RESUMEN HISTORIA:
BARROCO:
El período entre 1600 y 1750 fue marcado por los gobiernos absolutistas en Europa,
que mantenían y regían instituciones musicales eclesiásticas y profanas. En esta etapa,
el rol de la Iglesia comienza a disminuir.
El término “barroco”, utilizado para clasificar la música del período de 1580 a 1750,
proviene del portugués baroco que significa “perla de forma irregular” o en su sentido
peyorativo “anormal, extravagante, exagerado, de mal gusto, grotesco”.
El empleo del término barroco para clasificar a la música de 1600 a 1750 sugiere que
los historiadores creen que sus atributos se asemejan, en cierto modo, a los de la
arquitectura, la pintura y la literatura y acaso también a los de la ciencia y la filosofía de
la época.
Contextualizando, desde mediados del Siglo XVI hasta mediados del Siglo XVIII, la
región de la península itálica fue musicalmente la más influyente de Europa. Francia
fue influenciado por ésta hasta 1630, cuando desarrolló un estilo musical nacional que
se opuso al de dicha región.
Por otra parte, Alemania, en la cual la cultura musical había sido avasallada por la
guerra de los treinta años (1618-1648), el estilo italiano se convirtió en la base principal
de los compositores como Johann Sebastian Bach.
El término continuaba en boga cuando en 1768 Rousseaus dio su definición: Música
barroca es aquella en la cual la armonía es confusa, cargada de modulaciones y
disonancias, la melodía es áspera y poco natural, la entonación difícil y el movimiento
constreñido.
El principal objetivo era conmover. Afecto y pasión son dos términos para el mismo
proceso, el primero lo describe desde el punto de vista del cuerpo, el segundo desde el
punto de vista de la mente
1ER Y 2DA PRACTICA:
En 1605, Monteverdi plantea dos prácticas. La primera práctica, estilo antiguo o
severo se trata del estilo de polifonía vocal codificada en los escritos teóricos de
Zarlino, en los que la música domina al texto.
Por otro lado, la segunda práctica, estilo moderno u ornamentado es el estilo de los
italianos modernos (como Rore, Marenzio y él), en el que el texto domina a la música,
y las antiguas reglas se modifican para utilizar libremente las disonancias, con el fin de
adecuar la música a la expresión de los sentimientos del texto.
Al principio intentaron mezclar sus ideas en las formas musicales heredadas del
Renacimiento, como Gesualdo con sus madrigales, y Giovanni con sus motetes. Lo
que generó discrepancia entre la intención y la forma (estructura/organización) de las
obras. La polifonía tendía a homogeneizar la escritura vocal e instrumental.
La música sacra, afectada por las innovaciones de fines del Siglo XVI y comienzo del
Siglo XVII, comenzó a aplicar a sus textos la monodia, el bajo continuo y el medio
concertato. Aun así, no abandona la polifonía renacentista de Palestrina (estilo
antiguo).
A todo compositor se le enseñaba a escribir contrapunto según Palestrina, pero fueron
modernizándose a partir del uso del bajo continuo, ritmos regulares y el reemplazo de
los modos griegos por el sistema mayor-menor.
ESCRITURA IDIOMÁTICA:
En el contexto del Barroco, la "escritura idiomática" se refiere a un estilo de escritura
que busca expresar de manera efectiva y elocuente los sentimientos y las ideas
utilizando el idioma de forma particularmente rica, compleja y ornamentada. Este estilo
se caracteriza por el uso de figuras retóricas como metáforas, hipérboles, antítesis y
juegos de palabras para enfatizar emociones y conceptos, así como por una sintaxis y
vocabulario elaborados que pueden alejarse de las normas gramaticales
convencionales con el fin de lograr un impacto estético y emocional más profundo en el
lector o espectador. En la literatura barroca, este enfoque se manifiesta en la poesía, la
prosa y el teatro. Los escritores barrocos buscaban impresionar y conmover al lector o
espectador a través de una expresión artística compleja y altamente estilizada,
utilizando recursos lingüísticos y literarios para crear una experiencia sensorial intensa
y emocional. Esta escritura idiomática se relaciona estrechamente con la concepción
barroca de la vida como un drama lleno de contrastes y tensiones, donde lo bello y lo
trágico coexisten de manera intensa y provocativa.
