La Biblia del color

El color es intrínseco a la experiencia humana. Nos guía con señales visuales subconscientes a lo largo
de nuestras vidas. Hágalo bien en su diseño o arte y podrá mejorar el estado de ánimo y la atmósfera, y
crear el efecto psicológico o incluso fisiológico deseado. Encontrar el éxito en el color requiere un nivel
de matices en el enfoque, el contexto, la forma y el uso, y ahí es donde se requiere un estudio dedicado
del color. entra en juego.
La Biblia del color es un manual contemporáneo para navegar por el fascinante mundo del color. En su
interior encontrará 100 colores significativos y explorará su importancia o papel en el mundo que nos
rodea, desde importantes procesos industriales hasta sensaciones en las redes sociales. Cada perfil de
color comienza desde el origen del color y luego rastrea su evolución, uso histórico y dónde llega hoy: el
entonces y el ahora. Cada entrada termina con una sugerencia sobre la utilidad moderna del color
. Es vital que miremos al presente: como diseñadores contemporaneos y árbitros de elección, estilo y
práctica ética, cada uno de nosotros tiene un papel que desempeñar en la selección de un color que
tenga un valor y significado real detrás, con el bienestar de los humanos y del mundo.
planeta al frente de nuestras mentes. Esta
edición incluye solo una fracción de los colores que vemos y experimentamos, y la selección se basa en
mi propia investigación, asociaciones y preferencias informadas. Los tonos se eligieron observando los
materiales físicos utilizados en el arte y el diseño, así como los resultados resultantes. Cada capítulo
también revela mucho sobre mi propia experiencia y métodos de trabajo como pronosticador de
tendencias de diseño. Naturalmente, me atrae buscar señales visuales, ordenar y conectar ideas, y eso
se refleja en estas páginas. El color tiene muchas facetas y esta no es una lista de colores de una tabla
de pintura; Los colores representan mucho más que un pigmento físico: son digitales, materiales e
incluso pequeñas piezas de narrativa cultural.

Este libro no trata sólo de colores singulares, sino también de cómo crear paletas exitosas, y ahí es
donde el contexto Y las relaciones de color entran en juego, ya que el contexto revela otros tonos y
matices de apoyo en los que se pueden observar y luego formar paletas exitosas. La elección del color
puede ser desalentadora, pero con práctica cualquiera puede aprender a crear combinaciones de
colores a simple vista de manera instintiva, explorando principios simples como la oposición de colores
fríos y cálidos, y aprendiendo a reconocer combinaciones de colores armoniosas y dinámicas.
El libro pretende ser un recurso inspirador para su viaje con el color; para ayudarle a tomar decisiones
informadas en su trabajo y arte. El color es complejo, una suma de muchas partes y enfoques, y es
fundamental comprender las ideas centrales antes de buscar otras nuevas. El color es útil más allá del
puro atractivo estético: puede ayudar, guiar y conectar objetos, servicios, personas y comunidades. Mire
el trabajo de los fabricantes de tintas, productores de pigmentos, artistas, diseñadores, arquitectos,
fabricantes, científicos e incluso bioingenieros para desbloquear el verdadero potencial de este medio.

Color y luz
En el sentido más básico, vemos diferentes colores porque diferentes objetos absorben o reflejan
diferentes longitudes de onda de luz dependiendo de su fisicalidad o materia. Cuando las longitudes de
onda que reflejan llegan a nuestros ojos, los receptores de luz transmiten mensajes al cerebro a través
del nervio óptico. Luego, el cerebro interpreta estos mensajes como color.
Los humanos somos tricromáticos, lo que significa que nuestros ojos tienen tres conos que interpretan el
color (uno para las longitudes de onda del rojo, otro para el azul y otro para el verde)
con el potencial de distinguir un millón de colores distintos.
El espectro de colores fue identificado por primera vez por Isaac Newton en 1666. Al dividir un rayo de
luz blanca a través de un prisma, proyectó un arco iris en su pared y dividió el espectro en siete zonas
observables:
rojo, naranja, amarillo, verde, azul, indigo. y violeta. Ahora podemos identificar las longitudes de onda
que componen el espectro de Newton, que se miden en nanómetros, y sabemos que la sección visible
sólo constituye una parte del espectro electromagnético más amplio de la luz.
A nuestros ojos les resulta más difícil interpretar los colores en los bordes del espectro de colores, es
decir, el rojo y el violeta, y son más capaces de leer los tonos amarillos, verdes y azules en el medio. De
hecho, las franjas de infrarrojos y ultravioleta son invisibles para el ojo humano. En Ed un extremo, el
violeta (380-450 nm) tiene la longitud de onda más corta y, por tanto, la frecuencia y energía más altas, y
en el otro, el rojo (620-750 nm) tiene la longitud de onda más larga y, por tanto, la frecuencia más corta y
la energía más baja.
Estas zonas de color delineadas se fusionan entre sí
: los verdes varían desde tonos amarillos herbáceos hasta verde azulados acuosos a medida que
comienzan a invadir los azules. Es difícil decir con precisión dónde podemos ubicar el tono perfecto de
esmeralda brillante, pero se encuentra en algún lugar justo antes de que el verde se convierta en azul. La
mitad del atractivo del color es la búsqueda del tono perfecto, reproducir lo que hemos presenciado en la
naturaleza o incluso inventar un nuevo tono que podría existir sólo en el ojo de la mente, o no existir en
absoluto antes de su creación. El avance del color siempre ha sido un equilibrio entre accidentes felices y
una búsqueda enfocada, pero a lo largo de su historia, el color ha demostrado repetidamente su
capacidad para sorprendernos, fascinarnos y, a menudo, ayudarnos de maneras inesperadas.

12 color y percepción visual

El sesgo o el debate en torno a matices precisos es una respuesta humana natural. Como
reflexionó el artista Josef Albers: "Si uno dice "rojo" -el nombre de un color- y hay 50 personas
escuchando, se puede esperar que habrá 50 rojos en sus mentes". Una razón es que la luz
reflectante depende de su entorno: la luz del sol al final de la tarde tiene un color diferente a la
luz del mediodía o al anochecer. La cantidad de luz en un espacio marca la diferencia, al igual
que la influencia de la luz que se refleja en las paredes de colores u otras superficies. El uso de
LED, fluorescentes, las luces incandescentes y otras luces artificiales no favorecen la
percepción precisa del color físico si la gama completa sólo es visible en condiciones de "luz
diurna" blanca. Nuestras percepciones de colores y tonos también se ven afectadas por las
sombras que los rodean, un fenómeno conocido como "contraste simultáneo". Colocar un
color saturado junto a tonos más apagados puede hacer que el color brillante parezca más
brillante, por ejemplo. Los tonos contrastantes pueden producir efectos inesperados entre sí
cuando se colocan cerca; por ejemplo, lo que parece un rojo vibrante de forma aislada puede
adquirir un tono naranja cuando se coloca junto al azul, mientras nuestros ojos intentan
equilibrar el contraste. Deberíamos intentar ver estas variaciones sutiles, como muchos
artistas lo han hecho en el pasado, como oportunidades. Hella Jongerius es una diseñadora
contemporánea que estudia la evolución de la luz a lo largo del día a través de materiales. Las
formas texturizadas de sus vasijas rompen la luz cambiante en patrones de tono y color,
revelando la interacción entre luz, color y forma. Los sistemas de color tienden a imprimirse en
papel blanco brillante, pero la realidad es que muy poco es genuinamente blanco en el mundo.
La consistencia, textura y tonalidad del material base (sobre el que se añadirá el color o que
comprende el color en sí (un pigmento, por ejemplo)) pueden afectar drásticamente la forma
en que se percibe el color. (Consulte también Color y material, página 30).

La sensación de color es una reverberación de la luz, que se origina en la superficie de un

objeto, que luego se absorbe, se refleja y resuena y finalmente evoluciona hacia un fenómeno
material tangible. - Hella Jongerius

teoría del color Quizás recuerdes que te enseñaron los conceptos básicos de la teoría del color
en la escuela mezclando botes de pinturas primarias rojas, amarillas y azules. Los principios
básicos del color pueden ayudarnos a utilizar el color de forma más eficaz y garantizar que
usted elija el tipo de paleta adecuado para sus proyectos. La siguiente cronología destaca ideas
que han transformado nuestra comprensión del color. Una breve historia de la teoría del color.
Aristóteles (384-322 a. C.): Aristóteles desarrolló lo que generalmente se considera la primera
escala de color lineal, desde el blanco al mediodía hasta el negro a medianoche. También
propuso que todos los tonos provenían de claro/blanco y negro/sin luz. Isaac Newton (1642-
1727): El trabajo de Newton estableció la relación entre el color y las longitudes de onda de la
luz, identificando siete colores distintos en el espectro de luz visible. A partir de este momento
surgió un nuevo interés por la teoría del color. Jacob Christoph le Blon (1667-1741): Le Blon
inventó el sistema de impresión a tres y cuatro colores, utilizando un modelo de color RYB-K
similar al moderno sistema CMYK. Utilizando el método mezzotint, demostró que se puede
crear una amplia gama de colores superponiendo estos primarios simples en diferentes
densidades. Moisés Harris (1730–1787): Entomólogo y grabador de oficio, Harris, El sistema
natural de colores de 1766, presentó un sistema de color completo, con dos ruedas de color
que descomponían los colores en 18 tonos "prismáticos" basados en los primarios RYB y 18
compuestos basados en los "mediatos".
La rueda de colores

Visualizada por primera vez en el siglo XVII, hoy en día la rueda cromática es una de las
herramientas más útiles para comprender las relaciones cromáticas. A diferencia de la mayoría
de las ruedas de color, que se basan en el modelo sustractivo RYB, la rueda opuesta se basa en
los modelos RGB /CMY aditivo/sustractivo, cuyos colores primarios forman los secundarios de
cada uno, con terciarios en el medio. Aunque la rueda divide claramente el color en colores
distintivos, el espectro completo contiene una gran cantidad de matices matizados entre cada
tono distinto. Su forma circular básica nos muestra que el color está conectado y al mismo
tiempo nos permite ver de un vistazo cómo se relacionan entre sí los distintos colores
primarios, secundarios y terciarios. También indica cómo el espectro también se puede
clasificar en valores de claridad y oscuridad, ayudándonos a captar una sensación de la
dimensión completa del color. En las siguientes páginas encontrará algunas relaciones de
colores clave y cómo se relacionan con la rueda de colores. Le resultará útil familiarizarse con
algunos de los términos clave utilizados para describir el color y las relaciones entre colores ,
que aparecerán a lo largo de este libro

Colores primarios Los principales tonos que se pueden mezclar para lograr otros colores. No
pueden fabricarse con ningún otro color y, por lo tanto, se consideran "puros". Los colores
primarios varían según los diferentes modelos de color; el que se ilustra a continuación es el
modelo familiar basado en las primarias RYB. Colores secundarios Colores que se pueden
obtener mezclando dos colores primarios. Por ejemplo, en los modelos RYB, el rojo y el
amarillo crean naranja. Los tonos secundarios suelen ser más fáciles de ver y utilizar como
cromas puros que los primarios. Colores terciarios Colores intermedios del círculo cromático,
obtenidos a partir de la mezcla de un color primario y otro secundario; por ejemplo, el azul y el
verde forman el azul verdoso (verde azulado). Los colores terciarios también se pueden crear
mezclando dos secundarios, por ejemplo, verde-naranja (cidra) y, en teoría, cuanto más
mezcles, más matices adquiere el color: mezcla cidra con rojizo (un violeta anaranjado) y
obtendrás Consigue tonos beige o gris pardo.

Monocromo 23 Un esquema de color basado en un tono que puede variarse con tonos o
tintes. El efecto visual es simple y sofisticado, simplificando las formas y minimizando las
distracciones. Enfoques de ejemplo aparecen en Carmine (página 64), Indigo (página 168),
Violet (página 210) y Charcoal (página 278). Análogo Colores vecinos en la rueda cromática,
como verde- amarillo, amarillo y amarillo-naranja. Los diseños análogos son armoniosos por
naturaleza y pueden usarse para evocar estados de ánimo específicos como tranquilidad o
calidez. Consulta Rubia (página 70), Amarillo-Rojo (página 86) y Verde botella (página 148).
Complementario Los opuestos se atraen, y no es diferente con los colores directamente
opuestos entre sí en la rueda cromática. como el azul y el naranja. Usadas juntas, estas
combinaciones generan energía visual e interés. Puedes jugar con las proporciones para crear
diferentes efectos y puedes crear combinaciones más tranquilas aclarando un color y
oscureciendo el otro. Consulte Mandarina (página 92), Naranja de alta visibilidad (página 102),
Glauco (página 142) y Verde azulado (página 188). Dividido Complementario/Compuesto Una
paleta de tres colores basada en principios complementarios, pero utiliza los dos colores a
cada lado del número opuesto de un color en lugar del opuesto mismo. Los diseños
complementarios divididos aún tienen un fuerte contraste, pero se sienten un poco más
equilibrados que los pares complementarios sencillos. Consulta Verde esmeralda (página 146) ,
Rosa pálido (página 232) y Siena tostado (página 298).

Pareja Dos colores que están separados por dos espacios en la rueda cromática, como el azul
violeta y el azul verdoso. La cercanía de los colores confiere armonía natural a la pareja
diádica, mientras que el grado de separación crea interés visual. Este enfoque puede incluir
tintes más claros y combinaciones de tonos más oscuros. Consulta Girasol descolorido (página
120) y Azul de Prusia (página 178). Tríada Tres colores espaciados uniformemente en la rueda
de colores, por ejemplo, violeta, naranja y verde. Esta es una combinación vibrante que a
menudo funciona mejor con un color dominante y dos colores de acento dentro de una paleta.
Consulta Rojo sangre (página 72). Coral (página 100) y Heliotropo (página 214) tétrada Cuatro
colores espaciados uniformemente en la rueda, o dos conjuntos de opuestos
complementarios. Un truco muy utilizado en la moda: las agrupaciones tetrádicas dan como
resultado diseños atrevidos que ofrecen contraste y armonía, y el éxito de una combinación
depende en gran medida de las proporciones utilizadas. Consulte Amarillo limón (página 112) y
Trigo (página 122). Colores fríos y cálidos Los colores asociados con el calor y el fuego
(amarillos, naranjas y rojos) se consideran de temperatura cálida; Los colores que asociamos
con cosas frías como el hielo y el agua (principalmente los azules) tienen una temperatura fría.
Los verdes y los morados tienen cualidades de ambos. La temperatura es relevante para todas
las familias de tonos: un amarillo puede ser más frío que otro si tiene más verde, por ejemplo.
Consulte Cal eléctrica (página 160).

proporciones de color El conocimiento de los comportamientos y atributos del color en

diferentes combinaciones y contextos es esencial para lograr buenas proporciones de color. El
número total de colores elegidos para una paleta afecta el resultado, al igual que las
cantidades en las que se utilizan y muchos otros factores. La serie Homage to the Square de
Josef Albers es un experimento de 26 años en el que todo en la composición de las pinturas
permanece igual excepto la paleta, lo que permite al artista explorar los efectos de las
interacciones de color. Las combinaciones posibles son infinitas, por lo que lo siguiente sólo
ofrece un punto de partida; Además de los contrastes descritos aquí, las relaciones de color
descritas en las páginas anteriores siempre tendrán en cuenta. Contraste de cantidad: Usar dos
o tres colores en diferentes cantidades forma una dinámica simple entre el dominante y el
color de apoyo. Contraste de saturación: Las combinaciones de colores cromáticos puros con
tintes o tonos más apagados o de menor croma del mismo rango de tonos pueden atraer la
atención hacia detalles críticos y crear fondos de apoyo. Contraste de valor: Los contrastes
tonales pueden influir en el estado de ánimo y la atmósfera. Los fuertes contrastes tonales en
un espacio grande pueden ser dramáticos y energizantes o proporcionar estructura. Intente
enmarcar un área clara entre dos áreas oscuras para crear un fuerte enfoque visual, una
técnica conocida como claroscuro en pintura. Los esquemas con poco contraste tonal pueden
ofrecer un ambiente relajante

Contrastes de croma:

Las combinaciones de tonos con cromas que tienen el mismo nivel de intensidad pueden crear
una armonía vibrante y cohesiva. Si desea crear impacto, pruebe con tres o cuatro colores de
alto croma que combinen, pero tenga en cuenta que realmente deben combinar: si solo son
similares, causarán tensión visual.
Contrastes de neutro y croma:

Una porción de un tono saturado entre un esquema predominantemente neutro puede

animar los tonos más sutiles y atraerá inmediatamente la atención hacia una función o detalle
clave. Por el contrario, el blanco y negro acromático se puede utilizar para atenuar o enmarcar
tonos cromáticos intensos.

Contrastes de Temperatura:

Una combinación simple pero clave de los tonos complementarios fundamentales, cálidos y
fríos. Coloque naranjas cálidas sobre un fondo de azules y su mirada será inmediatamente
atraída a través de la composición hacia la calidez. También es útil con combinaciones de bajo
croma para fomentar la participación sin cansar la vista.

'[El clolor, como medio más relativo en el arte, tiene innumerables caras o apariencias.
Estudiarlos en sus respectivas interacciones, en su interdependencia, enriquecerá nuestra
"visión de nuestro mundo y de nosotros mismos".

Josef Albers

30 colores y materiales

Desde las piedras preciosas utilizadas para fabricar pigmentos que capturaron la imaginación
de muchos artistas hasta el aumento de la alfabetización material en el arte y el diseño a
finales del siglo XX y principios del XXI: comprender el material es la clave para comprender la
génesis y la historia del color.

Los primeros pigmentos se elaboraron a mano. Hasta el siglo XX todavía era una práctica
común lavar, diluir, fundir, triturar, moler y mezclar con tiza, aceites, grasas animales o huevo
para dar diferentes efectos. Las plantas proporcionaron amarillos intensos; los rojos como el
escarlata procedían de los insectos; Los preciados morados procedían de los caracoles
marinos. Los tonos a menudo estaban disponibles sólo en las regiones donde se podían
encontrar los materiales base o se conocían las técnicas para su producción. Cuando se trata
de crear nuevos colores, la ciencia, la tecnología, el arte y el diseño han desempeñado papeles
iguales y simbióticos. La industria moderna de los tintes fue ideada y cultivada por la demanda
de color: la búsqueda de Van Dyke de sombras que lo abarcaran todo lo llevó a idear un
pigmento a partir de la tierra, mientras que Yves Klein aplicó la química para crear un nuevo
azul vibrante y deslumbrante.

Materia prima

En algunos casos, se ha celebrado y explotado el color inherente de un material para crear

tonos y sombras. Muchos artistas modernos como Max Lamb y Donald Judd han trabajado con
materias primas como expresión estética primordial, ya sea dejándolas sin procesar o
mejorando sus superficies con calor y productos químicos, creando resultados fortuitos. Ver
Cobre (página 98), Esmalte (página 180), Plata (página 266) y Aluminio (página 268).

Lud mediana

La luz brillante siempre llama la atención del ojo humano. Artistas como Jan van Eyck
dominaron la replicación de la luz en forma de pintura utilizando gemas y joyas en sus brebajes
de pigmentos. Los artistas contemporáneos incluso han utilizado luces de colores en lugar de
pigmentos; por ejemplo, el arte incandescente de James Turrell imita las condiciones
cambiantes del día y la noche. Nuevas disciplinas como la visualización 3D y las artes digitales
están cambiando nuestra percepción del color una vez más. Consulta Rojo reactivo (página
8o), Verde vital (página 154), Rosa neón (página 226) y Blanco lunar (página 254).

(página 236) y Escoria (página 276).

Color científico

La ciencia moderna vincula el color con el material y el rendimiento para llevar el color más allá
de la estética. Las cualidades fotosintéticas de los pigmentos naturales como la clorofila
pueden aprovecharse para generar energía, mientras que los nanotubos más negros repelen la
detección. Mientras tanto, la nueva tecnología del color puede limitar el desperdicio de
producción, con el color biofabricado directamente en las superficies de los materiales.
Consulte Clorofila (página 162), Azul YInMn (página 198). Living Lilac (página 238) y Vantablack
(página 286).

