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ECA Estudiante: Guillermina Brambilla

Curso: 1ro de Ciencias “B”

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 ÍNDICE
1. ECA
1.1. Que es ECA
1.2. Importancia de la materia de ECA
2. EL DIBUJO
2.1. Función
2.2. Importancia
2.3. Tipos de dibujo
3. COMICS
3.1. Origen
4. BELLEZA
4.1. Origen
4.2. Tipos
5. GENEROS TEATRALES
5.1 Tipos
6. ARTE
6.1. Tipos
6.2. Literatura

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 1. ECA
1.1.¿Que es ECA?
La Educación Cultural y Artística se refiere al proceso educativo que integra las artes y la
cultura en el currículo escolar. Su objetivo es fomentar en los estudiantes habilidades artísticas,
apreciación cultural y expresión creativa, además de promover el desarrollo personal.

1.2. Importancia
La educación cultural y artística desempeña un papel fundamental en el desarrollo integral
de los estudiantes y en la formación de una sociedad más enriquecida y diversa. En un mundo
cada vez más globalizado, donde las interacciones entre diferentes culturas son inevitables, es
crucial que los jóvenes adquieran competencias no solo académicas sino también culturales y
artísticas. A continuación, se presentan varias razones que destacan la importancia de incluir la
educación cultural y artística como materia escolar.

 Desarrollo de la creatividad y la innovación

La educación artística fomenta la creatividad, una habilidad indispensable en la sociedad
contemporánea. Al involucrar a los estudiantes en actividades como la música, la danza, el
teatro y las artes visuales, se les proporciona un espacio para explorar sus ideas, experimentar
con diferentes formas de expresión y desarrollar un pensamiento crítico. Esta creatividad no
solo es valiosa en el ámbito artístico sino que también se traduce en la capacidad de resolver
problemas de manera innovadora en otros campos, como la ciencia, la tecnología y los
negocios.

 Valoración y respeto por la diversidad cultural

Estudiar diversas expresiones culturales y artísticas permite a los estudiantes entender y
apreciar la riqueza de otras culturas. Este conocimiento fomenta la empatía y el respeto hacia
las diferencias, esenciales en un mundo donde la diversidad es la norma. La educación cultural
ayuda a combatir los prejuicios y estereotipos, promoviendo una convivencia armoniosa y
construyendo sociedades más inclusivas.
 Desarrollo de habilidades sociales y emocionales
Las actividades artísticas suelen ser colaborativas, lo que requiere que los estudiantes
trabajen en equipo, escuchen a los demás y se comuniquen de manera efectiva. Estas

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 interacciones son claves para el desarrollo de habilidades sociales, como la cooperación, la
negociación y la resolución de conflictos. Al mismo tiempo, la expresión artística permite a los
estudiantes explorar y gestionar sus emociones, contribuyendo a su bienestar emocional y a
una mejor salud mental.

 Fortalecimiento de la identidad personal y cultural

La educación cultural y artística permite a los estudiantes explorar sus propias raíces y
tradiciones, lo que es esencial para su desarrollo de identidad. A través de la investigación y la
creación, los jóvenes pueden conectar con su herencia cultural, comprendiendo mejor sus
orígenes y construyendo una identidad sólida y segura. Además, al conocer y valorar otras
culturas, amplían su horizonte y relativizan su propia perspectiva.

 Fomento de la apreciación estética y crítica.

La educación artística ayuda a desarrollar un sentido estético que no solo se limita a la
apreciación del arte, sino que se extiende a la vida cotidiana. Los estudiantes aprendan a
observar, analizar y criticar obras de arte, literatura y otras expresiones culturales, lo que les
permite adquirir una visión más profunda de la realidad que les rodea. Este tipo de pensamiento
analítico es fundamental en la formación de ciudadanos informados y comprometidos.

 Impulso al pensamiento crítico y reflexivo

La educación cultural y artística alimenta el pensamiento crítico, permitiendo a los
estudiantes cuestionar, reflexionar y formar sus propias opiniones sobre el mundo. Al
interactuar con distintas obras y tradiciones, los alumnos aprenden no solo a interpretar lo que
ven y oyen, sino también a argumentar sus ideas y defender sus puntos de vista, habilidades
que son altamente valoradas en la sociedad actual.

