L A T R I A D A D E L D I V A G U E

NOCIONES BÁSICAS

DE LAS ARTES

VISUALES

MATERIAL DE
LECTURA

M A R I S O L F E R N Á N D E Z R E C A L D E
 LA TRÍADA DEL DIVAGUE

NOCIONES BÁSICAS DE LAS

ARTES VISUALES

Marisol Fernández Recalde

 PROYECTO
La tríada del divague

EDICIÓN Y DISEÑO
Marisol Fernández Rec alde

ILUSTRACIONES
Imágenes con lic enc ia libre
extraídas de [Link] m

PROPIEDAD INTELECTUAL
Creative Commons

Asunción, Paraguay
2019
 Licencia Creative Commons

Usted es libre de
Compartir: Copiar y redistribuir el material en
cualquier formato y medio
Adaptar: Remezclar, transformar y construir a partir
del material

Bajo los siguientes términos

Atribución: Usted debe dar crédito de manera
adecuada, brindar un enlace a la licencia e indicar si
se han realizado cambios. Puede hacerlo en
cualquier forma razonable, pero no de forma tal
que sugiera que usted o su uso tienen el apoyo de la
licenciante.
No comercial: Usted no puede hacer uso del
material con propósitos comerciales
Compartir igual: Si remezcla, transforma o crea a
partir del material, debe distribuir su contribución
bajo la misma licencia del original.

Esta obra está licenciada bajo la Licencia Creative Commons

Atribución-NoComercial-CompartirIgual 4.0 Internacional. Para
ver una copia de esta licencia, visite
[Link]
 Presentación
Este curso, que trata sobre las Artes Visuales, se
encuentra dsponible en la plataforma Udemy. El mismo
incluye videos, presentaciones filmadas, material de
lectura, ejercicios de reflexión y examen final.
El motivo de su creación fue para explicar sobre la
carrera de Artes Visuales, cuáles son las disciplinas que
incluyen la profesión, algunas nociones básicas
relacionadas a la misma y las posibles salidas laborales.
El material de lectura que tiene en sus manos recolecta
toda la información brindada en el curso, así como otros
datos relacionados con las Artes Visuales, cómo postular
a la carrera y recomendaciones de textos, artículos y
libros para leer si quiere profundizar más sus
conocimientos en las Artes Visuales.
Si bien dicho documento se obtiene al finalizar el curso,
puede ser descargado y distribuido de cualquier modo
conocido, ya sea imprimiéndolo, guardándolo en la
nube o compartiéndolo por correo electrónico. Por lo
tanto, todo el contenido está bajo licencia Creative
Commons, una licencia aplicable a todo tipo de
formato de índole educativa, artística, informativa y
multimedial.
Desde ya gracias a los que siguieron el curso y espero
que este material les sirva de ayuda para sus estudios o
investigaciones sobre el tema.
 Sobre mí

Mi nombre es Marisol Fernández Recalde. Nací el 13 de

noviembre de 1990 en Asunción, Paraguay. En el 2015
obtuve la licenciatura en Artes Visuales y, al año siguiente,
estudié la especialización en Didáctica de la Educación
Superior en la Universidad Nacional de Asunción,
departamento de posgrado. En el 2017 comencé a trabajar
como profesora auxiliar en el Instituto Superior de Arte (ISA),
dependiente de la Facultad de Arquitectura de la
Universidad Nacional de Asunción.
 Introducción

Este curso fue creado con el objetivo de explicar de qué trata

las Artes Visuales, algunas disciplinas que puedes aprender
durante la carrera y aspectos a tener en cuenta por si quieras
postular a la carrera.
El curso estará dividido en cuatro unidades. En la primera
unidad daríamos los conceptos básicos del arte, artistas
destacados y la diferencia entre las artes plásticas y las artes
visuales.
En la segunda unidad veríamos los aspectos a tener en cuenta
en las artes visuales. ¿De qué trata la carrera? ¿Cuáles son
las disciplinas que abarcan las artes visuales?
En la tercera unidad daríamos los periodos históricos y la
lectura de un fragmento del libro “Sobre lo espiritual en el arte”
de Kandinsky.
En la última unidad daríamos una reflexión sobre la profesión
de las artes visuales, las salidas laborales y un resumen de
todo el curso, a modo de repaso para el examen final.
Con este curso espero que el alumno logre entender los
diversos conceptos de arte. También que pueda obtener las
herramientas suficientes para aplicar a la carrera y desarrolle
sus conocimientos previos con lo que aprenderá a lo largo del
curso para aplicarlo a sus futuros trabajos y proyectos.
 Unidad I: Conceptos
básicos
¿Qué es el arte? Etimología y concepto

