros integrantes del Expresionismo de arte que no eran de arte” (Cabanne,
Abstracto, movimiento al que dio nombre, hacía uso de lo que se 1987): lo cual lo hacía mediante la
llamó Action Painting, para salirse de la norma convencional y descontextualización de los objetos
tradicional de la pintura. Esta técnica, a través del automatismo, y la separación de sus funciones de
el gesto y la expresión, daba lugar a pinturas cargadas de impulso objeto útil, lo que producía un vacío/
y espontaneidad, cuya abrupta gestualidad sirve de base y de desconexión en la entidad de la obra,
aspiración al presente proyecto. al romper la lógica racional a la que
el expectador estaba acostumbrado.
Este distanciamiento de la corrección
formal que sólo busca el agrado
visual es con el que se identifica el
artista, cuyos garabatos pretenden
alejarse también del lenguaje literal
del arte académico.

Figura 2: L.H.O.O.Q. (Duchamp, 1918)

Figura 1: Autumn Rhythm (Number 30), (Jackson Pollock, 1950)

34 35
 Jonathan Lasker (E.E.U.U., 1948/ - ) Fabian Marcaccio (Argentina, 1963/ - )

Lasker es un artista contemporáneo que crea su propio lenguaje a Está considerado uno de los artistas latinoamericanos de mayor
través de diferentes trazos automáticos que componen garabatos, influencia en la actualidad.
madejas deshilachadas, formas que se asemejan a vallas de
corral, etc. Toda su obra la elabora en torno a este mismo método Desde mediados de los noventa, acuñó el término Paintants (Pintantes)
de expresión tan propio e individual, dando lugar así a una nueva para nombrar una serie de piezas que combinan pintura, fotografía,
identidad que adquiere su trabajo, el cual se reconoce por sí mismo, técnicas de retoque e impresión digitales, técnicas escultóricas y,
pues no resulta necesario ponerle la autoría a los cuadros, ya que en la mayoría de los casos, dimensiones arquitectónicas. (...) Su
sólo Lasker trabaja de ese modo. La obra se independiza entonces obra se propone como un campo de experimentación, investigación
y análisis en torno a la capacidad, la voluntad y la resistencia del
del artista y pasa a ser ella la única autora y protagonista de los
medio tradicional de “la pintura” para sobrevivir en el contexto de las
espacios. innovaciones tecnológicas, la saturación informática y la era digital,
que han alterado profundamente nuestra manera de percibir y de
Al igual que Lasker, a partir de los garabatos, que surgen de un articularnos en el mundo que vivimos (Marcaccio, 2013).
estado previo de desinspiración, se pretende elaborar un lenguaje
propio con el cual llevar a cabo la producción artística. La saturación de color y
entresijo de formas que
constituyen su obra son
puntos a los que se presta
especial atención a la hora
de componer su trabajo.

Figura 4: SUSPENDED TITLE

(Marcaccio, 2016)

Figura 3: The Universal Frame of Reference (Lasker, 2014)

36 37
 Antony Micallef (Swindon, 1975/ - ) Vincent Van Gogh (Zundert, 30 mar 1853/ Auvers-sur-Oise, 29 jul
1890)
Su obra es dura y sarcástica, pero, a la vez tiene un lado tierno. Con
carboncillo, lápiz u óleos crea retratos de una fuerza inusual. Sus El arte es el hombre agregado a la naturaleza; la naturaleza, la
pinceladas son grandes, gestuales, como de obra inacabada, que realidad, la verdad, pero con un significado, con una concepción, con
recuerdan a Bacon o a Goya. No vemos rostros definidos, pero sus un carácter, que el artista hace resaltar, y a los cuales da expresión,
figuras son dueñas de una enorme expresividad. “Cuando empiezo <<que redime>>, que desenreda, libera, ilumina. (Van Gogh, 2012)
a pintar una cara, veo expresiones de forma aleatoria que intento
capturar para darles expresión, identidad”. (Maganto, 2017)
Es considerado uno de los grandes maestros de la pintura moderna,
a pesar de que en su tiempo no llegó siquiera a ser reconocido como
artista de renombre. Vivió una vida repleta de pesares, sin embargo
tuvo años de intensa producción artística, los años próximos a su
Este artista ha sido catalogado fallecimiento, cuando se quitó la vida en 1890. Gracias a una serie
como expresionista contemporá- de oportunas coincidencias, todavía se conservan las cartas que
neo al contener sus obras gestos Van Gogh le envió a su hermano Theo entre 1872 y 1890, donde deja
que recuerdan a los de los vanguar- constancia de sus vivencias y con las que se puede uno acercar a lo
distas de principios del siglo XX. que es su biografía.