 Integración curricular y aprendizaje interdisciplinario

La educación cultural y artística no debe ser vista como una materia aislada, sino que puede
integrarse eficazmente con otras disciplinas. Por ejemplo, la historia del arte puede enlazarse
con la historia, la música con la literatura, y la danza con la educación física. Esta integración
promueve un aprendizaje más holístico y conectado, ayudando a los estudiantes a ver cómo las
diferentes áreas del conocimiento se interrelacionan.

 Preparación para el futuro laboral

En un entorno laboral en constante evolución, las habilidades artísticas y culturales son cada
vez más valoradas. Muchos empleadores buscan individuos que no solo tengan competencias
técnicas, sino que también puedan pensar de manera creativa y trabajar bien en equipo. La
educación cultural y artística proporciona a los estudiantes la oportunidad de desarrollar estas
habilidades, preparándolos mejor para el mercado laboral.

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 2. EL DIBUJO
2.1. Función
El dibujo es el acto de marcar una superficie con un instrumento que deja una huella, como un
lápiz, bolígrafo, carboncillo o tinta. Puede realizarse de manera rápida, como un boceto, o de
manera más elaborada, como en una ilustración detallada.
 Expresión Artística
El dibujo permite a los individuos expresar sus emociones, ideas y perspectivas de manera
visual. A través del uso de líneas, formas y colores, los artistas pueden comunicar sentimientos
y narraciones que a veces son difíciles de transmitir con palabras.

 Comunicación Visual
El dibujo sirve como un medio de comunicación visual. En campos como el diseño gráfico, la
ilustración y la publicidad, se utilizan dibujos para transmitir mensajes de forma clara y atractiva.
También se emplea en la educación para ilustrar conceptos y facilitar la comprensión.

 Documentación
El dibujo se utiliza para registrar y documentar situaciones, fenómenos y objetos. Por ejemplo,
los científicos utilizan dibujos para documentar sus observaciones sobre la naturaleza, mientras
que los arquitectos dibujan planos para representar sus diseños.

 Planificación y Diseño
En arquitectura, ingeniería y diseño, el dibujo es una herramienta fundamental para la
planificación. Los planos y bocetos permiten a los diseñadores visualizar ideas y realizar ajustes
antes de la construcción o producción.

 Desarrollo Cognitivo
El proceso de dibujar estimula habilidades cognitivas como la observación, la concentración y la
coordinación mano-ojo. Fomenta el desarrollo del pensamiento crítico y la resolución de
problemas, ya que los dibujantes deben observar y analizar detalladamente lo que están
representando.

 Educación
El dibujo es una herramienta valiosa en la educación, facilitando el aprendizaje en diversas
materias. A menudo se utiliza para ayudar a los estudiantes a visualizar conceptos abstractos,
mejorar su comprensión y fomentar la creatividad a través de actividad artística.

 Terapia y Bienestar
El dibujo se utiliza en terapias artísticas como una forma de expresión y liberación emocional.
Permite a las personas explorar y procesar sus emociones, reducir el estrés y mejorar el
bienestar mental.

 Estética
El dibujo también cumple una función estética, proporcionando placer visual y apreciación del
arte. Muchas personas disfrutan observando obras de arte y dibujos por su belleza y
creatividad.

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  Investigación y Estudio
En ramas académicas como la anatomía, la botánica y la zoología, el dibujo es una herramienta
de estudio que ayuda a entender mejor la estructura y características de los organismos.

2.2. importancia
El dibujo es una herramienta fundamental en nuestras vidas, y su importancia se refleja en
diversas áreas. En primer lugar, actúa como una forma poderosa de expresión personal; nos
permite comunicar nuestras emociones y experiencias de manera visual, algo que a menudo es
más difícil de hacer con palabras. Al dibujar, no solo creamos imágenes, sino que también
exploramos y procesamos nuestros sentimientos, lo que puede ser realmente terapéutico.

Además, el dibujo juega un papel crucial en el aprendizaje. Al visualizar conceptos a través de

dibujos, diagramas e ilustraciones, se facilita la comprensión y retención de información,
especialmente en materias complejas como ciencias y matemáticas. También estimula la
creatividad y el pensamiento innovador. Alentar a los estudiantes a dibujar les ayuda a pensar
de manera divergente y a encontrar soluciones originales a los problemas.