¿Qué es el arte? ¿De dónde surge el término? ¿Cómo fue

evolucionando el concepto a lo largo de la historia? Esto y más
se pregunta toda persona que desea iniciarse en el mundo del
arte.
La palabra “Arte” proviene del latín “Ars”, “Artis”, y del griego
“Techné”. Originalmente se refería a toda la producción
realizada por el hombre y a la disciplina del saber hacer. Con el
tiempo, el término latino “Ars” se utilizó para designar las
disciplinas relacionadas con lo estético y lo emotivo, mientras
que el término griego “Techné” se relacionó con las discplinas
que tienen que ver con las producciones intelectuales y de
artículos de uso.
Mucho se dice sobre el arte, pero aún no se sabe con
exactitud cómo el ser humano tuvo la necesidad de
desarrollar el arte. Se dice que, desde la aparición del Homo
Sapiens, el arte tuvo una función ritual, relacionada con la
magia y la religión. El arte fue desarrollándose a lo largo de
los siglos y variando de acuerdo a las civilizaciones y las
épocas.
En la antigua Grecia el arte se clasificó en seis disciplinas: La
arquitectura, la danza, la escultura, la música, la pintura y la
literatura. Esa clasificación se mantiene hasta el presente por
la mayoría de los estudiosos, agregando al cine como el
séptimo arte, a la fotografía como el octavo, y a la historieta
como el noveno arte. Aunque estas dos últimas disciplinas se
las considera más bien una extensión de la pintura y el cine.
Fue durante el Renacimiento que surgió el concepto de
“Bellas Artes”, separándose por completo de la artesanía, el
cual se encargaba de la producción de objetos en masa con
fines utilitarios. Mientras que las Bellas Artes se encargaba
de la creación de obras únicas, sin un fin utilitario más que el
deleite del espectador.
El concepto de que “El arte es bello” fue cambiando entre el
siglo XVIII y XIX, con el surgir de la Ilustración y los avances
tecnológicos de esos periodos históricos. Los artistas
buscaron otras formas de expresarse y muchos empezaron a
representar al pueblo. También están los que mostraron
interés por la naturaleza o los diversos movimientos sociales.
En el siglo XX, el arte sufrió un cambio radical en su
concepto y formas de representación. Con el auge
tecnológico y diversos cambios sociales surgidos a lo largo
del siglo, los artistas comenzaron con la búsqueda de
conceptos subjetivos y el rechazo al academicismo impuesto
por las Bellas Artes. El arte actual va en constante
transformación, en búsqueda de nuevos lenguajes e
interpretaciones de la realidad del artista, ya sea de lo que lo
rodea o de su mundo interno.
Definiciones de arte dichas por artistas

El arte es una actividad humana consciente capaz de

reproducir cosas, construir formas, o expresar una
experiencia, si el producto de esta reproducción, construcción,
o expresión puede deleitar, emocionar o producir un choque.
Władysław Tatarkiewicz.

“El arte es magia liberada de la mentira de ser verdad.” –

Theodor Adorno

“El arte es un medio de comunicación por el que un mente

llega hasta otra, salvado un gran foso en el espacio y en el
tiempo, así somo a través de la muerte.” – Francis Hoyland

“Una obra de arte no puede separarse de su autor.” –

Immanuel Kant

“El arte es la única tarea suprema y actividad metafísica en

esta vida.” – Friedrich Nietzsche

“Sólo a través del arte podemos emerger de nosotros mismos

y saber lo que otros ven” – Marcel Proust
 Artistas destacados
Son muchos los artistas que surgieron a lo largo de la historia.
Nombrarlos a todos sería complicado. Por lo tanto, en este
video, hablaré sobre los diez artistas más destacados de la
historia, exponiendo un resumen de sus vidas y sus aportes al
arte en general.
PABLO PICASSO (1881-1973) – La
trascendencia de Picasso no se agota en
la fundación del cubismo, revolucionaria
tendencia que rompió definitivamente
con la representación tradicional al
liquidar la perspectiva y el punto de vista
único. A lo largo de su dilatada trayectoria, Pablo Picasso
exploró incesantemente nuevos caminos e influyó en todas la
facetas del arte del siglo XX, encarnando como ningún otro la
inquietud y receptividad del artista contemporáneo. Su total
entrega a la labor creadora y su personalidad vitalista, por otra
parte, nunca lo alejarían de los problemas de su tiempo; una
de sus obras maestras, el Guernica (1937), es la mejor
ilustración de su condición de artista comprometido.

