FICHA IFCI – CONCURSO PRODUCCIÓN EN ARTES

CATEGORÍA PEQUEÑO, MEDIANO, GRAN FORMATO

PREPRODUCCIÓN en donde se describa:

Descripción de la investigación sobre La obra teatral “Fetiches, intimidades expuestas”, parte de
el tema de la obra, incluyendo la la hipótesis de 9 personajes vestidos para una pasarela de
creación y desarrollo de la dramaturgia moda totalmente estrafalaria en la que cada uno expresa
(en el caso de obras teatrales) o metafóricamente su condición existencial en un mundo
estructura dramática (danza, fetichizado, que los ha vuelto objetos y sujetos a la vez.
performance, etc.), universo dramático,
y recursos lingüísticos, construcción de Constituye además una indagación sobre la construcción
los personajes, conflicto central, de estereotipos sociales que son actualmente expuestos y
espacio y/o desenlace; selección del usados para el consumo, a manera de fetiches. Se toma
elenco y conceptualización de la obra como referencia el texto de Guy Debord “La sociedad del
en detalle (ideas, temas, enfoques y la espectáculo”, en el que se reflexiona principalmente sobre
visión general). las relaciones sociales mediatizadas por las imágenes; y el
texto de Byung Chul Han “La sociedad de la
transparencia”, en el que se reflexiona sobre la exhibición
de la intimidad.

A partir de estos dos textos se ha construido la línea

dramatúrgica base que conduce la obra “Fetiches,
Intimidades Expuestas”, como una propuesta compuesta
de seis escenas en la que nueve personajes asisten a una
cena-pasarela en la que se toma como pretexto la
necesidad de decidir si se recluye o no en una institución
mental, al miembro más joven de la familia.

A través de esta exploración de personajes y puesta en

escena, se aborda el tema de las enfermedades mentales y
de diversas identidades espectacularizadas, como
metáforas de lo “distinto”, que en un contexto que busca
estandarizar las particularides, termina produciendo una
serie de individuos hechos para representar el rol de su
propia individualidad en el espectáculo social. La obra
propone una perspectiva del el ser humano y su búsqueda
de sentido en el que el espectáculo como una estrategia
para la construcción de un yo todavía no visto, imposible
de mesurar para quien no habita los nuevos códigos del
mundo.

En un mundo saturado por la imagen y la representación,

donde la identidad se moldea y se vende como un
producto, se plantea un espectáculo que va más allá del
espacio teatral convencional y que dialoga con otros
espacios espectaculares, como las pasarelas de moda y las
vitrinas de almacén. Se propone un espacio escénico
donde los personajes desfilan con máscaras y vestuarios
que ocultan y revelan a la vez su condición ambigua.

La obra plantea un transitar entre la profunda reflexión y

la frivolidad a través de diálogos que exploran la
naturaleza efímera de la fama y la identidad, cuestionando
si realmente somos quienes mostramos al mundo, aunque
también permite pensar en cómo los sujetos fetichizados y
espectacularizados, encuentran una vía para existir en el
mundo desde estas nuevas condiciones de manera que se
vuelven, también, estrategias adaptativas, creativas,
creadoras y esperanzadoras.

La construcción de la obra gira alrededor del ver y ser

visto y cómo este ser visto constituye a la construcción de
un Yo, como si éste fuera solo un reflejo en lugar de un sí
mismo; en ese sentido los personajes, como modelos, no
son maniquíes, sino que se transforman en figuras
simbólicas que representan arquetipos sociales y
aspiraciones personales.

En ese sentido, cada paso que transcurre en las distintas

ambientaciones de las escenas: una mesa-pasarela, un
jardín de opio, unos cubículos transparentes, así como en
los espacios no convencionales: gradas, pasillo, baño,
cada texto y cada acción están pensados para ser
desarrollados como un acto performático, una afirmación
de identidad o una búsqueda de sentido. A medida que
avanza el espectáculo, las fronteras entre la realidad y la
ilusión se desdibujan, de manera que se cuestione, frente
al público, las propias percepciones de la verdad y la
autenticidad frente al mundo de la ilusión y la
alucinación.

Los personajes se han propuesto desde una estética que

utilice máscaras y vestuarios sugerentes, cargados de
significaciones, a momentos sobrecargados, para expresar
la profusión de sentidos confusos del mundo desde la
perspectiva de lo post moderno.

La escenografía se concibe desde una estética que aluda

al constructivismo escenográfico (Wladimir Maiakovski)
en la que se busque expresar los múltiples caminos y
niveles de significación que pueblan los sentidos de la
vida actual, mediados y asaltados por el uso de la imagen.

Adicionalmente, se propone la utilización de video

integrado para exaltar la presencia de atmósferas cargadas
de imágenes tecnologizadas y la utilización de música
electrónica que a través de ritmos y sonidos incidentales,
contribuyan a la generación del universo de la obra.

Personajes:

Una Madre: que habla todo lo que pasa por su cabeza, sin
filtros, desnuda y pone en evidencia a todos los
personajes.

Un padre: con constantes protestas y lleno de comentarios

políticos, ansiando una primavera de Praga inexistente.

Una mujer neutral: es un personaje doble que se debate

entre asumir posiciones extremas y termina no asumiendo
ninguna.

Un modelo: Siempre al día de las tendencias en redes

sociales, aparentemente superficial, el único que al final
encuentra el sentido de la vida.

El borracho: siempre impertinente, a momentos lúcido,

siempre divertido, aguantando la vida gracias al alcohol.
Testigo del tiempo.

La medicada: joven, hija, rebelde sin causa, potencial

asesina, bipolar.

Una derrotada: con una lucha existencial que la condena

al estatismo.

Un trabajador esclavo del capitalismo: Incapaz de

despertar del sueño del consumo.

Una guía religiosa: guía a sus discípulos por zoom.

Alcanza la iluminación y la violencia.