Color de desecho

Los diseñadores están aprovechando el color derivado de residuos posconsumo, industriales o

agrícolas para frenar los vertederos, lo que da como resultado tonos reciclados que son
inusuales y diversos. Los ejemplos comunes incluyen tintes vegetales derivados de desechos
agrícolas y esmaltes teñidos con metales provenientes de desechos postindustriales. Ver Ocre
Rojo, (página 54), Remolacha (página 236) y Escoria (página 276).

Material de base

El material también es importante en cuanto se refiere a la base sobre la que se aplica un

pigmento. Generalmente, el color de un material base aportará parte de su color a la mezcla
de pigmentos aplicada; por ejemplo, una placa de aluminio plateada nunca producirá un
verdadero negro neutro porque hay demasiado amarillo en el sustrato. Si un trozo de tela ya
es azul, nunca se volverá amarillo solo con tintes transparentes.

Sin embargo, existen algunos trucos en la industria para solucionar este problema: en la
impresión CMYK, es posible imprimir un blanco directo antes de que el color pase a la
superficie, para eliminar cualquier contaminación del color. Pero estos enfoques controlados
no son necesariamente apropiados en todas las situaciones. En un mundo asfixiado por
procesos que generan residuos, podría valer la pena respetar o incluso celebrar los efectos
inesperados que obtenemos cuando el color inherente de nuestro material habla por sí solo.

'Cuando se trata de crear nuevos colores, la ciencia, la tecnología, el arte y el diseño han
desempeñado papeles iguales y simbióticos.

Psicología del color

La psicología del color es un área de investigación relativamente nueva que trabaja según el
principio de que el impacto que los colores tienen en nosotros va más allá de la estética. La
psicóloga Angela Wright destaca el efecto que los colores pueden tener en nuestro estado de
ánimo cuando describe la forma en que las longitudes de onda de la luz coloreada se
transmiten a través de los ojos al cerebro y "eventualmente al hipotálamo, que gobierna las
glándulas endocrinas, que a su vez producen y secretan nuestras hormonas". En términos
simples, cada color (longitud de onda) se enfoca en una parte particular del cuerpo, evocando
una respuesta fisiológica específica, que a su vez produce una reacción psicológica".

'Pronto anocheció, un crepúsculo color uva, un crepúsculo púrpura sobre mandarinos y largos
campos de melones; el sol del color de la uva prensada, rayado de rojo burdeos, los campos
del color del amor y los misterios españoles.

-Jack Kerouac, En el camino

*Sevenic, Kurt y Kelechi Kingsley, Osueke, "Los efectos del color en los estados de ánimo de los
estudiantes universitarios, Sage Journals, 2014
[Link]

34pg

La psicología del color propone que los diferentes colores tienen efectos distintos que influyen
en las respuestas sensoriales, emocionales y físicas. Colores como el rojo reactivo (ver página
80) pueden producir un efecto fisiológico, aumentando nuestro ritmo cardíaco a medida que
nuestro cerebro interpreta el peligro, mientras que otros colores, como el rosa Baker-Miller
(ver página 224), se han desarrollado específicamente para calmar. El término "asociación
sensorial" se utiliza para describir la conexión mental que podríamos tener con un tono en
particular. Puede ser personal y significativo para individuos o aplicarse colectivamente a
ciertas marcas o experiencias. La percepción del color también se ve afectada por asociaciones
culturales; connotaciones profundamente arraigadas a menudo vinculadas a la religión, la
tradición e incluso la propaganda. Colores específicos pueden tener un simbolismo codificado
en ciertas culturas, como el blanco, que significa pureza y muerte en China, o el amarillo
caléndula, que señala el renacimiento en México. Finalmente, nuestras asociaciones se ven
afectadas por el zeitgeist contemporáneo: cómo nos sentimos acerca de nosotros mismos en
nuestras tribus individuales y como parte de una cultura más amplia; cómo vemos el color
utilizado en diferentes contextos; La miríada de ideas e influencias a las que estamos
expuestos en nuestra vida diaria que, directa o indirectamente, alteran nuestras percepciones.

A continuación, encontrará algunos de los efectos psicológicos o asociaciones que podríamos

esperar que produzcan determinados tonos. Cada época, cultura y contexto interpretan los
colores de manera diferente, por lo que este artículo debería considerarse un punto de partida
para obtener una inspiración inicial y, tal vez, para realizar más investigaciones.

Apasionado, Adorado, Poderoso El rojo, el tono primario más cálido y dinámico, es activador,
estimulante y expansivo. En su máxima saturación, atrae la atención y emociona.

Energizante, Receptivo, Vital Más suave que el rojo y el amarillo, el naranja es amigable, cálido
y genuino. Un tono secundario flexible, perfecto para comunicar información vital.

Alegre, Esperanzado, Utópico Si el optimismo fuera un tono, sería el amarillo. Visualmente

estimulante y refrescante para contemplar, se combina con otros colores para crear una
variedad de estados de ánimo.

Fresco, abundante, relajante Calmante, equilibrante y rejuvenecedor, el verde es el color más

relajante para mirar. Los tonos pálidos apaciguan, mientras que los tonos más oscuros crean
un estado de ánimo contemplativo.
Tranquilo, divino, meditativo Profundamente conectado con el mundo natural, el azul es
agradable a la vista y a la mente. Los tonos más claros son expansivos y serenos, mientras que
los tonos más oscuros se perciben como confiables y dignos de confianza.

Real, creativo, espiritual Un tono asociado con la conexión espiritual, el púrpura habla de
conciencia y reflexión. Los colores claros evocan juego y creatividad, mientras que los tonos
más oscuros tienen un encanto distintivo y misterioso.

Calma, juvenil, moderna Un tono suave y atractivo con un lado poderoso y rebelde. Los rosas
de baja intensidad expresan empatía y frecuencia cardíaca más baja, mientras que los
magentas potentes rebosan energía.

Humano, elegante, delicado La familia de los tonos pálidos abarca toda la gama de tonos
sutiles. Suavizados y apagados, los neutros pálidos nos invitan a percibir los matices,
fomentando actitudes tranquilas y conscientes.

Puro, limpio, minimalista El blanco puro suele ser un punto de partida. Lo percibimos como
limpio, pero cuando se usa en una proporción demasiado grande puede resultar estéril y
desagradable.

Melancólico, conservador, universal Aunque quizás a primera vista parezcan aburridos y

conservadores, los grises transmiten una neutralidad serena y parecen tranquilos a nuestros
ojos. Menos intensos que los neutros más oscuros, se han convertido en un valor moderno
predeterminado en un mundo a menudo complicado.

Misterioso, elegante, innovador Los tonos oscuros como la noche pueden parecer tan
profundos y plenos como los blancos brillantes parecen austeros y vacíos. Fisiológicamente,
ofrecen un lugar seguro para esconderse o estar oculto, y pueden ser profundamente
meditativos.

Natural, saludable, regenerativo El color de la tierra, los tonos de marrón representan la

naturaleza y su ciclicidad. Confiable y estabilizador, el humilde marrón puede ayudarnos a
sentirnos tranquilos y seguros.

nombres clave en la psicología del color

Johann wolfgang Goethe (1749-1961)

El autor y erudito alemán ideó principios que se basaban en experimentos para demostrar no
solo los efectos ópticos de los colores, sino también sus efectos emocionales. Su sistema
subjetivo del color era teóricamente impreciso, pero influyó mucho en los artistas y
pensadores posteriores.

Carl jung (1857-1962)

El psicoanalista suizo definió el vínculo entre la percepción del color y la asociación. Su idea de
la "preferencia individual" (que nos influye personalmente la experiencia aprendida, reprimida
y heredada) es parte integral de la percepción del color.

Joahannes Itten (1888-1967)

El artista y profesor de la Bauhaus pretendía liberar al color de sus asociaciones restrictivas con
la forma ideando un sistema subjetivo basado en el psicoanálisis y asociaciones análogas. Sus
experimentos visuales en cuadrícula hacen referencia a la naturaleza y las estaciones para
explorar las teorías de la armonía del color.

Ángela wrigth(1934)
El sistema de efectos del color de Wright aplicó por primera vez la metodología científica a los
efectos psicológicos del color. Sus hallazgos establecieron que los diferentes tipos de
personalidad pueden vincularse con grupos de colores específicos y que cada tono produce
respuestas psicológicas particulares.

Karen Haller (1961)

Haller trabaja con la psicología aplicada en un contexto comercial e industrial y su práctica se
basa en la creencia de que la selección de colores puede influir en el comportamiento de los
consumidores y usuarios en todos los campos del diseño.

Bevil Conway(1971)
La neuroestética es un campo de estudio nuevo y floreciente que combina la investigación
psicológica y neuronal con la estética. Al mapear el cerebro, Conway ha podido demostrar en
estudios cómo los colores individuales provocan patrones únicos de emoción. Marcas como
Google e IKEA están empezando a utilizar estas técnicas para rastrear las preferencias de los
consumidores.

"Quien quiera convertirse en un maestro del color debe ver, sentir y experimentar cada color
individual en sus infinitas combinaciones con todos los demás colores".

42 Sistemas de color

Encontrar la mejor o más útil disposición del espectro de colores es una tarea que ha
preocupado a los pensadores desde que Aristóteles lo presentó por primera vez como un
continuo del día a la noche en el siglo IV a. C. Los sistemas más modernos han tenido como
objetivo desarrollar un lenguaje común del color: el entomólogo Moses Harris desarrolló su
sistema de color para satisfacer la necesidad de una identificación o descripción precisa y
consistente de los colores que se ven en la naturaleza; Charles Darwin llevó una copia de la
Nomenclatura de colores de Werner (un catálogo de colores del siglo XIX con sus equivalentes
en flora, fauna y minerales) en su viaje en el Beagle por la misma razón; y hoy no es diferente.
Un Pantone 7652 C será igual a otro Pantone 7652 C, sin importar en qué parte del mundo te
encuentres.

Hoy en día, convivimos con modismos del sistema de color como "código hexadecimal" y
"CMYK" en nuestra vida cotidiana. Los colores de moda, como el «Living Coral 16-1546» y el
«Cool Gray 9», se han utilizado en tazas y camisetas. Si aprendemos a leer estos códigos como
si fueran coordenadas geográficas, podemos aprender a identificar y utilizar los colores en
todo el espectro cromático. Los colores incluidos en este libro vienen con su propio conjunto
de referencias a varios sistemas de color, incluidos CMYK y RGB.

Sistema de color de Munsell

En 1905, Albert Munsell desarrolló el primer sistema de color verdaderamente tridimensional.

En su modelo, o «espacio de color», que todavía se utiliza en algunas industrias en la
actualidad, Munsell organizó el color según tres criterios: tono, valor y croma.
Sistema de color Pantone

Las fichas de color Pantone son reconocidas en todo el mundo y un estándar de la industria en
muchas producciones de alta gama. Establecido en 1963, el sistema numérico de
correspondencia de colores se originó en gráficos e impresión, pero desde entonces se ha
expandido a una gran cantidad de materiales y formatos, como textiles y plástico, para
permitir una correspondencia perfecta de colores en una variedad de medios.

NCS (Sistema de color natural)

El NCS es un sistema de color basado en la percepción ampliamente utilizado en arquitectura y

diseño de interiores para alinear el color entre diseñadores y fabricantes. El sistema
tridimensional comprende un espectro basado en los cuatro colores "puros" o "elementales"
(rojo, verde, azul y amarillo), que se aclaran hasta el blanco en un polo y el negro en el otro.
Cada tono se puede extraer en una sección triangular.

Para un código como '3055-B10G (azul verdoso, consulte la página 188), la negrura se
establece en el 30% y la cromaticidad en el 55%; cuanto más alto sea el segundo número, más
intenso será el color. B10G hace referencia al tono: el 10 indica que está más cerca del azul
que del verde, mientras que 'B90G' parecería verde a la mayoría de los ojos.
[Link]

Dulux (o ICI), el rey de las cartas de pintura para interiores, es un sistema de notación de
colores utilizado para la decoración de interiores. Sus códigos comienzan con el croma, basado
en cuatro colores puros y cuatro secundarios, cada uno con una escala de 00 a 99, siendo 50 la
versión más pura de cada familia. En el caso de '60YY- 73/497' (Lemon Yellow, página 112), el
tono se indica como un amarillo casi puro. La segunda parte del código es un número de dos
dígitos entre 00 y 99 que se utiliza para describir el valor del color: 73 muestra que el amarillo
limón es relativamente claro. Los dígitos restantes se refieren al croma medido desde el neutro
(000) hasta el más intenso (999). La medida '497' muestra que

el amarillo limón es un tono cromático moderado.

Códigos hexadecimales

Este sistema de codificación digital define el color seguro para la web y ha ganado popularidad
debido al crecimiento en áreas de diseño digital como el diseño web y de aplicaciones UX/UI.
Los colores se pueden especificar como un triplete RGB o en formato hexadecimal (un triplete
hexadecimal). Hay muchas herramientas hexadecimales útiles; aquí hay solo una:
[Link]

Color RAL

RAL es un sistema de color que se utiliza para estandarizar la referencia de color en

recubrimientos industriales, como los colores con recubrimiento en polvo.
[Link]

Glosario
Acromático
Tonos que se consideran incoloros, es decir, que solo utilizan negros, blancos y grises. Los
colores acromáticos no tienen croma y solo tienen un tono neutro.

Tinte biológico
Una sustancia viva de una fuente biológica, como bacterias o algas, que imparte su color de
pigmento a un material. Consulte Living Lilac (página 238).

Croma
El croma es la pureza de un color.
Los tonos cromáticos son puros y no tienen gris. Pueden ser completamente saturados o
claros, pero siempre son puros y claros.

Oscuro cromático
Los oscuros cromáticos, que se hicieron famosos gracias al movimiento artístico impresionista,
son colores mezclados para ser oscuros utilizando muchos tonos diferentes en lugar del negro

puro.
Por ejemplo, un oscuro cromático como la obsidiana (página 284) está compuesto por los
tonos oscuros de rojo, azul y verde.

Contraste
Un choque visual o vibración entre dos colores, normalmente generado por tonos que son
opuestos directos en la rueda de colores o la distancia máxima que los separa. Sin embargo,
cuanto mayor o menor sea el espacio de color que separa dos colores, mayor o menor será el
contraste.

Desaturación
Un descriptor utilizado por los artistas para articular la opacidad de un tono.

Duotono
Una paleta de solo dos tonos del mismo color. Originaria de duotipos o duografías impresas.

Tinte
Una molécula soluble de color que se absorbe en el material al que se aplica.

Colores tierra
Colores derivados de arcillas o suelos naturales dentro de la tierra, que a menudo incluyen
óxido de hierro.
Véase Ocre rojo (página 54) y Tierra de Siena tostada (página

Solidez
La solidez indica qué tan bien se adhiere un pigmento de tinte al material, para resistir la
decoloración y el corrimiento.
Fugaz
Los pigmentos fugitivos carecen de permanencia y se alteran con el tiempo, debido a la
exposición a diversos factores ambientales o su composición química. El efecto se puede ver
en obras de arte históricas (ver Girasol descolorido, página 120).
Esmalte
Un medio cerámico que se utiliza para modificar la forma en que se presenta un color a través
de una capa transparente o semitransparente delgada. Ver Tenmoku (página 296).
Escala de grises
Una escala limitada de tonos que va del negro al blanco.
Armonía
Define los colores que combinan bien entre sí o crean una estética visual serena.
Normalmente están muy juntos en el círculo cromático en tono o sombra o son
cromáticamente similares. Las agrupaciones análogas y complementarias divididas crean
armonías exitosas.

Poder cubriente
Indica la opacidad de un color o pigmento
- qué tan bien oculta las superficies que cubre. (Ver también Opacidad, al dorso de la página.)
Tono
Término que también define una familia de colores; p. ej., azul, amarillo y verde son todos
tonos.
Adjetivos que suelen estar compuestos o conectados para definir mejor un matiz; p. ej.,
amarillo verdoso, amarillo suave y amarillo ácido.
Tinta
Solución coloreada compuesta de partículas y moléculas suspendidas en líquido, utilizada
principalmente para escribir e imprimir.
Pigmento inorgánico
Pigmento insoluble que proviene de una fuente mineral o metálica.
Iridiscencia
Efecto natural causado por la difracción diferencial de la luz en superficies como ciertas
plumas, perlas y aceites. (Ver también Color estructural, al dorso de la página.)
Pigmento de laca
Pigmento creado mediante la combinación de un tinte orgánico con un mordiente (un
compuesto inerte, generalmente metálico).

Opacidad
Descripción de la solidez de un color o material. Una capa opaca cubriría una superficie por
completo y no permitiría el paso del color ni de la luz.
Pigmento orgánico
Pigmento insoluble de origen vegetal, vegetal o animal, o de un compuesto natural a base de
carbono.
Pálido
Tonos que se componen principalmente de blanco con poca saturación.
Pigmento
Partícula pequeña de material de color insoluble. Mezclado con un portador, como aceite, se
asienta sobre la superficie a la que se aplica.
Policromo
Superficie que muestra una variedad o un cambio de colores, también conocida como
multicolor. También puede referirse a una superficie que tiene más de una longitud de onda
de luz.
Intensidad
Describe un color que es intenso pero también oscuro y profundo en su tono. Un marrón
oscuro cromático, por ejemplo, se clasificaría como un color intenso.

nuestro o

sería

ot

Saturación
El brillo o la intensidad más altos posibles de un tono.

Tono

Una mezcla de un color con negro o su opuesto complementario en la rueda de colores, que
aumenta la oscuridad. A menudo se usa indistintamente con Tono.

Color estructural

Color que se crea a través de la interacción de la luz con nanoestructuras. Estas estructuras se
originan en la naturaleza, como en las plumas y las alas de los insectos, y se pueden replicar a
través de la biomimética. Consulte Perla (página 260).

Sustrato

Una superficie de un material en la que se recibe y deposita un pigmento o tinte.

Sintético

Un medio fabricado a partir de dos o más sustancias químicas o bioquímicas. El color sintético
también puede referirse a tonos que tienen una apariencia artificial.

Tinte

Una mezcla de un color con blanco, que disminuye la oscuridad.

Tono

Una mezcla de un color con gris, que crea un matiz apagado.

Translucidez

Un descriptor de cuán semiopaco es un color o material. Un material translúcido sería turbio

pero también podría tener un matiz de color.

Transparencia

Descripción de cuán transparente es un color o material. Un revestimiento transparente sería

completamente claro pero podría tener un matiz de color.

Matiz

Una cualidad de tono que está presente pero no es clara ni obvia; por ejemplo, un verde
botánico oscuro parece frío cuando es opaco, pero cuando se diluye revela un matiz amarillo
más cálido.

Valor

La claridad u oscuridad relativa de un color.

Color de desecho
Color creado a partir de sustancias consideradas "desechos" o un subproducto redundante,
como desechos industriales y desechos de alimentos. Consulte Escoria (página 276) y Ocre rojo
(página 54).

The colours

52 Rojo

La humanidad tiene una larga historia con el rojo. Fácilmente accesible como pigmento, fue el
primer color verdadero que se adoptó en nuestras paletas junto con el blanco y el negro
cuando comenzamos a pintar las paredes de las cuevas con figuras de animales y humanos. El
rojo ha seguido siendo importante para nosotros desde entonces y ha generado tantas
asociaciones que se ha convertido casi en un cliché: sangre, pasión, peligro, ira, amor,
santidad, guerra... la lista continúa.

En el círculo cromático opuesto al verde relajante, el rojo es un color "activo": atrae la mirada,
exige atención, resalta donde otros colores se alejan y acelera el corazón, tal vez incluso
literalmente. Se ha planteado la hipótesis de que los equipos deportivos y los competidores
que visten de rojo tienen una ventaja; Un estudio de 2013 demostró que el color estaba
"asociado con una frecuencia cardíaca y una fuerza más altas". Dado que el color
predominante en la naturaleza es el verde, los rojos en la naturaleza a menudo han
evolucionado para advertir a los posibles depredadores del mal sabor o las toxinas, o para
atraer parejas o polinizadores, por lo que no es de extrañar que este color destaque para
nosotros.