LEONARDO DA VINCI (1452-1519) – En el

plano artístico, Leonardo conforma, junto con
Miguel Ángel y Rafael, la tríada de los
grandes maestros del Cinquecento, y, pese a
la parquedad de su obra, la historia de la
pintura lo cuenta entre sus mayores genios.
Por los demás, es posible que de la
poderosa fascinación que suscitan sus obras maestras (con La
Gioconda la cabeza) proceda aquella otra fascinación en torno
a su figura que no ha cesado de crecer con los siglos,
alimentada por los múltiples enigmas que envuelven su
biografía, algunos de ellos triviales, como la escritura de
derecha a izquierda, y otros ciertamente inquietantes, como
aquellas visionarias invenciones cinco siglos adelantadas a su
tiempo.

JACKSON POLLOCK (1912-1956) –

Durante su infancia y su
adolescencia vivió en Arizona y
California, y en 1929 se trasladó a
Nueva York para estudiar pintura con
Benton en el Art Students League.
Durante su período de formación

conoció la pintura de los muralistas mexicanos (Rivera,

Siqueiros, Orozco), que le impresionó hondamente. El año
1947 fue decisivo en su trayectoria, ya que fue cuando adoptó
la peculiar técnica del dripping: en lugar de utilizar caballete y
pinceles, colocaba en el suelo el lienzo y sobre él vertía o
dejaba gotear la pintura, que manipulaba después con palos u
otras herramientas, e incluso a veces le daba una gran
consistencia mediante la adición de arena o fragmentos de
vidrio.
MIGUEL ÁNGEL (1475-1564) – Fue un
hombre solitario, iracundo y soberbio,
constantemente desgarrado por sus pasiones
y su genio. Dominó las cuatro nobles artes
que solicitaron de su talento: la escultura, la
pintura, la arquitectura y la poesía, siendo en
esto parangonable a otro genio polifacético
de su época, Leonardo da Vinci. Durante su larga vida amasó
grandes riquezas, pero era sobrio en extremo, incluso avaro, y
jamás disfrutó de sus bienes. Entre sus obras famosas se
encuentran los frescos de la Capilla Sixtina y El David.
 FRANCISCO DE GOYA (1746-1828) -
Goya es un enigma. En toda la historia
del Arte pocas figuras resultan tan
complejas para el estudio como el genial
artista nacido en 1746 en Fuendetodos.
Inquieto e inclasificable, pintor sin rival en
toda su vida, Goya fue pintor de corte y pintor del pueblo. Fue
pintor religioso y pintor místico. Fue autor de la belleza y
erotismo de La Maja desnuda y del explícito horror de Los
fusilamientos del 3 de Mayo. Fue pintor al óleo, al fresco,
dibujante y grabador. Y nunca paró su metamorfosist

VINCENT VAN GOGH (1853-1890) – Pocos

nombres en la historia del Arte son hoy tan
famosos como el de Van Gogh, pese al
completo olvido que sufrió en vida. Su
pintura, vigorosa y personal, es una de las
grandes influencias a la pintura del siglo XX,
especialmente al expresionismo alemán.
Entre sus obras están Autorretrato con sombrero de paja,
Sembrador con el sol poniente y la noche estrellada.
ANDY WARHOL (1928-1987) – Artista
plástico estadounidense que llegó a ser
el más conocido representante del pop
art, corriente artística en boga durante
las décadas de 1950 y 1960 que se
inspiró en la cultura de masas. Hijo de
emigrantes eslovacos, inició sus
estudios de arte en el Instituto Carnegie de Tecnología, entre
1945 y 1949. En este último año, ya establecido en Nueva York,
comenzó su carrera como dibujante publicitario para diversas
revistas. Entre sus obras destacadas están Marilyn Monroe y La
lata de sopas Campbell.
MARCEL DUCHAMP (1887-1968) –
Artista francés nacionalizado
estadounidense. El más joven de
seis hermanos, cuatro de los cuales
seguirían así mismo la carrera
artística (de ellos fueron
especialmente notorios los dos
mayores, Jacques y Raymond), Marcel Duchamp recaló en
París a la edad de diecisiete años. En su faceta como pintor,
que hubo de simultanear con el trabajo de caricaturista, pasó
rápidamente por todas las tendencias artísticas en boga -
impresionismo, postimpresionismo, fauvismo, cubismo- sin
comprometerse con ninguna; este afán experimentador e
inquieto iba a ser una de las constantes de su fecunda
trayectoria. En 1913 inició los estudios preparatorios para la
obra El gran vidrio, o la novia desnudada por sus pretendientes,
una especie de síntesis entre pintura y escultura de radical
originalidad. Durante esa misma época realizó sus primeros
ready-made, esto es, objetos cualesquiera sometidos a muy
escasa y en ocasiones nula alteración material, elevados a la
categoría de arte por la mera voluntad del artista.