La selección del elenco se ha realizado combinando

actores y actrices de larga y consolidada trayectoria y
actores y actrices emergentes que se encuentran
desarrollando un proceso de investigación y
experimentación como parte del equipo artístico,
aportando con ello a una mirada diversa de los personajes,
una indagación refrescante que permita además tener
perspectivas generacionales diversas respecto a la
percepción del presente, se ha escogido actores y actrices
que aportan creativamente al proceso con los que se
construyen los personajes desde la escena y el cuerpo.
Definición de estilo y estética, público Fetiches es una obra que sigue el trabajo de
objetivo, tipo de espacio de experimentación e investigación estética desplegada por
presentación, contexto, ambientación, el Teatro Ojo de Agua, en ese sentido es un trabajo que
personajes, relaciones, narrativa, tipo busca respetar la calidad estética de la puesta en escena y
de estructura dramática, género y potenciarla mediante el uso de técnicas híbridas y en
disciplina artística escénica, etc. dialogo transmedial. Plante una utilización de de un
- Consideración de todos los aspectos espacio no convencional compuesto por varios ambientes
escénicos y técnicos. como pasillos, gradas, baños, salones, además de un
- Trabajos de mesa y exploraciones escenario de Caja negra; a través de los cuales se
corporales, así como los estudios
desarrollará la obra en un tránsito, en una ruta en la que el
previos detallados de escenografía,
público será conducido. El contexto del que parte la obra
vestuario, música, iluminación, y
es la contemporaneidad caracterizada por una exposición
otros dispositivos escénicos.
de la intimidad de los seres a través de las redes sociales,
- Resultado que se ha obtenido de la
investigación y/o búsqueda artística volviéndolos sujetos en un cierto estado de
corporal previa a la producción. representación. El mundo actual asiste a una disputa por
la subjetividad en relación a la forma en la que se percibe
y concibe la experiencia de vida. La obra se ambienta en
una cotidianidad atravesada por la presencia de pantallas
y dispositivos tecnológicos a través de los cuales la vida y
la presencia se realiza de manera mediada como pequeños
espectáculos con sus códigos particulares; los personajes
son una especie de arquetipos contemporáneos que
vinculados y subsumidos completamente en los códigos
de la contemporaneidad, se interpelan a sí mismo desde
una profundidad apenas percibida por la fuerte presencia
de la imagen. Se trata de 12 personajes: la madre, el
padre, la medicada, el modelo, el borracho, el esclavo del
capitalismo, la guía religiosa y la mujer neutral como
personaje cuádruple, que conviven en el universo de la
obra como una comunidad que desde su particularidad
establece relaciones entre los personajes, cada uno desde
la problemática existencial que encarna. Juntos transitan
la ruta de sus propias preguntas e interpelaciones, y
enfocan su atención en el personaje de la medicada, como
un punto de confluencia de sus preocupaciones y a partir
del cual evolucionan hacia algo que puede considerarse el
encuentro del sentido, una vez que han descifrado los
códigos subyacentes a la condición de “la medicada” y
como éstos les afectan particularmente.

La narrativa de la obra transcurre entre varios lenguajes

que conviven y se superponen creando capas de
significación: un texto, como palabra dicha por los
personajes, con una poética contemporánea que alude a
los dramas existenciales de los personajes; el video, como
espacio que alude tanto a la vida interior de los
personajes, a sus recuerdos, pero también a su condición
de seres expuestos en las pantallas contemporáneas,
confundiéndose quiénes son los que habitan la realidad de
su mundo interior, de su profundidad: los que están en
vivo, o quienes están pregrabados y son transmitidos en
las pantallas, o quienes se exhiben en las pantallas en
vivo. Adicionalmente el sonido en off, con los textos de
los personajes que en vivo permanecen en silencio y su
voz es transmitida en off, pretenden conducir a otra capa
que alude a los pensamientos, al artificio y a la vez al
sentido de ese artificio.

La estructura dramática de la obra está compuesta por 12

escenas: 1. La pasarela, 2. El modelo y el trabajador
esclavo del capitalismo se declaran compañeros de lucha,
3. Jardines de opio, 4. La guía religiosa y el borracho
encuentran la verdad, 5. La transparencia, 6. El malestar,
7. La aparición de los lotos, 8. Sapos después de la lluvia,
9. La venganza, 10. Profética del cuerpo o cómo los
antiguos dioses hacen las paces con los fetiches, 11.
Flores a los pies de los que parten, 12. La despedida. A
través de la poética de las escenas se suceden pequeños
climáx y quiebres, hasta el clímax de la escena final en el
que se resuelve el dilema de si internar o no al personaje
de “La medicada” en una institución mental. El desenlace
es en realidad una salida para los conflictos existenciales
de los personajes. La acción dramática se sucede
acumulando sentidos y preguntas que empujan el
desarrollo de la acción hacia una subsiguiente capa de
sentido. En cada intervención de los personajes exponen y
se exponen, poniendo en evidencia y explicitando la
estructura de su diálogo como auto poiesis. Los diferentes
lenguajes audiovisuales que intervienen como
textualidades permiten el avance de la narrativa hacia
lugares físicos y poéticos que no constituyen lugares de
llegada sino de tránsito contínuo sobre la profunda
intimidad de los personajes.

Se trata de una obra experimental, que propone una ruta

no convencional a nivel dramatúrgico, y de uso del
espacio, contempla elementos del performance, que
permitan integrar la interacción del público al trasladarse
por los diversos espacios y ambientes que plantea la obra.

Los aspectos técnicos que se sugieren en el texto en

cuanto al uso de los recursos visuales, sonoros y de
iluminación dan una pauta para la implementación de
estos soportes acordes a la poética de la obra, como capas
significantes que se superponen y conviven, y que
requieren una planificación importante de técnica y
recursos para que el resultado sea óptimo y cumpla con el
objetivo de crear el universo de ficción de una
cotidianidad atravesada por la ambivalencia entre lo
digital y lo análogo de la presencia en vivo. Juega un
papel importante la amplificación sonora, para dar textura
de artificio a las voces de los actores y actrices, y a volver
natural el artificio de lo mediado. La iluminación se ha
propuesto como un lenguaje que juega con el ambiente de
espectáculo, entre colores intermitentes, que cambian con
el sonido de las voces, presencia de flashes, así como
ambientes fijos y direccionados con haces de luz para
crear atmósferas íntimas, atemporales, oníricas. Al
plantearse como una obra que contempla diversos
espacios para transitar incluido el teatro de caja negra,
puede adaptarse a diversos teatros ocupando los
exteriores del mismo, u otros ambientes que se puedan
encontrar, adaptando los espacios para soportar las
necesidades de instalaciones para audio, video y luz.