Si bien el rojo puede imaginarse de inmediato como un tono grandilocuente, no debemos

pasar por alto su lado más sutil: tonos terrosos de arcilla y los tonos oscuros y profundos de
algunas cortezas de árboles como el palo de rosa, por ejemplo. Los tonos cereza y los rojos
terrosos han tenido un significado simbólico para muchas culturas asiáticas desde la
antigüedad. En Japón, los rojos profundos se derivaban de plantas como Rubia akane (rubia
asiática) y minerales como el cinabrio, que tenía una profunda importancia mística en relación
con la fuerza vital ardiente del mundo, al formarse a partir de la actividad volcánica. Los
pigmentos rojos se han utilizado en ropa y maquillaje, y como laca para loza y joyería desde los
primeros tiempos. Hoy en día, las cortinas de cinabrio El rojo todavía protege las puertas de los
santuarios sintoístas.

* Dreiskemper et al, 2013, citado en 'Seeing Red at the Olympics', Oxford Psychology Team, 1
de septiembre de 2016

En la época cristiana, el rojo llegó a simbolizar la sangre de Cristo; desde el siglo XIII, los
cardenales de la Iglesia católica llevaban un sombrero rojo para denotar su condición de
santos. Sin embargo, la marea cambió en contra de este color durante la Reforma protestante,
cuando pasó a ser visto como el color del pecado, en particular el de la lujuria, y se asoció con
la promiscuidad.

Sin embargo, los rojos brillantes han seguido estando de moda, usados por emperadores y la
realeza, y más recientemente vistos en las alfombras por las que caminan las estrellas, así
como en la parte inferior de los seductores zapatos Louboutin que a menudo las pisan.
Mientras tanto, los rojos terrosos tradicionales no deben pasarse por alto. Estabilizadores y
arraigados, estos tonos siguen siendo vitales y aportan una energía equilibrada a las paletas de
hoy.
Colores en este capítulo:

Ocre rojo.

Cártamo..

Escarlata.

Carmín.

Bermellón.

Iro-Urushi.

Maza..

Rojo sangre.

Tomate Picante.

Palo de Rosa...

Rojo Reactivo.

Rojo Radiante.

54 Ocre rojo

En aquel entonces

El ocre rojo, un pigmento utilizado por los seres humanos desde los albores de la civilización,
se deriva de formaciones de óxido de hierro. En tiempos prehistóricos, se utilizaba para
decorar lugares de enterramiento, curtir pieles y hacer pinturas rupestres. Estas pinturas de la
Edad de Piedra tardía se encuentran por todo el mundo; un testimonio del instinto universal
hacia el color y la estabilidad de este pigmento antiguo.

El ocre rojo disfrutó de una larga vida en manos de los artistas.

Miguel Ángel y Rembrandt utilizaron una forma de tiza que fue popular hasta el siglo XIX,
cuando comenzaron a producirse colores sintéticos. Como la consistencia de los pigmentos
naturales de tierra varía de un lugar a otro y según los métodos de producción, las versiones
sintéticas ofrecían tonos más vibrantes y repetibles. Los pigmentos sintéticos de óxido de
hierro se fabricaban en tonos que todavía están disponibles en la actualidad, incluidos el rojo
de Marte, el rojo indio y los rojos veneciano e inglés.

Ahora

Este rojo intenso está experimentando un renacimiento y se está volviendo popular en los
interiores y la arquitectura contemporáneos debido a sus asociaciones primarias con la tierra.
En 2016, los arquitectos Ateliers O-S seleccionaron acero oxidado y hormigón encofrado teñido
con óxido de hierro local para un nuevo edificio educativo en Lugrin, Francia, creando un
diálogo material con los techos del pueblo en tonos rojos y marrones.

Los pigmentos de óxido de hierro también se crean con frecuencia como un subproducto en el
proceso de fabricación de aluminio, que se deja sin usar en pozos de desechos, desde donde se
filtran a los arroyos. Al hacer cuerpos de arcilla, engobes y esmaltes a partir de estos desechos,
la diseñadora Agnė Kučerenkaitė descubre el valor de los materiales secundarios en un mundo
de recursos finitos.

Valores de color

Código hexadecimal: #963522

CMYK: 0, 65, 77.41

También conocido como

• Tierra roja

• Óxido rojo

• Tierra roja

Connotaciones comunes

• Primario

• Natural a tierra

Ocre rojo en el arte, el diseño y la cultura

• Pintura expuesta Paynes Grey/Yellow Oxide/Red Oxide on White de Callum Innes, pintura,
1999 Colección "Tessera Earthscape" de Forbo Flooring, suelos, 2019 Proyecto "Red Mud" de
Studio Thus That, cerámica, 2020

Ignorance is Bliss de Agnė Kučerenkaitė, 2016

Uso

Explora la belleza y la variación de este rojo terroso. Combina una paleta equilibrada de tonos
cálidos, que incluyen tonos miel suave, bronce y óxido tostado; ideal para interiores u objetos
donde una sensación de comodidad arraigada es esencial.

'Este rojo intenso está experimentando un resurgimiento y se está volviendo popular en los
interiores y la arquitectura contemporáneos debido a sus asociaciones primarias con la tierra.

Escuela Lugrin, Lago Ginebra, por Ateliers O-S, 2016

58 Cártamo

El cártamo es una planta muy antigua. Se cultivaba en Mesopotamia en el año 2500 a. C. y en

el antiguo Egipto, donde los tintes rojos y amarillos que producían sus pétalos se utilizaban
para teñir textiles: se han encontrado momias de 4000 años de antigüedad con guirnaldas de
cártamo. A medida que el cártamo se abría camino hacia Asia y, finalmente, hacia Europa a
través de la Ruta de la Seda, el pigmento rojo cereza cartamina encontró un uso más amplio,
incluso en cosméticos, tejidos de alfombras y como colorante alimentario.

Conocido en Japón como beni, el pigmento de cártamo se utilizaba en el icónico maquillaje de

labios rojo que usaban las geishas. Los mejores cosméticos beni tenían una iridiscencia verde
natural hasta que se disolvían en agua, momento en el que se volvían de un rojo intenso y,
cuando se aplicaban en los labios, el tono podía variar de naranja a rosa según quien los usara.

Ahora

Como muchos tintes de origen vegetal, el rojo carmín no es resistente a la luz y su uso dejó de
ser generalizado en el siglo XIX con la llegada de pigmentos sintéticos como el magenta. Sin
embargo, ha vuelto a cobrar protagonismo con el resurgimiento contemporáneo de los tintes
naturales. Sachio Yoshioka fue el director de quinta generación del taller de tintes
Somenotsukasa Yoshioka en Fushimi, Kioto, cuyo trabajo celebraba la belleza de los tintes de
origen vegetal y los pigmentos tradicionales, incluido el rojo beni. Si bien los cosméticos beni
tradicionales prácticamente han desaparecido

, siguen produciéndose en la única tienda beni que queda en Japón, Isehan Honten, fundada

en 1825, el concepto de lápiz labial que cambia de

color sigue vivo. Los labiales Glowgasm de edición limitada de Charlotte Tilbury

vienen en dos tonos personalizados que se modifican

según la tez natural de la persona que los usa, así como

la calidez, la humedad y el nivel de pH.

Valores de color Código hexadecimal: #67454d

CMYK: 0, 62, 58,28

También conocido como Rojo carmín Rojo cereza Rojo Beni

Rojo geisha

Connotaciones comunes

• Belleza

Pasión

• Ceremonia

El cártamo en el arte, el diseño y la cultura

• Hojas de arce de la serie Flores de Edo de Kitagawa Utamaro, grabado, c.1803

• Una mujer japonesa de Józef Pankiewicz, pintura, 1908

Job Parilux: Skin de Li Edelkoort y Anthon Beeke, libro, 1997

Disfrutando de un jardín de peonías de Utagawa

Uso

Tome prestado de la historia y utilice este atractivo rojo como un acento llamativo para
aportar calidez y energía a fondos de tonos más fríos. Considere la posibilidad de adoptar
varios tonos diferentes del tono para honrar sus propiedades de cambio de color y rendir
homenaje a la moda histórica japonesa de superponer colores.

Escarlata

Entonces

El escarlata, un rojo intenso y llamativo, llega con una multitud de asociaciones, la mayoría de
ellas asociadas a la actividad sexual femenina. Pero a lo largo de su historia, incluso hoy, el
escarlata ha sido un tono muy buscado que habla con fuerza de poder y fuerza.

"Escarlata" es un término relativamente nuevo para un color muy antiguo. Cuando se utilizó
por primera vez en el siglo XIII, el término ni siquiera se refería a un color, sino a telas caras y
de colores brillantes en general. El nombre más antiguo es carmesí, que deriva, como el color
mismo, de Kermes, un género de cochinillas. El pigmento elaborado a partir de los cuerpos
secos de Kermes femenino era conocido por los antiguos mesopotámicos y apreciado por los
antiguos egipcios, griegos y romanos, y siguió siendo el rojo número uno del mundo conocido
hasta el siglo XVI con el descubrimiento del Nuevo Mundo (ver Carmín, página 64).

Aunque se utilizaban pigmentos escarlata en la pintura, el tono no era resistente a la luz, por lo
que los tonos brillantes que se veían originalmente en las pinturas de artistas como J.W.M.
Turner y Pierre-Auguste Renoir se han desvanecido.

Valores del color

Código hexadecimal: #d62220

También conocido como

• Carmesí

Connotaciones comunes

• Poder

Confianza

• Deseo

El escarlata en el arte, el diseño y la cultura

Red Canna de Georgia O'Keeffe, pintura, 1924 • Campaña de cosméticos Dior

por Guy Bourdin. fotografía/diseño, 1972 La colección 'Mini-Crini' de Vivienne Westwood.
moda, primavera/verano 1985
Ahora

En el siglo XIX, se inventaron pigmentos sintéticos como el carmesí de alizarina y los artistas los
aprovecharon con entusiasmo. A principios del siglo XX, los tintes artificiales también habían
reemplazado la costosa producción de cochinilla. Pero el tono en sí sobrevivió, tal vez
alcanzando su máximo esplendor en la década de 1980 con el icónico rojo fuego de Ferrari y
las provocativas campañas publicitarias de Guy Bourdin para Dior.

A medida que el mundo ha cambiado, también lo ha hecho la forma en que se ha utilizado este
poderoso tono: en el cartel Hope de Shepard Fairey para apoyar la campaña electoral de
Barack Obama en 2008, el escarlata subraya el mensaje optimista. De vuelta a las pasarelas,
diseñadores como Vivienne Westwood, Chanel y los recién llegados Chromat han utilizado el
tono para señalar el empoderamiento femenino. Los momentos más brillantes de la colección
P/V 2020 de Chromat utilizaron el escarlata como una fuerza vigorizante.

Usar

Libera la herencia de los códigos de vestimenta combinando este tono cálido con toques
frescos de azul cielo para lograr una combinación más multicolor y sensacional que rezuma
modernidad.

"A medida que el mundo ha cambiado, también lo ha hecho la forma en que se ha utilizado
este poderoso tono.

64 Carmín

En aquel entonces

En Europa, los pigmentos rojos más vibrantes eran raros y caros de obtener, pero en América,
las culturas mesoamericanas habían cultivado un insecto llamado cochinilla, similar al Kermes
europeo, desde al menos el siglo III a. C. para hacer tintes rojos intensos, que se usaban
abundantemente. Cuando los conquistadores españoles llegaron en el siglo XVI, quedaron
asombrados por el escarlata de los aztecas y, después de su conquista del nuevo territorio,
comenzaron a enviar los insectos de regreso a Europa.

El rojo cochinilla era más barato de producir que el Kermes (aunque todavía se necesitaban
70.000 insectos para hacer una libra de tinte), más deslumbrante en intensidad y más versátil
en tono, además de ser resistente a la luz. El nuevo y brillante pigmento fue un éxito
instantáneo, usado por la realeza, la élite noble y los oficiales del Imperio Británico.

Ahora

El rojo cochinilla, que en la actualidad ha sido reemplazado en gran medida por los colorantes
químicos modernos, se conoce hoy como carmín y se utiliza principalmente como colorante
alimentario. Sin embargo, este tono ha adquirido una nueva relevancia en un mundo en el que
el ecologismo está a la orden del día y los tintes tradicionales como el carmín se celebran por
sus cualidades naturales. La artista danesa Julie Lænkholm destaca el valor de los colores
orgánicos, utilizando métodos históricos para tratar materiales como la lana y la seda con
tintes naturales, incluido el carmín.
Uso

El tinte cochinilla se celebraba originalmente por los rojos escarlata que producía, pero era
capaz de crear una gama mucho más amplia de tonos rojizos. Pruebe una paleta
monocromática para explorar la profundidad tonal que pueden proporcionar los rojos
naturales, junto con una calidad más suave que no siempre se asocia con el grupo de colores.

Valores de color

Código hexadecimal: 9841-422 RGB: 132, 20, 34

CMYK: 30, 100, 79,37

También conocido como

Cochinilla

Laca carmesí

Connotaciones comunes

• Prestigio

• Abundancia

El carmín en el arte, el diseño y la cultura

La incredulidad de Santo Tomás de Caravaggio

Pintura, c.1601-2 Colección de prêt-à-porter de Clover Canyon.

Moda, O/I 2016 • Sin título de Julie Lænkholm, textil

Obra de arte, 2018

Bermellón

Entonces

El bermellón, un rojo brillante derivado del cinabrio, un mineral de mercurio oxidado, ha

tenido fuertes asociaciones simbólicas en muchas culturas a lo largo de su uso extendido. En la
antigua Roma, el bermellón se asociaba con la sangre y la guerra (los generales victoriosos se
pintaban el rostro con él para las procesiones triunfales), pero se utilizaba en muchas otras
formas de decoración, incluidos los frescos y los cosméticos. El nombre proviene del latín
vermis, que significa "gusano", y lo vincula con los rojos hechos a partir de insectos como el
Kermes, que producía el escarlata (ver página 60).

En China, el pigmento, fácilmente disponible, se celebraba en una variedad de formas,

incluidas la tinta caligráfica y los cosméticos, pero más notablemente en la laca conocida como
rojo chino que se usaba en cajas y otros objetos con hermosos detalles. En la antigua práctica
india, un marido marcaba la frente de su nueva esposa con una mancha del tinte bermellón,
llamado sindoor, el día de su boda como signo de su devoción hacia él. El tinte, que todavía se
utiliza hoy en día, aunque ahora se fabrica con ingredientes menos nocivos, se ha asociado
cada vez más con la misoginia y el control patriarcal.

Actualidad

El bermellón, uno de los primeros pigmentos que se sintetizaron cuando la antigua China
aprendió a fabricarlo a partir de mercurio y azufre, ha sido reemplazado hoy por pigmentos
sintéticos modernos como el rojo cadmio (véase la página 66). Aun así, el color sigue haciendo
historia, gracias a la batalla legal de Christian Louboutin para registrar como marca las suelas
rojas chinas de sus zapatos. El color (Pantone 18-1663TP), inspirado en la distintiva laca china,
se suma a un puñado de otros, incluido el azul de Tiffany y el marrón de UPS, que han obtenido
este estatus protegido.

Valores de color

Código hexadecimal: #d64416

CMYK: 10, 84, 97,2 HSB: 13, 87 %, 84 %

También conocido como

Sidoor

Cinabrio

Rojo chino

Connotaciones comunes

• Fuerza

Devoción

Lujo

El bermellón en el arte, el diseño y la cultura

Battre les Blancs avec le Coin Rouge de El Lissitzky, litografía, 1919

Estándares gráficos

Manual de la Autoridad de Tránsito de la Ciudad de Nueva York, libro/diseño gráfico, 1970

• My Moon II de Hayoon Jay Lee, obra de arte en técnica mixta, 2016

cationes

Composición n.º III; Composición con rojo, amarillo y azul de Piet Mondrian, 1927

Uso
Ideal para gráficos llamativos y señalización de orientación.

Usado con blanco y negro, el bermellón todavía tiene un lugar en el mundo moderno para
crear combinaciones llamativas de alto contraste.

70 Rubia

Entonces

Las primeras civilizaciones de Asia y Oriente Medio descubrieron la planta trepadora conocida
como rubia. Hace más de 3500 años, la gente hervía las raíces de la rubia para extraer
purpurina y alizarina, tintes vegetales naturales que se utilizaban para teñir telas, pintar
paredes y hacer arte.

A partir del siglo XIII, la rubia se cultivaba para su uso en tintes en Europa, pero los rojos a
menudo turbios que se desvanecían con la luz eran menos venerados que las alternativas
costosas, como el escarlata producido por el insecto Kermes (ver página 60). Cuando un nuevo
tinte de rubia conocido como rojo turco (que, para confusión, se desarrolló originalmente en la
India) comenzó a importarse del Imperio Otomano en el siglo XVIII, los tintoreros europeos
estaban desesperados por reproducir el rico color, pero nunca pudieron descubrir los secretos
de su producción.

Ahora

La síntesis del color fue impulsada por la gran cantidad de raíces necesarias para producir el
color, ya que la demanda aumentó junto con la población y la riqueza. La forma química,
todavía disponible hoy en día, se conoce como carmesí de alizarina. Sin embargo,
recientemente, una creciente conciencia de los problemas ambientales dentro de la industria
de los tintes, como la contaminación del agua y la finitud de los recursos, han llevado a que se
vuelvan a investigar ampliamente los métodos sostenibles de teñido y coloración. El resultado
es un resurgimiento en el uso de muchos tintes tradicionales de origen vegetal, incluida la
rubia.

Uso

Valores del color

Código hexadecimal: #a34836

También conocido como

Turco/Rojo de Turquía

• • Rubia rosa

• Purpurina

Alizarina

Connotaciones comunes
• Humilde

Tradicional

Ecológico

La rubia en el arte, el diseño y la cultura

• Casa Della Venere, Pompeya, fresco, c. 79 CE "Mujer con un sari con pavo real y borde floral"
de Archibald Otr Ewing and Co., tejido estampado en bloque, c.1870 "Strawberry Thief" de
William Morris para tejido estampado para tapicería de Morris & Co., 1883

Pha

Sumérjase en las variaciones naturales del color hacia el naranja y el rosa, o combínelo con un
acento energizante de amarillo yema como una señal vibrante de innovación.

72 Rojo sangre

Entonces

Sacrificio, violencia, coraje, dolor: la historia del rojo sangre es visceral y simbólica. La sangre
animal incluso se utilizó ocasionalmente como fuente real de color en el arte medieval
europeo. Los rojos sangre simbólicos, aquellos utilizados para colorear los fuegos del infierno,
la forma sanguínea del Diablo y los abrigos o plumas de las criaturas infernales, se pintaban
con frecuencia con el mismo pigmento comúnmente llamado "sangre de dragón", que llegó a
Europa a través de la Ruta del Incienso en la antigüedad.

En la Edad Media, a veces se creía que el color provenía de dragones reales, o al menos de
elefantes. El pigmento rojo del cinabrio también se conocía ocasionalmente como "sangre de
dragón" debido a su origen volcánico. Pero la "verdadera" sangre de dragón se extrae de la
resina de árboles del género Dracaena, nativos de África y el sur de Asia.

Ahora

La investigación científica ha demostrado que el rojo acelera nuestro ritmo cardíaco, el flujo
sanguíneo y la temperatura corporal; No es de extrañar que se asocie estrechamente con
formas de expresión apasionadas. La artista mexicana Frida Kahlo estaba preocupada por las
propiedades simbólicas del color. El rojo sangre salpica con frecuencia sus pinturas, desde el
bordado de su blusa hasta el chorro de sangre de las venas de su corazón cortado en
Autorretrato; Memoria también conocida como el corazón, una expresión pictórica de la
angustia que sintió después de enterarse de que su marido había tenido una aventura.