FRIDA KAHLO (1907-1954) – Pintora

mexicana. Aunque se movió en el
ambiente de los grandes muralistas
mexicanos de su tiempo y compartió
sus ideales, Frida Kahlo creó una
pintura absolutamente personal, i

ngenua y profundamente metafórica al mismo tiempo,

derivada de su exaltada sensibilidad y de varios
acontecimientos que marcaron su vida. Entre sus obras
destacadas están Hospital Henry Ford y las dos Fridas.
 Tamara de Lempicka (1898 – 1980) -
Maria Górska nació en Varsovia el 16
de mayo de 1898 en el seno de una
rica familia de la alta sociedad.
Inquieta y con carácter, Maria vivió una
infancia feliz hasta que sus padres se
separaron. En 1911 Maria viajó con su
nueva cuidadora a Italia donde
descubrió que su gran pasión sería el
arte. En la capital francesa, Tamara empezó a ganar fama
entre la alta sociedad parisiense gracias a sus elegantes y
glamourosos retratos. Entre sus obras más famosas están
Retrato de Ira Perrot y Chica con guantes.
 Diferencias entre las Artes Plásticas y
las Artes Visuales

En los capítulos anteriores hemos analizado los diferentes

conceptos del arte y su etimología, así como también los
artistas destacados de la historia. A continuación hablaremos
sobre las disciplinas de las artes plásticas y artes visuales y
cuáles son las diferencias entre ellas.
 Las artes plásticas son
aquellas manifestaciones
del ser humano que
reflejan, con recursos
plásticos, algún producto
de su imaginación o
realidad. Entre sus
disciplinas artísticas están
la pintura, la escultura,
entre otros.

Las artes visuales son

formas, expresiones de
arte que se encuentran
enfocadas a la creación
de los trabajos VISUALES
por naturaleza, como la
fotografía, la pintura, la
impresión, el dibujo, entre
otros.

Ahora bien, ¿Cuál sería la diferencia entre las artes plásticas

y las artes visuales? Ambas contemplan en su currículum el
dibujo, la pintura y las demás disciplinas estudiadas con
anterioridad. Sin embargo, sí existen una gran diferencia.
Las artes plásticas se centran en el artista y en los
materiales que usa para crear sus obras. Las artes visuales,
en cambio, se centra en el “observador”, el que hace uso de
la vista para entrar en contacto con la naturaleza, la estética
y el lenguaje de una obra de arte, ya sea una escultura, una
pintura, un grabado, una fotografía, entre otros.
Las artes visuales engloban las artes plásticas, contemplando
otras expresiones artísticas que surgieron durante el siglo XX,
como la instalación, la intervención, el land art, el arte urbano,
el arte efímero, el videoarte, entre otros.

De esta forma damos por finalizada esta unidad. En la

siguiente unidad analizaríamos la disciplina de las Artes
Visuales en general.
Unidad II: Aspectos a
tener en cuenta en
las Artes Visuales
La carrera de Artes Visuales: ¿De qué
se trata?

¿Qué es el arte visual? ¿De qué se trata? Ésta y más

preguntas realizan las personas que consultan sobre la
carrera de las artes visuales.
La carrera de Artes Visuales, por lo general, duran cuatro
años y se finaliza con defensa de tesis de grado. Después el
estudiante puede optar por un programa de posgrado, si
desea perfeccionarse en su profesión. La carrera de grado te
habilita a obtener la licenciatura y, con ella, puedes realizar
investigaciones, gestiones de arte, organización de
exposiciones, escribir sobre arte y ser artista. Este último no
es requisito, debido a que el título de “artista” te lo otorga la
sociedad o la crítica. Es más, muchos de los artistas
mencionados en la unidad anterior comenzaron siendo
autodidactas.