Los trabajos de mesa permitieron configurar una

evolución del texto, hasta su versión actual, a través de la
discusión, reflexión y exploración corporal de las
implicaciones del texto, para hallar sentido en su
particular poética y hallar puntos de confluencia con las
propias vivencias como actores y actrices. Se
establecieron unas primeras pautas de exploración: el
comportamiento del cuerpo y de los pensamientos
respecto a la percepción de la realidad, el mundo onírico,
el espacio intermedio entre el sueño y la vigilia entendido
como sonambulismo, la exposición de la propia presencia
como sujetos de observación, la inhibición y la
desinhibición del cuerpo al ser expuesto como un “yo”
además de como personaje, la transformación del yo
como máscara y como intimidad expuesta, la
comprensión del yo como objeto y sujeto de belleza, el
énfasis en la creación de la vida interior del personaje, el
comportamiento de los cuerpos en conjunto como un
cardúmen. En cuanto a las indicaciones de la primera
escena en la que todos los personajes aportan con la
creación de sus propios textos a ser dichos como
ambientación en off en los distintos espacios, se recurrió a
técnicas de escritura creativa, a partir de un primer texto,
y trabajarlo con las variaciones estilísticas de Raymond
Queneau. Se hicieron pruebas de movimiento,
desplazamientos, recorridos sobre la base gravitante de la
sensación de sonambulismo como punto de partida para la
experimentación. A partir de estas pautas se exploraron
diversos esquemas de movimiento en el espacio, así como
vestuarios neutros blancos, y maquillaje también blanco,
se hicieron improvisaciones con público, para probar la
dinámica de desplazamiento por los diversos espacios que
propone la obra.

Respecto a los estudios previos de los aspectos

escenográficos y de vestuario, el proceso creativo de esta
obra ha determinado una primera prueba de escena vacía
utilizando la infraestructura ya existente de pequeños
cuartos y salones además del teatro de caja negra,
utilizando los espacios tal cual están dispuestos, esto es
gradas, baños, pasillos, cuartos, etc. sin intervenir más
allá de hacer pruebas de luz en los distintos ambientes, así
como disponer las fuentes de sonido para cada uno de los
espacios en donde se desarrollan las escenas, con
pequeños dispositivos tipo parlantes reproductores en los
que se emitan los textos pregrabados por las voces de los
personajes. Estas pruebas resultaron satisfactorias, sin
embargo se pudo concluir que se debe pulir tanto el
volumen como la nitidez de la voz de las grabaciones para
que no pierda presencia el recurso en off. En cuanto al
recurso del video, se hicieron pruebas para hacer convivir
la presencia del actor mudo y la presencia del video como
un un doble paradógico, la presencia del actor y la voz
pregrabada en off. Sobre la base de esta prueba se pudo
determinar la necesidad de lograr una alta calidad en el
video, de lograr que la imagen del video pueda abarcar la
totalidad de la pantalla o pared en donde se proyecte, sin
resquicios que muestren un marco sin proyección. La
paleta de colores para el video y para los actores que
conviven con él en vivo, necesita más exploración para
determinar su valor y función poética, una vez que se
disponga de los videos en alta calidad. Se exploró la
escena “La transparencia”, que propone la utilización de
cubículos transparentes; la exploración se la hizo en los
cuartos disponibles en la infraestructura del centro
cultural en el que se encuentra el teatro, y se pudo
 determinar que aunque resulta interesante el tránsito y
visita de los distintos espacios para observar la acción de
los personajes, se pierde la perspectiva de conjunto, y no
está presente el concepto indispensable de “la
transparencia”, que quiere subrayar el poder acceder a la
intimidad de los personajes en conjunto, por lo tanto esto
tendrá que implementarse una vez que se pueda disponer
de los cubículos transparentes. Sucede lo mismo con la
idea de “la pasarela”, concebida como una pasarela de
moda, requiere ser probada como estructura que se
transforma en mesa. En la escena de “jardines de opio” se
jugó con el concepto sintetizado de la “visión” que
produce el tránsito por estos jardines, a través de la
disposición en el piso de diversos ojos dibujados en papel,
regados en el piso, ojos que aluden a la “visión”, sin
embargo, la construcción de las flores que propone la
obra completará la escena a nivel estético y de sentido.
Respecto a los vestuarios se hicieron pruebas con base
blanca, lo que permitió trabajar una cierta poética a nivel
de la neutralidad del cuerpo respecto a los textos y demás
lenguajes, sin embargo las referencias de vestuario que se
alinean con la idea de una pasarela de moda
contemporánea permitirá una coherencia con la idea de la
imagen como autogeneración de identidades para la
exposición pública, y a la vez como metáfora de la vida
interior de los personajes.

Investigación corporal previa.

Se han probado estructuras de movimiento en las que

cada cuerpo realiza secuencias físicas y de
desplazamientos, como una capa con significación propia,
a la que se integra el texto posteriormente. Producto de
esta exploración se han configurado las dinámicas de la
puesta en escena, las escenas, el guion espectacular y las
bases para la construcción del texto que se adjunta, así
como los textos que los actores y actrices han trabajado
desde ejercicios de escritura creativa y que acompañan al
guion como parte de la propuesta.

Enlace a documentos de respaldo:

[Link]
wgfjsMQW-3WR2J-_pzj?usp=sharing

PROPUESTA DE PRODUCCIÓN DEL PROYECTO

Fase del proceso de PRODUCCIÓN: La producción se encuentra en etapa previa a puesta en
escena, se han concluido lecturas y trabajo de mesa y
descripción en la que se encuentra el recopilación de material, tanto de los textos base, como
proyecto. De existir algún avance en la de las experiencias de los participantes.
producción o contar con elementos de
ésta, puede describirlos. Lista del Se han delineado y planteado los personajes, escogidos
equipo completo con roles y los actores y trabajadas las líneas base de movimiento
responsabilidades.
Se ha construido el texto y se ha planteado la estructura
del montaje a nivel de secuencias y movimientos.