No debemos olvidar que el dibujo es una habilidad que desarrolla nuestras capacidades
motoras. Practicarlo mejora la coordinación mano-ojo, lo cual es esencial no solo para el arte,
sino para muchas actividades cotidianas. Y en el ámbito profesional, el dibujo se convierte en
un comunicador visual eficaz. Es vital en campos como el diseño gráfico y la arquitectura,
donde las visualizaciones son esenciales para transmitir ideas y proyectos.

Además, el dibujo se utiliza en la investigación y documentación. En ciencias, por ejemplo, los

ilustradores crean representaciones precisas de descubrimientos que ayudan a explicar y
difundir conocimientos. Y desde un punto de vista cultural, el dibujo ha sido una forma de arte y
comunicación a lo largo de la historia, reflejando nuestras tradiciones y valores.

En términos de bienestar emocional, el dibujo también tiene su lugar. Muchas personas

encuentran alivio de la ansiedad y el estrés a través de la creación artística, lo que demuestra
que puede ser un recurso valioso para mejorar nuestro estado de ánimo. Y, por último, el dibujo
es esencial en la preparación profesional para muchas carreras creativas y técnicas. La
habilidad de dibujar con precisión y originalidad puede ser decisiva en campos como el arte, el
diseño y la publicidad.

2.3. Tipos de dibujo

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  Dibujo a Lápiz
El dibujo a lápiz es una de las formas más básicas y accesibles de dibujo. Se
utiliza una variedad de lápices, que varían en dureza y suavidad, para crear
líneas, sombras y texturas. Los artistas pueden lograr una amplia gama de tonos
y matices mediante técnicas de sombreados, trazado y difuminado. Es común en
la ilustración, el diseño y el arte conceptual.

 Dibujo a Tinta
El dibujo a tinta se caracteriza por su uso de tinta líquida, lo que resulta en
líneas definidas y contrastes marcados. Se puede hacer con plumas finas,
pinceles o rotuladores. Los artistas pueden emplear técnicas como el
"hachurado" (trazos cruzados) para crear sombras y profundidad. Este tipo
de dibujo es popular en el diseño gráfico, las ilustraciones de cómics y las
obras de arte detalladas.

 Dibujo a Carboncillo
Este método utiliza varitas de carboncillo, un material que permite crear
trazos oscuros y suavecitos. Es especialmente útil en el dibujo de retratos y
figuras, ya que permite difuminar y mezclar fácilmente los tonos. Los artistas
suelen usar sus dedos o herramientas como esponjas para lograr efectos de
suavidad y textura.

 Dibujo Digital
El dibujo digital se realiza en dispositivos electrónicos, como tablets y
computadoras, utilizando software especializado. Ofrece una flexibilidad
incomparable al permitir hacer cambios fácilmente, probar diferentes
colores y herramientas. Los artistas digitales pueden crear obras de arte
que imitan técnicas tradicionales o explorar estilos completamente nuevos, como el arte
generado por computadora.

 Dibujo a Pastel
Los pasteles son colores en forma de barras que se prensan y pueden ser
de diferentes tipos: blandos, duros o al óleo. Los dibujantes pueden crear
colores vibrantes y texturas ricas. Este tipo de dibujo es popular en retratos
y paisajes, ya que permite una mezcla suave de colores. El uso de fijadores
es común para preservar la obra final.

 Dibujo de Perspectiva

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 El dibujo de perspectiva implica representar objetos en tres dimensiones sobre un plano
bidimensional. Utiliza líneas de fuga y puntos de fuga para crear la ilusión de profundidad y
dimensionalidad. Este es un componente esencial de la ilustración arquitectónica y la
representación escenográfica, ya que permite mostrar cómo se ven los espacios desde
diferentes ángulos.

 Dibujo Técnico
El dibujo técnico es una forma precisa y estandarizada de representar
objetos y estructuras, utilizada frecuentemente en arquitectura, ingeniería y
diseño industrial. Este tipo de dibujo incluye vistas ortogonales, cortes,
secciones y cotas, que explican las dimensiones y especificaciones de los
objetos representados.

 Dibujo de Figura
El dibujo de figura se centra en la representación del cuerpo humano en
diversos posturas y movimientos. Los artistas pueden trabajar con modelos
en vivo o referencias fotográficas para capturar la forma y el dinamismo del
cuerpo. Esta práctica ayuda a mejorar la comprensión de la anatomía,
proporciones y gestualidad.