Entre los objetivos de la carrera están el formar profesionales

del arte, con suficientes recursos técnicos e intelectuales para
ser capaces de generar cambios en el contexto sociocultural
nacional, así como también promover el desenvolvimiento de
las potencialidades creadoras de las personas que asumen su
formación de las Artes Visuales como propósito de vida.
Los aspirantes a la carrera de artes visuales son personas
curiosas, con capacidad de asombro hacia la imagen y el color.
También poseen interés por el dibujo, la pintura y cualquier otra
disciplina artística. Otras características del aspirante es que
desea ampliar sus horizontes de expresión de la cultura en
general, posee capacidad para el trabajo interdisciplinario y
desea investigar temas relacionados con el arte.
 Disciplinas artísticas que abarcan las
Artes Visuales

Realizando una búsqueda por internet, puedes analizar la

malla curricular de la carrera de Artes Visuales de tu país. Una
malla curricular es la estructura de un curso, donde figuran las
materias que incluyen la carrera con sus respectivos
semestres o cursos.
Si bien cada instituto de cada país posee su respectiva
estructura o malla curricular, casi todas tienen en cuenta las
siguientes disciplinas: Dibujo, Pintura, Historia del Arte,
Comunicación Visual, Estética, Teoría del Arte, Fotografía,
Metodología de la investigación, Grabado y Semiótica.
Como han podido notar, la carrera cuenta con varias materias
teóricas. No es para personas que solo desean dibujar y
pintar. Más adelante también hablaría de eso, porque muchas
personas me consultaron sobre la carrera de artes visuales y
resultó que solo buscaban aprender algún nuevo pasatiempo,
como pintar al óleo al aire libre. En ese caso debes tomar
algún curso que te enseñe las técnicas de la pintura. Pasa lo
mismo con el dibujo. Solo toma un curso donde te enseñen a
dibujar de manera profesional.
Ahora bien, si realmente deseas dedicarte al arte por
completo, aprender diversas disciplinas y trabajar en el
ambiente, entonces puedes optar por esta carrera.
Aprenderás éstas y más disciplinas que mencioné con
anterioridad. Solo fíjate y analiza la malla curricular del
instituto de tu interés. Cada país cuenta con su reglamento e
intereses y eso, por lo general, afecta en la malla curricular de
las carreras.
Las disciplinas que mencioné son las más comunes de la
carrera de Artes Visuales. Se pueden clasificar en materias
teóricas y materias prácticas o talleres. Las teóricas abarcan
la historia del arte (con sus ramificaciones de historia del arte
barroco, historia del arte latinoamericano, historia del arte del
renacimiento, entre otros), Estética, Comunicación Visual,
Metodología de la investigación, Teoría del arte y Semiótica.
Las materias prácticas o talleres abarcan el dibujo, la pintura,
la fotografía y el grabado. Muchas veces los talleres toman
información brindada por las materias teóricas para generar
proyectos de exposiciones o, incluso, diseñar la tesis de
grado el cual se enfoca en la investigación, recopilación de
datos, experimentación y estudios de casos en general. En el
ámbito de la investigación se puede estudiar a un artista en
específico o bien estudiar algún periodo histórico o
movimiento artístico. Los periodos históricos son varios y se
originan desde la antigüedad. En la siguiente unidad
expondremos un breve resumen de cada una de ellas.
 Unidad III: Nociones
básicas del arte en la
historia
Periodos históricos del arte

La historia del arte es la evolución del arte a través del tiempo.

No se la debe confundir con la teoría del arte, que más bien
analiza el desarrollo del concepto del arte en diferentes periodos
artísticos.
La historia en general se divide en Prehistoria, Edad Antigua,
Edad Media, Edad Moderna y Edad Contemporánea. Por
décadas se estudió la evolución del arte desde un enfoque euro
centrista, es decir, analizando solo a movimientos artísticos
surgidos en Europa. Recién a finales del siglo XX e inicios del
XXI, con nuevas revisiones históricas y documentación,
comenzaron a contemplarse la evolución del arte de regiones no
europeas. Sin embargo, muchas veces caemos en lo ahistórico,
contemplando el arte no europeo como un arte sin trayectoria.
La historia del arte se puede clasificar en arte prehistórico, el
cual abarca el paleolítico y neolítico. Un ejemplo de arte
prehistórico son las pinturas rupestres de las cavernas, restos
de tallas hechas en piedra (como la Venus de Willendorf) y
antiguos vestigios de construcciones de piedras (como el
Stonehenge).