Se ha decidido la línea estética sobre la que se trabaja

tanto la interpretación y evolución de los personajes,
como el concepto artístico a nivel escenografía, vestuario,
sonido y video, elementos que deben construirse y
articularse en la puesta.

Ha concluido la etapa de exploración previa, etapa sobre

la que se ha construido la arquitectura de la obra que se
detalla en todas las etapas del proyecto.

No siendo un proyecto escénico creado desde un texto o

dramaturgia convencional, las etapas de estructuración
del espectáculo han implicado un trabajo de propuesta e
investigación estética y estructuración dramaturgística
que ha dado como resultado el texto espectacular sobre el
que se trabajará la puesta en escena, es decir, el montaje y
presentación final.

Lista del equipo completo con nombres, roles y

responsabilidades:

ELENCO ARTÍSTICO:
1. Víctor Hugo Gallegos. Actor. (Personaje: El
borracho, responsable de cumplir con los horarios
de ensayos y funciones establecidas en el
cronograma de montaje, durante 4 meses)
2. Geovanny Pangol Altamirano. Actor. (Personaje:
Trabajador esclavo del capitalismo, responsable de
cumplir con los horarios de ensayos y funciones
establecidas en el cronograma de montaje, durante
4 meses)
3. Viviana Ordóñez. Actriz. (Personaje: La madre,
responsable de cumplir con los horarios de ensayos
y funciones establecidas en el cronograma de
montaje, durante 4 meses)
4. Vinicio Cevallos. Actriz. (Personaje: El padre,
responsable de cumplir con los horarios de ensayos
y funciones establecidas en el cronograma de
montaje, durante 4 meses)
5. Daniela Moreno. Actriz. (Personaje: Mujer neutral
1, responsable de cumplir con los horarios de
ensayos y funciones establecidas en el cronograma
de montaje, durante 4 meses)
6. Josselyn Chancúsig. Actriz. (Personaje: Mujer
neutral 2, responsable de cumplir con los horarios
de ensayos y funciones establecidas en el
cronograma de montaje, durante 4 meses)
7. Anahí Jiménez. Actriz. (Personaje: La medicada,
responsable de cumplir con los horarios de ensayos
y funciones establecidas en el cronograma de
montaje, durante 4 meses)
8. Jessica Barros. Actriz. (Personaje: La guía
religiosa, responsable de cumplir con los horarios
de ensayos y funciones establecidas en el
cronograma de montaje, durante 4 meses)
9. Andrea Proaño. Actriz. (Personaje: Muejer neutral
4, responsable de cumplir con los horarios de
ensayos y funciones establecidas en el cronograma
de montaje, durante 4 meses)
10. Katherine Sangucho. Actriz. (Personaje: Mujer
neutral 3, responsable de cumplir con los horarios
de ensayos y funciones establecidas en el
cronograma de montaje, durante 4 meses)
11. Roberto Sánchez. Actor. (Personaje: Modelo,
responsable de cumplir con los horarios de ensayos
y funciones establecidas en el cronograma de
montaje, durante 4 meses)
12. María Elena López. Actriz (Personaje: La
derrotada, responsable de cumplir con los horarios
de ensayos y funciones establecidas en el
cronograma de montaje, durante 4 meses)
EQUIPO CREATIVO:
1. María Elena López Cobos. Directora Escénica.
(Encargada de la dirección general y artística del
montaje, realización de la puesta en escena,
coordinación con los equipos artístico, creativo, de
producción y comunicación, durante 4 meses)
2. Santiago Vergara. Diseñador de iluminación.
 (Encargado de elaborar la propuesta de iluminación
artística de la obra)
3. Fernanda García. Coreógrafa. (Encargada de
realizar con el equipo artístico las coreografías de K
POP que se incluyen, adaptadas al lenguaje de la
obra)
4. María Dolores Zambrano. Maquillaje y
Peluquería. (Encargada de la propuesta de
maquillaje artístico y peinado de los 12 personajes
que participan en la obra)
5. Artista Audiovisual: Sofía Vergara . (Encargada
de la realización de los videos que se proyectan en
las diferentes escenas de la obra.)
6. Gabriela Remache. Escenografía. (Encargada de
la realización y construcción de la propuesta
escenográfica).
7. Laura Villagómez. Vestuario. (Encargada de la
realización de los 12 vestuarios para los personajes
de la obra)
EQUIPO DE PRODUCCIÓN.
1. Roberto Sánchez Cazar. Productor. (Encargado
de realizar la producción general de la obra: gestión
financiera del proyecto, coordinación del equipo
artístico, creativo, de producción y comunicación;
vínculo entre la dirección artística y los demás
equipos, estrategia de públicos, durante 4 meses)
2. Asistente de Producción. Mayra Chiriboga.
(Encargada de logística de los equipos creativo,
artístico, de producción y comunicación, gestión de
calendario de los equipo, resolución de necesidades
técnicas con responsable de iluminación, vestuario,
escenografía, maquillaje y peluquería, durante 4
meses).
EQUIPO DE COMUNICACIÓN.
1. Sandy Román. Comunicación. (Encargada de
elaboración y ejecución de plan de medios, estrategia de
comunicación con públicos, elaboración de piezas
comunicacionales para redes, y página web, digitales,
impresas y audiovisuales, durante 2 meses).