BAJO CONTINUO:
El bajo continuo, también conocido como basso continuo en italiano, fue una
técnica musical característica de la época barroca que consistía en la
interpretación de una línea de bajo con acordes continuos y armonías que
servían como base para la melodía principal. Esta técnica se utilizaba
principalmente en la música vocal e instrumental del período barroco,
aproximadamente entre los siglos XVII y XVIII. El bajo continuo generalmente
estaba compuesto por dos partes: la línea de bajo, interpretada por un
violonchelo o un fagot, y los acordes, interpretados por un instrumento armónico
como el clavecín, el órgano u otros instrumentos de cuerda o viento. Los
músicos encargados de tocar el bajo continuo tenían la libertad de improvisar
sobre los acordes dados, añadiendo ornamentaciones y variaciones según la
práctica barroca de la época. El bajo continuo cumplía diversas funciones en la
música barroca, como establecer la estructura armónica de la pieza, guiar a los
intérpretes en cuanto a la armonía y el ritmo, y proporcionar una base sólida
sobre la cual se desarrollaba la melodía principal. Esta técnica contribuyó
significativamente al desarrollo de la música barroca, permitiendo una mayor
expresividad y ornamentación en las interpretaciones musicales de la época.
DISONANCIA:
disonancia es el intervalo entre dos voces, tonos individuales que no adaptaban a un
acorde. A principio de Siglo XVII eran ornamentales y experimentales las disonancias
que no eran notas de paso. Con el tiempo, se desarrollaron convenciones que
indicaban cuándo y dónde debían introducir y resolver. De esta manera se define la
dirección tonal (cadenas de retardos disonantes que llevan a una cadencia que
establecía una nota fundamental o tónica).
Durante el Siglo XVII, el bajo continuo cifrado, que realzaba la sucesión de acordes, fue
importante tránsito desde el contrapunto a la homofonía. También, el empleo de
fórmulas armónicas y sucesiones melódicas dio lugar a la teoría de la tonalidad
mayor-menor.
ARMONIA:
El tratado de armonía (1722) de Rameau fue la formulación teórica de la organización
tonal. La armonía se organiza en relación a una triada sobre la nota fundamental o
tónica, y es apoyada por triadas en la dominante y subdominante con otros acordes
secundarios y modulaciones temporales a otras tonalidades.
PRELUDIOS:
El preludio generalmente era una pieza corta y libre en cuanto a su estructura formal.
Su función principal era preparar al oyente para una obra mayor que seguía
inmediatamente, como una fuga, una suite, una sonata o un concierto. Los preludios
podían estar escritos para una variedad de instrumentos solistas o incluso para
conjuntos instrumentales más grandes. Johann Sebastian Bach compuso preludios
para teclado (clavecín y órgano),
MUSICA INSTRUMENTAL:
La música instrumental barroca se caracterizaba por su ornamentación elaborada, el
uso de contrapunto, la exploración de texturas y la creación de efectos expresivos a
través de la dinámica y la articulación. Hubo una expansión en la variedad de
instrumentos utilizados y en la técnica instrumental. Instrumentos como el violín, la
viola, el violonchelo, el clavecín, el órgano, la flauta traversa, la trompeta, entre otros,
fueron protagonistas en diferentes géneros instrumentales.
LOS AFECTOS
La técnica de los afectos, también conocida como doctrina de los afectos fue una
práctica compositiva y estilística fundamental en la música del Barroco, especialmente
en la música vocal e instrumental de los siglos XVII y XVIII.