Uso

Cree una paleta simbólica con el rojo sangre combinándolo con otros tonos esenciales que
afirman la vida, como el verde mar y el verde hierba, en una paleta complementaria dividida.

Valores de color

Código hexadecimal: #780016

También conocido como

• Sangre de dragón

Connotaciones comunes

Sacrificio

• Pasión

• Mortalidad

El rojo sangre en el arte, el diseño y la cultura

El Juicio Final de El Bosco, pintura, c.1482 Tienda insignia de Hermès, Londres, Reino Unido,
por Studio Toogood, diseño de interiores. 2013

Colección de ropa de mujer de Antonio Berardi. Moda, P/V 2015

Tomate Caliente

Entonces

La búsqueda para producir el color de elección -ya sea un rojo brillante y duradero o un azul
cielo hipnótico- ha llevado a los químicos a inventar una paleta cada vez más amplia de
pigmentos. En el siglo XVIII se produjo una superabundancia de pigmentos sintéticos, incluida
la familia del cadmio, que creó una familia cálida de tonos desde el amarillo hasta el rojo. El
rojo cadmio se produjo comercialmente a partir de 1919 -en sustitución del bermellón, más
antiguo y tóxico (véase la página 66)- y los artistas lo disfrutaron por su opacidad, brillo y
naturaleza resistente a la luz.

Los diseñadores de los años 60 y 70 utilizaron el tono vibrante para añadir impacto y un
atractivo "caliente" sensacional; el pigmento rojo anaranjado se convirtió en compañero de
juegos de la resina epoxi y el poliuretano. Fabricantes italianos como Vitra, B&B Italia y Kartell
llevaron el tono a los interiores de alta gama y, a medida que despegaban los avances en el
moldeado de plástico, el diseñador industrial Joe Colombo llevó el rojo tomate a nuevos
niveles en los diseños de iluminación y asientos modernos. El diseñador gráfico Lance Wyman
utilizó una paleta festiva de tomate picante, lavanda y verde hierba para sus diseños de
logotipo y marca de los Juegos Olímpicos de Ciudad de México 1968.

Actualidad

Las enormes aplicaciones en procesos industriales son particularmente significativas para el

rojo cadmio. El color fue uno de los primeros colores de consumo fabricados en masa y
aceptados, tal vez un indicador temprano del mundo venidero de los "bienes de consumo de
rápido movimiento" (FMCG). Este tono moderno ahora está bien establecido en las paletas de
los artistas. Las deslumbrantes obras de color de Bridget Riley con frecuencia implican el uso
de tonos contrastantes para inducir movimiento y cambios lúdicos, con colores cálidos como el
rojo tomate que desempeñan un papel activo.

Valores de color

Código hexadecimal: #ff6844 RGB: 255, 104, 68 CMYK: 0,70,71,0

También conocido como • Rojo tomate

Rojo cadmio

Connotaciones comunes

Confianza

Celebratorio

Juguetón

Hot Tomato en el arte, el diseño y la cultura

Juegos Olímpicos de la Ciudad de México de 1968

Concepto de diseño de Lance

Wyman, diseño gráfico, 1968

Sin título (cadmio) Jean-

Michel Basquiat, pintura, 1984

• Carnival de Bridget Riley, pintura, 2000

• Silla Halo de Michael Sodeau, mobiliario, 2014

Sillón modelo 4801, madera lacada y curvada, de Joe Colombo para Kartell, 1964

Uso

El tomate se adapta bien a otros colores alegres. Inspírate en la paleta brillante de Wyman
para crear estampados y gráficos atractivos, casi apetitosos.

> 'Cuando como un tomate, lo miro como lo haría cualquier otra persona.
Pero cuando pinto un tomate, lo veo de otra manera. Henri Matisse

78 Palisandro

En aquel entonces, el uso de las maderas duras rojizas conocidas colectivamente como
palisandro se remonta a los muebles de vetas elaboradamente combinadas del período Ming
en China, pero fue su uso común en la paleta de diseño moderno de mediados de siglo lo que
garantiza su relevancia en el diseño de interiores actual.

Los diseñadores de mediados de siglo, como Knoll y Herman Miller, incorporaron materiales
lujosos y atractivos como el mármol, el vidrio grueso, la teca y el palisandro para subrayar el
estatus en el diseño de oficinas. El sillón y la otomana revestidos de madera diseñados por
Charles Eames a fines de la década de 1950 se convirtieron en un símbolo destacado de logro,
especialmente en las ambiciosas oficinas de las corporaciones estadounidenses.
Ahora

Desafortunadamente, la popularidad del palisandro ha provocado una tala desastrosa en los

bosques de Madagascar y Brasil. Según la Oficina de las Naciones Unidas contra la Droga y el
Delito, el palisandro, ahora una especie protegida, es actualmente la forma de flora o fauna
con la que más se trafica en el mundo. Existen alternativas que consisten en tratar la madera
de origen ético con tintes de origen vegetal, como el de alkanet, cuyas raíces rojas producen
un tono vibrante.

Inspirándose en los diversos patrones y estructuras que se pueden encontrar en la madera de

un solo árbol, el artesano holandés Ward Wijnant combina diferentes vetas con color para
crear nuevos productos que tienen en cuenta el desperdicio de este preciado recurso.

Uso

Una paleta moderna de tinte de palo de rosa, gris tórtola y crema aportará una sensación de
calidez y logro a los espacios profesionales.

Valores de color

Código hexadecimal: #b83a3e

Connotaciones comunes

• Lujo

Estado

Competencia

El palo de rosa en el arte, el diseño y la cultura

Sillón y otomana de Charles Eames, mobiliario, 1956 Serie de armarios de palo de rosa para
Herman Miller, de George Nelson, mobiliario, 1956 The Nest, Varsovia, de Beza Projekt, diseño
de interiores, 2018

Rojo reactivo

Entonces

El rojo da una señal fuerte, que crea una reacción tanto en el mundo natural como en el
humano: un rojo completamente saturado nos ordena que prestemos atención y estemos
atentos. La teoría biológica sugiere que el rojo ha evolucionado como una advertencia de la
naturaleza en plantas y animales porque se destaca más vívidamente contra el follaje verde.

En los Estados Unidos del siglo XX, la creciente producción de automóviles personales exigió
mayores medidas de seguridad, por lo que en 1913, el ingeniero James Hoge aprovechó la
electricidad que circulaba por las líneas de tranvías e instaló semáforos rojos brillantes, con
una luz verde opuesta para indicar "adelante". Desde entonces, estas señales coloridas se han
convertido en símbolos omnipresentes. En la creación de marcas y la publicidad, la tinta roja se
adoptó inicialmente para enfatizar o facilitar la identificación de la información, y la ciencia
respalda la lógica: los receptores de los colores rojos en los ojos humanos se agrupan cerca del
centro, donde se forman las imágenes más nítidas.

Ahora

La obra reciente de la artista, cantante y ambientalista Beatie Wolfe, From Green to Red, es
una pieza de protesta creada para la Bienal de Londres de 2020 (reprogramada para 2021
debido al Covid-19). Aprovechando 800.000 años de datos recopilados por la NASA, la
instalación audiovisual rastrea el impacto humano en el planeta a través del tiempo al
visualizar las concentraciones de CO2. A medida que los visitantes se acercan, la línea de
tiempo visual evoluciona de un verde vivo a un rojo intenso.

Uso

Utilice intensidades graduadas de este tono abrasador para indicar el nivel de urgencia o
importancia de la información crítica.

Valores de color

Código hexadecimal: #ff3236

También conocido como

• Rojo señal

Connotaciones comunes

• Peligro

• Advertencia

• Urgencia

Rojo reactivo en el arte.

Diseño y cultura

Exit de Doug Aitken, obra de arte, 2014 React Element 55 de Nila Footwear, 2018

Derecha: From Greven to R de Beatie Wolfe, 2018

82 Rojo radiante

Se sabe que la luz azul, emitida por dispositivos como los teléfonos móviles, puede alterar
nuestros ciclos de sueño, pero ¿puede la luz roja ayudarnos a dormir mejor? Estudios recientes
sugieren que exponernos a la luz LED roja antes de acostarnos puede ayudarnos a
despertarnos sintiéndonos más descansados.

En 1876, Augustus Pleasonton publicó La influencia del rayo azul de la luz del sol y del color
azul del cielo. La idea de utilizar la luz de colores para tratar afecciones fisiológicas se remonta
a miles de años. En la práctica ayurvédica, los colores están vinculados a los siete chakras
sagrados que, cuando se desequilibran, se cree que causan disfunciones corporales. Su trabajo
sobre la luz de colores dio lugar a la "cromoterapia" moderna, descartada por la mayoría como
una pseudociencia. Sin embargo, en 1893, el científico danés Niels Finsen se dedicó a la
fotobiología, estudiando cómo se podía utilizar la luz de colores para tratar enfermedades de
la piel. En 1903, recibió el Premio Nobel por su trabajo.

Valores de color

Código hexadecimal: #ff3403

También conocido como

Luz roja

LED rojo

Connotaciones comunes

Calidez

Curación

Relajación
Rojo radiante en el arte, el diseño y la cultura

• Living Colours de Philips, diseño de iluminación, década de 1990

Edición Halo de Mandalaki Studio. Modelo: Halo ONE

Actualidad

En 1993, Quantum Devices, Inc. desarrolló un diodo emisor de luz (LED) para la NASA. El
proyecto demostró que las longitudes de onda de los LED rojos podían estimular el
crecimiento de las plantas, pero se observó que las lesiones cutáneas de los científicos también
comenzaban a sanar más rápido. Posteriormente, la NASA comenzó a estudiar el uso de LED
para aumentar el metabolismo de las células humanas y detener la pérdida de hueso y
músculo en los astronautas.

En el mundo del diseño, la luz roja se está aprovechando de formas más evocadoras. En 2019,
Mandalaki Design Studio produjo una impresionante proyección circular en un color rojo
atardecer, eliminando las longitudes de onda de la luz blanca para producir colores
extraordinariamente saturados.

Uso

Explora la calidez e intensidad del rojo radiante combinándolo con un amarillo igualmente
vibrante; beneficioso para entornos donde las personas necesitan una pausa energizante.

Naranja

El naranja es un color secundario que se encuentra entre el rojo intenso y el amarillo alegre. Es
el color cálido por excelencia, sin matices fríos, lo que lo convierte en un fantástico tono de
contrapeso para las armonías de color y el contraste. Desde el emotivo melocotón hasta el
activador mandarina y el icónico cobre, el naranja tiene un atractivo moderno verdaderamente
diverso.

El color naranja no tuvo un nombre específico en inglés hasta el siglo XVI. Hay evidencia del
uso de geoluhread (amarillo-rojo) en inglés antiguo, y los primeros registros medievales hacen
referencia al sol, la caléndula y el color del cabello del rey Herodes. Los tintes naranjas fueron
extremadamente difíciles de producir durante siglos, como sugiere un relato del siglo XVII:
"Tome dos onzas de amarillo de Orleans, póngalo durante la noche en agua junto con una onza
de ceniza de algarrobo: hiérvalo, agréguele, después de que haya hervido media hora, una
onza de cucumis en polvo, revuélvalo con un palo". En Europa, el naranja empezó a adquirir
importancia como color independiente tras la introducción de las frutas exóticas que llevan su
nombre, que los primeros comerciantes trajeron a las costas europeas en el siglo XVI. Estas
primeras naranjas no siempre eran comestibles y se utilizaban como limpiadores medicinales,
elementos de moda e incluso como tinta invisible.

El color adquirió importancia con la invención de pigmentos naranjas estables y sintetizados,

como el naranja de cadmio y el naranja de cromo. Su alta visibilidad lo convierte en una opción
popular en el mundo moderno para los botes salvavidas y los equipos de seguridad, y también
lo usan mucho los ciclistas, los trabajadores de la carretera e incluso los miembros de la
tripulación de la Estación Espacial Internacional.

Los estudios científicos han demostrado que la exposición a una luz naranja brillante puede
mejorar la cognición y el estado de alerta, influyendo positivamente en el ritmo circadiano
humano. La exposición a una luz ámbar menos cromática por la noche puede desencadenar la
producción de melatonina para fomentar la relajación.

El naranja también es responsable de uno de los contrastes más potentes del espectro
cromático: sin naranja, no habría contrapunto para el azul. Desde el impresionismo hasta la
abstracción, los artistas han jugado con esta vibrante combinación de colores para enmarcar
composiciones y provocar una respuesta inmediata. Los cineastas contemporáneos suelen
teñir los fotogramas de naranja o melocotón para provocar reacciones emocionales en el
público, y el omnipresente contraste azul/naranja es un tropo de diseño que se puede ver en
los carteles de películas desde Avatar hasta Dunkerque.

Smith, Godfrey. The Laboratory; or, School of Arts, impreso para Stanley Crowder, n.º 12, en
Paternoster-Row, y B. Collins, en Salisbury, 1770

Colores de este capítulo:

Amarillo-rojo...

Naranja holandés......

Ámbar.....

Mandarina...

Terracota...

Melocotón...

Cobre............
Naranja de alta visibilidad...

Amarillo-rojo

Entonces

El amarillo-rojo es un tono que comprende medidas iguales de sus dos colores constituyentes.
Hasta el siglo XVI, cuando la fruta naranja comenzó a llegar desde China a Europa, esta gama
de colores no tenía un nombre en inglés ni en ningún idioma europeo, que utilizan nombres
derivados de la palabra sánscrita para "naranjo". Hasta que la fruta marcó el comienzo de un
nuevo reconocimiento del color, "amarillo-rojo", o variantes de geoluhread, era una
terminología común en los idiomas de toda Europa. Curiosamente, todavía no existe una
palabra en chino para el color.

Por el contrario, el japonés, que siempre ha tenido un vocabulario de colores más matizado
que el inglés, a menudo vincula el color con asociaciones y experiencias visuales. En japonés,
muchos nombres para el naranja también hacen referencia a la fruta, pero también existe
akebono-iro, que significa "color del amanecer", que se utiliza para describir el tono amarillo-
rojo brillante de la luz del sol, tal como emerge del horizonte por la mañana.

Ahora

La naturaleza transformadora del cielo al amanecer y al anochecer, y el poder del color del sol,
han cautivado a artistas y diseñadores durante milenios, y es una vista que todavía nos atrae.
El pintor de campos de color Barnett Newman trabajó con grandes extensiones de pigmento
de cadmio amarillo-rojo moderno, y el pintor estadounidense contemporáneo Robert Roth usa
el mismo pigmento con ámbar brillante y rosa suave en sus lienzos de horizontes
semiabstractos. Hoy, el legado del amarillo-rojo todavía se puede ver en las cartas de pintura
de interiores, con nombres modernos como "Fiery Sunset" y "Orange Aurora".

Valores de color

Código hexadecimal: #dd5114

Connotaciones comunes Animación

• Esperanza

• Energizante

Amarillo-rojo en el arte, el diseño y la cultura

• Monhegan, Maine por Nicholas Roerich. pintura, 1922 Amanecer sobre el mar del Este por
Fujishima Takeji. pintura, 1932

• Paisaje 60 por Robert Roth, pintura, 2013

¿Quién le teme al rojo, amarillo y azul III? de Barnett Newman, 1967-8

Uso
El amarillo-rojo secundario puede crear una declaración visual memorable que es menos dura
que sus contrapartes primarias. Combine el amarillo-rojo saturado con durazno pálido y rosa
suave para crear una combinación creativa que sea agradable a la vista.

Naranja holandesa

En aquel entonces, este color intenso ocupa un lugar especial en la identidad nacional de los
Países Bajos. Según cuenta el folclore holandés, en el siglo XVI los agricultores comenzaron a
desarrollar y cultivar variedades anaranjadas de zanahoria, que antes eran moradas, como
muestra de apoyo a Guillermo de Orange, uno de los líderes de la revuelta contra los
Habsburgo gobernantes. Aunque es probable que esta mitología nacional sea solo eso, la
historia muestra la fuerza de la afinidad del país con el color. La familia real holandesa todavía
lo usa hoy en día, al igual que su equipo nacional de fútbol, e incluso la bandera nacional
comenzó siendo naranja, blanca y azul, y se cree que solo cambió a rojo, blanco y azul debido a
la falta de pigmentos naranjas estables disponibles.

Ahora

Supuestamente, el único cartón disponible durante la Segunda Guerra Mundial con el que la
casa de moda francesa Hermès podía fabricar sus cajas era un naranja descolorido. Un símbolo
improvisado de elegancia, los vínculos del color con el lujo todavía se mantienen firmes hoy en
día, con un tono más estable ahora firmemente arraigado como un ícono de la marca.

Uso

Los naranjas más oscuros tienen una sensación de calidez y lujo que ofrece a las marcas un
color distinguible y memorable. Intente combinarlos con el tono opuesto, azul hielo, y negro
suave para lograr una identidad de marca que transmita tradición y excelencia.

Valores de color

Código hexadecimal: #615519

RGB: 177,85,25

Connotaciones comunes

• Realeza

• Calidez de lujo

Naranja holandés en el arte, el diseño y la cultura

Venus y el laudista de Tiziano, pintura, c.1565-70

Cuatro generaciones de los príncipes de Orange atribuidas a Pieter Nason, pintura, c.1660-2
Apolo y Aurora de Gerard de Lairesse, pintura, 1671

• Embalaje y marca de Hermès, desde 1942

Ámbar
En aquel entonces

El ámbar, que se encuentra a menudo arrastrado por la corriente hasta la costa del Báltico (la
ubicación original de los vastos bosques de coníferas que producían esta sustancia), se creía
que en un principio tenía su origen en el mar. En la mitología polaca, se dice que estos trozos
de ámbar arrastrados por la corriente son restos del destruido palacio submarino de la diosa
del mar Jurata.

Tal vez el uso más famoso de este material de color naranja radiante fue la Sala de Ámbar, una
cámara decorada con exquisitos paneles de ámbar, encargada por Federico Guillermo I de
Prusia a principios del siglo XVIII como regalo a Pedro el Grande de Rusia. Los paneles fueron
desmantelados y sacados de Leningrado (ahora San Petersburgo) por las fuerzas nazis durante
la Segunda Guerra Mundial, y posteriormente se perdieron.

En la actualidad

En China, la importancia del ámbar como amuleto de la buena suerte condujo a lo que se ha
descrito como una fiebre del oro moderna por el ámbar a principios del siglo XXI. En el diseño,
el brillo y la calidez enrarecidos del color son ideales para la iluminación y los interiores, y los
clásicos del diseño de mediados de siglo han combinado durante mucho tiempo el tono cálido
con detalles de latón cepillado.

Uso

Conéctese con los vínculos simbólicos del color con el mundo natural y su capacidad para
cautivar y apoyar. Combine el tono cálido con marrones tierra, rojos profundos y crema
reconfortante para una paleta energizante y terrosa ideal para espacios interiores
ambientales.

Valores del color

Código hexadecimal: #047114

Connotaciones comunes

• Belleza

Vitalidad

• Protección

Ámbar en el arte,

Diseño y cultura

• Intersección cónica de rubí con esfera de ámbar de Harvey Littleton, escultura, 1984

• Edición limitada PH 3/2

Lámpara de pie de vidrio color ámbar de Louis Poulsen, iluminación, 2019

• Mesa de refrescos de Yiannis Ghikas para Miniforms, mobiliario, 2020

92 Tangerine

Como una inyección de vitamina C, el mandarina tiene un aire brillante y saludable. El nombre
del color recuerda la etimología de la palabra "naranja", que proviene directamente del árbol
frutal después de ser importado a Europa en el siglo XVI. No obstante, el mandarina es un
color completamente moderno, con una opacidad que no es posible sin pigmentos sintéticos
de alto rendimiento como el naranja de quinacridona.