Plan de montaje y/o dirección: Se juntan diversas líneas del trabajo teatral en una
estrategia y coordinación para llevar a propuesta que se plantea como un proceso creativo
cabo la ejecución y dirección de la obra que implica la creación de una puesta en escena en
escénica. Incluye aspectos como la relación a una textualidad, y la exploración de un
coordinación de los ensayos con el espacio no convencional como elemento dramatúrgico
elenco, interacción entre el elenco en sí mismo, que permite pensar en un espectáculo
artístico y el equipo creativo como que se pueda ver y transitar.
vestuarista, escenógrafo, iluminador,
etc., para el diseño y posterior La puesta en escena se ha construido alrededor de un
elaboración de las propuestas artísticas. espacio diverso las formas en que este se puede
recorrer, diluyendo los límites entre arte y espectáculo,
pensando justamente en la función de la imagen
mediada como instrumento de construcción de
pensamiento y generadora de formas de vida.
En ese sentido se trabaja con un acompañamiento
creativo desde lo escenográfico, sonido y video para la
última fase que es la de la integración de todos los
elementos de vestuario, escenografía y técnicos al
montaje definitivo en donde se engarzan y tejen en un
espectáculo multimedial, en el que el video y el sonido
en off cumplen un rol de exaltación del mundo de la
imagen, a través de la desnaturalización de la relación
significante entre lo que se ve y aquello que se percibe
o el criterio de verdad con el que se define aquello que
se ve.
Hay un acompañamiento constante de lo técnico,
escenográfico y del video, de manera que se pueda
tener un todo integral que surja de un proceso creativo,
en esa línea los elementos técnicos construyen
atmósferas poéticas en las que habitan personajes de
un mundo caracterizado por la profusión de imágenes
y ambientes tecnologizados.
En relación a los personajes, estos están constituidos
desde una arquitectura de acciones físicas que remiten
a lo espectacular, ayudados por una propuesta de
vestuario que dilatará y propondrá en sí misma tipos
de movimiento, además de metaforizar las
contradicciones del personaje, lo que junto a un
trabajo profundo de la sicología de los personajes
construirá una propuesta escénica sólida. Al momento
se ha puesto en puesto en prueba una base blanca de
vestuario así como un maquillaje blanco incidental
para ir prefigurando la apuesta estética de la obra. Las
pruebas de video se han hecho hasta el momento con
equipos sencillos para establecer bocetos que se
 pongan a prueba con la actuación en vivo. Estos
bocetos se entregan al artista visual para que pueda
hacer su planificación para la realización de todo el
material audiovisual, tanto de video como de sonido
en off. Se han realizado pruebas de escenografía sobre
el concepto de “transparencia”, así como sobre la
noción del “ver la realidad”, que atraviesan la obra, y
se han realizado improvisaciones y pruebas al
respecto, desde la idea de lo “sonámbulo” como un
estado que atraviesa la atmósfera de la obra.
MECÁNICA DE LA PUESTA
Sesiones diarias de ensayo, 4 horas de trabajo por ensayo.

1. Puesta en escena de personajes en el espacio. La

relación de los personajes y los espacios se
vuelven significativos, orgánicos y verosímiles
2. Trabajo de ritmo corporal para cada escena
3. Montaje de cada escena en los espacios, revisión
de escenas marcadas, individualmente y pasadas
generales de movimientos y desplazamientos.
4. Marcaje actoral individual: revisión de
intenciones de cada personaje, relación con el
espacio, con los elementos escénicos, con otros
personajes y con el público.
5. Se diseña y elabora vestuario, escenografía.
6. Se diseña y elaboran elementos técnicos: video,
iluminación, música electrónica.
7. Integración de elementos de vestuario y
escenografía. Pruebas y ajustes. Ajuste de
movimientos y desplazamientos con elementos de
vestuario y escenografía: volver el cuerpo
auténtico en lo ficcional.
8. Integración de elementos técnicos: de sonido,
video, iluminación, música. Ensayos generales.
Pruebas y ajustes.
9. Ensayos generales y ajustes finales in situ (en el
lugar de estreno). Entrega de notas de dirección y
realización de ajustes finales.

Propuesta de puesta en escena: forma

en la que se probarán, insertarán y El trabajo de puesta en escena se construye en tanto
definirán los elementos que escritura espacial basada en la exploración de la
complementarán la obra como superposición de capas de significación, que implica
vestuario, escenografía, utilería, una articulación de esquemas de desplazamiento,
música, iluminación, nuevas creados a partir de trazos intuitivos de formas
tecnologías, dispositivos de la escena. geométricas, líneas y silencios, acentos y repeticiones;
así como una articulación de esquemas corporales, que
se superponen al espacial y se insertan en él. De la
misma manera se cuenta con la integración de textos
complementarios creados a partir de un trabajo de escritura
creativa colectiva.

El diseño de vestuario y escenografía se realizará a

partir del segundo mes de puesta en escena, tiempo a
partir del cual la diseñadora se integrará al equipo de
producción con un acompañamiento a los ensayos que
permita captar las atmósferas, ambientes y perspectivas
que propone la obra, su estética y sus conceptos, a partir
de lo cual se procederá a la propuesta de diseño de
escenografía y vestuario, con su posterior puesta a
prueba y realización de ajustes necesarios.

Igualmente la articulación con video, sonido y luces se

dará a partir del tercer mes de puesta en escena, de
manera que las propuestas de diseño puedan convivir
con el espacio escénico, los personajes, la escenografía
y el vestuario, para esto se trabajará con los
profesionales de cada área desde la dirección,
discutiendo los conceptos generales y guiando la
construcción creativa de los elementos, revisando
bocetos, maquetas, para pasar al armado final y la
articulación de la puesta en el espacio escénico.

En esta etapa se requiere un trabajo coordinado entre la

artista audiovisual y el de iluminación, de manera que
puedan aportar desde su especificidad al concepto
general del montaje desde su papel activo, bajo la
mirada unificadora de la dirección.

La última etapa implicará al menos 3 ensayos generales

previos al estreno en el que se realizará diálogos con
colegas, profesionales y público escogido cuyos aportes
puedan afinar la obra final.

A partir de aquí, con el texto trabajado, los personajes

prefigurados, las acciones construidas y las secuencias
elaboradas en relación a las temáticas planteadas, se
articula el proceso creativo en el que se produce la
puesta en escena final

Para ello se relacionan los elementos visuales y de

movimiento en una distribución espacial y una serie de
relaciones de los posibles personajes como fuerzas, una
serie de “diálogos situacionales” que nos permitan tener
otra realidad textual que apoye o contradiga al texto
dramático, es decir que no lo grafique o “interprete”,
sino que lo abra a una nueva realidad. Sobre estas
relaciones y junto a ellas se articulan texto e imagen en
relación y dotando de existencia y ritualidad al espacio.