Esta técnica se basaba en la idea de que la música tenía el poder de evocar y
representar emociones humanas específicas, conocidas como "afectos" o "pasiones".
La técnica de los afectos influía tanto en la música instrumental como en la vocal. En la
música vocal, los textos poéticos y las emociones expresadas en ellos guiaban la
composición musical, de modo que cada palabra y cada frase eran interpretadas
musicalmente de acuerdo con el afecto que se quería transmitir
RETÓRICA Y RETÓRICA DE LAS ARTES
Para los europeos cultos del siglo XVII, la palabra RETÓRICA, significaba el estudio
sistemático del discurso y la escritura basado en modelos, principios heredados de la
civilización romana. También podía referirse al arte de la comunicación, las técnicas de
persuasión y las producciones de escritores.
La retórica fue una de las asignaturas claves en la escuela del siglo XVII para preparar
a jóvenes nobles a las carreras (cortesanos diplomáticos); su conocimiento podía
proporcionar prestigio. Esto llevó a muchos artistas a emplear estos términos y abordar
las artes verbales y no verbales.
La expresión RETÓRICA DE LAS ARTES, si bien no se usó realmente durante el siglo
XVII, fue comprendida por la gente alfabetizada de la época. Durante el periodo
barroco abundan escritos que describen la música y artes como saber popular retórico.
Es un orador, que al tener una idea busca las maneras más importantes de transmitir
significados, argumentos y emociones.
La actividad de un orador se divide en 5 partes:
INVENCIÓN: : Significa, organizar el discurso usando algunas partes de un diseño
tradicional.
ELOCUCIÓN: : depende del uso de figuras retóricas que proporciona las ideas al
orador, su color emocional y las hace memorables.
MEMORIA: Es la interpretación.
REPRESENTACIÓN O DECLAMACIÓN: requiere un uso eficaz de la inflexión,
acentuación y tempo.
RETÓRICA:
Protacastene: preparación y desarrollo gradual antes del tema.
Antítesis: oposición o contrariedad.
Auxesis: Palabras o frases dispuestas ascendentemente de forma gradual.
Espanodos: declaración general expandida.
Anacefaleosis: resumen o recapitulación para representar la memoria.
Epizeuxis: repetición enfática de una palabras sin ninguna otra en el medio.
TIPOS DE COMPOSICION:
La primera mitad del Siglo XVII, la música instrumental tomó importancia como la vocal,
tanto en cantidad como en contenido. Los modos básicos de procedimientos dieron pie
a diversos tipos generales de composición:
Ø Fugado: pieza de contrapunto imitativo continuo (no se divide en secciones).
Como ricercare, fantasia, fancy, capriccio, fuga, verset.
Ø Tipo de la canzona: pieza de contrapunto imitativo discontinuo (dividido en
secciones) que se mezcla con otros estilos. Sustituida por la Sonata da chiesa.
Ø Piezas en la que varía una melodía o un bajo dado: partita, passacaglia,
chaconne, partita coral y preludio coral.
Ø Piezas con ritmos de baile estilizados agrupadas unas con otras.
Ø Piezas de estilo improvisatorio para un instrumento de teclado o laúd solo
(toccata, fantasia o preludio).
LA FUGA:
Es un tipo de composición contrapuntística altamente estructurada y compleja. Se
caracteriza por la entrada sucesiva de diferentes voces que imitan un tema principal,
llamado sujeto, de manera estricta en diferentes tonalidades o alturas, creando un
entramado polifónico rico y elaborado. El principio básico de la fuga es la imitación.
Eran utilizadas en los servicios de la iglesia, y para aprender a componer y a
interpretar.