Su manera de abordar el retrato

Vincen Van Gogh supone la
consiste en trabajar el moderno
mayor fuente de estímulo
selfie 5 desde una perspectiva
para nuestro artista,
agresiva con la que se deshace
componiendo el ejemplo
de la personalidad del retratado y
más puro de motivación y
pretende así mostrar las entrañas
desempeño. “La prueba de
del proceso. Con una estrategia
que ya sé qué quiero poner
similar a esta será con la que
en mi obra, y qué esfuerzos
nuestro artista proyecte, sobre
debo realizar aunque tenga
retratos de grandes maestros, el
que hundirme, es que tengo
garabato.
una fe absoluta en el arte”
Figura 5: Self-Portrait on Grey No. 4
(Micallef, 2015)
(Van Gogh, 2012).

Figura 6: Autorretrato
(Van Gogh, 1889)
5-. Anglicismo acuñado en el siglo XXI para definir aquella fotografía que hace uno
de sí mismo.

38 39
 Charlie Kaufman (Nueva York, 1958/ - ) Alberto Giacometti (Borgonovo, 10 oct 1901/ Coira, 11 ene 1966)

Soy patético, soy un fracasado, tengo terror y claudicado no valgo Las pinturas y, en especial, las esculturas del artista suizo Alberto
nada, qué cojones hago yo aquí. ¡Joder! Es mi debilidad mi patente Giacometti fueron la traducción plástica de la crisis existencialista
falta de convicción. Eso es lo que me ha traido aquí: soluciones que aquejó a la sociedad occidental tras el fin de la Segunda Guerra
fáciles, normas para alcanzar el éxito sin dar golpe, y aquí estoy yo Mundial. Giacometti creció en una familia de artistas (...). En 1935
porque mi viaje al abismo no me ha llevado a nada, ¿pero no es ese entró en un periodo de crisis creativa, que abarcó prácticamente
el riesgo que hay que correr para conseguir algo nuevo? (Kaufman, una década, durante la que volvió al trabajo con modelo, al que
2002) sometía a largas sesiones de pose. Este método de trabajo, que había
abandonado durante su etapa surrealista, tuvo como resultado unas
esculturas que redujo a la mínima expresión y que fueron el germen
Guionista reconocido de Hollywood, ha realizado conocidas películas
de toda su producción posterior. (Thyssen, 2010)
como: ¿Cómo ser John Malkovich?, ¡Olvídate de mí! o Anomalisa.
Pero la que se tiene en consideración es El ladrón de Orquídeas,
pues en ella, el guionista elabora una obra que habla de sí mismo y Junto con sus famosas
en la que toma en conveniencia el concepto unisignificante de falta esculturas, Giacometti dejó
de inspiración para componer la diatriba del filme, así como en este también como legado una
proyecto se acaba haciendo uso del garabato para desarrollar el serie de dibujos, realizados a
proyecto creativo. bolígrafo, compuestos en su
mayor medida por garabatos.
En ellos se pueden apreciar
trazos violentos que bosquejan
un cuerpo, bocetajes de
algunas de sus esculturas.

Figura 8: Sin título (Giacometti, 1947)

Figura 7: Fotograma de El ladrón de Orquídeas (Kaufman, 2002)