 Dibujo de Naturaleza Muerta

El dibujo de naturaleza muerta consiste en representar objetos inanimados
como frutas, flores, utensilios o cualquier objeto cotidiano. Este tipo de
dibujo permite a los artistas explorar la luz, la sombra y la textura, así como
practicar la composición. Es un ejercicio clásico en el entrenamiento artístico que promueve la
observación detallada.

 Dibujo de Caricaturas
El dibujo de caricaturas exagera características físicas o rasgos de
personalidad de una persona o personaje, a menudo con un enfoque
humorístico o satírico. La caricatura puede ser una forma poderosa de
crítica social o simplemente una representación divertida y entretenida.
Los caricaturistas suelen usar la exageración y la simplificación para
lograr un efecto cómico.

3. COMIC
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 3.1. Origen
Se remontan a relieves antiguos, pero el cómic moderno surgió en el siglo XIX con tiras en
periódicos, como "The Yellow Kid" (1895).

Edad de Oro (1930-1950): Nacimiento de superhéroes icónicos como Superman y Batman.

Edad de Plata (1956-1970): Revitalización con personajes como Spider-Man y temas más
complejos.

Edad de Bronce (1970-1985): Enfoque en problemas sociales y oscuros.

Edad Moderna (1985-presente): Diversificación en géneros y narrativas más profundas.

FORMATOS

Tiras cómicas: Secciones breves en periódicos.

Cómics de revista: Historias más largas en revistas.

Novelas gráficas: Libros de cómic con narrativas completas.

Webcomics: Publicados en línea, accesibles y diversos.

GENEROS

Superhéroes, ciencia ficción, fantasía, horror, autobiografía y realismo.

IMPACTO CULTURAL

Los cómics han influido en películas, videojuegos, y literatura, siendo herramientas importantes
para abordar cuestiones sociales.

4. BELLEZA
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 4.1. Origen
A lo largo de la historia, el concepto de belleza ha sido un tema fascinante y debatido. Desde los tiempos
de los filósofos clásicos, como Platón y Aristóteles, la belleza se ha considerado un aspecto esencial de
nuestra existencia. Platón veía la belleza como algo ideal y trascendental, algo que estaba relacionado con
la verdad y lo divino. Por otro lado, Aristóteles la definía a través de la proporción y la simetría,
argumentando que lo bello es lo que resulta armónico.

En las culturas antiguas, especialmente en Grecia y Roma, la belleza se reflejaba en la escultura y la

arquitectura, donde el ideal físico y las proporciones perfectas eran altamente valorados. Durante la Edad
Media, ese concepto cambió un poco; la belleza se conectó más con la espiritualidad y lo sagrado, y se
podía ver en las creaciones artísticas, especialmente en la impresionante arquitectura gótica.

Luego, en el Renacimiento, se volvió a despertar el interés por los ideales estéticos clásicos, y artistas
como Botticelli y Miguel Ángel representaron la belleza a través de la forma humana, dándole un enfoque
casi idealizado. Sin embargo, al llegar a los siglos XIX y XX, el concepto de belleza comenzó a
democratizarse. Se empezaron a explorar nuevas formas de arte y estilos, desde el impresionismo hasta el
arte abstracto, desafiando las nociones tradicionales.

Hoy en día, entendemos la belleza de una manera mucho más amplia e inclusiva. La percepción de lo
bello varía según la cultura, la historia y, por supuesto, nuestras experiencias personales. En la actualidad,
se valora la diversidad y la singularidad, lo que nos recuerda que la belleza está en todas partes,
simplemente esperando ser reconocida

4.2. Tipos
Belleza Natural
Se refiere a la belleza que encontramos en la naturaleza y en los seres vivos sin intervención humana,
como paisajes, flores, animales y la apariencia genuina de las personas. Esta belleza es valorada por su
autenticidad y espontaneidad.
Belleza Artificial
Este tipo de belleza es creada o mejorada mediante la intervención humana, ya sea a través del arte, la
moda o la cosmetología. Ejemplos incluyen la arquitectura, la decoración, el maquillaje y el estilismo. La
belleza artificial puede realzar lo natural, pero también puede ser completamente creada sin referencia a la
naturaleza.
Belleza Física
Se enfoca en la apariencia exterior de las personas, reflejada en características como la simetría facial,
la figura y el estilo personal. La belleza física a menudo está influenciada por estándares culturales y
sociales que pueden variar con el tiempo y entre diferentes sociedades.
Belleza Interior
Este concepto se centra en las cualidades y valores internos de una persona, como la bondad, la
compasión, la inteligencia y la autenticidad. La belleza interior es a menudo considerada más duradera y
significativa que la belleza física, ya que se relaciona con la personalidad y el carácter de alguien.