A principios del Siglo XV, se utilizaban los intervalos de 4° y 5° puras de la afinación
pitagórica. Para finales del Siglo, se combinan los intervalos de 5° y 3° o 3° y 6°,
poniendo en peligro la afinación. Por esto se comenzó a utilizar como método el
temperamento mesotónico (uso de 3° mayores puras o más grandes, y 5° más
pequeñas que las justas), que modulaba mediante el ciclo de 5°, dando pie a la “quinta
del lobo” (entre Do# y Lab / Sol# y Mib). En el Siglo XVI, se utiliza el temperamento
igual, en el que los semitonos son iguales y los intervalos no siempre son los
verdaderos, pero son aceptables.
LA MÚSICA SE CLASIFICA EN 2 GÉNEROS: tema (aire, danza, coral) y
variaciones, que se remonta a la música instrumental; y la suite o partita, en la que
sus variedades se subclasifican en las antologías amorfas de clavecinistas franceses, y
en la alemana que se agrupa en cuatro danzas (allemande de alemania, courante de
francia, sarabande de españa y la gigue).
SONATAS:
La sonata para conjunto o sinfonía son preludios o interludios instrumentales de
obras vocales, que luego de 1630, se designan composiciones autónomas. Es una
composición para un pequeño grupo de instrumentos que consta de un bajo continuo y
de varios movimientos de tempos y texturas contrastantes; y desde la segunda mitad
del Siglo XVII, esta palabra se utiliza para designar al movimiento de introducción de
piezas de danza.
A partir de 1660 se clasifica en dos tipos: la sonata de iglesia (amalgama de
movimientos abstractos y de danzas, que consta de cuatro movimientos).
La sonata de cámara (suite de danzas estilizadas, que comienza con un preludio
seguido por dos o tres danzas de la suite). Luego de 1670 se comienza a utilizar dos
instrumentos agudos y uno bajo (sonata en trío).
Arcangelo Corelli fue un compositor que se destacó en la etapa serena y clásica del
arte musical barroco. Compositor de sonatas en trío para violín, que presentaban
limitaciones técnicas (no más allá de la 3° posición, evitar notas graves, evitar escalas
rápidas y doble cuerdas en posiciones difíciles), y que trasladaban la música vocal al
violín. Se basaba en la progresión para una organización tonal clara, utilizando una
secuencia diatónicamente dentro de una tonalidad o modulada en una forma
descendente dentro del circulo de quintas, estableciendo los principios de la
arquitectura tonal.
CONCIERTO
La palabra “concierto” deriva del latín “con-certare” alude a la concordancia, a
ponerse de acuerdo, a la armonía, afinación y entonación. Resultando, un conjunto
armonioso, grupo numeroso y bien afinado, de ejecutantes y de partes musicales.
Presupone la pluralidad, multiplicidad, diversidad de los componentes de una ejecución
o composición musical. A finales del Siglo XVIII, derivó a dos conceptos: concerto
grosso (grupo orquestal numéricamente nutrido) y concertino (grupo numéricamente
escaso de solistas).
BACH Y HAENDEL Y LA REVOLUCION INTELECTUAL
La época de Bach y Haendel comienza con Luis XIV (soberano del absolutismo) y
finaliza con Federico II (política nacionalista) unidos por la cultura y la música. Es
caracterizada por la crisis europea, fruto de la contradicción entre el pensamiento
(intención) y acción (aplicación de los principios), que arrastró la diplomacia a la
guerra, en la que el despotismo fue una traba para el siglo de las luces.
El periodo se subdivide en dos: 1680-1720 y 1720-1760, que fueron un momento
dialéctico que muestra un cambio de estructuras, instituciones, lenguaje, actuación y
expresión, fruto de la concepción de la música estructurada y pluralista.
Se produjo una Revolución intelectual entre 1680 y 1720 que consistió en la ruptura
intelectual con principios morales, políticos, sociales, científicos, religiosos y estéticos
codificados en una tradición, es decir, que se produjo un cambio radical del tono y del
grado del pensamiento y de la sensibilidad. Es por esto que nacieron gran cantidad de
corrientes de pensamiento que acabaron en contraposición, por lo que fusionaron sus
intereses y argumentos, dando lugar a la filosofía del iluminismo que tendía a
interpretar el conjunto de las acciones, según la inteligencia y la lógica.
