1.

Contexto histórico
2. Características generales
3. Arquitectura gótica
3.1. Localización y evolución artística
3.2. Características y tipologías. Las portadas: decoración
escultórica.
3.3. Arquitectura gótica europea
3.4. Arquitectura gótica española
4. La pintura gótica
4.1. Características
4.2. Pintura gótica italiana: Giotto.
4.3. La pintura gótica en Flandes: Van Eyck y El Bosco.
5. Escultura gótica
5.1. La escultura gótica europea
5.2. La escultura gótica en España.

1. Contexto histórico
Durante el siglo XII tuvo lugar un crecimiento notable de la población gracias al desarrollo
de la agricultura y del comercio. La expansión, a todos los niveles, iniciada en el s. XI,
continuó de modo visible y los siglos iniciales del Gótico coincidieron con un espectacular
desarrollo del comercio y con la prosperidad de las ciudades. Por ello, la manifestación
artística más característica del gótico es la catedral urbana. Este proceso posibilitó el auge
de los burgos, ciudades, así como la aparición de una nueva clase social, la burguesía. Este
nuevo grupo social favoreció que el predominio cultural ejercido por la Iglesia y los
monasterios en los siglos anteriores, pasará a manos de las universidades o Estudios
Generales. Estas se convirtieron en centros de enseñanza y sobre todo de actividad
intelectual, artística y cultural. y en ellas se produjo una renovación de la filosofía y la
teología a través de la Escolástica, que proponía sistematizar todo el pensamiento de la
época mediante la conciliación de la fe cristiana y el pensamiento filosófico de la
Antigüedad, especialmente el de Platón y Aristóteles. De todas estas circunstancias
económicas, sociales y culturales, derivó una visión del mundo más optimista.
La expansión económica de las centurias anteriores se vio bruscamente interrumpida, a
mediados de siglo XIV, por lo que se conoce con el nombre de crisis de la Baja Edad Media.
El hambre, las guerras y las epidemias (Peste negra de 1348) marcaron el descalabro
demográfico y económico de las ciudades europeas. Paralelamente, se inició una nueva
corriente de pensamiento: el Humanismo, que dio lugar a una visión del mundo basada en
la experiencia del ser humano y en la reflexión crítica, antecedentes de la floreciente época
renacentista.
2. Características generales
El arte gótico fue el reflejo de la nueva mentalidad surgida con los cambios de la sociedad
europea bajo medieval. Consistió en una religiosidad distinta con una actitud más positiva:
- El objetivo seguía siendo la enseñanza de las verdades esenciales, pero sin
renunciar a la belleza formal.
- La obra de arte ya no era sólo un símbolo espiritual, se acentuó el afán por lo
decorativo.
- La catedral fue la construcción más significativa y su tendencia fue a aumentar el
tamaño y altura.
 - La arquitectura civil también tuvo un gran desarrollo, con las mismas características
formales y técnicas que las catedrales.
- La escultura y la pintura se independizaron progresivamente del marco
arquitectónico con figuras más naturales y gestos más humanos.
Cabe recordar que estos rasgos comunes son muy generales ya que la realidad del gótico
es muy compleja y variada, tanto en el tiempo como en sus diferentes ámbitos geográficos.
3. Arquitectura gótica.
3.1. Localización y evolución artística.
Teniendo como génesis la Isla de Francia (París y sus alrededores), el arte gótico se
extendió fundamentalmente por Europa occidental, desarrollando sus variables en cada
país.
El término gótico —de la palabra “godo”— se utilizó por primera vez en el Renacimiento
para referirse peyorativamente al arte de la baja Edad Media, considerado bárbaro e inferior
en comparación con el de la antigüedad clásica (Grecia y Roma). El nuevo estilo no supuso
una ruptura con el románico, sino un estilo que evoluciona e incorpora nuevas formas en
arquitectura, escultura y pintura.
Aunque en líneas generales el arte gótico queda fijado entre mediados del siglo XII y las
primeras décadas del siglo XVI, es preciso señalar que en cada país tendrá una duración
diferente (Italia, hasta ½ siglo XV; Inglaterra, España y Portugal, hasta principios siglo XVI).
Generalmente se divide el gótico en tres grandes periodos:
● Gótico inicial (siglo XII y XIII), partiendo del románico, se configuran las nuevas
formas góticas.