5. GENEROS TEATRALES

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 5.1. Tipos

Los géneros teatrales son categorías que agrupan obras de teatro según sus características temáticas,
estilísticas y estructurales. A lo largo de la historia, se han desarrollado diversos géneros, cada uno con sus
propias convenciones y objetivos.

1. Tragedia

Se centra en temas serios y profundos, a menudo abordando la lucha del ser humano contra el destino
o sus propios defectos. Los personajes suelen ser de alta posición social y enfrentan conflictos trágicos que
conducen a un desenlace desafortunado. Ejemplos clásicos incluyen las obras de Sófocles y Shakespeare.
2. Comedia

Presenta situaciones humorísticas y busca provocar la risa. A menudo explora la vida cotidiana, los
conflictos sociales y los errores humanos de una manera ligera. Los personajes pueden ser arquetipos,
como el amante torpe o el ancianogruñón. Ejemplos incluyen las obras de Molière y las comedias de
enredos.
3. Drama

Abarca temas serios y realistas, pero sin el tono trágico de la tragedia. Los dramas a menudo
examinan conflictos humanos, relaciones y dilemas morales, mostrando una evolución emocional de los
personajes. Ejemplos conocidos son las obras de Henrik Ibsen y Anton Chéjov.
4. Melodrama

Se caracteriza por su uso de emociones extremas y situaciones sensacionales. A menudo implica

conflictos claros entre el bien y el mal y busca evocar sentimientos intensos en el público. Es común en
obras del siglo XIX y en ciertos formatos de cine y televisión.
5. Farsa

Un subgénero de la comedia que utiliza el absurdo, la exageración y situaciones ridículas. La farsa se

basa en malentendidos y en la comedia física para provocar la risa. Es más rápida y exagerada que una
comedia tradicional.
6. Teatro Musical

Combina actuación, canto y danza. Las historias se narran a través de la música y las letras de las
canciones. Este género abarca una amplia gama de temas, desde dramas personales hasta comedias ligeras,
como "El Fantasma de la Ópera" y "Hamilton".
7. Teatro Experimental/De Vanguardia

Se aleja de las convenciones tradicionales del teatro, buscando nuevas formas de expresión y
narrativa. Puede incluir elementos multimedia, estilos de actuación no convencionales y una ruptura con la
cuarta pared.
8. Teatro de Calle

Se presenta al aire libre y busca involucrar al público de manera directa y participativa. Puede abarcar
diversos géneros, desde comedia hasta drama, adaptándose al espacio público y a los espectadores.

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6. GENEROS TEATRALES
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 6.1. Tipos

Las siete artes principales, tradicionalmente reconocidas, se clasifican generalmente de la siguiente

manera:

Arquitectura

El arte de diseñar y construir edificios y otros espacios. Combina funcionalidad y estética,

considerando factores como el entorno, la luz y las proporciones.
Escultura

La creación de formas tridimensionales a partir de diversos materiales como piedra, metal, madera o
cerámica. Puede ser tanto figurativa como abstracta, y se desarrolla a través de técnicas de modelado,
tallado o ensamblado.
Pintura

Consiste en aplicar pigmentos en superficies como lienzos, papel o muros para crear imágenes. La
pintura abarca diversos estilos y técnicas, incluidos óleo, acuarela y acrílico.
Música

El arte de organizar sonidos y silencios en el tiempo. La música se expresa a través de diferentes

géneros y estilos, combinando melodías, armonías y ritmos.
Danza

La expresión artística a través del movimiento del cuerpo, diseñada para ser interpretada en un
espacio escénico. Incluye diversas formas, como ballet, danza contemporánea, folklórica y más.
Teatro

Considerado una forma de arte escénico que combina actuación, diálogos y elementos visuales para
representar historias en un escenario. Puede incluir tanto obras de ficción como de no ficción.

Cine

La creación de películas, que combina elementos visuales, narrativos y sonoros para contar historias a
través de imágenes en movimiento. Se considera una síntesis de múltiples artes, incluyendo la literatura, la
música y la actuación.