Luego está el arte antiguo, el cual abarca el arte surgido de las

civilizaciones existentes de ese periodo histórico, como
Mesopotamia, China, India, Egipto, Grecia y Roma, siendo estos
dos últimos los que abarcarían el arte clásico y el cual fue
representado por los artistas de diferentes épocas.
 En cuanto a otras regiones se encuentra el arte surgido en
civilizaciones americanas, civilizaciones asiáticas,
civilizaciones africanas y civilizaciones oceánicas.

. Después del arte antiguo le sigue el arte medieval europeo, en

el cual surgieron dos grandes tendencias artísticas, el románico
y el gótico. El románico buscaba rescatar el esplendor de la
civilización romana, con el uso de los arcos y construcciones
sencillas. El arte gótico se caracterizó por construcciones
estilizadas y el uso del arco apuntado, surgiendo así las
famosas catedrales góticas como el Notre Dame de París.
Otras manifestaciones artísticas surgidas en el medioevo son
el arte germánico, arte prerrománico, arte bizantino y el arte
islámico. En regiones no europeas surgieron la cultura maya,
azteca e inca en América, el arte hindú y budismo en Asia, la
expansión de la religión islámica y cristiana en África y la
expansión polinesia en Oceanía.

Al finalizar el medioevo, surgió el Renacimiento, el cual abarcó

los siglos XV y XVIII en toda Europa, iniciando el movimiento
renacentista en Italia. Este periodo fue caracterizado por
grandes cambios sociales y políticos, así como el
descubrimiento de un nuevo continente y la crisis de la
hegemonía cristiana, surgiendo otros movimientos cristianos
como el protestantismo. A diferencia de los periodos
anteriores, los artistas comenzaron a registrar sus obras y, de
esa forma, ganaron fama y prestigio que duró hasta el
presente. Algunos de estos artistas son Miguel Ángel, Da
Vinci y Rafael. El Renacimiento abarca dos periodos, que son
el Quattrocento y el Cinquenccento. Y al finalizar el
Renacimiento surgió el manierismo, donde los artistas
comenzaron con la búsqueda del propio estilo y la
representación de las emociones en sus obras.

Add a little bit of body text

Después se encuentra el Barroco, surgido entre los siglos

XVII y XVIII. El barroco se caracteriza por ser un arte más
refinado y ornamentado, prevaleciendo aún cierto
racionalismo clasicista pero con formas más dinámicas y
efectistas. Algunos artistas característicos de esta época son
Caravaggio, Velázquez y Artemisia Gentileschi.
El Rococó surgió en el siglo XVIII, casi conviviendo con el
Barroco en sus inicios. Este movimiento comenzó a
enfocarse en lo ornamental, prevaleciendo los excesos y el
gusto por la decoración. Al ser un arte enteramente burgués,
surgieron las pinturas decorativas y la decoración de
interiores con muebles, ornamentos, tapices y porcelana
fina.
Después de la Revolución Francesa y el surgimiento de la
llamada Edad Contemporánea, surgieron diversas
manifestaciones artísticas entre el siglo XIX y siglo XX. Cada
una es tan amplia y abarca diferentes conceptos que merecen
un capítulo completo. Debido a que el siglo XIX surgieron
avances tecnológicos y científicos, el arte tuvo la necesidad de
realizar otras búsquedas de expresión. Los artistas ya no
buscaban representar la realidad, como sus antecesores. Y
muchos historiadores enfocaron sus miradas en regiones no
europeas, las cuales fueron influenciadas por la cultura
europea, como sucedió con el caso del continente americano,
el cual surgió una fusión de culturas europeas e indígenas,
generando así una cultura de mestizaje a lo largo del
continente. Y muchos artistas, al analizar otras culturas, se
inspiraron en ellas para crear sus artes y conceptos artísticos,
organizando reuniones o exposiciones en conjunto. Fue así
como surgieron las vanguardias artísticas.
 Breve resumen de las vanguardias
artísticas del siglo XIX y XX