Esta filosofía encaminó la propia investigación hacia el campo musical para encontrar
la correspondencia con determinadas leyes naturales. Leibniz, planteó que la música
es un fundamento matemático y una cualidad intuitiva, símbolo de la armonía divina
preestablecida.
Los conceptos de "Gusto, Galantería, Estilo" y "Artificio y Arte
Johann David Heinichen planteó el concepto de “Gusto” en su obra “Nuevo
Descubrimiento de una Cuidadosa Enseñanza”, en la que intentaba dar una nueva
definición de la creación musical a partir del término francés “goût” y el concepto de
“gusto del mundo”, designando como “gusto” a una acertada combinación de todos los
estilos. Ésta era una de las muchas manifestaciones del racionalismo iluminista que
desembocó en la galantería.
Johann mattheson planteó que una composición debe constituirse por la melodía, la
armonía y la galantería (movimiento que por definición aspiraba a un lenguaje
agradable y sensorial), la cual no se sujeta a normas determinadas.
El “goût” se convierte en el instrumento para la búsqueda de la galantería, y ésta, en un
elemento fundamental para los teóricos.
El nuevo estilo se identifica con lo bello a la moda y se distinguen tres formas de lo
bello: bello esencial, independiente de toda inclusión humana y también divina; bello
natural, independiente de la opinión de los hombres; y bello establecido por el hombre,
perteneciente a la moda y a lo convencional.
Las teorías sobre el gusto se basan en el estilo. A partir de esto se desarrollan dos
frentes: por un lado, la cuestión nacional de los tres estilos (italiano y francés, y
alemán), que tiene interés como hecho relacionado con la costumbre, y compromete el
prestigio de la escuela, y el principio constitutivo y organizativo del discurso musical;
por otro lado, la polémica entre el estilo vocal y el estilo instrumental, que trata el
problema de los géneros en la representación de los sentimientos y en la definición de
gusto.
Frente a esto, se formula el estilo expresivo, basado en la unión de la música y la
poesía, que universalizó la creación musical (el lenguaje sufrió una transformación con
el establecimiento del sistema temperado, el abandono del bajo continuo, la
disminución del contrapunto y el predominio de la homofonía), pero generó
desconcierto debido a la confusión de formas.
También se incorporan los conceptos de artificio y arte, el primero alude al
comportamiento obligado que representaba situaciones de juego y capricho, el lado
opuesto, espectacular y gratuito del concepto del arte, el cual, por otra parte, asumía
con frecuencia las tendencias y características científicas, siendo sinónimo de
perfección y de escuela.
SISTEMA TEMPERADO
Uno de los falsos problemas que preocupaba en la música era la dificultad de superar
en la práctica las diferencias de tono existentes entre sostenidos y bemoles en los
instrumentos de altura fija (instrumentos de teclado, klavier), los cuales eran afinados
según un sistema que favorecía algunos intervalos (especialmente algunas terceras
mayores que debían ser perfectas), haciendo posibles solamente algunas tonalidades.
Cuando el sistema modal eclesiástico se superó y el uso de los instrumentos en la
música vocal dotada de bajo continuo resultaba bastante difícil seguir el principio de la
escala natural, se introdujo el concepto de tonalidad en las formas mayor y menor
con la necesidad de afinar de distinta manera los instrumentos de altura fija, es decir,
según un procedimiento que permitiera la entonación inmediata de lo sostenido y los
bemoles correspondiéndose según la enarmonía. Para esto se creó artificialmente una
octava, que se dividió en 12 semitonos iguales siguiendo el principio de un
temperamento que consistía en tomar algo y un sonido para darle algo a otro. De esta
manera y a partir de la publicación del “clave bien temperado” de Bach, se consolidó el
sistema temperado.