LITERATURA
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 La literatura es un tipo de expresión artística que se vale del uso del lenguaje oral o escrito. El autor
hace un uso estético de la palabra a fin de expresar una idea, sentimiento, experiencia o historia (real o
ficticia), de manera no convencional.

Las descripciones en los relatos literarios tienen la capacidad de exponer emociones, sensaciones,
olores, sabores, lugares, personajes y situaciones gracias a la función poética del lenguaje.

La literatura como arte se caracteriza por usar elementos estéticos, generar placer por la lectura,
despertar la imaginación del lector y ser capaz de trasladarlo a lugares y tiempos inimaginables.

Este término también designa el conjunto de producciones literarias de una región o una época.
Asimismo, es el nombre de la teoría que estudia las obras literarias, además de referirse al conjunto de
obras que tratan sobre un tema determinado.

Características de la literatura
Es una expresión artística antigua, los primeros vestigios datan aproximadamente del año 3000 a.C., y una
de las obras más antiguas conservadas es el Poema de Gilgamesh.
Surge de la creatividad y originalidad de cada autor para exponer historias reales basadas en
experiencias o sensaciones, así como para crear historias ficticias y cargadas de imaginación y fantasía.
Está compuesta por tres géneros que son: lírico, épico o narrativo, y dramático.
El lenguaje empleado en las obras literarias cumple una función poética y estética.
Las descripciones de los relatos se valen del uso de las figuras literarias o figuras retóricas, que son
formas no convencionales del uso del lenguaje. Por ejemplo, la metáfora, el símil, el oxímoron, entre
otros.
Se divide en corrientes literarias que se diferencian entre sí por las características que comparten sus
obras, como el estilo, la crítica, la temática o el periodo histórico.
La disciplina que se encarga de estudiar la literatura y analizar la construcción de su discurso es la
teoría de la literatura.

Tipos de literatura
En función de su forma, fondo y la temática que aborda, podemos encontrar diferentes tipos de
literatura, como por ejemplo:

Literatura infantil: se refiere a las obras literarias escritas para el público infantil. Se caracteriza por
hacer un amplio uso de imágenes y puede abarcar los tres géneros literarios. En la literatura infantil se
emplea un lenguaje sencillo y descripciones simples fáciles de interpretar por los niños.

Literatura de no ficción: se trata de aquellos relatos de historias reales como, por ejemplo, las
autobiografías.

Literatura de fantasía: se refiere a aquellos relatos cargados de imaginación en la que se describen

hechos y personas irreales como, por ejemplo los libros de Harry Potter de J. K. Rowling.

Literatura de ficción: es aquella que mezcla relatos y descripciones de hechos o personajes reales o
ficticios. Por ejemplo, relatos de eventos paranormales.

Para qué sirve la literatura

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 El término literatura se utiliza para denominar diversos tipos de obras bien fuesen orales o escritas, en
verso, prosa o como una obra dramática. Entre sus principales funciones podemos destacar:

Función expresiva: sirve para expresar sentimientos y emociones.

Función estética:una obra literaria puede alcanzar la belleza a través del uso estético del lenguaje.
Función lúdica: la literatura al servicio del entretenimiento del lector.
Función didáctica: cuando la obra literaria, además de entretener, ofrece un aprendizaje.
Función crítica: literatura que expone un pensamiento o denuncia un contexto social.
A partir del ligo XVIII comenzó a hacerse uso de la palabra ‘literatura, sin embargo, no fue hasta el
siglo XIX que el término tomó el sentido con el cual se conoce en la actualidad.

Posteriormente, en siglo XX el Formalismo ruso, en especial Roman Jakobson estudió con

detenimiento aquello que era definido como literatura y sus características. De esta manera, logró
diferenciar la función poética y estética del lenguaje, de la escritura utilizada para emitir un mensaje.

No todo lo que se escribe se considera literatura, por ejemplo los textos periodísticos o las
investigaciones académicas no cumplen con una función poética del lenguaje, aunque sí compartan un
mensaje o información.

La literatura es propia de la cultura del ser humano y sus características dependen de cada época y el
lugar donde se ha desarrollado.