Entre el siglo XIX y siglo XX surgieron grandes avances con

respecto a la ciencia y la tecnología. También ocurrieron
diversos acontecimientos históricos que marcaron para
siempre la historia de la humanidad. De esa forma se
generaron cambios con respecto al modo de crear arte, por lo
cual surgieron las vanguardias artísticas.
Durante el siglo XIX los artistas se enfocaron en dar un toque
diferente a sus obras y alejarse por completo del
academicismo. De esta forma surgieron diversos movimientos
artísticos como el impresionismo, el expresionismo, el
romanticismo y el realismo. Estos movimientos se
caracterizaron por realizar el estudio de la luz y el color (como
el caso de los impresionistas), así como representar los
sentimientos del ser humano (como el expresionismo) y
reflejar al pueblo, la cotidianeidad del duro trabajo y los ideales
democráticos (como el realismo y romanticismo).
A inicios del siglo XX se buscó la ruptura de lo figurativo de tal
forma a llegar a la abstracción. Así surgieron diversos
movimientos artísticos como el fauvismo, el cubismo, el
futurismo, el surrealismo y el dadaísmo.
Estos movimientos se caracterizaron por el uso de color y
distorsión de las formas como expresión (en el caso del
fauvismo), la aplicación del collage y la forma dividida en
planos (como pasa en el cubismo), el estudio del movimiento
y las formas de las máquinas (como se refleja en el
futurismo), la exploración de los sueños y el inconsciente
(como en el surrealismo), y el uso de objetos cotidianos
como obras de arte (como en el dadaísmo). Otros
movimientos artísticos que surgieron durante el siglo XX y
que se caracterizan por la pérdida de la referencia con la
realidad son el neoplasticismo, el constructivismo ruso, la
bauhaus, el informalismo y el expresionismo abstracto.
En la segunda mitad del siglo XX se desarrolló lo que se
conoce como el arte contemporáneo, el cual se caracteriza
por un arte que valora más el concepto que la obra misma.
Muchas de las producciones artísticas son de carácter
efímero, es decir, solo duran el tiempo en que son exhibidas
en los museos o espacios públicos y luego desaparecen. Sí o
sí requieren de algún registro fotográfico para ser
documentadas, cosa que no sucede con una pintura o
escultura. Entre las características de esta clase de arte está
en la interacción directa con el espectador, el cual el mismo
forma parte de la “obra” del artista. Tal sucede en el caso de
las performances, el fluxus y el happening. También se vale
de la intervención de espacios públicos de alguna ciudad o
parque, como el land art. Y el uso de objetos cotidianos como
el arte conceptual y arte póvera. Otra característica es que
recurre al uso constante de la tecnología para crear obras de
arte, como el net art, videoarte, ilustración digital y la
fotomanipulación.
 “Sobre lo espiritual en el arte” de
Kandinsky