La obra acude a referencias surgidas del teatro del

absurdo, el teatro de la muerte (Kantor), teatro
expresionista, entre otras, como elementos
constitutivos de la hipótesis estética del trabajo, y la
elaboración de una propuesta constructivista para
escenografía, vestuario y el performance de los actores
y actrices.
La utilización del video en la puesta en escena buscará
que conviva en tanto lenguaje integrado a la
cotidianidad de los personajes, para que no se vea
como un recurso artificial o rebuscado, sino que sea
parte de esta atmósfera estereotipada en la que se
exalta y se subraya la presencia invasiva de la imagen,
de manera que se confunde con los propios pensamientos
y recuerdos. En este sentido el tema de las
enfermedades mentales será aludido con la presencia de
imágenes generadas en video, en las que se podrán
apreciar las memorias que anteceden a la enfermedad:
soledad, abuso, violencia, entre otros, que visualizadas
junto a las memorias de los otros personajes que se
muestran como aparentemente normales, se
equipararán en intensidad y en trazos de abandono, etc.
para concluir que la búsqueda de sentido configura
una ruta en un presente con nuevos códigos a
descifrarse, en los que se puede hallar la clave para la
alegría. el sentido, la esperanza.

Finalmente, la última capa de significación, que se

coloca al final de la obra, una vez despejada la escena,
también mostrará las memorias equiparadas en igual
contenido y valor al de las memorias de los “enfermos
mentales”, en búsqueda de una lectura que cuestione al
mismo sistema como productor de las llamadas
enfermedades mentales, catalogándolas e
inventariándolas de acuerdo a las conveniencias del
consumo y del mercado y de los poderes en juego.

El sonido tendrá una característica incidental que

acompañe a la atmósfera de los personajes, a
momentos alivianándolos, a momentos
exacerbándolos, de manera que pueda percibirse una
atmósfera en muchos momentos polivalente en cuanto
a la percepción de la llamada locura o la llamada
normalidad. Se quiere que el sonido de voces en off y el
sonido incidental realice la exaltación del carácter de
espectáculo; la obra empieza con la exhibición de los
personajes en una pasarela de moda, acompañada por música
y de ahí en adelante el todo luz-sonido-imagen realzan este
carácter.

Cabe resaltar que el espectáculo no acude al esperpento para

caracterizar a los personajes, de manera que no los conduce al
ridículo; cada personaje tiene una construcción profunda y
reveladora de sus contradicciones, con lo que pueden
funcionar como arquetipos contemporáneos funcionando
dentro de un espectáculo doble. Esa construcción pretende
trascender la condición estereotípica de los personajes
asignada por el poder y ser percibidos en su función de
imagen que toma cuerpo.

Al final, y como paso previo al estreno de la pieza, se

realizará una revisión para pulir y equilibrar los
momentos con sus diferentes capas, para que no se
opaquen una a la otra y puedan cumplir su cometido en
la percepción del pú[Link] iluminación se propone
como una capa que contribuye a percibir y saborear las
atmósferas de cada personaje, con sus propios
elementos y particulares acompañamientos de luz.
El montaje en general se basa en la premisa de una
sociedad cuyas relaciones son un espectáculo, y se
construyen desde la exposición pública de las
intimidades, para lo cual las luces se concebirán como
un lenguaje particular, generando esa misma percepción
en el público. De esta manera, cada personaje al tomar
la palabra, realiza un acto performático, para exponerse
y existir en cuanto a su imagen elaborada, la verdad se
vuelve polivalente, intermitente, espectacular; y en
ello la luz será uno de los lenguajes principales con el
que apoye esta premisa. Los vestuarios han sido
concebidos desde una estética de pasarelas de moda
contemporánea, que expresen la vivencia metafórica de la
tristeza, la confusión, la soledad, el abandono, y el juego
entre el revelarse y ocultarse de la propia identidad.

La obra se plantea un nivel de comunicación con el

público en el que éste cumpla la función de completar
y ampliar los sentidos planteados por la obra escénica,
 junto a esto el público concretará su participación
mediante ciertas estrategias-juegos a través de los
cuales generará, en distintos momentos de la evolución
escénica, textos, imágenes y sonidos que pasarán a
formar parte de los universos cambiantes de los
personajes, además de generar un movimiento y
acompañamiento por los diferentes espacios de trabajo
(el público deberá trasladarse, junto a los actores y
actrices, hacia los diferentes espacios performáticos),
con lo que se busca experimentar el concepto de
inmersión creativa, generándose con ello, riesgos y
desestabilizaciones de la estructura convencional de
una propuesta escénica.

Propuesta de Exhibición: detalle de El estreno y las funciones iniciales de la obra plantea

posible espacio donde se realizará una realizarlas en el Marcopamba Teatro, del Centro Cultural
(1) función de estreno y dos (2) Marcopamba, un escenario vinculado al trabajo del Teatro
funciones con público presencial, ya Ojo de Agua y que sirve como un espacio de acogida de
sea un espacio convencional, no proyectos escénicos también vinculados a lenguajes
convencional o espacio público. experimentales. Todas las funciones de inicio, incluyendo
el estreno están planificadas para ser realizadas en el
Marcopamba Teatro, que al ser un espacio ubicado en el
Sur de la ciudad, contribuye a la desconcentración de la
oferta cultural en general, y de los lenguajes
experimentales en particular, permitiéndose con ello que
otros públicos diversos puedan acercarse y dialogar,
expresarse e interactuar con la propuesta, conviviendo
como público con otros públicos como auspiciantes,
personas cercanas al Centro Cultural, crítica
especializada, sectores académicos vinculados a las
carreras de Ciencias Humanas, Comunicación, Sicología
y similares, buscando provocar discusión y reflexión
alrededor de la obra y sus planteamientos. La función de
estreno y sus funciones de exhibición serán funciones de
deconstrucción de la propuesta escénica que se registrará
y sistematizará como insumo para evaluar la producción y
su impacto posible.
Las funciones de exhibición se enfocarán en lograr la
convivencia de la diversidad de públicos: vecinos y
moradores del área de influencia del Marcopamba Teatro,
públicos universitarios (alumnos y alumnas) con quienes
se desplegarán dinámicas de debate y discusión
específicos. Junto a las invitaciones desplegadas se
desarrollará un plan de comunicación y promoción que
asegure la difusión amplia de la obra y su propuesta y
provocando al público en general para que sea parte del
proceso de circulación.
 Se espera un promedio de 250 personas en este proceso
inicial.