Popular en el diseño de interiores y productos en los años 60 y 70, el eufórico mandarina fue
parte de una desviación cromática del sombrío conservadurismo de posguerra. Las sillas
escolares de polipropileno moldeado por inyección de Robin Day agregaron frescura al aula y
subrayaron el naranja como un tono útil en entornos educativos. El tono sintético brillante
pasó a ser utilizado por marcas como Brionvega para reemplazar una paleta austera de grises.
La empresa de muebles Heals creó llamativos patrones abstractos para textiles estampados en
ese color, y otras reliquias de la época (lámparas de lava, zapatos de plataforma y sofás
abultados de la era espacial) se inundaron de este tono.

Ahora

A pesar de su pasado de diseño retro, el mandarina ha demostrado ser un color con un

propósito y una gran capacidad de permanencia en el diseño contemporáneo. Estudios
recientes sugieren que la exposición a una luz naranja brillante aumenta la actividad mental, lo
que posiblemente indique su verdadera vocación en aplicaciones centradas en el ser humano y
el aprendizaje. La artista británica Sarah Morris utiliza opuestos cromáticos, incluidos el cian
saturado y el mandarina, para crear efectos hiperbólicos y grandilocuentes en sus lienzos.

Valores del color

Código hexadecimal: #ff7000 126,0

Connotaciones comunes

• Refrescante

Optimista

Activo

La mandarina en el arte, el diseño y la cultura

• 'Volution' de Peter Hall Heals, tejido de decoración estampado, 1969

Sofá Camaleonda de Mar Bellini para B&B Italia,

mobiliario, 1972

Piscinas - Ritz Carlton Cacma Grove [Miami) de Sanh Morris, pintura, 2011

Por
Radio de transistores plegable de Marco Zanuso para Brionvega, 1964

Uso

El mandarina es un tono flexible y creativo. Combínalo con naranjas apagados y rosas suaves
para lograr un diseño interior sereno pero energizante. Para lograr contraste y claridad en las
interfaces digitales, una estimulante combinación con cian cromático sobre un fondo blanco
limpio podría ayudar a que la información vital se destaque.

Terracota

En aquel entonces

Este color, de un tono naranja amarronado con un matiz rosado suave, recibe su nombre de la
arcilla de barro, cuyo tono distintivo proviene de su contenido de hierro que reacciona con el
oxígeno cuando se calienta. Los primeros artefactos de terracota se dejaban al sol para que se
cocieran, mientras que en las técnicas más modernas, el material se cuece en hornos o fosas
abiertas.

En 1974, un descubrimiento bajo los arrozales rurales cerca de Xi'an en China se convirtió en
un testimonio extraordinario de la capacidad del material para trascender el tiempo: enterrado
bajo tierra había un ejército de guerreros de terracota del siglo III a. C. Las figuras de tamaño
natural representaban a más de 8000 soldados, junto con caballos, carros y figuras no
militares. A medida que las pinturas ocres que originalmente las cubrían se secaron y se
descascarillaron, la terracota volvió a su estado original.

Ahora

La utilidad de la terracota significa que nunca ha pasado de moda. Las fachadas ornamentadas
de la época victoriana son un monumento a la artesanía de antaño. En la arquitectura
moderna, todavía es común que elementos como las tejas y los ladrillos se dejen sin esmaltar
debido a la durabilidad natural del material y su atractivo color. Hoy en día, muchos
arquitectos contemporáneos utilizan el material para mantener frescos los edificios modernos,
lo que demuestra que lo antiguo es nuevo cuando se trata de crear características duraderas.

Uso

La terracota terrosa aporta calidez y comodidad naturales a los entornos y puede realzar
incluso las habitaciones o áreas más frescas. Combine el tono con tonos neutros arena y rosas
suaves.

Valores de color

Código hexadecimal: #c36d4c

Connotaciones comunes

• Terroso

• Expresivo y duradero

Terracota en el arte, el diseño y la cultura

• Un dios del río de Giambologna,

escultura, c.1575

• Campos para la tierra británica de Anthony Gormley,

instalación artística, 2019

Jarrones Aura en albaricoque de Schneid Studio, cerámica, 2020

Cobre

En aquel entonces

El cobre, de un tono dorado rosado que recibe su nombre de un elemento metálico natural,
puede tener un color que va desde rojizo hasta mantecoso, debido a las propiedades
reflectantes del metal. El cobre es conocido y utilizado por la humanidad desde la antigüedad;
las civilizaciones sumeria y caldea lo utilizaban para hacer obras de arte, armaduras y diversos
objetos útiles. Y el cobre es un componente esencial de la aleación más dura, el bronce, que da
nombre a la era de los avances tecnológicos que comenzó en el año 3000 a. C.

La historia del cobre como elemento de diseño moderno comienza realmente con la
Revolución Industrial, que trajo agua caliente por tuberías de cobre a los hogares y locales, y la
superficie patinada que evoluciona naturalmente de las tuberías a partir de la exposición al
vapor se convirtió posteriormente en una estética industrial muy buscada. Sin embargo, la
plomería de cobre en sí no era nada nuevo, ya que los antiguos egipcios la crearon por primera
vez hace mucho tiempo, y parte de ella todavía se encuentra en buenas condiciones en la
actualidad.

Ahora

Hoy en día, el cobre aparece en todo, desde maceteros hasta salpicaderos. El diseñador
industrial Tom Dixon expuso el lado elegante, sumamente pulido y maravillosamente maleable
del color, llevando el brillo reflectante del cobre a los interiores de todo el mundo. En 2014, el
Design Research Studio de la marca equipó el vestíbulo del hotel Mondrian de Londres (ahora
Sea Containers London) con un diseño de cobre que lo abarca todo, haciendo referencia al
casco de un barco.

El artista contemporáneo ghanés El Anatsui trabaja principalmente con metal reciclado o

encontrado para crear sus "ensamblajes". En Many Came Back (2005), tejió alambre de cobre
junto con tapas de botellas aplanadas para crear un tapiz similar a una tela, haciendo
referencia al papel del comercio de licores en el comercio transatlántico de esclavos.

Valores del color

Código hexadecimal: #d78152

Connotaciones comunes

• Cautivador • Avance
• Calidez

Derecha: Hotel Mondrian, Londres, por Design Research Studio, 2014

El cobre en el arte, el diseño y la cultura

Colección 'Still' de Studio Formafantasma, artículos para el hogar, 2014 Silla, de la serie Copper
de Max Lamb, mobiliario, 2015

Dans un verre de Marie Lund, escultura, 2017

Uso

El cobre patinado posee una gran calidez natural y una paleta inherentemente diversa.
Experimente con matices metálicos y no metálicos de cobres cálidos con rojo óxido y negro
carbón para lograr un aspecto y una sensación accesibles.

Entonces

El nombre de este naranja rosado de tono medio tiene su origen en los esqueletos coloridos
que forman los organismos que habitan en los arrecifes. Se sabe que las primeras civilizaciones
mesopotámicas buceaban para recuperar los tallos brillantes para usarlos en joyería, mientras
que los antiguos romanos creían que usar coral le daba a uno la capacidad de resistir el mal y la
tentación. Esta asociación persistió, con maestros italianos como Cecco di Pietro
representando al niño Jesús usando un amuleto de coral en el siglo XIV.

El coral como material se puso muy de moda en Europa en el siglo XIX, coincidiendo con un
período de exploración (y explotación) colonial prolongada de áreas del mundo donde se
encontraba comúnmente coral. En los años 1960 y 1970, el coral había dado un paso atrás de
la alta sociedad para convertirse en un color útil para los azulejos de los baños públicos y las
sillas de cóctel retro.

Ahora

En el diseño, el color puede ofrecer una funcionalidad más accesible y versátil que los naranjas
más brillantes. Utilizado por marcas de tecnología como Google Nest y Jawbone, la naturaleza
amigable del coral ayuda a la aceptación de la información digital, pero es lo suficientemente
vibrante como para atraer la atención a mensajes importantes.

Uso

La cantidad de rosa en el tono lo hace más agradable a la vista que muchos otros naranjas
funcionales. Utilizado con una paleta de verde azulado intenso complementario, madera
pálida y amarillo dorado, la calidez natural del coral ofrece un enfoque completamente
moderno para productos o ambientes interiores enfocados en el apoyo.

Valores de color

Código hexadecimal: #ff8765

Connotaciones comunes
Maravilloso

• Protección

Accesible

Coral en el arte,

Diseño y cultura

Pulsera up24 de Yves Béhar para Jawbone, 2013 Pantone 16-1546 Living Coral Color del año
Pantone, diseño, colección Ready-to-Wear 2019 de Stella McCartney, moda, P/V 2021

102 Naranja de alta visibilidad

Entonces

Un naranja cromático y brillante proyecta urgencia y emergencia, desde botes salvavidas hasta
cajas negras de aviones (que son de color naranja para aumentar su visibilidad después de un
desastre). Las telas fluorescentes de color naranja inventadas en la década de 1940 por los
hermanos Switzer (ver página 160) han encontrado una serie de aplicaciones funcionales
desde la Segunda Guerra Mundial, incluidos chalecos salvavidas de alto contraste, paracaídas y
dispositivos de flotación.

La invención de pigmentos intensos de cadmio, cromo y quinacridona en el siglo XIX le dio al

naranja de alta visibilidad la oportunidad de crear contrastes de color vibrantes con el azul. El
artista Francis Bacon utilizó la intensidad visceral de este contraste para resaltar sus formas
humanas figurativas, mientras que en la década de 1980 Keith Haring produjo serigrafías
utilizando el tono incandescente para concienciar al público sobre importantes problemas
sociales y de salud pública.

Valores del color

Código hexadecimal: #ff9200

Connotaciones comunes

Vibrante

Seguridad

• Funcional

Naranja de alta visibilidad en el arte, el diseño y la cultura

Estudio de El cuerpo humano de Francis Bacon, pintura, 1982 La última selva tropical de Keith
Haring, pintura, 1989 Colección 'Remade' de Raeburn, moda, otoño/invierno 2018

Ahora
La capacidad del naranja de alta visibilidad para atraer la atención sobre temas vitales sigue
siendo crucial hoy en día. Raeburn, una marca de moda conocida por su mentalidad sostenible,
crea prendas para clima frío reutilizando telas originales de alta visibilidad creadas durante la
Segunda Guerra Mundial. Brillantes y perfectamente funcionales, resaltan la necesidad de
reutilizar materiales y evitar el desperdicio.

Uso

El naranja de alta visibilidad hace exactamente lo que dice su nombre. Sencillo y poderoso,
combínalo con otros colores opuestos vibrantes como el cian y el amarillo neón para una
campaña publicitaria que capte toda la atención. Alternativamente, se puede crear un
ambiente serio combinando el tono con colores acromáticos para una sensación atemporal.

Amarillo

El amarillo es un deleite para la vista y muchos de los tonos de la familia tienen un atractivo
táctil y sensorial que va más allá de su simple pigmento. Cuando pensamos en el amarillo,
podemos pensar en un limón recién cortado, en el picante y la calidez de la cúrcuma o en la
yema de un huevo roto. Experimentamos estos colores a un nivel más profundo a través de su
textura y sabor.

El amarillo puro es un tono primario y una parte vital de la técnica de impresión CMYK. Desde
los limones picantes y el amarillo de fábrica hasta los matices más mantecosos, el marrón, el
verde y el naranja influyen en la tonalidad del amarillo. Si bien los tonos más claros tienden a
no ser los más prácticos para ciertos usos de materiales, las mostazas con yema y apagadas
pueden soportar cierto desgaste.

No hubo pigmentos amarillos completamente estables hasta el siglo XX. El plomo, el arsénico
(oropimente), la savia de los árboles (gamboge) e incluso el cromo de base química
reaccionaban y se oscurecían con la luz del sol, y casi todos tenían efectos secundarios tóxicos.
Esta frustración de los artistas y diseñadores se resolvió con la creación de alizarina sintética y
pigmentos azoicos a finales del siglo XIX, lo que dio lugar a una gran cantidad de tintes y
pigmentos estables, transparentes y limpios, entre ellos el amarillo hansa con matices cítricos y
el amarillo cobalto soleado.

En el mundo moderno, el amarillo es el color de los emojis, los Post-it, los taxis y los carteles
que nos alertan de peligro o precaución. Se ha industrializado y puede verse como algo de mal
gusto: demasiado amarillo brillante puede abrumar los espacios. Sin embargo, todavía se
puede utilizar con gran efecto para crear gráficos vibrantes y que llamen la atención.
Intrínsecamente estimulante, los estudios han demostrado que el amarillo puede hacernos
estar más alerta y con más energía, potenciar nuestra memoria y fomentar la comunicación, lo
que le da un gran propósito en los entornos de aprendizaje.

Los tintes naturales a base de plantas también vuelven a estar sobre la mesa; las recetas de
tonos naturales que han sobrevivido milenios ofrecen un propósito sostenible renovado a los
productos de desecho. Estos amarillos más suaves y descoloridos son un símbolo de un
consumismo más consciente. En nuestro mundo cada vez más complejo, el amarillo todavía
logra abrirse paso entre el ruido, un faro brillante de optimismo y juego, inclusión, calma y
bienestar.

Colores en este capítulo:

Amarillo indio...

Cúrcuma.....

Amarillo limón.

Amarillo fábrica...

Amarillo imperial...

Girasol descolorido...

Trigo.

Dorado...

Caléndula.

Amarillo indio

Entonces

A lo largo de la historia, se han inventado nuevos colores por accidente o por casualidad, y
algunos se han buscado activamente, pero hay otros cuyo origen sigue siendo un misterio.

Sabemos que el amarillo indio se originó en la India del siglo XV y se importó a Europa en el
siglo XVII, donde los pintores disfrutaron mucho de este amarillo único, vibrante y resistente a
la luz. Pero los escasos registros del siglo XIX revelan el misterio en torno a su método de
elaboración. Se sospechaba que se trataba de sangre de serpiente, orina de camello y bilis de
buey, pero una carta sugiere que provenía de pastores de vacas (gwalas) que alimentaban a
sus vacas exclusivamente con hojas de mango y recogían su orina. Aún más extraño, el color
desapareció repentinamente del mercado. Se sospechaba que se había prohibido su
producción en la India debido a problemas de crueldad animal hacia las vacas, pero nunca
apareció ninguna prueba.

En la India, el amarillo puede simbolizar el logro espiritual y se utiliza a menudo en ceremonias

sagradas y vestimentas religiosas. En las pinturas Ragamala del siglo XV que representan
escenas de himnos hindúes, las sorprendentes composiciones están dominadas por el amarillo.
Cuando el amarillo indio llegó a las costas europeas, las bolitas secas importadas (y bastante
malolientes) de un amarillo dorado intenso evocaban especias, sol, calor, flores y suciedad. Las
bolitas purificadas creaban una hermosa pintura de acuarela soleada: J.M.W. El uso extensivo
que hizo Turner de este color en su paleta de acuarelas fue tan influyente que, en ocasiones, el
color recibió su nombre como "amarillo de Turner".

Ahora

Después de que desapareciera el amarillo indio original, se sintetizó en el siglo XX con un tono
que imitaba el amarillo dorado intenso del original. El amarillo sigue siendo un color popular
en la arquitectura y el diseño indios en la actualidad. En 2020, Sanjay Puri Architects completó
un desarrollo de 100 acres en Rajastán con una paleta de colores vibrantes y cálidos. El uso de
este amarillo soleado en los exteriores le da a los edificios un brillo acogedor.
Valores de color

Código hexadecimal: #9c7a21

También conocido como

• Amarillo de Turner

Connotaciones comunes

• Acogedor Espiritual

• Edificante

Valores de color

Código hexadecimal: 197421

RGB: 156, 122.33 CMYK:

También conocido como amarillo de Turner

Connotaciones comunes

• Acogedor • Espiritual

• Edificante

perseguido,

aquí

casado

al

camello

eso uno

marino.

annado

- pero

eso

Uso
Amarillo indio en el arte, el diseño y la cultura

Krishna toca su flauta encantadora, Lahore, Pakistán, c.1780

Puente de Abergavenny, Monmouthshire, de 1.M.W. Turner, pintura, 1798 Amarillo India, n.º
66 de Farrow & Ball, pintura, 2020

he

llow

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ized

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janantne

El amarillo indio evoca una identidad rica cuando se usa como un tono destacado. Los niveles
naturales de saturación del color lo convierten en una opción energizante. Intente equilibrarlo
con naranjas y rojos cálidos y profundos para crear un ambiente acogedor y acogedor para los
espacios interiores.

Vasanti Ragini; página de una serie Ragamala (Guirnalda de música moderna), India, c.1710
110 Cúrcuma

Entonces

La cúrcuma (Curcuma longa) es parte de la misma familia de plantas que el jengibre y, al igual
que este, sus rizomas han sido valorados en la medicina popular y se han utilizado como
conservante desde la antigüedad. El rico polvo de color amarillo anaranjado, que se produce
moliendo finamente los rizomas que primero se han hervido y luego secado en hornos de
barro, es una especia muy apreciada y un tinte importante en toda su India natal y el sudeste
asiático, donde también se utiliza como pasta corporal y medicina, y se asocia con la
iconografía y la literatura religiosas.

La cúrcuma, que oscila entre el amarillo y el naranja, se asocia típicamente con la pureza y el
logro espiritual denotados por el amarillo, así como con la protección y la luz solar,
simbolizadas por el naranja. Aunque no es un tinte resistente a la luz, se ha utilizado durante
siglos para teñir las túnicas de los monjes budistas y los saris de las mujeres. El texto sagrado
hindú de 3.500 años de antigüedad, el Rig Veda, describe al Señor Vishnu tejiendo los rayos del
sol para hacerse una prenda; Él y Krishna aparecen vestidos de amarillo dorado en antiguas
miniaturas y frescos.

Ahora

Aunque la cúrcuma no es uno de los tintes más resistentes a la luz, ofrece una alternativa
natural a los amarillos químicos, con un menor impacto en el medio ambiente. En el trabajo de
la creadora contemporánea Sophie Rowley, 10.000 hilos se infunden con cúrcuma para crear
elegantes montajes de líneas deshilachadas en las piezas textiles arquitectónicas 'Khadi Frays'.
La diseñadora deshace cada hilo, deshaciendo las estructuras de tejido tradicionales y creando
otras nuevas.

Valores de color

Código hexadecimal: #dcabic

HSB: 45°, 87%, 86%

Connotaciones comunes

• Sagrado

• Soleado

• Autenticidad
La cúrcuma en el arte, el diseño y la cultura

Colgante de Kalamkari con figuras en un entorno arquitectónico, atribuido a Deccan, India,

textiles, c.1640-50

Estudio para Homenaje a la plaza: Partiendo en amarillo de Josef Albers, pintura, 1964

• 'Khadi Frays' de Sophie Rowley, textiles tejidos, 2017

accesorios

Tela teñida por Joanna Fowles, 2018

Uso

El amarillo no tiene por qué ser llamativo y audaz todo el tiempo, y la cúrcuma puede dar un
tono natural y apagado al algodón o al lino. Combínalo con tonos tierra y blanco hueso suave
para lograr una paleta que se conecte con los orígenes orgánicos del color.

112 Amarillo limón

Entonces

Se cree que el limón se cultivó por primera vez en la India o China como un híbrido de la
naranja agria y la cidra. Se introdujo en Oriente Medio alrededor del 600-400 a. C. y, durante
los siglos siguientes, los comerciantes árabes lo extendieron a otras partes de Asia y África. En
los siglos X y XI, los moros ocuparon partes del sur de Europa y llevaron el limón a lugares
como Sicilia y Andalucía. A finales del siglo XV, Cristóbal Colón llevó semillas de limón al Nuevo
Mundo. Con la creación de nuevas variedades desde su exportación a Europa y las Américas, el
limón comenzó a adoptarse más en el uso culinario, pero en la mayor parte de los lugares
siguió siendo un lujo poco común, disfrutado principalmente por sus usos más antiguos como
fruta medicinal y decorativa. A partir del siglo XV, los limones adquirieron importancia
simbólica por sus tonos vibrantes, como si llevaran un rayo de sol a interiores poco iluminados,
y fueron
mucho representados en el arte holandés.