● Gótico clásico (siglos XIII y XIV), considerado una etapa clásica y de expansión de
las formas góticas.
● Gótico flamígero (siglo XV e inicios del XVI), periodo caracterizado por la
exuberancia ornamental que impregna todas las manifestaciones artísticas.
3.2. Características y tipologías. Las portadas: decoración escultórica.
La catedral se convirtió en el edificio paradigmático de la arquitectura gótica y el modelo
francés fue su expresión más típica.
Aunque hemos dicho que el gótico supone, en parte, una evolución del románico, este
cambio es algo más complejo ya que hubo un nuevo espíritu religioso y una pretensión de
construir iglesias más altas y luminosas. El muro pierde su función de soporte y se convierte
en mero cerramiento translúcido gracias a la apertura de grandes ventanales (vitrales o
vidrieras).
Entre los elementos fundamentales de la arquitectura gótica destacamos el arco apuntado
(ojival), la bóveda de crucería. El primero tiene la ventaja técnica de ejercer empujes
laterales menores que el de medio punto, a la vez que resulta más ligero. Fue
evolucionando en su forma hasta derivar en los arcos conopiales y carpaneles.
La bóveda de crucería, formada por el cruce diagonal de dos arcos apuntados, transmite el
empuje de la bóveda a cuatro puntos. Está formada por dos elementos: el esqueleto y los
plementos. El primero lo conforman los arcos cruzados diagonalmente junto a los formeros
y fajones; mientras que los plementos son los paños que cierran los espacios entre los
nervios. La más sencilla de las bóvedas de crucería fue la cuatripartita, de cuatro
plementos, pero progresivamente se enriqueció su traza al añadirle nervios; así surgen la
sexpartita, la de terceletes y la estrellada.
Los empujes que ejercen los nervios de las nuevas bóvedas son recogidos por los pilares
cruciformes, a los que se van adosando finas columnas llamadas baquetones, para
proyectarlos hacia el exterior, donde se encuentran los contrafuertes. Estos soportan el
empuje de la bóveda; aunque deben ser más altos debido a la mayor elevación de las
construcciones. Por otra parte, y con el fin de aumentar su eficacia, los contrafuertes se
separan del muro a través de los arbotantes, arcos que transmiten los empujes laterales
hacia ellos y que a su vez permiten la canalización de las aguas del tejado. A su vez, el
contrafuerte suele rematarse con un pináculo que, además de un carácter decorativo, tiene
una función constructiva: ejercer un empuje vertical sobre el contrafuerte para contrarrestar
el empuje oblicuo que sobre él ejercen los arbotantes.
Este entramado de descargas permite la sustitución de los muros por grandes vidrieras
decoradas que inundan de claridad los espacios interiores. Con ello se consiguen los
objetivos de ligereza y luminosidad que sintetizan la nueva arquitectura gótica.
Aunque hay algunas muestras de arquitectura civil: palacios urbanos, hospitales, lonjas… la
arquitectura gótica es fundamentalmente religiosa, con la catedral como máximo
exponente. Su planta suele ser longitudinal, con tres o cinco naves, e incorpora un crucero.
Las novedades más importantes se presentan en la cabecera, ahora poligonal, donde se
sitúan el presbiterio, el deambulatorio y las capillas exteriores. En cuanto al alzado, la nave
central es más alta que las laterales. Además, la tribuna románica termina desapareciendo,
sustituida por una estrecha galería abierta al interior del templo (y más tarde también al
exterior) denominada triforio, sobre la que se dispone otra hilera de ventanas llamada
claristorio para aumentar la claridad.
Por lo que respecta a las fachadas, éstas se desarrollan ampliamente; no sólo la principal,
sino también las del crucero, sobre aquéllas en que la decoración se extiende con
generosidad. La fachada principal suele estar flanqueada por torres cubiertas con terrazas o
con un cuerpo piramidal llamado chapitel. Son también características las molduras
angulosas que se colocan sobre los arcos de las portadas, denominadas gabletes, así como
los rosetones o vanos circulares calados y cerrados con vidrieras de gran espectacularidad.