40 41
 Por un lado, existen diferentes maneras de abordar la temática del
4.2. METODOLOGÍA Y OBJETIVOS espacio. Se pueden establecer varias relaciones entre figura y fondo,
con el propósito de transformar todo el espacio contenedor de las
mismas. En primer lugar, la imagen convencional está compuesta
Ni la materia ni el tiempo son desde hace veinte años lo que eran desde por figuras en positivo, pero se da la posibilidad de que la figura
siempre. Hay que esperar que tan grandes novedades transformen toda esté en negativo. Por ejemplo: una línea negra sobre un papel blanco
la técnica de las artes y de ese modo actúen sobre el propio proceso de
conformaría un espacio negativo ocupado por la línea en positivo,
la invención, llegando quizás a modificar prodigiosamente la idea misma
pero, si en cambio, el papel estuviera coloreado de negro y la línea
de arte.
tuviera el color del papel, sería al revés, espacio positivo y línea en
negativo. Con estos supuestos son con los que juega el artista con su
Paul Valéry, La conquista de la ubicuidad.
garabato, al cual le otorga tanto la positividad como la negatividad,
haciendo uso también de transparencias que no sólo transforman
la superficie de la obra, sino que también interviene pues el objeto
artístico en el entorno en que se halla, al dejar entrever a través de sí
En un primer término, es aquí donde se empieza a concebir el mismo el paisaje que se encuentra detrás. Interfieren pues los trazos
garabato como creación artística, a entender los fundamentos en del garabato en la dimensión del lugar, provocando una mutación
los cuales se basa el proyecto. De la mano de artistas introductorios figurada del espacio, así como una modificación de la atmósfera. Se
como Fabian Marcaccio o Jonathan Lasker, entre otros, el artista cuestiona pues la identidad propia del sitio y se le otorga a la obra
empieza a tomar conciencia del acto creativo y de los pasos a un carácter monumental, al contener todo el entorno en sí misma,
seguir para acometerlo. Es así como se elabora el nuevo lenguaje que, como seres espaciales que somos (Perec, 2001), mientras
del garabato que, lejos de tener pretensiones meramente estéticas, mayor sea la dimensión de la que uno se ocupe, mayor será el efecto
ambiciona invitar a la reflexión. A través de medios tanto digitales continente que produzca.
como plásticos, el artista se abre al camino de la experimentación.
De la misma manera se lleva a cabo la experimentación sobre el
El objetivo principal de los proyectos a realizar es consolidar al soporte y su necesidad, que va de la mano con la investigación
garabato como marca única de expresión artística personal, así que sobre el medio: el material pictórico en sí mismo. Se llega a negar
este se mantiene de forma permanente en todas las obras, siguiendo al soporte como parte intrínseca de la obra y se revela, así pues,
siempre la misma mecánica de automatismo y espontaneidad. Dado como autónoma, otorgándole entonces la propiedad de contenido
este hecho, el artista, una vez iniciado el proceso de la creación, que es indiferente al continente. Mediante la modificación de la
se decide a encaminar la experimentación hacia otros aspectos pintura, haciendo uso de mediums, resinas, etc., se consigue darle
como el soporte, el medio pictórico o el espacio, los cuales sí son calidades muy variadas y cercanas a la escultura, de manera que
susceptibles al cambio. se pueden añadir vacíos de recorte al soporte o, incluso, no tendría
por qué ir sujeto el medio pictórico a ninguna clase de lienzo. Por
De esta manera surgen cuestiones como la posibilidad de lo tanto, se pone en entredicho la utilidad del soporte en el arte
multiplicidad del espacio, positivo y negativo, la necesidad del contemporáneo que, muy en contra de la opinión del crítico Robert
soporte, o el valor del medio pictórico, pues se puede confundir la Hughes, que exponía el nacimiento, desarrollo y decadencia del
lógica del material. proyecto artístico de la modernidad, se ensalza aquí como una oda

42 43
 a la libertad del proceso.

Así pues, debido a la ininterrumpida experimentación y al no cesar

de los descubrimientos sobre los elementos que componen la obra,
se abren, cada vez más, nuevos métodos y procedimientos para el
abordaje del proyecto artístico: diseño digital, arte urbano y/o pintura
mural, su posible implementación a la gráfica 3D, etc. Los cuales, a
su vez, aportan nuevos planteamientos y tesituras metafísicas que
deberán ser tenidas en cuenta a la hora de emprender proyectos
futuros. De este modo, se entra en un continuo ciclo de aprendizaje,
en el que obra y concepto se retroalimentan de manera regular, y del
cual al artista no le gustaría salir, pues es el culmen de la inspiración
que tanto ansiaba en el primer estado. 5. DOSSIER ARTÍSTICO
Es por estas razones, por la constante revelación de nuevas
propiedades y cualidades del objeto artístico, por lo que el artista
no cesa en su experimentación y en su afán por conseguir crear algo
nuevo, para coronar así a la creación como modus operandi.

44 45
 Cambio. Colérica Finch, 2016. Pintura plástica sobre reproducción
de Monet: El puente de Argenteuil (1874), 37X45x5cm.

46 47
 Vangoghin, serie. Colérica Finch, 2017. Serigrafía sobre papel japonés,
Vangoghin, serie. Colérica Finch, 2017. Serigrafía sobre papel, 15x15cm/pieza.
15x15cm/pieza.

48 49
 Vangoghin I. Colérica Finch, 2017. Serigrafía sobre papel, 15x15cm.

50
 Vangoghin II. Colérica Finch, 2017. Serigrafía sobre papel,
15x15cm.

52
 Vangoghin III. Colérica Finch, 2016. Serigrafía sobre papel japonés,
15x15cm.

54
 Lluvia en negativo. Colérica Finch, 2018. Spray sobre metacrilato
con paisaje de fondo, 50x70cm.

56 57
 Lluvia en positivo. Colérica Finch, 2018. Spray sobre metacrilato
con paisaje de fondo, 50x70cm.