Géneros literarios
La literatura se divide en géneros literarios que consiste en una clasificación de las obras en función
de ciertos factores formales y semánticos. La clasificación tradicional de los géneros literarios establece
tres grandes tipos:

Lírico: se caracteriza por estar escrita en verso. Se incluyen composiciones como la elegía, el himno,
la oda, la égloga o la sátira.
Épico o narrativo: su contenido está narrado en prosa o en versos largos. Pertenecen a este género la
epopeya, los cantares de gesta, el cuento y la novela.
Dramático: integrado por las obras y composiciones teatrales, como la tragedia, la comedia, la farsa
o el sainete.
Historia de la literatura
A continuación analizaremos los periodos y movimientos más importantes de la literatura siguiendo
un orden cronológico, los principales autores y las obras más relevantes.

Literatura antigua
Para establecer los orígenes de la literatura debemos remontarnos a las antiguas civilizaciones. Fue en
los imperios de la Antigua Mesopotamia, y en otras culturas orientales, como la china e hindú, donde
surgieron los primeros vestigios de obras literarias.

El Poema de Gligamesh está fechado aproximadamente del año 2000 a.C. Es el texto literario más
antiguo conservado, un poema épico que narra las hazañas de este héroe sumerio.

Los Vedas, son los textos más antiguos de la India, y conforman cuatro libros llamados Rig-veda,
Sama-veda, Yajur-veda y Atharva-veda. Inicialmente su transmisión se realizaba de forma oral,
posteriormente fueron redactados en lengua sánscrita entre el 1500 y el 500 a.C.

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 Otro de los libros más antiguos encontrados es el Libro de los muertos, que data del siglo XIII a.C.,
un texto funerario del Antiguo Egipto.

Los textos sagrados que forman parte de La Biblia fueron escritos, conjugando la prosa y el verso,
entre los años 900 y 100 a.C. y se dividen en dos grandes bloques, el Antiguo Testamento y el Nuevo
Testamento.

Otros muchos volúmenes pertenecientes a la literatura antigua desaparecieron en el gran incendio de

la Biblioteca de Alejandría, en el año 49 a.C.

Vea también Literatura antigua.

Literatura clásica
La literatura clásica comprende las obras escritas en griego antiguo y latín, y su periodo se extiende
entre los siglos X a.C. y el siglo V, con la caída del Imperio Romano.

Forman parte de las obras literarias más importantes de la cultura occidental porque tuvieron gran
influencia en la literatura posterior. Fue durante esta época que se expusieron las creencias de la mitología
griega.

Las obras literarias clásicas se caracterizan por narrar en verso (poemas épicos, líricos o dramáticos).
Algunos de los autores y obras más destacados fueron:

La Ilíada, La Odisea, Homero.

Trabajos y días, Teogonía, Hesíodo.
Los Persas, Las suplicantes, Esquilo.
Edipo Rey, Antígona, Sófocles.
Medea, Andrómaca, Las Troyanas, Eurípides.
Himno a Afrodita, Safo.
La Eneida, Bucólicas, Geórgicas, Publio Virgilio Marón.
Anfitrión, Aulularia, Plauto.
Las Metamorfosis, El arte de amar (Ars Amandi), Ovidio.
Vea también Literatura griega.

Literatura medieval
La literatura medieval es aquella que se produjo entre la caída del Imperio Romano en el año 476 y la
llegada de Colón a América en el año 1492. La literatura medieval fue el periodo en el cual surgieron las
primeras manifestaciones literarias en castellano.

Durante ese periodo, la iglesia como institución, se apoderó de la literatura y el conocimiento. Los
monjes tenían acceso a libros y traducciones de textos, la posibilidad de educarse y de redactar escritos.
Por ello, la literatura medieval se caracteriza por exponer un pensamiento religioso dominante.

Sin embargo, también existen composiciones en las que predominan los temas populares como los
cantares de gesta, propios de la tradición oral que posteriormente se recogerían por escrito, además de
otros tipos de narrativa.

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 Algunas de las obras más relevantes de literatura medieval son:

El Cantar del Mío Cid, anónimo.

Beowulf, anónimo.
El Cantar de Roldán, anónimo.
El libro del buen amor, Juan Ruiz, Arcipreste de Hita.
Milagros de Nuestra Señora, de Gonzalo de Berceo.
El Conde Lucanor, Don Juan Manuel.
Vea también Literatura medieval.

Literatura renacentista
La literatura renacentista se desarrolló durante los siglos XV y XVI y se caracteriza por idealizar y
plasmar la realidad, así como por tomar la naturaleza como símbolo de perfección y equilibrio.

