1-῾῾Tenemos que iniciar una revolución, ¿entiendes?
Tenemos que crear una nueva visión, una nueva forma de
pintar᾿᾿.
( At eternity's gate).
El postimpresionismo surge a finales del siglo XIX y principios del siglo XX, no como un estilo único sino como
el conjunto de varias tendencias, técnicas y estilos que se basaba en el modelo del impresionismo en busca de
su perfección de sobrepasar las limitaciones que este movimiento había dejado, por esta razón siguieron
empleando la pintura de forma compacta, el color en estado puro y reflejaron temas de la vida real pero
presentaron una visión del mundo mucho más subjetiva, supone la recuperación del dibujo como elemento
importante, la preocupación de no solo captar la luz sino también la expresividad de los objetos y personas
iluminadas, admite la importancia del lado humano y emocional. Tuvo una gran trascendencia en la evolución
del arte.
Ninguno de los artistas que son denominados postimpresionistas estuvieron consientes de estar en esta etapa
artística ni deben ser encasillados en ella, pero sí crearon obras que reflejan el espíritu experimental e
innovador del postimpresionismo.
Paul Gauguin (1848-1903) - Mujeres de Tahití (En la playa), Óleo sobre lienzo 69 cm × 91,5 cm (1891): Resalta
el uso expresivo del color en tonos fuertes y vivos, hay una fuerza de la imagen y el contorno, la
representación humana por encima de la naturaleza, líneas curvas, sensación de plano, no hay perspectiva.
Paul Cézanne (1839-1906) - Los jugadores de cartas, Óleo sobre lienzo 47,5 cm × 57 cm (quinta versión de una
serie iniciada en 1890): Escena de ocio, una obra con volumen, definición de las formas usando pinceladas
constructivas, colores intensos que contrastan con las sombras, se fortalece el primer plano, no hay una gama
amplia de colores se reducen al amarillo, rojo y azul, el sombrero del jugador de la izquierda tiene forma
cilíndrica, las pinceladas son simples como el reflejo de la luz en la botella que se encuentra sobre la mesa.
Vincent van Gogh (1853) - La iglesia de Auvers-sur-Oise, Óleo sobre lienzo 94 cm × 74 cm (1890): Hermoso
paisaje con un imponente cielo de simple azul oscuro, la parte superior del cuadro está iluminada, pero la
iglesia se oscurece con su propia sombra, pinceladas fuertes y cursivas, la profundidad del espacio se logra con
los dos caminos en forma de V, colores fuertes y resplandecientes, marcado contraste entre la sombra y la luz.
2- Auguste Rodin (Francia, 1840–1917) el escultor contemporáneo del Impresionismo considerado «el padre
de la escultura moderna», fue el encargado de poner fin a más de dos siglos de búsqueda de la mimesis en las
artes tridimensionales, y quien creó un nuevo concepto escultórico en lo referente al monumento y la
escultura pública. Fue criticado en su época por lo «inacabado» de muchas de sus obras, y algunas de ellas por
su perfección (La Edad de Bronce).
Rodin bebió de artistas como Donatello o Miguel Ángel, se inspiró en temáticas de la antigua Grecia y Roma
(estudio e interés por la anatomía humana), pero fue su espíritu experimentador y audaz, en el que destaca
una radical innovación lo que contribuyó a la evolución de las artes plásticas hacia el modernismo. En vez de
representar dioses o musas, él esculpió figuras realistas en actitudes claramente modernas de amor,
pensamiento y corporalidad orgullosa. Abandona las figuras pulidas e idealizadas de la escultura académica y
produjo superficies más ásperas e interminadas, con el objetivo de expresar inquietud y movimiento, también
para dejar algo a la imaginación del espectador. Definitivamente no hubo límites para Rodin, tal vez por su
miopía no se atrevió a crear con el cincel en mano, pero lo real y detallado de sus obras lo logró con el tacto
de las misma, moldeando en yeso, arcilla, cera o terracota las obras que luego eran transformadas en moldes
para fundir en bronce o esculpir en mármol (utilizó la máquina de secado de puntos para una representación
más fidedigna). Fue tan necesario el movimiento en su obra, captar la naturalidad del instante que rompió con
la tradición del modelo en una estática pose, en su estudio-taller los modelos estaban desnudos sin posar
mientras Rodin los observaba en su libertad de movimientos plasmándolos en su totalidad, tal vez por eso su
obra sea tan poco rígida, tan viva y llena de matices. Creo que lo que provocó que la excentricidad de Rodin
fuera reconocida y exitosa en su tiempo fue en parte que él pensó en el espectador dinámico que admirara la
pieza en sus 360⁰, con numerosos puntos de vista que hacen que cambie la tradicional percepción de observar
una pieza escultórica. Ensayó poses alejadas del clasicismo y llevó a un alto nivel su realismo (por primera vez
desde hacía siglos las esculturas femeninas tenían genitales), lo cual logró con la escultura monumental,
enfocado en los detalles y teniendo en cuenta los efectos de la luz.