58 59
 Amanecer sobre madera. Colérica Finch, 2018. Técnica mixta, Madera sobre amanecer. Colérica Finch, 2018. Técnica mixta,
50x80cm. 50x80cm.

60 61
 Serie de amaneceres.
Colérica Finch, 2018.
Simulación digital.

62
La delineación de la
erradicación.
Colérica Finch, 2018. Pintura
acrílica sobre madera,
40X120cm.

65
 DOODLER I. Colérica Finch, 2018.
Pintura acrílica sobre madera,
41X76cm.

66 67
 Doodled spring.
Colérica Finch, 2018.
Látex, pintura acrílica y
barniz sobre madera,
50x65cm/pieza.

68 69
 Doodled spring III. Colérica Finch, 2018.
Látex, pintura acrílica y barniz sobre madera,
50x65cm.

70 71
6. CONCLUSIONES

La pregunta de por qué el arte ha llegado a convertirse en algo

ininteligible para el ciudadano común, para todo aquel que no acepte
la grandilocuencia de lo abstracto como modelo de verdadero arte
moderno, es una constante. Todo artista se ve obligado a responder
a esta cuestión de manera sincera, exponiéndose a sí mismo como
argumento fehaciente sobre el papel del arte contemporáneo y
analizando también el laberinto insondable de ideas que debe uno
tantear para llegar a conformar su creación.

El problema aparece cuando es el artista mismo el que pierde la

fe en el arte y en el acto creativo. Es entonces donde comienza el
recorrido en busca de la iluminación, el viaje a través de los estados
que se suceden entre sí como periplo espiritual a emprender para
volver, de nuevo, a considerarse imaginativo y capaz.

A lo largo de la Historia del Arte, muchos han sido los artistas que en
algún momento de su desarrollo se han sorprendido desinspirados,
desencantados con su trabajo, aburridos. Pero esta sensación, este
estado anímico, no es otra cosa sino un preámbulo para la creación
artística. En el primer apartado de la presente investigación, donde
se describe dicha experimentación emocional, se transforma el

73
 aburrimiento, sin embargo, en estado de meditación propicio a Se podría decir pues, que los estados artísticos de desinspiración,
dar frutos creativos. Por lo que, lejos de significar una situación tan comunes en el oficio del artista a lo largo de la Historia del Arte,
desesperada, se convierte en paso a seguir para llegar a la se pueden tomar en conveniencia para hacer de ellos un mecanismo
inspiración, por un camino que, empero, no es el habitual. de paso que permita llegar a la creatividad desde la perspectiva
cero. Quiere esto decir que, una vez el sujeto se aburre de todo a
Una vez reconocida la función reveladora del estado del aburrido, se su alrededor, ha de comenzar a imaginar y componer desde el vacío
procede a buscar la fuente de inspiración. Y para ello el individuo se de la percepción, creando, desde los cimientos, nuevas técnicas y
sirve de las propiedades de la arteterapia, que relaja, aporta bienestar temáticas para el próximo proyecto artístico, pues todo lo anterior
y actúa de catalizador al hacer emerger información enterrada en el le resulta tedioso y monótono. Al igual que lo hace el individuo en
inconsciente. Estos resultados han sido ratificados por numerosos cuestión, a través de las bases naturales del dibujo y sus aplicaciones
expertos, al igual que se afianza su validez en el desarrollo del terapéuticas que, finalmente, detonan en el garabato como numen
presente proyecto, a través de los ejercicios de garabateo que artístico.
realiza el sujeto. Además, el garabato posee en sí mismo otra serie
de características que resultan beneficiosas para quien lo realiza: Así pues, el proyecto presenta técnicas y caminos viables para salir
compone un recurso psíquico con el cual se procesa y asimila mejor del estado de la desinspiración, conformándose entonces como
la información, a la vez que facilita el estímulo cerebral y ayuda a carta esperanzadora para todo aquel que se encuentre desinspirado.
avivar la creatividad, siendo a su vez dibujo, por lo que, según las Se presenta el trabajo como una acción proyectiva de cualidad,
aplicaciones de la arteterapia, relaja y tranquiliza. gran magnitud e intensidad, que se empeña en que los vectores del
discurso, a pesar de estar bien definidos, no lleguen a ser cuestiones
Así, haciendo uso del garabato para salir del aburrimiento y poder ni temáticas exclusivas, pues, en pocas palabras, podría resumirse
entonces emprender el nuevo proyecto artístico, es como se en: incluso la desesperación por crear se torna inspiradora en el
consolida a esta clase de dibujo frenético como herramienta de ente creativo.
trabajo que servirá para desarrollar la futura obra.