A pesar de su importancia en la pintura, el pigmento amarillo limón estable no se inventó

hasta 1911, cuando los químicos alemanes desarrollaron el pigmento amarillo limón brillante
de laca arilida que hoy conocemos como amarillo Hansa. Anteriormente, los artistas utilizaban
una mezcla de brebajes a base de plantas, incluidos los narcisos, diluidos en agua con amarillo
de plomo y estaño, para imitar los tonos cítricos.

Ahora

En el siglo XX, Henri Matisse tomó el relevo de los holandeses y utilizó regularmente limones
en sus brillantes composiciones. Sacó el máximo partido de su color picante en varias
combinaciones de colores: con sus opuestos complementarios lavanda o rosa, verdes y
naranjas vecinos o en composiciones atrevidas de colores primarios. El diseño también ha
tenido en cuenta a estos artistas: un bol de limones es un cliché de la cocina contemporánea,
pero uno que funciona, aportando una explosión de color positivo al ambiente, además de ser
un complemento saludable y delicioso para muchos platos y bebidas.

Valores de color

Código hexadecimal: #ebed6f

También conocido como

Amarillo Hansa

Amarillo arilida

Amarillo monoazoico

Connotaciones comunes

• Picante

• Saludable

• Atractivo

bed6f

7,111

As

Ow

ellow

Connotaciones
El amarillo limón en el arte. Diseño y cultura Naturaleza muerta con copa dorada de Willem
Claesz. Heda, pintura, 1635 Mujer bretona en oración de Paul Gauguin. pintura, 1894

Uso

El amarillo limón tiene algo intrínsecamente atractivo. Limpio y brillante, tiene un borde
afilado y sofisticado; muy parecido al sabor de la fruta en sí. Una paleta tetrádica alegre que
utiliza turquesa, lavanda, amarillo limón y rojo tomate es ideal para espacios al aire libre para
comer y entretenerse.

Mujer con abrigo morado de Henri Matisse, 1937

Amarillo de fábrica

Entonces

Este amarillo intenso toma su nombre de las fábricas de municiones. Durante la Primera
Guerra Mundial, un grupo de mujeres que trabajaban en estas fábricas en el Reino Unido
recibió el apodo de "chicas canarias" debido a la exposición al TNT, que puede teñir la piel de
un color amarillo anaranjado. El tono se utilizaba en entornos de fabricación para advertir
sobre peligros tóxicos.

Para el ojo humano, un amarillo saturado siempre parecerá ligeramente brillante, debido a su
capacidad mejorada para reflejar la luz. La naturaleza llamativa de este tono sintético se ha
prestado para su uso en señales de seguridad esmaltadas, vehículos de emergencia, taxis y
pasamanos con revestimiento en polvo. La empresa 3M registró el uso de este amarillo
característico en notas Post-it, lo que les ayudó a destacar en paredes creativas de todo el
mundo. Una elección habitual para las marcas globales, este tono intenso lo utilizan tanto IKEA
como McDonald's, donde se combina con otros colores primarios brillantes para crear el
máximo impacto gráfico.

Ahora

Inspirado por su herencia nigeriana, el diseñador Yinka Ilori utilizó bastones multicolores,
desde el amarillo de fábrica hasta el magenta y el azul cielo, para crear el Palacio de los Colores
con los arquitectos Pricegore en el pabellón Dulwich de Londres en 2019. Al hacerlo, crearon
una pieza de arquitectura temporal que fomentaba la interacción lúdica. En los entornos
educativos contemporáneos, el impacto de este atrevido tono de amarillo puede ser poderoso
para crear asociaciones positivas con el aprendizaje. En una reinterpretación optimista del
cartel amarillo de la zona escolar, Cottrell y Vermeulen Architecture utilizaron un amarillo
brillante para crear una identidad inmediatamente reconocible y colorida para una escuela
primaria de Londres en 2020.

Valores del color

Código hexadecimal: #f9dd00

También conocido como

• Amarillo canario

Connotaciones comunes
• Juguetón

Llama la atención Concentración

Derecha: Escuela primaria Bellenden, Peckham, por Cottrell y Vermeulen Architecture, 2020

Valores de color

Código hexadecimal: 194000

RGB: 249, 221.0

También conocido como

Amarillo canario

Connotaciones comunes

- Divertido

Llama la atención

- Concentración

El amarillo Factory en el arte, el diseño y la cultura Silla Serie 7 de Arne Jacobsen en "Amarillo
verdadero" de la serie "A Sense of Colour" de Fritz Hansen, mobiliario, 2020

Uso

Una planificación cuidadosa del color puede estimular y facilitar el aprendizaje, y el amarillo
puede provocar una sensación de optimismo y creatividad en entornos educativos. Aplique
este amarillo alrededor de las puertas y los asientos con tonos de madera natural para crear
un espacio luminoso, aireado y acogedor para las mentes en crecimiento.

Right Bellenden Priy

Cottrell wall Verm

"Para el ojo humano, un amarillo saturado siempre parecerá ligeramente brillante.

El Palacio del Color para la Dulwich Picture Gallery, Londres, por Yinka Ilori, 2019

Amarillo imperial

En aquel entonces

El simbolismo del amarillo imperial tiene su origen en las vestiduras reales que usaban los
emperadores chinos. El registro más antiguo de un determinado tono de amarillo reservado
para uso imperial data del reinado del emperador Gaozong de la dinastía Tang (618-907 d. C.).
Los registros de los inventarios de palacio revelan que el amarillo particular que se usaba para
teñir las vestiduras reales se obtenía de plantas, incluidos los brotes de las pagodas nativas, y
luego se fijaba con alumbre. El amarillo, junto con el azul celeste, el rojo, el blanco y el azul
negruzco, forma parte de la teoría de los cinco elementos, un concepto importante en la
filosofía china en la que el color representa un equilibrio de interacciones. En Europa, la moda
de la chinoiserie en los siglos XVIII y principios del XIX dio lugar a un renovado interés por este
tono de amarillo, que se convirtió en un símbolo sofisticado y de moda de las clases altas.

Ahora

En un mundo en el que las fuentes de energía y energía alternativas están adquiriendo cada
vez más importancia, este amarillo soleado se ha utilizado para ayudar a respaldar ideas y
conceptos pioneros. El fabricante de automóviles Renault utilizó este majestuoso tono en el
interior de su concept car totalmente eléctrico y cambiante en 2020. Desde el exterior, los
destellos de amarillo ayudaron a generar intriga en la función única del automóvil y la
experiencia del usuario.

Uso

El amarillo imperial puede formar una paleta de colores elemental y simbólica con el azul
ultramar y el rojo chino tradicional (ver bermellón, página 66), lo que sugiere una fuerte
conexión con una herencia aristocrática. Alternativamente, una combinación de oro pálido,
negro de alto rendimiento y amarillo imperial otorga estatus a productos y servicios
innovadores.

Valores de color

Código hexadecimal: #f5cc5e

CMYK: 0, 18,70,5

HSB: 44°, 62%, 96%

Connotaciones comunes

Sofisticación

• Distinción

• Herencia

El amarillo imperial en el arte, el diseño y la cultura

• La dama de amarillo (Eleanar Reeves), pintura de Susan Watkins, 1902

• Automóvil conceptual Renault Morphoz, modelo 2020

Girasol descolorido

En aquel entonces

El amarillo girasol, que evoca días cálidos y felicidad, es un tono saturado con un atractivo
duradero. En 1887-8, los girasoles eran el tema favorito del pintor posimpresionista holandés
Vincent van Gogh. Tras ver las obras de vivos colores de los impresionistas en París, utilizó
bodegones de flores para experimentar con el color, y a menudo optaba por pintar flores que
ya se estaban marchitando.

En este período, Van Gogh pasó de un uso bastante tradicional del color a pintar
combinaciones dramáticas de amarillos llamativos con fondos de azul intenso. Sin embargo,
hoy en día, estos famosos lienzos se han descolorido hasta convertirse en marrones
amarillentos apagados, probablemente debido a la inestabilidad de la pintura amarilla que
utilizó: una mezcla de cromato de plomo amarillo y sulfato de plomo blanco. Aunque se usaba
mucho en esa época, el color se degradaba con la luz del sol, lo que le daba a sus lienzos una
calidad envejecida muy similar a sus girasoles.

Ahora

La calidad nostálgica de este color descolorido es clave hoy en día. Los amarillos mostaza
desgastados hablan de un color muy usado, como encontrar una flor prensada descolorida de
veranos pasados dentro de las páginas de un libro. En un momento en que la moda rápida y el
desperdicio de moda se están convirtiendo en una preocupación cada vez mayor, una paleta
de colores de tonos desgastados y sólidos ofrece una estética positiva y consciente.

Uso

Aproveche la popularidad de los tonos terrosos horneados y los azules cielo apagados y
descoloridos, ideales para una colección de moda que desarrolle prendas básicas que
trasciendan las compras estacionales.

Valores de color

Código hexadecimal: #f8cd76

HSB: 40°, 52 %, 97 %

Connotaciones comunes

Cálido

• Con los pies en la tierra

Girasol descolorido en el arte, el diseño y la cultura

Camisa tie-dye snack en amarillo de STORY máy, moda, 2020

Trigo

Entonces

Los humanos han recolectado cereales y hierbas silvestres desde la Edad de Piedra, pero la
capacidad de domesticar y cultivar cultivos comenzó hace unos 12.000 años en el Levante. Uno
de los avances más importantes de nuestra historia, la agricultura, llevó a nuestros
antepasados más allá de la subsistencia de cazadores-recolectores, pero también nos vinculó a
la tierra de una manera nueva.

Desde entonces, hasta hace muy poco, la cosecha era un evento estacional en el que todos los
miembros de la sociedad tenían un interés. Una buena cosecha significaba que habría
suficiente comida para todos, incluso excedentes, mientras que una mala significaba que la
gente pasaría hambre. Por lo tanto, el color de los campos de trigo maduros y dorados ha
llegado a simbolizar la riqueza y la abundancia en todo el mundo occidental. Si bien no es un
colorante en sí mismo, el tono era lo suficientemente importante como para distinguirlo de
otros tonos. A fines del siglo XVII, el "trigo" comenzó a agregarse oficialmente a los primeros
sistemas de nombres de colores.

Valores de color

Código hexadecimal: #e6d29b

СМҮК: 12, 16, 46, 1

HSB: 44°, 30%, 90%

Connotaciones comunes

• Auténtico

• Idílico

• Abundancia

Actualidad

El suave tono marrón amarillento del trigo, un color de tendencia en el diseño de interiores y
la moda en la segunda mitad del siglo XX y principios del XXI, ha ganado popularidad como un
neutro inclusivo. En la década de 1980, las gabardinas de color trigo de Max Mara
proporcionaron una pieza de declaración universalmente utilizable, mientras que Donna Karan
trajo una estética monótona a su colección femenina de primavera de 2011 con vestidos
sedosos de color trigo y detalles sencillos de yute. Más recientemente, la colección Primavera
2021 del diseñador de moda francés Porte Jacquemus mostró modelos desfilando por una
pasarela en un campo de trigo, vestidas con una paleta de tonos inspirada en el cultivo.

* Maerz, A. y Paul, M. Rea, A Dictionary of Color, Nueva York: McGraw-Hill Publishing Co.,
1930.
El trigo en el arte, el diseño y la cultura

Garbes de Josep Benseny Piñol, pintura, 1951

Colección de ropa de mujer de Donna Karan, moda, primavera/verano 2011

Panadería y molino de harina de la empresa Flourist, Vancouver, por Ste Marie, diseño de
interiores, 2019

Colección 'L'Amour' de Jacquemus, París, primavera/verano 2021

Uso

El trigo es un neutro moderno y optimista. Una combinación soleada con azul pálido, salvia,
arcilla y marrón tierra crea una paleta favorecedora que sugiere un estilo de vida más sencillo y
auténtico.
Oro

Entonces

La fiebre del oro se remonta a la antigüedad y este brillante metal amarillo parece haber sido
apreciado casi universalmente, con objetos hermosos, a veces sagrados, civilizaciones
destruidas por su causa y miles de mitos asociados a él. El oro ha estado asociado durante
mucho tiempo con la divinidad (las iglesias católicas y los templos hindúes y budistas son
conocidos por el uso liberal del material) y con la realeza. En la Francia del siglo XVIII, Luis XIV,
conocido como el Rey Sol, contrató al dorador Pierre Gouthière para aplicar una fina capa de
pan de oro a cada superficie visible y objeto de su palacio en Versalles, lo que atestigua la
riqueza y el poder de su país.

En la pintura religiosa temprana de la era bizantina, se aplicaban finas hojas de oro a los halos
de los santos y otros detalles, y se trabajaban con delicadeza. Sin embargo, en el período
barroco del siglo XVII, para los artistas se convirtió en un desafío demostrar su habilidad
capturando el efecto del metal mediante la mezcla de otros tonos, como lo demuestran obras
como El banquete de Baltasar (1636-8) de Rembrandt.

Valores del color

Código hexadecimal: #9b7a41

Connotaciones comunes

• Perfección

• Exceso

• Valor

El oro en el arte, el diseño y la cultura

• Ladurée London, Burlington Arcade, decorado por Roxane

Rodriguez, diseño de interiores, 2006

• iPhone 6S en oro, diseño de producto, 2015

• América de Maurizio Cattelan, escultura, 2016

Ahora

Desde que las civilizaciones antiguas relacionaron por primera vez el metal brillante con el sol,
ha sido difícil pensar en el oro sin recurrir a sus asociaciones culturales y simbólicas. Pero hay
otra cara del oro, si nos centramos en sus propiedades naturales y su utilidad práctica. Por
ejemplo, los arquitectos y diseñadores han encontrado usos para sus propiedades de
regulación de la temperatura, creando ventanas de vidrio revestidas de oro para reflejar la luz
del sol durante el verano y devolver el calor interno a las habitaciones durante el invierno.

El mundo también ha tomado nota del kintsugi, el arte japonés de reparar cerámica que utiliza
oro para unir una vasija rota, sin desperdiciar nada y haciendo que el objeto sea más hermoso
que antes. Los principios detrás de esta práctica han hecho del oro un improbable defensor de
la aplicación moderada y apropiada en una sociedad posconsumista.

Uso

La asociación moderna del oro con líderes corruptos y celebridades ostentosas lo ha

transformado en un signo de exceso, dominación cultural e incluso de mal gusto. Pequeños
acentos del color agregan un destello de rareza en lugar de exceso a una paleta.

"Los principios que sustentan el kintsugi han hecho del oro un improbable campeón de la
aplicación moderada y apropiada en una sociedad postconsumista.
Entonces

El Mindaro, completamente moderno, tiene su origen en el chartreuse, que toma su nombre

del licor francés que estaba de moda a mediados del siglo XVIII. El color verde amarillento
original se creó utilizando el verde de Scheele, un pigmento verde cálido inventado en 1775
por el químico sueco-alemán Carl Wilhelm Scheele. Este pigmento, repleto de arsénico, era
altamente tóxico, pero tenía una gran demanda comercial y se aplicaba en pinturas, papel
tapiz, telas e incluso juguetes. A fines del siglo XIX, se producían telas de seda y terciopelo en
este tono distintivo, que se convirtió en una opción de moda peculiar entre la sociedad
europea. Los tonos similares al chartreuse, esta vez sin el matiz tóxico, resurgieron en
popularidad a fines de la década de 1950 como una opción de color de uso diario para
cerámica y muebles, y en la década de 2000, se estableció firmemente en las cartas de pintura
para interiores.

Ahora

El vibrante verde amarillento del chartreuse, parecido a una pelota de tenis, se ha reducido un
tono o dos en el uso contemporáneo común a un mindaro más moderado y ligeramente
excéntrico. En la moda, sigue siendo un color atrevido, ligeramente rebelde y excéntrico; sin
embargo, el apoyo de la ex primera dama Michelle Obama, a quien se la ve con frecuencia
luciendo este tono, ha asegurado que el mindaro transmita un mensaje positivo. Lleno de
personalidad, en el diseño, puede hacer una declaración llamativa o desvanecerse a un neutro
indulgente que puede proporcionar un descanso de los colores homogéneos y sin mezclar.

Valores de color

Código hexadecimal: #ddd582

HSB: 55°, 41%, 87%

También conocido como

Connotaciones comunes

Auténtico

• Independiente

• Excéntrico

Uso
Mindaro en el arte, el diseño y la cultura

Mujer peinándose, de Edgar Degas, dibujo al pastel, c.1888-90 Colección de prêt-à-porter de

Jason Wu, moda, otoño/invierno 2009

Explora el color aplicado a mano para resaltar la naturaleza auténtica de Mindaro. Prueba a
mezclarlo con rosa para crear delicados degradados de color, resaltados con mostaza intenso o
dorado; ideal para diseños únicos y aplicaciones artesanales distintivas.

Table Top Yellow, Studio

Ceramics, 2020
Caléndula

Entonces

En el folclore mexicano, las almas de los muertos siguen el aroma de la caléndula. La caléndula
azteca, profundamente simbólica para la nación, se ha utilizado con fines medicinales y como
ofrenda brillante en los altares durante las celebraciones del Día de los Muertos.

La caléndula, audaz y optimista, se ha utilizado durante mucho tiempo como un color para
hacer llamativas declaraciones de moda. En la década de 1960, la falda de baile de color
amarillo caléndula de Jackie Kennedy era una parte icónica de su vestuario de colores
brillantes, en sí misma un símbolo de aspiración y éxito que definió una era. Desde entonces, la
caléndula ha seguido siendo una fiel compañera de moda, apareciendo en colecciones
modernas desde Nina Ricci hasta Phillip Lim. El amarillo refleja naturalmente mucha luz, por lo
que agregar un toque de caléndula es estimulante y llama la atención sin esfuerzo.

Ahora

Con una inclinación casi hacia el naranja, la sorprendente saturación de la caléndula atraviesa
el gris como un recordatorio visceral del mundo natural que nos rodea. En 2016, el dúo
artístico Christo y Jeanne-Claude utilizaron la sombra en pasarelas colosales que colocaron a lo
largo del contrastante lago azul verdoso de Iseo, en Italia, lo que permitió que 1,2 millones de
visitantes caminaran sobre el agua.

Uso

Aproveche el poder de la caléndula para lograr un efecto estimulante. Úsela en proporciones

audaces para elevar los niveles de energía y el estado de ánimo.

Valores del color

Código hexadecimal: #fb9614

Connotaciones comunes

• Tradicional

Juvenil
• Aspiracional

Marigold en el arte, el diseño y la cultura

• Colección de ready-to-wear de Altazurra, moda, primavera/verano 2021

• Roseline amarilla de la serie Between These Folded Walls, Utopia de Cooper & Gorfer,
fotografía, 2020

Derecha: Altar en San

Miguel de Allende con comida, fotografías y caléndulas para la celebración del Día de Muertos,
México

Al dorso: Muelles flotantes de Christo y Jeanne-Claude, 2016

134 Verde

No hay más verdes que cualquier otro tono en el mundo, como dice un error común; sin
embargo, nuestros ojos han evolucionado para ser especialmente buenos para distinguir los
matices de las longitudes de onda de la luz verde. Podemos comprobarlo por nosotros mismos
al observar el follaje en el mundo natural: lo que a primera vista parece un tono, ofrece una
sutileza casi infinita al examinarlo más de cerca. Debido a que nuestros ojos son tan hábiles
para ver el verde, también es un tono particularmente cómodo para nosotros. Hoy en día, los
beneficios para la salud de estar en la naturaleza son bien conocidos, y podemos llevar algo de
esto con nosotros al interior cuando usamos el verde en nuestras paletas de interiores. T.S.
Eliot describió una vez su espacio verde personal como "mi punto de quietud en el mundo que
gira".