Estas estrategias han demostrado ser efectivas para

levantar expectativa alrededor de producciones escénicas
e implican un trabajo de gestión de públicos que aseguren
el impacto de la producción en los públicos a los que va
dirigida la propuesta.
PLAN DE PROMOCIÓN Y DIFUSIÓN
Gestión de públicos: Descripción de Se planifica convocar un promedio de 80 personas por
las estrategias para identificar, atraer, función para las tres funciones de inicio que son parte de
involucrar y mantener audiencias este proyecto, y posteriormente a la conclusión del
específicas, investigación de presente proyecto se plantea un ciclo de presentaciones
necesidades. Descripción de la con 60 personas en promedio por función en 12 funciones
proyección de cantidad de público en temporadas en la ciudad de Quito y 4 funciones
objetivo que se estima alcanzar con el especiales en Guayaquil, Cuenca, Ambato y Puyo, con un
promedio de 80 personas por función.
proyecto.
A partir de la conceptualización de la obra como una
propuesta que cuestiona el statu quo y el sentido común,
así como los prejuicios y preconceptos, en una indagación
que busca interpelar los sentidos de nuestro tiempo,
interpretando sus interrogantes para darles forma y
presentarlas a través de esta obra que cuestionadora a
nivel social, estética y dramatúrgicamente; se han
identificado los públicos para este proyecto, con los que
se ejecutará un plan de convocatoria en el que se incluirá
tanto el publico cautivo del Teatro Ojo de Agua, el cual se
reforzará a través de estrategias de comunicación y
fidelización; y el que se identifica un público latente
conformado por estudiantes universitarios de artes y
ciencias humanas de materias específicas, talleres
artístico creativos, grupos organizados de interesados en
discusión de temas artísticos, filosóficos, sociales. el cual
se desarrollará a través de estrategias de una
identificación de concreta de los lugares en los que se
encuentra, un establecimiento de contactos y acuerdos
para lograr su acercamiento y presencia como público
encontrando puntos de interés común a ser explotados,
una planificación de reuniones en las que se establezca
una comunicación efectiva ofertando material de interés
que logre identificar al público con lo que ofrece la obra
teatral, un diseño de experiencias significativas para los
asistentes al estrenos y funciones, que permita crear un
vínculo con entre el público y la obra y lo motive a una
participación activa, un plan de mejora de la accesibilidad
a los espacios de presentaciones que elimine alguna
barrera percibida en cuento al acceso de los públicos; una
 planificación para crear espacios de participación en los
que se implique al público interesado en diversos en los
temas que aborda la obra como foros, debates, diálogos y
análisis de aspectos específicos, de acuerdo a los intereses
del público previamente identificados, tanto para el
público especializado como no especializado. Estas
estrategias se viabilizarán gracias a la experticia del
equipo de producción y comunicación, en diálogo
permanente con el equipo creativo. Se aprovechará la red
de relaciones del grupo Ojo de Agua que ha construido a
lo largo de sus 25 años de actividad, para poder acceder al
público potencial y crear acuerdos de asistencia y
colaboración, haciendo uso de las fortalezas del equipo
involucrado en el proceso, fortalezas que implican la alta
preparación y experiencia en el ámbito de la producción
cultural, la capacidad para identificar puntos comunes que
despierten interés para la participación, así como la
ventaja de disponer de un espacio teatral equipado apto
para la recepción de público y la apreciación de la obra y
sus lenguajes con óptimas condiciones. Estas fortalezas
del equipo permiten una previsión de los obstáculos que
pueden identificarse como la crisis energética del país,
para poder solventar de la mejor manera sobre la base de
la previsión y la búsqueda de alternativas.
Promoción y Difusión del Proyecto: Para llegar a los públicos planteados se diferenciará la
Plan diseñado para atraer a las estrategia de acuerdo a las características del público. Al
audiencias identificadas. Este plan debe plantearse la iniciativa de atraer públicos diversos que
describir cómo se difundirá el proyecto, convivan y participen activamente de la propuesta, el
las herramientas y medios que se fragmento de público correspondiente se recurrirá a las
utilizarán, y las estrategias específicas invitaciones personalizadas, utilización de chats barriales,
para alcanzar al público objetivo. de organizaciones juveniles etc. con los que el teatro
interactúa.

Para los demás fragmentos de público, la estrategia de

promoción y difusión de la obra se basará en:

[Link] expectativa del nuevo proyecto a estrenar de la

compañía

•Incrementar la visibilidad de la obra mediante

publicaciones creativas que capten la atención de
personas interesadas en las artes escénicas. (Realizarlo
meses previo a la presentación en las ciudades propuestas,
incrementando la cantidad de publicaciones conforme la
cercanía de las fechas).

•Crear contenido que fomenta la interacción y

participación: Lograr que la audiencia interactúe con las
publicaciones a través de encuestas, trivias, comentarios y
compartiendo contenido.

•Convertir el interés en asistencia: Promover la pre venta

de entradas y asegurar que los seguidores se conviertan en
espectadores.

[Link]ón de Audiencia Rango de edad: +16 a 55

años Ubicación: Quito

Intereses: Teatro, artes escénicas, entretenimiento

cultural, ocio, teatro alternativo, experiencias escénicas,
actividades culturales, filosofía.

[Link] a Utilizar

Instagram: Principal plataforma para publicaciones

visuales, stories y reels. Facebook: Para eventos, mayor
alcance y difusión orgánica.

TikTok: Promociones de corta duración y detrás de

cámaras que atraigan al público más joven.

YouTube (opcional): Clips más largos para mostrar

adelantos de la obra o entrevistas con los actores y
creadores.

Se realizará un análisis para determinar la pauta

publicitaria a través de redes sociales, a fin de generar
mayor alcance.

4. Calendario de Publicaciones

Pre-Evento (8 semanas antes):

• Creación de expectativa a través de preguntas,

encuestas o textos sugerentes que tengan relación a la
obra.

• Teasers visuales: Fragmentos del espectáculo,

ensayos, imágenes con colores vibrantes y detalles
misteriosos.

• Conoce al elenco: Presentar del grupo y su

trayectoria.

•Detrás de cámaras: Ensayos, preparación del escenario,

entrevistas cortas con los actores.

