Renacimiento
Renace el lenguaje artístico clásico. Re interpretación, crean una
nueva gama artística. Dos etapas: quattrocento (1400-1500) y
cinquecento (1500-1600).
Época de experimentación. Influyó el trasfondo ideológico:
Humanismo.
Quattrocento en Florencia, arraigó filosofía neoplatónica.
Iglesia no tiene tanta influencia como en la Edad Media, eran
cristianos, pero el arte iba más allá de los aspectos religiosos. Mostrar
el poder de los que lo encargan, mecenas, les pagaban para realizar
obras de arte. Fines políticos o diplomáticos.
Surge la figura de coleccionista de arte. Al final no los hacían por los
encargos sino por el mercado.
Aparecerán clientes que compran las obras de arte para especular con
ellas, revenderlas a mayor precio.
Los artistas abandonan el anonimato, firman sus obras. Empezaban
como aprendices en un taller a las órdenes de un maestro y después de
formarse, el artista se abría su propio taller y se convertía en maestro
de otros.
A final del siglo los gremios empezaron a disminuir y empezaron de ir
de ciudad en ciudad y los artistas que trabajaban en las cortes
empezaron a ser considerados artistas y no artesanos. Utilizaron sus
obras como difusión ideológica. La temática se mantenía en lo
religioso, temas profanos. Se desarrolla el retrato, vuelven los temas
mitológicos, el paisaje que también aparecerán ciudades.
Autores: Fra Angélico, Botticelli, Masaccio, Piero della Francesa.
PINTURA
FRA ANGÉLICO (ARTISTA)
Combina formas elegantes (atención a los detalles…) con rasgos
realistas de pintores y escultores contemporáneos como Donatello.
Sus obras son muy devotas, de gran emoción, que se transmite
también a través del color. Sus figuras son monumentales, destaca la
representación del movimiento y su capacidad para crear profundidad
a partir de la perspectiva lineal.
Anunciación - Museo Del Prado
Muestra una escena principal y, la parte inferior (prevela). Huevo para
medir los pigmentos. Regalo de un príncipe italiano a Felipe III.
Muestran la Anunciación como describe el Antiguo Testamento.
La escena la sitúa en un pórtico, y su arquitectura tiene una serie de
arcos de medio punto sobre finas columnas de orden jónico.
Las bóvedas de aristas pintadas con el azul del cielo y con estrellas de
color oro. En la fachada del pórtico hay un medallón que mediante la
técnica de la crisalla se hace con un Trampantojo aparece Dios.
Virgen a la derecha de la composición, Arcángel ocupa el otro arco.
La Virgen tiene un libro sobre su regazo y se ve sorprendida de ver al
Arcángel y se le cae.
Tanto la Virgen como el Ángel comparten rasgos como la piel blanca
y fina, pelo rubio, manos delicadas y elegantes. La Virgen lleva un
manto azul y un vestido rosa pálido. El Ángel también lleva vestido de
tonos rosáceos de gran tamaño y numerosos pliegues que le llegan a
los pies.
A la izquierda aparece un jardín, es un huerto cerrado. Referencia al
paraíso y una metáfora de la virginidad de María. En esta escena
aparece un rayo de luz saludo de las manos De Dios que están en el
sol, hace diagonal y tiene una paloma (Espíritu Santo). También
aparecen Adan y Eva representados con ropa y presentan la emoción
de arrepentimiento y están agachados, sometimiento a lo que diga
Dios. Se representa el inicio y el final, con un Ángel y una manzana a
los pies, la expulsión de Adan y Eva del paraíso, redimidos con el
nacimiento de Cristo. Pecado a la izquierda, perdón a la derecha. Jesús
nació para redimirnos de nuestros pecados.
En la parte de abajo aparecen escenas de la vida de la Virgen, desde su
nacimiento, su casamiento con San José, aparece la Visitación (Virgen
visita a Isabel su prima), escena de la Adoración de los Magos, la
presentación de María y la última la escena del tránsito, cuando María
por la intervención de Cristo, hace que su cuerpo y su alma asciendan
a los cielos.