La hiper-experimentación del proyecto artístico que ha

desencadenado la labor de introspección de la presente investigación
ha sido tal, que se encuentra el artista en un lugar desconocido para
él. Pues las dinámicas de trabajo que ha descubierto a lo largo de
todo el desarrollo de los estados anímicos, durante el transcurso
de la realización del estudio, han supuesto una suerte de epifanía
existencial, al significar el motivo de progreso en el acto creativo.
Se presenta ahora ante él un amplio abanico de posibilidades de
actuación en torno a la realización de sus obras, que van desde la
realización 3D hasta la pintura expandida, el cual, aunque existiera
algo de previsión, excede todas las expectativas que se tenían en el
nacimiento de ese primer estado, que parecía tan impertérrito.

74 75
7. LISTADO DE IMÁGENES

Figura 1 (pág. 34). Jackson Pollock, 1950. Autumn Rhythm (Number 30).
Óleo sobre lienzo, 266.7x525.8cm. MET Museum, Nueva York. Disponible en:
https://www.metmuseum.org/toah/works-of-art/57.92/ [consulta: 5 abr 2018]

Figura 2 (pág. 35). Marcel Duchamp, 1918. L.H.O.O.Q. Ready-made,

21x13.8cm. Prestada al Musée National d’Art Moderne, Centro Georges
Pompidou, Paris. Disponible en: upload.wikimedia.org/wikipedia/en/6/6e/
Marcel_Duchamp_Mona_Lisa_LHOOQ.jpg [consulta: 5 abr 2018]

Figura 3 (pág. 36). Jonathan Lasker, 2014. The Universal Frame of Reference.
Óleo sobre lino, 229x305cm. Colección del artista. Disponible en: https://
jonathanlasker.net/painting/the-universal-frame-of-reference/ [consulta: 5
abr 2018]

Figura 4 (pág. 37). Fabian Marcaccio, 2016. SUSPENDED TITLE. Impresión

de plástico 3D, resina acrílica y silicona, 16x12x3cm. Galería Thomas Schulte,
Berlin. Disponible en: https://www.artsy.net/artwork/fabian-marcaccio-
suspended-title [consulta: 7 abr 2018]

Figura 5 (pág. 38). Antony Micallef, 2015. Self Portrait on Grey No. 4. Óleo
sobre lino francés, 140x120cm. Pearl Lam Gallerie, Hong Kong. Disponible

77
 en: https://ocula.com/art-galleries/pearl-lam-galleries-hong-kong/artworks/
antony-micallef/self-portrait-on-grey-no-4/ [consulta: 7 abr 2018]

Figura 6 (pág. 39). Vincent Van Gogh, 1889. Autorretrato. Óleo sobre tela,
65x54.5cm. Musée d’Orsay, París. Disponible en: https://www.vangoghgallery.
com/es/catalogo/pinturas/2119/Autorretrato.html [consulta: 8 abr 2018]

Figura 7 (pág. 40). Charlie Kaufman, 2002. Fotograma de la película El ladrón

de Orquídeas. Disponible en: http://www.rirca.es/la-fractalidad-esta-servida-
como-ser-charlie-kaufman/ [consulta: 8 abr 2018]

Figura 8 (pág. 41). Alberto Giacometti, 1947. Sin título. Bolígrafo sobre
papel, 21x29.7cm. Casa de apuestas Cheffins, Cambridge. Disponible en: 8. RECURSOS DOCUMENTALES
https://elpais.com/cultura/2017/08/10/actualidad/1502380106_017905.html
[consulta: 20 abr 2018]
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No puedo comprender la importancia que se da a la palabra investigación en la
relación con la pintura moderna. A mi modo de ver, buscar no quiere decir nada
en pintura. Lo importante es encontrar. (...) Con frecuencia la preocupación de
investigar ha hecho que se extraviara la pintura, y que el artista se perdiera en
lucubraciones mentales. Quizá sea este el defecto principal del arte moderno. El
espíritu de investigación ha envenenado a los que no comprendieron bien todos
los elementos positivos y decisivos del arte moderno y les hizo tratar de pintar lo
invisible y, por consiguiente, lo que no se puede pintar. (...) Damos a la forma y al
color todo su significado individual, en tanto como podemos; tenemos en nuestros
temas la alegría del descubrimiento, el gozo de lo inesperado; nuestro tema es,
en sí mismo, una fuente de interés. Pero, ¿para qué decir lo que hacemos si para
enterarse basta con querer verlo?

Picasso a Marius de Zayas en 1923

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