•Cuenta regresiva: Recordatorios semanales y diarios a

medida que se acerca la fecha de la función.
 Durante el Evento:

•Stories en vivo: Fragmentos de la presentación y

reacciones del público.

•Contenido generado por usuarios: Incentivar a los

asistentes a compartir sus experiencias usando un hashtag
único y etiquetando a la cuenta oficial.

Post-Evento:

•Reseñas y testimonios: Publicar comentarios y videos de

espectadores.

•Recap visual: Videos cortos con los mejores momentos

de la función.

[Link] Creativas

Uso de hashtags: Crear un hashtag propio.

Colaboraciones: Alianzas con influencers locales o

cuentas de cultura para amplificar el alcance.

Concursos y sorteos: Sorteo de entradas o experiencias

especiales para quienes compartan contenido o
interactúen con las publicaciones.

6.Métricas y Análisis

Seguimiento de interacciones (likes, comentarios,

compartidos). Monitoreo de la tasa de conversión de
interesados en asistentes. Evaluación del crecimiento de
seguidores y su nivel de participación.

7. Elaboración de agendas de medios, entrevistas y

reportajes en: radio, prensa y televisión (medios
tradicionales y digitales)

8. Encuentros y comunicación directa con espacios

concentrados de público (entidades e instituciones),
establecimiento de contactos, exposición del proyecto e
invitaciones

9. Elaboración e impresión de material POP: afiches,

banners, roll ups, recuerdos y obsequios brandeados por
la obra y el nombre de la compañía, como estrategias de
fidelización de los públicos

PROYECCIÓN DE LA CIRCULACIÓN
Descripción de acciones para asegurar Se planifica convocar un promedio de 80 personas por
la permanencia y circulación del función para las tres funciones de inicio que son parte de
proyecto, incluyendo temporadas de este proyecto, y posteriormente a la conclusión del
presentaciones, circulación, y presente proyecto se plantea un ciclo de presentaciones
estrategias de divulgación. con 80 personas en promedio por función en 12 funciones
en temporadas en la ciudad de Quito y 4 funciones
especiales en Guayaquil, Cuenca, Ambato y Puyo, con un
promedio de 80 personas por función, todo esto en
espacios consolidados desde el sector independiente y con
los que el grupo mantiene contacto y circulación
sostenida.

Se han identificado los públicos para este proyecto, con

los que se ejecutará un plan de convocatoria en el que se
incluirá tanto el público cautivo del Teatro Ojo de Agua
(seguidores y público que busca y sigue el trabajo del
grupo desde hace 25 años), el cual se reforzará a través de
estrategias de comunicación y fidelización; y el que se
identifica un público latente conformado por estudiantes
universitarios de artes y ciencias humanas de materias
específicas, talleres artístico creativos, grupos
organizados de interesados en discusión de temas
artísticos, filosóficos, sociales. Estas estrategias se
viabilizarán gracias a la experticia del equipo de
producción y comunicación, en diálogo permanente con
el equipo creativo. Se aprovechará la red de relaciones del
grupo Ojo de Agua que ha construido a lo largo de su
actividad, para poder acceder al público potencial y crear
acuerdos de asistencia y colaboración, haciendo uso de
las fortalezas del equipo involucrado en el proceso,
fortalezas que implican la alta preparación y experiencia
en el ámbito de la producción cultural, la capacidad para
identificar puntos comunes que despierten interés para la
participación, así como la ventaja de disponer de un
espacio teatral equipado apto para la recepción de público
y la apreciación de la obra y sus lenguajes con óptimas
condiciones.
Se recurrirá a la base de datos del Teatro Ojo de Agua
para realizar un trabajo de gestión encaminado a lograr la
participación del montaje en Festivales nacionales e
internacionales de teatro, a través de un trabajo sostenido
de producción y comunicación.
ENLACES
Enlace documentos de respaldo Texto escénico:
- Texto de la obra escénica (en caso
la obra no se base en un texto [Link]
escrito, deberá adjuntar un crOngEk5PXCjnAN0WS2Eitha_/view?usp=sharing
documento que informe sobre la
estructura y propuesta artística del Resultados de trabajos de mesa y exploraciones
espectáculo) corporales. Material audiovisual que documente ensayos:
- Resultados de los trabajos de mesa
[Link]
y exploraciones corporales.
voDfkOVZ5qQX3Fdf3os4YxkGYoz388s?usp=sharing
Material audiovisual que
documente ensayos o parte del Grabación de una escena de la obra:
proceso creativo. Grabación de una
escena de la obra (mínimo 10 [Link]
minutos). UHLKdNnTNd_ppZiZpCh?usp=sharing
Propuestas de bocetos o referencias Popuestas de bocetos de escenografía:
de escenografía, vestuario, música,
iluminación, y otros dispositivos [Link]
escénicos que permitan exponer la p658FPjEIYggOFZINDv?usp=sharing
propuesta visual de la puesta en escena.
Referencias para vestuario de personajes que serán
trabajados y adaptados:

[Link]
Q1lGDidzsRA1JCxhMhN?usp=sharing

Cvs del elenco artístico, equipo Cvs de equipo creativo:

creativo con respaldos de su
experiencia en producciones anteriores, [Link]
referencias de prensa y/o premios, y/o jDC6j6F8l_LfElE3NzzoB_3dksw7Y0?usp=drive_link
giras, y/o representaciones realizas).
Se recuerda que los proyectos deben Cvs Equipo Artístico:
estar compuestos por equipos de
[Link]
trabajo y elencos artísticos integrados
nqye-_GamwZ_9i1WDhL?usp=sharing
por artistas emergentes, de mediana
trayectoria o de larga trayectoria.
Cvs del equipo de producción con Cvs Equipo de producción:
respaldos de su experiencia en gestión
y administración de proyectos [Link]
culturales. 6y7Ne_b0bJjA7XNkb9u?usp=sharing
Se recuerda que los proyectos deben
estar compuestos por equipos de
trabajo y elencos artísticos integrados
por artistas emergentes, de mediana
trayectoria o de larga trayectoria.
Enlace a cartas de colaboración Carta acuerdo con Sala de Teatro:
Carta compromiso o acuerdo con [Link]
espacio para realizar ensayos, la 4ei1ojtIXF8-X/view?usp=sharing
función de estreno o coproducción.