Francisco Calvo crítico de Arte dijo: ῾῾ (…) en el haber de Rodin estaba el haber devuelto a la escultura el
derecho de existir de manera moderna y no como una simple antigualla. En efecto, al arrebatar Rodin el
pedestal de la estatua, al fragmentar la figura en mil pedazos expresivos y al tratar su superficie como un mar
agitado, resituó la escultura al mismo nivel de exploración moderna que las demás artes᾿᾿
Ejemplos de Obras:
-῾῾El Beso᾿᾿: Es una escultura de Rodin realizada a partir de 1881. Inspirada en el Infierno del poeta italiano
Dante Alighieri, y también en un romance que tuvo Rodin. La misma, contribuyó a la reafirmación de Rodin
como artista.
-῾῾El Pensador᾿᾿: Es casi la escultura más famosa de Rodin. El escultor concibió esta pieza en los años de 1881 y
1882, incluida dentro del conjunto escultórico del proyecto titulado La puerta del Infierno.
-῾῾Los burgueses de Calais᾿᾿: Es una obra escultórica realizada en bronce (1840–1917).Impresionista.
3. Como en tantos otros movimientos y estilos el Art Nouveau fue la ruptura con los estilos dominantes en la
época, tanto los de tradición academicista, como los rupturistas, la intención de crear un arte nuevo, joven,
libre y moderno con una idea clara: ῾῾ el futuro ya ha comenzado᾿᾿.
La revolución industrial trajo consigo nuevos materiales (hierro, cristal) y formas de utilizarlo, algo que fue
muy bien aprovechado por los creadores que no se conformaban con las corrientes y movimientos artísticos
del momento. Un nuevo arte es representado por la arquitectura, escultura y la pintura, inspirado en la
naturaleza con preferencia en los vegetales y las formas redondeadas de tipo orgánico, líneas curvas y
asimétricas, estilización de los motivos, siendo menos frecuente su representación estrictamente realista,
interés por la estética y la decoración, libertad en el uso de motivos de tipo exótico, sean éstos de pura
fantasía o con inspiración en distintas culturas, pero este modernismo no solo se da en las artes mayores sino
que es sorprendente su auge en las menores aplicadas o decorativas, en las artes gráficas y en el diseño de
mobiliario, rejería, joyería, cristalería, cerámica, lámparas y todo tipo de objetos útiles en la vida cotidiana,
incluido el mobiliario urbano, que pasó a tener gran importancia (kioscos, estaciones de metro, farolas,
bancos, papeleras, urinarios), hermoso, detallista y social. En el caso de los arquitectos, no sólo proyectaban
edificios, sino que intervenían en el diseño de la decoración, el mobiliario, y todo tipo de complementos y
enseres de uso diario que habían de contener. Muchos de los artistas de este movimiento fueron identificados
como integrales.
El Art Nouveau significó la exposición de obras plásticas que solo se apreciaban en galerías, museos y edificios
de difícil acceso en nuestros ῾῾bolsillos᾿᾿ ahora con nuevos materiales y técnicas, una estética natural, moderna,
virtuosa, libre, detallista y sobre todo democratizó la belleza y socializó el arte en manos de todos y para
todos.
Ejemplos:
-Cartel publicitario para Le chat noir, de Steinlein, grabado (136 x 96 cm).
-Flamingoes, de Sydney Long, òleo (30x 61 cms).
-Grand vase aux grillons, de Antonin Daum, École de Nancy, (vasija).
-Trencadís de Lluís Bru en la taquilla del Palacio de la Música Catalana, (mosaico).
-Fachada de la casa Batlló, Barcelona, de Antonio Gaudí.
-Hill House, Helensburgh de Charles Rennie Mackintosh, (diseñó también la mayoría de las habitaciones
interiores, muebles y otros detalles. La atención de Mackintosh por los detalles, se extendió a seleccionar
el color de las flores que los Blackie podrían colocar en una mesa de la sala de estar, con el fin de no entrar
en conflicto con el resto de la decoración).