Fue un periodo marcado por la llegada de la imprenta y la posibilidad de almacenar y difundir el

conocimiento. La literatura del Renacimiento deja de centrarse en lo divino y religiosos para dedicarse a lo
humano.

Algunas de las obras exponentes de esta literatura son

El príncipe, de Nicolás Maquiavelo.

Decamerón, Giovanni Bocaccio.
La Divina Comedia, Dante Alighieri.
Cancionero, Francesco Petrarca.
Ensayos, de Michel de Montaigne.
La Celestina, Fernando de Rojas.
Os Lusíadas, Luís de Camões.
Vea mas sobre Literatura renacentista.

Literatura barroca
El Barroco fue un movimiento artístico que se desarrolló durante los siglos XVI y XVII. Una
evolución de las bases del Renacimiento que se caracteriza por el uso del lenguaje culto y erudito, en
ocasiones con excesivas figuras literarias.

Un movimiento impulsivo, marcado por la agitación social y diversos conflictos, que supone un
retorno a la oscuridad, a la incertidumbre.

A este período pertenecen los principales autores del Siglo de Oro de la literatura española. Algunas
obras de la literatura barroca y sus autores:

El ingenioso hidalgo Don Quijote de la Mancha, Miguel de Cervantes.

La vega del Parnaso, Fuenteovejuna, Lope de Vega.
La vida es sueño, Pedro Calderón de la Barca.
El enfermo imaginario, Molière.
Romeo y Julieta, Hamlet, Macbeth, William Shakespeare.
Vea también Literatura barroca.

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 Literatura de la Ilustración
El siglo XVIII fue conocido como el Siglo de las Luces porque tuvo lugar el despertar del
conocimiento, la luz frente a la oscuridad que genera la ignorancia.

Influenciada por un fuerte carácter didáctico, la literatura de este periodo está integrada por las obras
de importantes pensadores y filósofos, entre los que podemos destacar:

¿Qué es la Ilustración?, Inmanuel Kant.

El discurso del método, Renè Descartes.
Fábulas, Tomás de Iriarte.
Fábulas, Félix María de Samaniego.
La Enciclopedia, Denis Diderot.
Robinson Crusoe, Daniel Defoe.
Cándido, Voltaire.
Literatura del Romanticismo
La literatura durante el Romanticismo se desarrolló a finales del siglo XVIII en Europa,
específicamente, en Alemania, hasta finales del siglo XIX.

Las obras literarias se caracterizaron por tener un predominio del “yo”, del pesimismo que se
desprende de su ánimo, del descontento con el mundo que les rodea y el deseo de evasión hacia otros
tiempos o espacios.

Surgen con esta corriente la belleza de lo siniestro y lo monstruoso, como símbolos de rebeldía contra
lo previamente establecido.

De esta época se destacan las siguientes obras y autores:

Cuentos de terror, Edgar Allan Poe,

Fausto, Johann Wolfgang von Goethe.
Frankenstein o El moderno Prometeo, Mary Shelly.
Drácula, Bram Stoker.
Los miserables, El rey se divierte, Víctor Hugo.
Leyendas, Gustavo Adolfo Bécquer.
Vea también Literatura del romanticismo.

Literatura contemporánea
La literatura contemporánea surge a partir de la Revolución Francesa, en 1789, hasta el presente.

Algunos de los estilos que surgen durante este período son el Realismo, el Modernismo y la literatura
de Vanguardia.

Esta literatura se caracteriza por haber estado constantemente en renovación debido a los complejos
cambios sociales, políticos y culturales que ocurrieron a lo largo del siglo XIX.

El resultado final de las obras deja reflejado cómo se rompe con las tendencias anteriores y se expone
la realidad del momento a través de la originalidad.

Algunas obras y autores de este período son:

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 Oliver Twist, Charles Dickens.
Ana Karenina, Guerra y paz, León Tolstói.
Crimen y castigo, Los hermanos Karamazov, Fiódor Dostoyevski.
El extranjero, La peste, Albert Camus.
La Metamorfosis, El proceso, Franz Kafka.
Cien años de soledad, El coronel no tiene quien le escriba, Gabriel García Márquez.
Romancero gitano, Bodas de sangre, Poeta en Nueva York, Federico García Lorca.

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