Por otra parte, también tenemos que nombrar la importancia de la orden del Císter, fundada
en 1098 en Francia e impulsada por San Bernardo. Éste, justificaba la decoración vistosa de
las catedrales e iglesias para captar la devoción popular, pero criticaba los excesos
ornamentales en los monasterios, ya que lo veía como una contradicción con la sobriedad
que debía imperar en la vida de los monjes. Por tanto, podemos nombrar la arquitectura
cisterciense, no como un estilo independiente al gótico, pero sí como una reacción frente a
la arquitectura románica, y además, limitada al ámbito monástico.
3.3. Arquitectura gótica europea
Francia: el centro difusor
En la primera ½ del siglo XII, en el norte de Francia, comienzan a surgir las primeras
catedrales góticas, en las que se creó el modelo llamado gótico francés. En este momento
se levantan las grandes catedrales góticas francesas: Notre Dame de París, Chartres,
Reims y Amiens. En ellas se observa la diferencia de altura entre la nave central y las
laterales, la ubicación del crucero casi en el centro, el mayor tamaño de las cabeceras, el
protagonismo de las vidrieras (claristorio) y la presencia de torres en la fachada.
A mediados de siglo XIII, la obsesión por la altura dio paso a una reducción de los muros lo
que permitió ampliar las superficies acristaladas, potenciando las vidrieras. Conocido como
gótico radiante, este estilo tuvo en la Sainte Chapelle de París su mejor ejemplo.
La arquitectura gótica inglesa
El gótico inglés es bastante distinto del francés: la cabecera es recta, tres naves, con doble
crucero, las torres son de gran tamaño… El tipo de decoración es muy particular llamada
estilo perpendicular (preferencia por las líneas verticales). Son también puramente inglesas
las bóvedas de abanico o palmeadas, cuyos nervios se abren a partir de los soportes. Entre
las obras más significativas señalamos la capilla de San Jorge (castillo de Windsor).
La arquitectura gótica en Alemania
El gótico alemán se caracteriza por la gran altura de los edificios, determinada por las
agujas o flechas de rica tracería calada con que se rematan las torres. Entre los mejores
ejemplos señalamos la catedral de Colonia.
La arquitectura gótica italiana.
En Italia nunca se aceptó el modelo gótico francés, por eso en su arquitectura predominan
las construcciones civiles frente a las religiosas.
El palacio toscano se asemeja a una fortaleza, con pocas y pequeñas ventanas, almenas y
una elevadísima torre de planta cuadrada; los ejemplos más significativos son la Signoria de
Florencia y el Ayuntamiento de Siena.
Respecto a la arquitectura religiosa, destacan la catedra de Florencia y la catedral de Siena.
Su característica principal no es la altura, sino el predominio de las formas clásicas.
3.4. Arquitectura gótica española.
En España, hay que diferenciar claramente el gótico castellano del gótico levantino,
mientras en la primera las formas del gótico francés se absorben rápidamente, en la Corona
de Aragón, se desarrolla una arquitectura más cercana a las formas del gótico
mediterráneo.
Siglo XIII: gótico castellano.
En el siglo XIII se comienzan la mayor parte de las catedrales castellanas (Toledo, León y
Burgos). Es el siglo de la preponderancia de Castilla bajo los reinados de Fernando III y
Alfonso X, la reconquista sufre un tremendo avance llegándose hasta Andalucía, la cual es
casi reconquistada (Córdoba, Sevilla, Jaén).
Las obras de este periodo, siguiendo el modelo francés, son plenamente góticas: tres
naves, profundo presbiterio, girola y capillas. De este periodo son las catedrales de Burgos,
Toledo, y León. Todas ellas siguen las pautas del gótico clásico francés, de hecho
intervienen maestros franceses en su construcción.
Siglo XIV - XV: gótico levantino.
En el siglo XIV el impulso constructivo se traslada a la región levantina y en especial a
Cataluña. En sus edificios se observa una tendencia a la horizontalidad, un gusto por la
austeridad decorativa, la poca superficie ocupada por los ventanales, la escasa diferencia
de altura entre las naves para crear un espacio unitario...De este periodo es la catedral de
Barcelona.
En el siglo XV se erigieron la catedral de Palma de Mallorca, esta última por su testero
plano, así como la iglesia de Santa María del Mar erigida por los gremios de Barcelona, y
que constituye un estilizado ejemplo de gótico mediterráneo.