Transición entre gótico y renacimiento.
BOTTICELLI
Famoso en la época por sus representaciones de la Virgen, aunque más
reconocido por sus cuadros mitológicos como El nacimiento de Venus
o La primavera.
La primavera
Alegoría y fue un encargo de los principales mecenas de Florencia
(Medici) para adornar la villa que tenía en el campo, que encarga otra
obra a Botticelli (Palas y un centavo). Filosofía humanística que
dominaba la corte de los Medici. Aire pagano con la religión
medieval. No hay un acuerdo exacto sobre que se está representando.
La de en medio es Afrodita o Venus, y está levantando la mano
invitándonos a entrar en el jardín del amor. A la derecha aparece un
personaje volando con los mofletes hinchados dando a entender que
está soplando, es Céfiro, el Dios del viento; y está raptando a una
ninfa, Cloris, la quiere como esposa. Cloris fue eternamente joven.
Cuando Céfiro secuestra a Cloris pasa a ser una diosa, la de al lado
embarazada es ella también y es una señal de fertilidad, tiene un cesto
y va lanzando flores. Encima de Venus hay otro personaje que es
Cupido, está lanzando una flecha a las tres Gracias (tres chicas
bailando) que son la diosa de la belleza, de la fertilidad y del encanto;
representan tres valores: belleza (esposa), castidad (Virgen) y
sensualidad (amante). A la izquierda está Mercurio con sus botas y a la
derecha lleva un caduceo (dos serpientes con una vara) símbolo del
comercio, y está alejando unas nubes; Mercurio mira hacia los dioses.
El cuadro va de lo material, la pasión, Céfiro secuestrando a Cloris es
amor carnal, Mercurio mirando a los dioses amor espiritual. Cupido,
Venus y Mercurio comparten las llamas del amor, las llamas serían: el
manto rojo y la túnica roja. A la vez para muchos sería un homenaje
de Botticelli a Lorenzo el Magnífico, porque fue quemado en la
hoguera.
El nacimiento de Venus
Tema mitológico que al igual que La primavera representa el ideal
neoplatónico, como el amor carnal me lleva al amor espiritual.
Venus nace Del Mar y es hija de Zeus, engendrada por el semen de
Zeus convertida en espuma de mar.
Se relaciona con la sensualidad y la voluptuosidad.
Es transportada por una concha. Venus es la diosa del amor y está
representada como una mujer desnuda llena de sensualidad gracias a
esas líneas curvas y sinuosas. Es una figura estilizada y esbelta.
En la derecha está Flora y a la izquierda están Céfiro y Cloris. Flora
cubre con un manto la desnudez de Venus, Céfiro con Cloris en sus
brazos sopla y ese viento desestabiliza el cuerpo de Venus, que está
inclinada haciendo un contraposto (escultura de Praxiteles). El pelo
carmín realza la piel blanquecina y ese color rojizo rima con el pelo de
Flora y el manto.
La luz Del Mar contrasta con los tonos más oscuros de la tierra y el
bosque.
Palas y el centauro
Tema mitológico. Alegoría de la dualidad del hombre, la parte animal
(caballo) y la parte racional (humana).
Es una obra profana que pintó después de pintar partes de la pared de
la capilla Sixtina.
Palas (Atenea) está sometiendo al centauro lo que significa que la
mujer doma al hombre y está poniendo a raya la parte animal del
centauro.
Palas está representada como la diosa de la guerra, de ahí el hacha que
lleva. Realiza un contraposto y esa línea sinuosa. Su rostro no muestra
esfuerzo, no le cuesta domarlo. El centauro tiene un rostro de
aceptación. Esta escena se marca con un paisaje al fondo.
Se aprecia la musculatura del centauro y el manto transparente que
cubre el cuerpo de la diosa.