Desde los vivos amarillos y verdes hoja hasta los misteriosos y relajantes verdes oscuros; desde
los turbios verdes oliva hasta los brillantes tonos esmeralda y turquesa como joyas, la familia
verde contiene una amplia gama de tonos para elegir, y ha sido igualmente prolífica en generar
asociaciones. En Japón, el verde es tradicionalmente considerado como el dador de vida.
Estrechamente vinculado con el profeta Mahoma y significando paraíso, fertilidad, suerte y
riqueza, aparece en las banderas de muchos países predominantemente musulmanes. Por otro
lado, el verde es el color de la decadencia así como del renacimiento, y comúnmente se lo
vincula con la putrefacción y la enfermedad. En tailandés, la palabra kheiyw, además de
denotar "verde", también significa "asqueroso" y "maloliente" y tiene otras connotaciones
desagradables. En los países cristianos, el verde también se asoció con el paganismo -con el
Hombre Verde celta, por ejemplo- y desde entonces se ha utilizado a menudo para significar el
mal, en contraste con lo sagrado y lo rojos valientes.

A pesar de su frecuencia en la naturaleza, durante mucho tiempo el verde resultó ser un

pigmento difícil de conseguir. Hasta la llegada de los pigmentos sintéticos, la mayoría de los
verdes se obtenían mezclando pigmentos azules y amarillos debido a la dificultad de extraer un
color.

Eliot, TS, 'Burnt Nortott Poems', Londres: The Hogarth Press, 1919

El verde era estable y carismático, pero incluso entonces los verdes resultaron peligrosos. En
1775, el químico Carl Wilhelm Scheele inventó un verde artificial que se adoptó rápidamente
en textiles y papeles pintados. Sin embargo, mezclado con arsénico, el verde de Scheele era
tóxico y causó una cantidad incalculable de muertes a lo largo del siglo XIX.

A pesar de su accidentada historia, el verde está ahora recuperando el tiempo perdido. En la

segunda mitad del siglo XX, el color ganó popularidad junto con el auge del movimiento
ambientalista global. Tradicionalmente asociado con grupos ecologistas como Greenpeace y el
Partido Verde del Reino Unido, hoy también ha sido adoptado en la marca de cualquier
organización que desee asociarse con prácticas ambientalmente sostenibles. Más
recientemente, los avances en la ciencia y los biomateriales han desbloqueado nuevos
potenciales en los pigmentos naturales que se encuentran en la vida vegetal, llevando la
asociación del verde con un futuro sostenible de lo simbólico a lo material.

Colores en este capítulo:

Verde tierra.

Verdín.

Malaquita.

Celadón.

Verde Hooker.

Verde esmeralda.

Verde botella..

Turquesa.

Verde oliva..

Verde vital..

Menta moderna.

Lima eléctrica.

Clorofila.

Algas.....

Tierra verde

Entonces

Este verde pálido y terroso se encuentra en algún lugar entre la niebla marina al amanecer y el
musgo cubierto de rocío. Proviene de minerales naturales, como la celadonita y la glauconita,
que son tan abundantes como económicos.

La tierra verde saltó a la fama en Europa en la época del Renacimiento, cuando pintores como
Giotto la usaban como un barniz bajo capas semitransparentes de carmesí para crear tonos de
piel realistas. Desafortunadamente, el tiempo revela pigmentos inestables y, a medida que las
pinturas envejecen, también lo hacen los tonos de piel, que a menudo adquieren un aspecto
verde más bien insípido y mortal.

En el siglo XVII, los artesanos japoneses exportaron pieles de raya como superficies
decorativas, que se conocieron como 'shagreen'. A menudo se coloreaban con terre verte
brillante para no distraer la atención de la textura escamosa.

Ahora

Más recientemente, la naturaleza similar a la de un lavado de la tierra verde ha permitido la

exploración de la transparencia como una forma de materialidad por parte de pintores
minimalistas como Robert Mangold. Utilizando un tinte hecho a mano en su serie de pinturas
Ring H, el artista explora el color relajante y sutil y las formas abstractas curvilíneas.

Uso

La naturaleza no opuesta de este verde neutro lo convierte en un tono de base perfecto.

Aplique capas para crear lavados tranquilos y luminosos, y equilibre con tonos rosados y
blanco limpio para una combinación de colores moderna y relajante.

Valores de color

Código hexadecimal: #8ba26c

También conocido como

• Terre Verte

• Verona Green

Connotaciones comunes

• Apoyo

• Relajante

Green Earth en el arte,

Diseño y cultura

• Estuche de gafas de madera y piel de tiburón japonés de Rinkomoru Yoshigawa, accesorio,

c.1890

• Clay Green de Studio RENS x Moooi Carpets, alfombra, 2020

Verdigris

Inestable, reactivo e incluso tóxico, el verdigris ofrece un ejemplo perfecto de todas las
dificultades que hemos tenido para obtener el verde. Este color verde azulado amorfo es un
subproducto de una antigua reacción química, la oxidación del cobre y el bronce. Descrito
como el grees de Grecia (el nombre proviene del francés vert de Grèce), la pátina de la
superficie raspada de este "óxido" verde se molió y se convirtió en un medio para pintar, que
apareció por primera vez en Europa en obras de arte medievales.

A pesar de su naturaleza venenosa y su tendencia a decolorarse, el único pigmento verde

verdaderamente vibrante disponible siguió utilizándose hasta el siglo XIX. Una práctica común
en las culturas india y persa para evitar que el color se volviera marrón o negro era introducir
azafrán. Al final, el color fugaz quedó obsoleto una vez que los métodos modernos trajeron la
creación de tonos más estables y duraderos.

Ahora

Hoy en día, el cardenillo, que se produce de forma natural, todavía se puede ver adornando
elegantes tejados de cobre y lugares emblemáticos como la Estatua de la Libertad. A diferencia
de su pariente rojo corrosivo, el óxido, que corroe el hierro, el cardenillo proporciona una capa
de protección al cobre que lo alberga.

Mientras tanto, a medida que los gustos contemporáneos han evolucionado, en particular con
referencia a los principios japoneses de wabi-sabi, el mayor valor otorgado al mundo natural y
el deseo de singularidad, el uso del cardenillo se ha vuelto popular una vez más. El proyecto
Landscape of Oxidation del estudio de diseño con sede en Londres Yenchen & Yawen presenta
tres colecciones de artículos para el hogar basadas en óxido, cardenillo y kintsugi (la práctica
japonesa de rellenar grietas en la cerámica con oro, lo que hace que la pieza rota sea aún más
hermosa que la original). Las piezas de la colección "Blue Patina" se fabrican mezclando
jesmonita con polvos de vidrio, cobre, latón y hierro, y enterrando los recipientes en polvo
húmedo durante días para generar una pátina de cardenillo única que se alterará con el
tiempo.

El cardenillo en el arte, el diseño y la cultura

La Estatua de la Libertad de Fredéric Auguste Barthold, escultura de 1886 Jarrones True

Colours de Lex Pott, Jumeware, 2017 Gama Verdigris de Forbes and Lomas, electricidad, 2021

anotaciones

Uso

Adopte la belleza imperfecta del cardenillo creando capas translúcidas de este hermoso verde
azulado que interactúan entre sí. Intente combinarlo con proporciones mínimas y modernas
de otros tonos metálicos como el cobre y el latón

Paisaje de oxidación de Yenchen y Yawen, 2018

140 Malaquita

Entonces

Se sabe que el mineral de cobre verde oscuro malaquita, molido para formar un pigmento, fue
utilizado como sombra de ojos y pintura decorativa por los antiguos egipcios, quienes le dieron
a la sustancia un estatus celestial, vinculándola con la diosa Hathor, "la dama de la malaquita".
Las antiguas civilizaciones aztecas extraían malaquita y creaban accesorios decorativos con
rodajas de este material estriado verde, lo que le daba a esta sustancia de color intenso el
estatus de talismán. El Retrato de Sato Issai (50 años) de 1821 del artista japonés Watanabe
Kazan muestra el verde malaquita en su máxima expresión, agregando profundidad y sombra
al tema.

Es uno de los pigmentos verdes más antiguos que se conocen, está disponible en su forma
mineral y da un verde vibrante y resistente a la luz (aunque tóxico), pero la malaquita no
encontró un uso amplio en Europa. Para conservar su vitalidad, la malaquita no se debe moler
demasiado y, si bien sigue siendo eficaz en pinturas realizadas con témpera al huevo o yeso, se
vuelve insípida en las consistencias finas que requiere la pintura al óleo, que suplantó al
antiguo método de témpera durante el Renacimiento.

Ahora

El verde glamoroso de las culturas antiguas, que ya no se utiliza como pigmento puro, ha
vuelto al mundo moderno gracias a una mayor apreciación de las cualidades materiales en el
arte y el diseño. En 2020, la empresa de diseño italiana Fornasetti le dio a la malaquita una
nueva salida al combinar patrones derivados de la superficie cortada del mineral con formas
modernistas, uniendo el pasado y el presente en una nueva estética de lujo.

Valores de color

Código hexadecimal: #126d64

RGB: 18, 109, 100 CMYK: 87,37,61.20

También conocido como

• Verde montaña

Verde Verditer

• Verde Bice

Connotaciones comunes

• De otro mundo

• Precioso

• Lujo

Derecha: 'Sala de estar de malaquita', de la colección Unusual Living Rooms de Fornasetti,

2020

El verde malaquita en el arte, el diseño y la cultura

Tocado o casco con mosaico de turquesa, malaquita y concha de ostra espinosa, azteca,
México, 1400-1521

Crisantemos de Pierre-Auguste Renoir, pintura, 1881-2 Bolso Stelis de Montunas, accesorios,

2019

Uso
La evocadora asociación de la malaquita con las culturas antiguas, y el hermoso tono y los
delicados patrones de bandas de su piedra preciosa, son lo que atrae hoy en día. Inspírate en
la paleta de Fornasetti y combina el verde malaquita intenso con el amarillo de fábrica y el
delicado gris ostra para una marca o un embalaje de lujo.

142 Celadon

Entonces

En el siglo XII, el erudito chino Hsu Ching visitó Corea para descubrir la naturaleza de los
celadones de Goryeo. Quedó impresionado con lo que vio y comentó: "En lo que respecta a las
piezas de cerámica, las de color verde son descritas por los nativos como fei si ('color del
martín pescador')... su color y su esmaltado son particularmente buenos". Este esmaltado
cerámico verde, elaborado mediante la aplicación de una capa (o 'barbotina') de arcilla diluida
que contiene una alta proporción de hierro, se perfeccionó en China alrededor del 25-220 a. C.

Como sugiere el comentario de Hsu Ching, las cerámicas elaboradas con la técnica del celadón
pueden variar de un verde grisáceo a un azul verdoso o un verde oliva turbio, según la región
en la que se produjeron y las técnicas utilizadas para hacerlas. A pesar de su origen material, el
color en sí es insustancial, como lo atestigua la forma aparentemente arbitraria en la que se lo
denominó: se cree que el 'celadón' fue acuñado como color en el siglo XVII en referencia al
héroe de una comedia pastoral francesa, cuyo delicado traje verde recordaba a los
espectadores la cerámica verde distintiva que se importaba de China.

Actualmente

Aún vinculado conceptualmente a la hermosa cerámica de China y el sur y este de Asia, el

diseño contemporáneo a menudo prefiere un tono de celadón más delicado, similar al
esmaltado. Inspirado por la estética china y coreana y los principios de la Bauhaus, el ceramista
británico Edmund De Waal utiliza el color en vasijas de porcelana en espacios arquitectónicos
atmosféricos donde su naturaleza enigmática y efímera canta.

*Gompertz, G. St. G. M., "El "celadón del martín pescador" de Koryo, Artibus Asiae, vol. 16, n.º
1/2, 1953

Valores de color

Código hexadecimal: #90b7af

RGB: 144, 183, 175 CMYK: 45, 15, 32,0

Connotaciones comunes

• Enigmático

Grácil

• Pacífico

Celadón en el arte, el diseño y la cultura

Urnas funerarias chinas, cerámica esmaltada, dinastía Yuan, cerámica 1279-1368

• Another Sky de Edmund de Waal, escultura, colección de prêt-à-porter 2016 de Vince, moda,
primavera/verano 2021

Maebyong de celadón de la dinastía Goryeo (cerámica esmaltada). Escuela coreana, siglo XII.

Uso

Combine el celadón con otros tonos suaves, como el blanco y el crema de porcelana, los azules
verdosos y los amarillos manteca, para aportar un aire aireado y relajante a los espacios
interiores.

144 Hooker's Green

Entonces

Este verde pictórico, de color exuberante y saturado, fue creado por William Hooker, que
trabajó en la Royal Horticultural Society (RHS) en 1815 como ilustrador botánico. En su
búsqueda de un verdadero verde de hoja, mezcló el recientemente inventado azul de Prusia
(ver página 178) con gamboge, un pigmento amarillo elaborado a partir de la savia de un árbol
de hoja caduca que se encuentra en Camboya y las regiones circundantes. El resultado fue un
verde complejo que se modificaba según su consistencia, lo que lo hacía perfecto para
representar una amplia variedad de follaje natural.

En los cientos de ilustraciones que hizo para la RHS, Hooker demostró la particular aptitud de
su verde para representar la miríada de matices de los árboles frutales y se hizo conocido
como uno de los "mayores artistas pomológicos de todos los tiempos", pero su verde botánico
tenía, y de hecho tiene, potencial para una aplicación mucho más amplia. Tanto los pintores
como los creadores de color vieron el valor del verde de Hooker y el color se adoptó
rápidamente en las paletas y se comercializó para hacer una pintura que todavía se produce
hoy en día.

Ahora

Un creciente interés en el mundo natural combinado con una nostalgia por la autenticidad del
diseño y la producción tradicionales ha asegurado la relevancia continua de este verde.
'Greenery, un tono seguramente inspirado en el verde de Hooker, fue el color del año 2017 de
Pantone, apodado 'el neutro de la naturaleza'.

Las ilustraciones botánicas tradicionales de la era de Hooker han experimentado

recientemente un resurgimiento en el diseño de interiores, mientras que en 2015 la artista
botánica contemporánea Katie Scott trabajó con Nike en una campaña que imaginaba
zapatillas de deporte con follaje estilizado.

* Blunt, Wilfrid y Stearn, William T., The Art of Botanical Illustration (2.ª edición revisada),
Suffolk: ACC Art Books, 1994

Valores de color

Código hexadecimal: #00a63d RGB: 0, 166, 61

HSB: 142, 100 %, 32,5 %

También conocido como

• Verde botánico

Connotaciones comunes

• Nutritivo

• Nutritivo
El verde de Hooker en el arte, el diseño y la cultura

Jack-in-the-Pulpit No. 3 de Georgia O'Keeffe, pintura, 1930 Tree of Plant Life de Botanicum de
Katie Scott, impresión, 2016 Pantone 15-0343 'Greenery, Pantone

Color del año,

diseño, 2017

Uso

Los verdes botánicos son parte de una paleta moderna. La conexión del tono con la naturaleza
significa que puede resultar profundamente nutritivo en ambientes y espacios. Combínelo con
rosas terrosos, tonos siena crudos y quizás carbón para lograr un equilibrio.

La jungla ecuatorial de Henri Rousseau, 1909

Verde esmeralda

Las esmeraldas, vívidas, raras y cautivadoras, evocan envidia y estatus, y en tiempos pasados
eran veneradas por sus poderes curativos teóricos. En el siglo I d. C., el historiador romano
Plinio el Viejo escribió sobre ellas: "No hay nada más verde que el verde", y notó el efecto
calmante del tono de la piedra en los ojos. Al emperador Nerón supuestamente le gustaba
observar el sangriento combate de sus gladiadores a través de gafas de sol de color esmeralda,
tal vez por esta razón.

El primer pigmento "verde esmeralda" se creó en el siglo XVIII, conocido como verde de París,
un tinte resplandeciente con un borde mortal. Este codiciado tono era uno de los muchos
verdes similares, incluido uno inventado por Carl Wilhelm Scheele, el inventor del azul de
Prusia (ver página 178), formado al mezclar cobre con arsénico. Más brillantes y duraderos que
otros verdes del mercado, los pintores impresionistas como Paul Gauguin utilizaron estos
colores para representar vegetación estilizada y fantásticas escenas verdes. En la Inglaterra
victoriana, la ropa de tonos esmeralda, el papel pintado estampado, las cortinas, las velas e
incluso las flores falsas y los juguetes de plástico se distinguieron del gris industrial. Sin
embargo, los pigmentos a menudo se aplicaban mal y se descascaraban fácilmente,
produciendo polvo tóxico y provocando muchas muertes. A pesar de esto, el verde de Scheele
se utilizó como pintura para artistas hasta la década de 1960.

Ahora
Hoy en día, los verdes a base de arsénico son cosa del pasado y los esmeraldas tienen
connotaciones mucho más positivas. Los tonos verdes y azules cromáticos sintetizados
modernos son muy populares en el arte, los interiores y la moda por su elegancia similar a una
joya y sus efectos relajantes. Al dividir las combinaciones más frías y más cálidas, las
tentadoras vistas de color crean una interacción dinámica en las pinturas y los paisajes tejidos
del artista moderno Ptolomeo Mann.

Valores de color

Código hexadecimal: #439876

También conocido como

• Verde Scheele

• Verde París

Connotaciones comunes

• Opulencia

• Celos

• Calmante

El verde esmeralda en el arte, el diseño y la cultura Te Fare de Paul Gauguin,

pintura, 1892 • Vestido de Celia de Jacqueline

Durran, usado por Keira Knightley en Expiación, diseño de vestuario, 2007

Uso

Explora una paleta complementaria dividida, con verdes azules oscuros y cromáticos que se
combinan con rosas y naranjas intensos. Experimenta con un lavanda pálido y frío para
moderar y aportar más equilibrio a esta sorprendente combinación.

Pintura de eclipse (paisaje ultravioleta) de Ptolemy Mann, 2020

Verde botella

Entonces

Desde “diez botellas verdes en una pared” hasta filas de botellas de vino verdes en los estantes
de los supermercados, la asociación de las botellas con la vegetación es tan parte de nuestra
paleta de colores diaria que probablemente no pensemos en ello. Pero la historia de esta
asociación se remonta a mucho antes de lo que se piensa. En las antiguas sociedades indias e
hindúes, el primer kumbha, o “jarra de agua”, también se encontró decorado con lavados de
color verde intenso, mientras que las botellas de porcelana de la dinastía china Qing (1644-
1912) estaban recubiertas de esmalte verde a base de plomo y cobre, lo que les daba un color
verde distintivo.
Sin embargo, en última instancia, la asociación actual del tono con la forma de la botella se
debe a una función pura. El vidrio no era un producto común hasta la Revolución Industrial,
pero el vino se había embotellado en vidrio como un artículo de lujo durante siglos antes. En el
siglo XVII, el aventurero y erudito británico Sir Kenelm Digby inventó un nuevo vidrio para
botellas de vino, más resistente y también más oscuro. El vidrio más oscuro protegía al vino de
los rayos UV y hasta el día de hoy muchas bebidas se embotellan en vidrio tintado para
preservarlas: tradicionalmente marrón para

Ahora

se puede reorganizar para lograr diferentes efectos, cada uno creando su

propio 'equilibrio frágil'.

ales y verde para vinos. El verde botella, que sigue siendo omnipresente como color del vino y,
de hecho, de muchas botellas de cerveza, los diseñadores franceses Ronan y Erwan Bouroullec
le dieron al verde botella una nueva salida como uno de los colores clave en su colección Vases
Découpage. Combinando recipientes cilíndricos con formas abstractas en colores
contrastantes, los componentes están diseñados para

Valores de color

Código hexadecimal: #1b5716

HSB: 115°, 75%, 34%

Connotaciones comunes

Calidad

Distinción

Prosperidad

Uso

El verde botella en el arte, el diseño y la cultura

Botella, porcelana esmaltada verde, dinastía Qing, cerámica, 1736-1795 Botellas de Coca-Cola
verdes de Andy Warhol, grabado, 1962

Se utiliza en la imagen de marca como tono principal para comunicar calidad y elegancia.
Pruebe a combinar el azul acuoso y el verde savia amarillento de ambos lados del círculo
cromático para crear una armonía exuberante.