Siglo XIV – XV en Castilla (Sevilla, Toledo, Guadalajara, Salamanca).
Durante todo este periodo se construyeron alguno de los mejores ejemplos de arquitectura
gótica religiosa en Castilla y Andalucía, por ejemplo la catedral de Sevilla.
A finales de siglo, durante el reinado de los Reyes Católicos, comienza una fiebre
decorativa que oculta la estructura arquitectónica y en la que es habitual la utilización de
bóvedas estrelladas y arcos conopiales. Es el denominado estilo isabelino o flamígero, en el
que participan muchos maestros extranjeros.
En Toledo trabaja Juan Guas, autor de la iglesia de San Juan de los Reyes, edificación muy
sencilla pero rica en decoración. Suyo es también el palacio del Infantado (Guadalajara),
con un patio con arquería decoradas con esculturas, escudos y leones.
También en esta época se levantaron numerosas vobras civiles, como signo del prestigio
social y testimonio del incremento de la iniciativa privada. Entre ellas destacan las casas de
nobles y burgueses como la Casa de las Conchas en Salamanca.
4. La pintura gótica
4.1 Características
La reducción de los muros en la arquitectura gótica determinó la disminución de la pintura
mural, y allí donde antes había frescos, se realizaron grandes cristaleras policromadas
(vitrales). Esto obligó a la pintura a buscar nuevos soportes, como las tablas que
conformaban los retablos, y a continuar el desarrollo de la miniatura iniciada en el románico.
La evolución de la pintura desde el siglo XIII al XV y las diferencias entre unos países y
otros dificultan la concreción de unas características generales. A pesar de ello, se pueden
apuntar algunas notas comunes:
● La temática es mayormente religiosa, aunque se desarrollan numerosos temas
profanos.
● Las figuras son cada vez más expresivas y naturales.
● Los fondos neutros y dorados ceden su lugar a espacios figurativos y al paisaje.
● Las técnicas empleadas son muy variadas, según los soportes: temple y óleo, en
pintura sobre tabla, y el fresco en las pinturas murales.
● Composiciones muy simétricas, con elementos situados en el centro teórico del
cuadro.
● Tiene un carácter narrativo y finalidad didáctica y devocional.
4.2 Pintura gótica italiana: Giotto.
Lo más destacado de la pintura lo encontramos en el siglo XIV (trecento italiano), donde se
muestra un mayor interés por la belleza y el volumen de las figuras.
Giotto di Bondone
Pintor, escultor y arquitecto. Está considerado como el primer artista de los muchos que
contribuyeron a la creación del Renacimiento italiano y uno de los primeros en sacudirse las
limitaciones del arte medieval.
Toda su obra es de temática religiosa. Hizo sobre todo retablos y frescos para diversas
iglesias. Muy pocos de ellos se conservan en buenas condiciones y la mayor parte han
desaparecido o han tenido que restaurarse casi en su totalidad.
Sus escenas se alejan de la rígida estilización medieval para presentar la figura humana
con formas amplias y redondeadas. Se opuso a los colores vivos y brillantes. Los
escenarios son fondos poco profundos, se aleja de los fondos planos pero no llega todavía
al desarrollo de la perspectiva que se llevó a cabo durante el Renacimiento.
Pinta al fresco y sus obras más importantes, “La huida a Egipto” y la “Resurrección de
Lázaro”, destacan por el tratamiento diferenciado de las figuras y los fondos paisajísticos
La huida a Egipto.
Esta es una de las obras más famosas del artista. Representa a José, María y Jesús Niño
huyendo a Egipto para evitar la persecución de Herodes, que había ordenado la matanza
de los inocentes. Habían sido advertidos en sueños por un ángel, que les marca el camino
en su huida. María, montada en un asno conducido por José, lleva al Niño sujeto por un
pañuelo; del grupo forma también parte una figura joven, con la cabeza coronada de hiedra,
y con una cantimplora al cinto, junto a José y otros tres jóvenes por el mismo camino de la
caravana. La escena aparece descrita conforme se narra en los evangelios apócrifos del
pseudo Mateo.