La Calumnia de Apeles
Un fraile dominico llamado Savonarola empieza a predicar y en sus
predicaciones de gran fervor religioso organizaba las llamadas
hogueras de las vanidades. Quemaban todo aquello que les aportaba
vanidad (ropas, objetos de lujo…) y al despojarte de lo material te
quedas con lo espiritual y además de predicar contra el lujo fue un
crítico hacia la iglesia.
El tema está basado en un texto que describe un cuadro del pintor
griego Apeles. Es una alegoría de esa pintura.
Aparecen 10 figuras: a la derecha del todo aparece el Rey Midas, tiene
unas orejas de burro, la vanidad es ignorancia; al lado de su trono hay
dos alegarías más, la sospecha y la ignorancia que le susurran al oído;
frente al trono aparece un monje que para muchos aparecía
representada la envidia y éste monje está llevando a una joven que es
el fraude o el engaño que lleva una antorcha que al igual que el fuego
se extiende los rumores también; la víctima es el hombre desnudo que
está en el suelo que sería el inocente, arrastrado por la figura del
engaño; el que está delante del inocente es el perdón la penitencia y
está girado mirando a la verdad, la última figura, que está desnuda.
Bóvedas de cañón, esculturas de grisalla en los pilares y el cielo al
fondo. En las columnas están representados santos y en los relieves,
encima de las hornacinas. Mundo mitológico mezclado con el mundo
clásico (neoplatonismo).
Apoyo de Botticelli a Savonarola, que criticaba al papa Alejandro VI.
Todas las vanidades representadas en el cuadro que tenía Savonarola.
La piedad
San Geronimo, San Pablo y San Pedro.
Momento que va entre el descendimiento de la cruz y el entierro y es
un momento de gran dolor y emoción, es una tragedia, representada
por la Virgen sujetando el cuerpo de su hijo muerto creando así una
figura central. La Virgen arquea la espalda y tiene los brazos caídos,
de derrota. Al fondo está el sepulcro.
San Geronimo lleva una piedra con la que se golpeaba a sí mismo
como penitencia, San Pablo lleva una espada con la que fue
martirizado, y San Pedro
MASACCIO
Francesco de La Capilla (Capilla Sixtina del Quattrocento)
Encargo del cardenal Brancacci. Capiteles corintios y una cornisa,
establece o marca separación entre las columnas.
La Salvación, Pecado Original, Expulsión del Paraíso, Episodios de la
vida De San Pedro.
El tributo de la moneda
Un solo espacio pictórico que cuenta con tres escenas consecutivas.
En la escena central hay un cobrador de impuestos que reclama a
Pedro el pago de los impuestos, el recaudador está de espaldas con la
túnica roja. Luego Jesús le dice algo a San Pedro.
El cuadro de la izquierda San Pedro echa la red al mar donde
encontrará a un pez junto a una moneda, y en el de la derecha San
Pedro paga los impuestos.
Representa los personajes como si fueran esculturas, con claro
oscuros, jugando con las sombras. Jesús tiene el mismo tamaño que
los apóstoles y se utiliza colores vivos para representar a los
discípulos que resalta con el fondo gris.
La trinidad de Santa Maria Novella
También es un fresco, pintado en uno de los muros De la Iglesia de
Santa Maria Novella. Plasmación en pintura de lo que Brunelleschi
estaba haciendo en la arquitectura, la perspectiva.
Están Padre, Hijo y Espíritu Santo y bajo del rostro De Dios está la
paloma del Espíritu Santo. Cristo aparece crucificado, bóvedas de
cañón con casetones y columnas jónicas, que recuerdan a los arcos del
triunfo romanos.
Primera vez que en el arte se pintaba con una perspectiva tan lograda,
parece que del cuadro nazca una bóveda.
A los lados aparecen los que se encargan del fresco, miembros de la
familia que aparecen con mantos rojos uno más oscuro que otro y
abajo hay un altar con un esqueleto y el féretro dice: “Yo fui lo que
sois vosotros, y vosotros seréis lo que yo soy”.
Piero della Francesca
Historia De la Vera Cruz