El sistema temperado permitió el desarrollo e introducción de la teoría de la armonía
tonal (ciencia de los acordes), el concepto de triada (superposición de sonidos
pertenecientes a una misma función tonal) que según los intervalos pueden dar como
resultado acordes consonantes, disonantes, aumentados o disminuidos, diatónicos o
cromáticos, mayores o menores. Por lo tanto, la nueva música se guió por el sistema
musical basado en el sistema tonal y la armonía.
LA FUGA Y SU ESTRUCTURA ARQUITECTONICA:
Johann Joseph Fux en su método nuevo hizo un estudio del contrapunto palestriniano
llevándolo al plano del sistema tonal, y produciendo que la armonía (discurso vertical)
se imponga al contrapunto lineal (horizontal). El arte del contrapunto encontró su
máxima expresión estructural en la fuga, que con la consolidación del sistema tonal, se
convierte en el medio más significativo de la técnica de composición.
El principio básico de la misma es la imitación (discurso desarrollado por las voces,
que se configura como un dialogo regular con continuo intercambio de los elementos
constitutivos y constructivos de una voz a otra) y su estructura arquitectónica se
divide en tres fases:
Ø Exposición: en esta intervienen el motivo o sujeto (tema de la fuga); la
respuesta (imitación del tema hacia la dominante u otra voz), que si es fiel al
motivo es fuga real y sino es tonal; y el contrasujeto, que es el elemento
contrapuntístico que aparece en la voz que tenía a su cargo el tema al mismo
tiempo que la respuesta. Entre el motivo y la respuesta se suele presentar una
coda (breve elemento de enlace), que se produce cuando la entrada de la
respuesta no coincide exactamente con la conclusión del motivo. También se
puede presentar luego de la exposición, una contraexposición con dos nuevas
entradas temáticas denominada divertimento (breves episodios introducidos en
el seno de la fuga que utilizan algunas partes del material contrapuntístico.
Ø Desarrollo
Ø Nueva exposición
Es inherente a la creación musical el aspecto técnico, el género o el principio
arquitectónico: la forma es el esquema formal muy preciso, que tuvo su principio en el
seno de la fuga bitematico tripartito; el estilo es la distinción técnica en el conjunto de
las alternativas o tipos de procedimientos musicales; y el género, es una determinada
actitud compositiva que puede influir en la distribución instrumental.
El arte de la fuga es el ejercicio ascético de la técnica de la variación aplicada al
contrapunto lineal; y la passacaglia, que concluye luego de una serie de veinte
variaciones con una fuga construida sobre los cuatro primeros compases del tema y
sobre dos contrapuntos obligados.
BACH
Fue un portavoz de la conservación ilustrada de las ideas del barroco. El estudio fue la
meta de su vida y su arte reflejó de una aplicación científica constante. Trabajó en
pequeñas cortes provinciales, iglesias, escuelas, collegia musica e instituciones
municipales, difundiendo la música didáctica y especulativa. Podía darse el lujo de
hacer y rehacer. Consideraba que la cantata, pasión, oratorio, misa, motete y coral eran
ocasiones para desarrollar la fe interior.
En las obras de moda cambia el texto musical, que se determina por un espirítu
geométrico, símbolo de orden y sabiduría, reflejo de una inteligencia privilegiada.
Demostró querer medir y relacionar los principios de la lógica y las abstracciones
formales con la naturaleza sentimental y dramática poética; obedecía un instinto
basado en la semejanza de las estructuras melódico-temáticas o armónico-rítmicas, o
en el simbolismo de imágenes musicales, lo que lo llevó a perfeccionar su método,
disolviendo el bajo continuo y adoptando el estilo acompañado.
HAENDEL
fue el frente opuesto de Bach. Trabajó en un ambiente abierto a la circulación de ideas
(teatros, palacios, academias). Por lo que se adaptaba al gusto corriente, aceptaba
facilidades e inconvenientes. Consideraba que la cantata, pasión, oratorio, misa,
motete y coral eran ejercicios profesionales apoyados por la fe.