La resurrección de Lázaro. La historia narra la Resurrección de Lázaro por orden de Jesús,
en la pintura aparece Cristo bendiciendo a Lázaro, mientras arrodilladas a sus pies se ven a
las hermanas de Lázaro, Marta y María. A la derecha del cuadro se observa la imagen
momificada de Lázaro sostenida por otros familiares. El cadáver envuelto en las vendas,
entreabre los ojos, mientras los presentes manifiestan su estupor. Las mujeres tienen el
rostro cubierto para evitar el olor de Lázaro muerto. El pintor introduce el realismo en su
obra, representando un tema que muestra su interés, por la visualización del dramatismo
que quiere explicar en la historia, frente al milagro realizado por Cristo.

4.3 La pintura gótica en Flandes: Van Eyck, Van der Weyden y El Bosco.
En el siglo XV, algunas ciudades de Flandes se convierten en sedes de una importante
escuela pictórica, que para muchos autores supone ya los inicios del Renacimiento. Su
mayor aportación al arte europeo será su progresiva observación de la realidad, que se
inspira en la escultura y que se verá favorecida por la nueva clientela: la burguesía. Las
características de este estilo flamenco son:
● Minuciosidad. Son obras para ser vistas de cerca. Detalles casi microscópicos, hojas
de un árbol, ciudades lejanas. Son miniaturas unidas en un cuadro.
● Naturalismo. Representación veraz de la realidad sin idealizaciones como en Italia.
Los rostros son de personas con nombres y apellidos, con sus fealdades. La
anatomía es perfecta, la visión casi fotográfica en matices y texturas.
● El paisaje. Se convierte en el protagonista. Muchas veces la escena interior se abre
al paisaje exterior a través de una ventana. En multitud de obras el paisaje se
convierte en el tema de representación fundamental.
● Gusto por los objetos, por lo concreto de la vida cotidiana. Son habitaciones
pequeñas repletas de objetos de uso común, muebles, alfombras, cuadros, objetos
que señalan también un cierto nivel de vida burguesa y entre los que destaca
siempre el tejido.
● La técnica. Predomina la pintura sobre tabla con la utilización del óleo que permite
veladuras, transparencias y minuciosidad.
● La luz. Es uniforme, natural, sin estudio.
● La composición. Tiende siempre a ser sencilla, simétrica y jerarquizada. Lo más
importante en primer término y de mayor tamaño.
● Temas. Predomina el religioso, aunque también es frecuente el tema cotidiano, con
familias burguesas donde la moral inunda de puritanismo todas las escenas: el
trabajo diario, el matrimonio y la fidelidad…
Jean Van Eyck.
Encuadrado en la primera generación de “Primitivos Flamencos”, es el precursor y principal
miembro de esta escuela. Se estableció en Brujas donde desarrolló todo su trabajo. Van
Eyck comenzó a incorporar la técnica del óleo sobre tabla, lo que le permitió trabajar lenta y
cuidadosamente, superponer colores mediante capas y crear obras caracterizadas por su
brillantez, detallismo, captación de superficies, búsqueda de la tercera dimensión
(dimensión intuitiva)...Entre sus obras destacan el Tríptico del cordero místico y, sobre todo,
su obra capital, el Matrimonio Arnolfini.
La adoración del cordero místico. Su mejor obra es El Retablo de San Bavón. Abierto tiene
12 tablas, siete superiores y cinco inferiores. Las de arriba representan a Cristo, La Virgen y
San Juan en el centro; los ángeles cantores y músicos en los laterales; y en los extremos a
Adán y Eva. En las tablas inferiores se representa la Adoración del cordero místico, que es
la escena principal de todo el tríptico, a la izquierda los caballeros y jueces de Cristo y a la
derecha los ermitaños y peregrinos. El tema representa la idea del catolicismo místico de la
zona. El cordero es Cristo que derrama su sangre por todos nosotros. Es la idea de paraíso.
La obsesión por el realismo se transforma en un detallismo extremo. La minuciosidad es
microscópica y se puede seguir el pincel con una lupa donde el ojo no llega. La
composición es sencilla, todos los rostros vueltos hacia el centro, hacia el altar. Las figuras
se reparten por grupos dispuestos ordenadamente. El colorido es brillante y hay un
equilibrio entre los colores fríos del horizonte y los vivos colores del primer plano resaltados
sobre un fondo verde.