Esculturas PET-art de Veronika Richteová, escultura, 2004-en curso

'Barre' de la colección Vases Découpages, de Ronan & Erwan Bouroullec para Vitra, 2020

Turquesa
Entonces

Esta familia de brillantes colores azul verdoso deriva originalmente de una piedra que se
utilizaba con fines ornamentales hace 6.000 años en las antiguas sociedades egipcia y persa, y
desde el año 200 a. C. en la decoración de los nativos americanos. El nombre que conocemos
hoy proviene del francés pierre tourques, o "piedra turca", ya que la piedra fue traída a Europa
por la Ruta de la Seda alrededor del siglo XVI.

La turquesa es un fosfato hidratado de cobre y aluminio que se produce de forma natural,

tiene una amplia gama de tonos según su composición mineral y es lo suficientemente blanda
como para tallarla y trabajarla fácilmente, por lo que no es de extrañar que atrajera a los
antiguos artesanos. En Persia, donde se creía que tenía cualidades protectoras, la piedra se
llamaba pirouzeh, o "victoria". Los antiguos persas adornaban dagas y bridas con ella, además
de utilizarla en amuletos y, por supuesto, en la arquitectura religiosa. Una visión icónica de las
interpretaciones más devotas del turquesa es la Mezquita del Sultán Ahmet en Estambul,
conocida popularmente como la Mezquita Azul por los tradicionales azulejos de İznik de color
turquesa con los que está revestido su interior.

Ahora

Tan popular como siempre, los siglos XX y XXI han visto al turquesa adquirir una multitud de
nuevas personalidades y aplicaciones. La escena del diseño de mediados de siglo en Palm
Springs de los años 50 y 60 vio cómo el tono causaba sensación en los interiores, con
diseñadores icónicos como Charles Eames y Verner Panton incluyendo el llamativo tono
brillante en colecciones de muebles e iluminación. Cuando la cultura consumista moderna
estalló en los años 80 y 90, los héroes del estilo audaz como el Grupo Memphis utilizaron el
color como un tono complementario lúdico a una paleta de inspiración retro brillante y
llamativa.

Valores del color

Código hexadecimal: #40cech

CMYK: 62, 0, 27,0

Connotaciones comunes

• Bienestar

• Escapismo

• Optimismo

El turquesa en el arte,

Diseño y cultura

• La Mezquita Azul, Estambul, cerámica, 1609-16

Silvered 2 de Bridget Riley, serigrafía, 1981

Dream Come True Building, Old Street, Londres, de Camille Walala, mural, 2015
Zapatillas Ultra Boost DNA Parley con plástico oceánico de Parley x Adidas, 2018

El turquesa ahora habla de bienestar y escapismo, con los aspectos tranquilos pero frescos del
tono aplicados a una variedad de aplicaciones de estilo de vida, brindando una sensación de
serenidad. Adidas usó turquesa para subrayar su uso sensible del plástico oceánico en su
reciente lanzamiento de calzado, confiando en la sensación limpia del tono para transmitir
conciencia ambiental.

Uso

Libera el potencial de la tonalidad para la compostura y crea una paleta monocromática

moderna que sea tan agradable a la vista como consciente.

152 Oliva

Entonces

El verde oliva, que debe su nombre al fruto del árbol cuyas ramas se han extendido en paz
desde los tiempos de la antigua Grecia, es también el color de la guerra moderna, ya que los
ejércitos abandonaron los trajes brillantes destinados a diferenciarlos en favor de los tonos
tenues del verde oliva, ya que la guerra de larga distancia hizo que el camuflaje fuera más
importante (véase también Caqui, página 302).

Aparte de sus asociaciones con la guerra y la paz, este modesto tono también ha disfrutado de
una ilustre relación con el diseño. Cuando el movimiento Art Nouveau de principios del siglo
XX llevó su visión altamente estilizada de la naturaleza al diseño y la arquitectura, el verde
oliva fue un miembro clave de la paleta de colores. Cálido y modesto, el tono continuó uniendo
interiores incluso en el diseño Bauhaus, famoso por sus audaces colores primarios: delicados
tonos apagados como el verde oliva desempeñaron un papel en las paredes y el techo para
complementar y acentuar los tonos más estridentes. Pero fue con la explosión del diseño
moderno de mediados de siglo en los Estados Unidos de posguerra que este color alcanzó su
papel más importante en los interiores, con el verde oliva utilizado junto con los dorados y los
corales para crear una sensación de optimismo fundamental para los nuevos interiores de
planta abierta.

Ahora

Elegante, atemporal y ligeramente peculiar, el verde oliva y la estética del diseño moderno de
mediados de siglo siguen estando firmemente de moda en los interiores contemporáneos.
Hoy, el verde oliva complementa los diseños de muebles inspirados en los años 50 de Herman
Miller y Eero Saarinen.

Uso

Reinicie el archivo y emplee el verde oliva como un neutro cálido; intente combinarlo con latón
y amarillo mostaza para lograr un enfoque rico pero saludable para un diseño interior.

Valores de color

Código hexadecimal: #868349

Connotaciones comunes
Crecimiento

Paz

Fuerza

El olivo en el arte, el diseño y la cultura

Los olivos de Vincent van Gogh, pintura, 1889

Silla auxiliar Tulip de color verde oliva texturizado y blanco de Eero Saarinen, mobiliario,
década de 1950 Pasto de Anni Albers, textiles, 1958

154 Verde vital

En aquel entonces

El verde vital, un color que evolucionó para el mundo moderno, tiene sus raíces en los
primeros tiempos de las computadoras personales, cuando los monitores producían píxeles a
través de tubos de rayos catódicos que disparaban haces de electrones a puntos de fósforo
detrás de la pantalla. El verde era un fósforo barato y duradero, de mejor rendimiento que el
rojo, el amarillo o el blanco, que se veían borrosos sobre un fondo negro. También era más
agradable a la vista que mirar texto blanco sobre un fondo negro: el verde no solo es la
longitud de onda más cómoda para nuestros ojos, sino que también, tal vez de manera
contraria a la intuición, tiene una cualidad que llama la atención y puede captar nuestra
atención.

Aunque la tecnología de las pantallas avanzó rápidamente, el verde sobre negro se convirtió en
sinónimo de todas las formas de vida digital. En los años 80 y 90, el verde fósforo gritaba desde
las etiquetas interiores de innumerables sencillos de 12 pulgadas, cuando la música adoptó la
electrónica en la era de los sintetizadores y el autotune. Las fuentes brillantes te saludaban
desde las camisetas, acompañadas de caras sonrientes y cabezas de extraterrestres.

Pero este tono sigue siendo omnipresente en nuestro mundo contemporáneo si nos
detenemos a pensarlo. Es el indicador universal de "Adelante" en los semáforos, las señales de
tráfico y los interruptores verdes, y señala equipos de primeros auxilios, farmacias y salidas de
incendios. (Véase también Reactive Red, página 80.)

Ahora

Hoy en día, muchos diseñadores están utilizando el verde vital para comunicar algo más que
nostalgia tecnológica. Dado que vivimos en un mundo digital donde generalmente vemos
verde en la pantalla más veces al día que en la naturaleza, la teoría del color en este espacio
tiene una importancia cada vez mayor. Una multitud de aplicaciones de comunicación, incluida
Snapchat, utilizan este tono para indicar un mensaje de

Valores de color

Código hexadecimal: #7cf135

CMYK: 50, 0, 100,0

Connotaciones comunes

Positivo

Valores

: #7cf135

n Connotaciones

Verde vital en el arte,

Diseño y cultura Pantalla CRT de IBM, informática, 1972 Cartera de mano mediana acolchada
de nailon verde fluorescente de Prada, accesorio, colección de prêt-à-porter otoño/invierno
2018 de Bottega Veneta, moda, 2021

alguien fuera de la red del usuario; un azul más tranquilo indica un mensaje de alguien que
conoce o que ya ha aceptado. En 2020, el parque High Line de Nueva York introdujo medidas
de distanciamiento social mediante el uso de puntos verdes vitales gráficos y de alta
visibilidad.

Uso

Al crear sitios web o aplicaciones, los verdes brillantes pueden ser particularmente útiles para
hacer que los diseños se vean atractivos y se pueda hacer clic en ellos. Tenga en cuenta el
contraste, ya que las interfaces con alto contraste legible (negro y verde) hacen que el
contenido web sea inclusivo para una gama más amplia de personas.

PONG

Derecha: videojuego Pong de Atari, lanzado en 1972

Al dorso: gráficos de distanciamiento social de Paula Scher, Pentagram, para Friends of the
High Line, 2020

'Este tono sigue siendo omnipresente en nuestro mundo contemporáneo si nos detenemos a
pensarlo. Es el indicador universal de 'adelante'.

158 Modern Mirat

Entonces

Como muchos tonos modernos, el menta nació de la evolución tecnológica. Técnicas como el
recubrimiento en polvo, patentado en los EE. UU. en 1945 por Daniel Gustin, hicieron posible
colores en estado sólido como este pastel brillante. Con los nuevos plásticos disponibles y el
auge de la industria automotriz, la mitad del siglo XX fue una era en la que se aprovechó la
innovación con ambas manos y se aplicaron sus principios a los productos que definieron el
estilo de vida moderno.
En la década de 1950, el uso de suaves tonos terciarios también ayudó a fomentar la
aceptación de diseños sorprendentes de personas como Jean Prouvé y Dieter Rams en los
ambientes domésticos de todo el mundo. El pastiche pastel siguió reinando supremo en la
década de 1990, cuando el menta se instaló en los baños y en la ropa de calle de Naf Naf, antes
de caer en picada en popularidad a medida que el futuro consumista imaginado en los años 50
alcanzó su punto máximo alrededor del cambio de milenio y una nueva generación comenzó a
definir su propia visión de la modernidad.

Ahora

Más fresco, más limpio y futurista, el verde menta ha evolucionado mucho más allá de su
herencia pastel para convertirse en una sensación completamente contemporánea.
Capturando el espíritu de las tendencias de color impulsadas por la juventud fotografiables en
Instagram y vinculándose con la vida vegetal y la naturaleza en los interiores, el verde menta
se ha convertido en un símbolo de optimismo utópico.

En la moda, el color continúa alineándose con el futuro, ya que Gucci envió a modelos
masculinos y femeninos por una escalera mecánica verde menta para el desfile de
primavera/verano 2020 de Alessandro Michele, mientras que la diseñadora irlandesa Robyn
Lynch eligió el tono como la nota clave para su colección Fashion East inspirada en la juventud.

Valores del color

Código hexadecimal: #9be9c2

CMYK: 36, 0, 33,0

Connotaciones comunes

• Fresco

Juvenil

• Innovador

EspañolModern Mint en el arte, el diseño y la cultura Silla Standard SP de Jean Prouve para
Vitra, mobiliario, 1934/1950 Cadillac Coupé de Ville en 'Princess Green', automóvil, 1956
Escuela primaria, Boom, Bélgica, de Areal Architecten, arquitectura, 2016

Colección de ropa masculina de Robyn Lynch, primavera/verano 2020

Uso

Los verdes frescos son visualmente relajantes y suelen ser una buena opción para dar la
bienvenida a las personas en espacios públicos. Adopte una dirección monocromática con el
verde menta como protagonista en paredes, suelos y superficies. Combínelo con su opuesto
rosa suave para tentar a una mayor interacción.

Lima eléctrica

Entonces
Fue un accidente laboral y la búsqueda de la magia escénica lo que inspiró a dos adolescentes
estadounidenses a crear los primeros pigmentos fluorescentes en 1933. Después de golpearse
la cabeza en la fábrica en la que trabajaba, Robert Switzer, de 19 años, se vio obligado a pasar
meses en un sótano oscuro; mientras tanto, su hermano menor Joseph estaba
experimentando con luz fluorescente para agregar un elemento de brillo en la oscuridad a su
espectáculo de magia. Los dos mezclaron una mezcla de minerales luminosos con una laca
pegajosa y crearon una serie de nuevos colores Day-Glo.

El verde lima, llamado así por la fruta del mismo tono verde amarillento, tiene una historia más
antigua y digna, acuñado por primera vez como color en 1890, cuando se hizo popular en el
diseño victoriano. Sin embargo, después de su reinvención Day-Glo, el color realmente cobró
importancia en la futurista década de 1960 y se vio en ropa de hogar y de interiores, ropa y,
quizás lo más duradero, en los autos deportivos de alto octanaje. Chrysler lanzó sus colores de
pintura opcionales de alto impacto en 1969 en colaboración con PPG. Lo que siguió fue una
serie de tonos llamativos que se destacaron entre la multitud, sobre todo con su popular verde
lima "Sublime".

Ahora

El vínculo del color con los autos de alto rendimiento continúa; ahora con un espíritu
sustentable que lo impulsa. En 2016, Toyota lanzó "Thermo-Tect Lime Green" para su gama
Prius; en esta nueva pintura, se han eliminado las partículas de carbono negras, lo que significa
que el auto se calienta menos, lo que reduce la necesidad de aire acondicionado y mejora el
ahorro de combustible. Nike también ha gravitado hacia el tono durante décadas; en 2015,
combinó el tono luminoso con movimiento y movimiento, mezclando el rendimiento con una
explosión de pliegues femeninos.

Valores de color

Código hexadecimal: #00bb74

CMYK: 76, 0, 75,0

HSB: 157°, 100%, 73%

También conocido como

• Verde neón

• Verde lima

Connotaciones comunes

• Chillón emocionante

• Inventivo

Lima eléctrica en el arte,

Diseño y cultura

Dodge en 'Sublime, automoción, 1970/2019

• NikeLab x Sacai, moda, P/V 2015

• Thermo-Tect Lime Green de Toyota, automoción,

Colección de ropa masculina de Homme Plissé Issey Miyake, moda, P/V 2021

ESTACIONAMIENTO

Uso

Dale al verde lima eléctrico un toque chic combinando su tono verde frío con un naranja
intenso en contraste para lograr un contraste de temperatura clásico.

La tienda efímera verde neón de Louis Vuitton, Nueva York, con la colección de ropa masculina
de Virgil Abloh, otoño/invierno 2019

162 Clorofila

Entonces

La clorofila, un pigmento fotosintético de color verde limpio y transparente que se encuentra

en las plantas y que absorbe las ondas de luz azules y rojas, refleja el color verde y da a las
hojas su color característico. Este proceso también es el que proporciona a las plantas la
energía para crecer y respirar, lo que significa que el verde de las hojas siempre evocará
asociaciones con nueva vida, salud y follaje verde primaveral.

Aislada por primera vez en 1817 por los químicos franceses Joseph Bienaimé Caventou y
Pierre-Joseph Pelletier, las propiedades fotosensibles del pigmento desempeñaron un papel en
el avance de la fotografía. En la década de 1940, Sir John Herschel inventó la impresión
"antotipo", que utilizaba pétalos de flores, hojas y jugos vegetales para producir emulsiones
fotosensibles que se podían encerar sobre papel para formar un negativo; "anthos" deriva de
la palabra griega para flor.

En la actualidad, la clorofila se utiliza a menudo como colorante alimentario, pero una de las
apariciones más infames de este pigmento como colorante data de mucho antes de su
descubrimiento. Originaria de Suiza a finales del siglo XVIII, la absenta, también conocida como
"el hada verde", obtiene su color natural de la clorofila presente en los ingredientes botánicos
con los que se elabora.

Valores del color

Código hexadecimal: #96d69c

CMYK: 42, 0, 51,0

HSB: 126°, 30%, 84%

Connotaciones comunes

Crecimiento
Limpieza

• Vitalidad

Ahora

La clorofila en el arte, el diseño y la cultura. Sosteniendo el n.° 2 de la serie

Inmortalidad: los restos de la guerra de Vietnam y Estados Unidos, de Binh Danh, impresión
con clorofila, 2009. Pañuelos de seda de bambú teñidos con clorofilina, de Emily Mae Martin,
textiles, 2019

La clorofila, que suele utilizarse como colorante, también es popular como complemento para
la salud y tiene una serie de posibles beneficios, como agente antienvejecimiento,
desodorante y en algunos tratamientos contra el cáncer. Mientras tanto, sus propiedades
fotosintéticas siguen impulsando la innovación tecnológica. Inspirada en la fotosíntesis, la
diseñadora Marjan van Aubel ha creado paneles de vidrio coloreado hechos de células solares
sensibilizadas con colorante que generan una corriente eléctrica para cargar dispositivos
domésticos desde puertos USB integrados en los alféizares de las ventanas.

Uso

El verde puro de la clorofila evoca la influencia calmante y beneficiosa para la salud de estar en
el mundo natural. Siempre transmitirá un mensaje positivo en contextos de bienestar y su fácil
asociación con la vida vegetal establece sus credenciales ambientales, particularmente en el
creciente ámbito de los alimentos de origen vegetal.

Apidium Filix de Botanische Wandtafeln de L. Kny, 1874

164 Algas

Entonces

Históricamente, la humanidad ha extraído pigmentos de la tierra a partir de minerales, materia

vegetal y animal y barro para crear colores para teñir y decorar, pero el futuro del color puede
estar en el mar. Este no es un concepto completamente nuevo: los antiguos fenicios utilizaban
el liquen costero orchil para hacer un tinte púrpura, una alternativa barata al púrpura de Tiro
(ver página 202), mientras que la dulse, un alga roja, y el crotal, un liquen que crece en las
rocas, se han utilizado para teñir tartanes escoceses durante siglos; este último también tiene
una función olfativa, ya que se dice que es lo que le da al tweed Harris su olor distintivo. Sin
embargo, no fue hasta mediados del siglo XX cuando los científicos comenzaron a comprender
la composición y función de los pigmentos de las diferentes algas, y solo en los últimos años
hemos comenzado a comprender todo su potencial. De las microalgas que están causando
sensación en la actualidad, es la espirulina, una cianobacteria de agua salada de color verde
azulado, la que ha causado el mayor revuelo.

Ahora

Esta humilde alga, repleta de antioxidantes, se ha utilizado como complemento para la salud
durante años, pero fue el impulso a las soluciones energéticas sostenibles lo que realmente dio
inicio a la revolución de la espirulina. La firma de bioarquitectura ecoLogicStudio ha estado
buscando formas de aprovechar el potencial de la espirulina en entornos construidos. No solo
podría proporcionar una fuente de alimento con un alto contenido nutricional, sino que sus
procesos fotosintéticos significan que podría usarse para generar energía y, al mismo tiempo,
descomponer los contaminantes ambientales, consumir dióxido de carbono y generar oxígeno:
un enfoque totalmente sostenible y simbiótico.

Volviendo al mundo del color, las algas se están utilizando cada vez más como tintes
sostenibles, tanto como colorantes alimentarios como tintes textiles, para reemplazar los
tintes sintéticos menos ecológicos que cobraron importancia en la Revolución Industrial.

Valores de color

Código hexadecimal: #61c69%

HSB: 154, 51%, 78%

También conocido como

• Ficocianina

• Alga marina

Connotaciones comunes

• Humilde

• Orgánico

• Ecológico

Derecha: Hilo teñido en un telar tradicional listo para tejer Harris Tweed, Escocia

Uso

Diseño y cultura •Edificio BIQ con fachada bioadaptativa de Arup, Hamburgo, arquitectura,
2013

Botella de agua comestible Ooho de Skipping Rocks Lab, diseño de producto, 2013
Vivobarefoot Ultra III de BLOOM, calzado, 2016 Indus de Bio-Integrated Design Lab, baldosas
de hidrogel de algas, 2019

Los tintes sintéticos reemplazaron a los pigmentos de origen terrestre porque eran más
baratos de producir y menos susceptibles a la decoloración. Sin embargo, los gustos han
cambiado y los patrones y cualidades únicos resultantes de la exposición a la luz han llegado a
valorarse como un aspecto de una belleza orgánica que no es dañina para el planeta. La
espirulina y otros pigmentos naturales favorecen su uso en entornos igualmente naturales:
evitan la precisión de la ingeniería y emulan la perfección áspera de la naturaleza.

Algas en el arte,