La Virgen del Canciller Rolind. En esta obra convierte un tema religioso en unos estudiados
retratos, dentro de una escena cotidiana y en un escenario real. El canciller está arrodillado
ante la Virgen y sobre ésta hay un ángel. Al fondo una ventana por donde se sale a un
espacio exterior: un jardín y un fondo dividido en dos por un río. El detalle es el mismo para
el rostro que para la torre campanario del fondo. La Virgen responde al canon de belleza de
la mujer flamenca y el donante al canon de hombre de negocios. Detrás del donante está la
ciudad terrena y detrás de la Virgen la Jerusalén celeste, las dos unidas por un puente con
siete arcos que simbolizan los siete sacramentos.

El matrimonio de Arnolfini. El cuadro es un certificado de matrimonio por su simbología. Es

el único retrato doble y de cuerpo entero que conocemos de Van Eyck. Corresponde a un
rico banquero italiano afincado en Brujas y su reciente mujer. En esta obra el pintor recurre
a una técnica para amplificar el espacio que es revolucionaria: un espejo cóncavo en donde
aparece reflejado el pintor de frente y las espaldas de los dos retratados. El color es
brillante, la textura de los tejidos es perfecta, la nitidez y minuciosidad de todos los objetos
es de miniatura. La composición es sencilla y simétrica, la luz entra por una ventana a la
izquierda pero no selecciona y apenas crea sombras, el espacio es interior y el estudio de
las perspectivas es bueno. Abundan los símbolos. Así el perro es el símbolo de la fidelidad,
las zapatillas son el símbolo de la ocupación del hogar por el varón y la cama es el símbolo
de lo conyugal.
Roger van der Weyden
También forma parte de la primera generación de “Primitivos Flamencos”, en la cual fue uno
de los más grandes maestros junto con Jean van Eyck. También incorporó el óleo a sus
trabajos sobre tabla. Destacó por el sentido escultórico de sus figuras y el escaso interés
por los fondos. Una de sus obras capitales es el Descendimiento, en el Museo del Prado,
que destaca por su cuidada y excepcional composición, el realismo de sus figuras, sus
colores vivos, el estudio de las luces y las sombras, así como el sentido dramático de sus
figuras.
El Bosco.
Este artista es probablemente una de las figuras más relevantes y extravagantes que
podamos encontrar en la historia de la pintura europea. Su estilo es anunciador de formas
manieristas, surrealistas y expresionistas de siglos posteriores, por lo que podemos
considerarlo como un verdadero precursor del arte de finales del siglo XIX y principios del
XX.
Pertenece a la segunda generación de pintores flamencos, que se extiende a lo largo de la
2ª ½ de siglo XV y principios del siglo XVI. Su obra refleja de forma satírica y mordaz la
sociedad corrompida de su época. Destaca su dibujo preciso puesto al servicio de una
extraordinaria fantasía, antecedente del surrealismo. Entre sus obras destacan: El carro de
heno, el tríptico El jardín de las delicias.
El carro de heno. La escena es una sátira mordaz contra los placeres terrenales. Es la
alegoría de los placeres que se esfuman como el heno. Todos quieren subir al carro a coger
heno. El carro está tirado por seres increíbles; hay un cura que come heno del que le traen
las monjas; un abuelo que le dice a su nieto que no coma heno; una pareja de enamorados
encima del carro y Cristo que sale de una nube mirándolo todo con agonía y un enorme
pesimismo.
El jardín de las delicias. El mundo fantástico de sueños imaginarios del Bosco alcanza su
culmen en esta obra. La temática es similar a la del Carro de heno. Es un tríptico, una
gigantesca alegoría satírica con imágenes suprarrealistas. En el panel de la izquierda
aparece una escena bíblica, el paraíso terrenal con Adán y Eva. Es el principio de la
creación, cuando aún no existía el pecado. En el panel del centro está el jardín de las
delicias, es el centro de la vida sumida en el pecado y el placer. En el panel de la derecha
aparece el infierno musical, es el final, lo que les espera a los hombres en un juicio final. Si
se cierra el tríptico aparece el mundo en el tercer día de la Creación. El impacto cromático
es intenso. Técnicamente El Bosco se manifiesta en este cuadro como un pintor muy
tradicional, con un carácter miniaturista por el sentido del color y la perfección de cada uno
de los objetos. El punto de vista está muy alto, como si divisáramos todo desde una colina y
el horizonte es por ello muy alto. Igualmente descuida el volumen de sus figuras porque
sólo le interesa la lectura iconográfica. En cuanto a composición también juega un papel
moralista: en el panel de la izquierda, se aprecian ciertas simetrías, mientras que en el
panel de la derecha, sólo hay un caos desordenado y caótico que representa el infierno.
5. Escultura gótica
El rasgo más característico de la escultura gótica y el que le diferencia de la románica es el
naturalismo. Al contrario que el simbolismo románico, ahora se busca la sensación de
realidad, tanto en formas como en sentimientos de personajes que se relacionan entre sí,
abandonando el hieratismo.
La escultura sigue supeditada a la arquitectura, aunque comienza su proceso de
separación, hasta llegar a ser exenta en las etapas finales.
Las portadas monumentales de las catedrales siguen concentrando la mayoría de obra. Las
figuras de las arquivoltas cambian de dirección. En el románico se disponían en sentido
radial, ahora siguen la misma dirección del arco.
Además, empiezan a esculpirse las sillerías de los coros, retablos y sepulcros, totalmente
separados del marco arquitectónico.
Los temas de traducción románica (Pantocrátor) se unen con otros relacionados con la
humanización de la divinidad. Se pasa de infundir temor mediante un Dios temible, a atraer
al fiel mediante un Dios más humano y amable.
Así mismo, cambia la representación de los crucificados. Jesucristo sufre en la cruz y el
cuerpo ya no aparece rígido. Se acorta el vestido que lo cubre, convirtiéndose en un
faldellín. La corona de rey se sustituye por la de espinas.
5.1. La escultura gótica europea
Hay diferencias entre el norte y el sur de Europa. Por un lado está el modelo francés que se
extiende por toda Europa, mientras que en Italia hay influencia clásica (como en las
creaciones en mármol de Nicola Pisano de influencia tardorromana).
En Europa podemos ver 3 etapas:
● En el s. XIII se mantiene cierta severidad a la vez que se idealizan las imágenes,
como en la portada de la catedral de Reims.
● En el s. XIV tenemos el gótico internacional, en el cual las figuras se amaneran, es
decir, se alargan y predominan los trazados curvilíneos. Se ve bien en los ropajes
 con plegados sinuosos. Ya se ven sentimientos en las obras, como en el ángel
sonriente de la catedral de Reims.
● En el s. XV, se da el periodo final, el sentimiento deriva hacia el patetismo y las
imágenes son más voluminosas. Se busca el naturalismo en los rostros lo que dará
pie a la aparición del retrato. Destaca el pozo de Moisés de Claus Sluter.
5.2. La escultura gótica en España.
La escultura gótica en España sigue las mismas pautas que en el resto de Europa. La
característica principal es la búsqueda del naturalismo, tanto en la humanización de los
personajes como en el detallismo.
En Castilla la influencia francesa es más fuerte, mientras que en Aragón hay más influencia
italiana. La cronología es la misma que en la europea.
[Link]
Trabajaron maestros franceses en las catedrales de Burgos y de León. En Burgos destaca
la portada del Sarmental y en León la puerta del Juicio Final y la estatua de la Virgen Blanca
de la fachada principal.
S. XIV
Destaca la escultura exenta de la Virgen Blanca de Toledo, donde además de la típica curva
marcada por el cuerpo, vemos la relación afectuosa entre la Virgen y el Niño.
S. XV
Se dió influencia francoborgoñona y flamenca en escultores que trabajaron en la península
ibérica:
● Guillem Sagrera fue importante en la Corona de Aragón, donde destaca la estatua
de San Pedro en la catedral de Palma de Mallorca.
● Gil de Siloé, trabajó en Castilla con un excelente dominio de la técnica, lo que le
permitió tallar tanto madera como piedra. Sus obras más sobresalientes están en la
cartuja de Miraflores, en Burgos, donde realizó un retablo de llamativa estructura,
con un gran círculo central en el que se representa la crucifixión, rodeada de
escenas de la vida de Cristo. El retablo presenta profusión decorativa con relieves y
esculturas de bulto redondo doradas y policromadas. También destaca el sepulcro
del infante Alfonso.