Toda creación de arte es gestada por su tiempo y, muchas

veces, gesta nuestras propias sensaciones. De esta manera,
toda etapa de la cultura produce un arte específico que no puede
ser repetido. Pretender resucitar premisas artísticas del pasado
puede dar como resultado, en el mejor de los casos, obras de
arte que son como un niño muerto antes de ver la luz.
Hay otro tipo de igualdad exterior de las formas artísticas, que
tiene su fundamento en una gran necesidad: la igualdad de la
aspiración espiritual de todo un medio moral espiritual, la
orientación hacia fines que, aunque fueron perseguidos un
tiempo, fueron más tarde olvidados.
Después de una prolongada etapa materialista, nuestro espíritu
aún está despertando y, desprovisto de fe, sin horizonte preciso
y sin sentido, anida en sí semillas de desesperación. Una luz
tenue surge, como un punto pequeñísimo en una inmensa esfera
negra. Es un presentimiento que el espíritu teme mirar, ya que no
sabe si esa luz es sólo un sueño y la esfera negra la realidad.
La vida del artista es compleja y sutil, y la obra que surja de él
producirá lógicamente, en el público capaz de apresarlas,
emociones tan multiformes que nuestras palabras no podrían
representarlas.
La misión del artista es echar luz sobre las tinieblas del corazón
humano, dice Schumann. El artista es un hombre que sabe
trazar y pintarlo todo, dice Tolstoi.
Los espíritus hambrientos salen igualmente hambrientos. La
multitud deambula por las salas y halla grandiosas o bellas las
pinturas. Aquel hombre que podría haber hablado no dijo nada,
y aquel que podría haber escuchado no oyó ninguna cosa.
Tal estado del arte se denomina l'art pour l'art. La supresión de
los sonidos interiores que constituyen la esencia de los colores,
la dispersión de las fuerzas del artista en el vacío, es el arte por
el arte.
El movimiento
Representada en un
gráfico, la vida espiritual
sería como un triángulo
agudo dividido en tres
partes desiguales. La
menor y más aguda de
ellas señala hacia arriba; a
medida que se desciende,
cada parte va
agrandándose y
ensanchándose.
Ese triángulo tiene un
movimiento lento, casi
imperceptible, hacia
adelante y hacia arriba: en
el lugar donde hoy se halla
el vértice superior, mañana
estará en la parte siguiente.
En la cima del vértice hay, muchas veces, sólo un hombre. El
gozo de su contemplación es igualable a su desmedida
tristeza interior. Los que se encuentran cerca de él no lo
entienden, y con indignación, lo acusan de loco o impostor.
En cualquier parte del triángulo hay artistas. Todo aquel que
puede ver más allá de los lindes de su sección es un profeta
para los que lo rodean y contribuye en el lento movimiento del
carro. Si, en cambio, no posee esa mirada visionaria o
renuncia a ella, sus pares lo apoyarán y celebrarán.
Los períodos en que el arte no posee un representante de
altura, en los que el pan está transformado, son épocas de
decadencia en la vida espiritual. Las almas descienden todo el
tiempo de las partes superiores y el triángulo parece estar
quieto.
El arte, que en tales circunstancias sobrevive humillado, se
emplea únicamente con fines materiales. Busca su existencia
en la materia dura porque no conoce la exquisita. Representar
objetos inmutables es su único fin. El qué del arte se extingue
eo ipso. La única pregunta que les preocupa es cómo
representar cierto objeto en relación con el artista. El arte
pierde su espíritu.
Ese cómo también conlleva la emoción espiritual del artista, y
puede hacer surgir su experiencia más sutil. El arte emprende
entonces el camino en el que pronto reencontrará el qué
perdido, que será el pan espiritual del despertar que está
comenzando.
Ese qué es un contenido que sólo el arte puede poseer y que
sólo el arte puede expresar nítidamente con los instrumentos
que le son privativos.
El viraje en el mundo espiritual
El triángulo espiritual vira lentamente hacia adelante y hacia
arriba. Una de las secciones inferiores, una de las más
voluminosas, escucha en la actualidad las primeras leyes del
credo materialista, aunque desde el punto de vista religioso, sus
miembros reciben rótulos diversos. En realidad son ateos, ya que
aceptan sin prejuicios a algunos de los más osados y a otros de
los más medidos. Desde el punto de vista político, son adeptos a
la democracia popular o son republicanos.
Las secciones superiores son neciamente ateas y basan su
ateísmo en juicios ajenos. En estas secciones surgen nuevos
temas que no existen más abajo: la Ciencia y el Arte, entre los
que figuran la Literatura y la Música. Científicamente, son
positivistas: sólo aceptan aquello que puede ser medido y
pesado.
Desde el ángulo artístico, son naturalistas que admiten y dan
valor hasta cierto límite que otros han señalado y que es, por
ende, pasible de un gran respeto, personalidad, individualismo y
genio artístico.
Si continuamos ascendiendo, encontramos una confusión mayor
todavía semejante a una gran ciudad, construída firmemente
sobre leyes matemáticas y arquitectónicas, que fuera sacudida
de pronto por una fuerza poderosa. Sus moradores habitan, de
hecho, una ciudad espiritual, que es invadida súbitamente por
fuerzas que no habían pronosticado sus arquitectos y
matemáticos espirituales.
Más arriba aún, hay sabios profesionales que estudian una y
otra vez la materia, que no se acorbadan frente a ninguna
cuestión, y que, incluso, ponen en consideración la propia
concepción de la materia sobre la que hasta hoy descansaba
todo y en la que se fundaba todo el universo.
Muchos científicos, incluso materialistas puros, ponen su
empeño en el análisis de fenómenos extraordinarios, que ya
no pueden permanecer ocultos. Por último, cada vez es mayor
el número de personas que duda de los métodos de la ciencia
materialista aplicados a la no materia, la materia que nuestros
sentidos no perciben. Y de la misma manera que el Arte
recurre a los primitivos, ellos buscan auxilio en tiempos y
métodos olvidados, que aún permanecen vigentes en pueblos
a los que solemos compadecer y despreciar desde nuestro alto
conocimiento.
La pirámide
El artista no tiene como fin la
reproducción de la
naturaleza, aunque esta sea
artística, sino la
manifestación de su mundo
interior, y es por ello que hoy
siente envidia al comprobar
cómo este objetivo se logra,
naturalmente y sin escollos,
en la música, que es el arte
más abstracto.
La puesta en paralelo de los medios de un arte con los de
otros, y la inspiración recíproca, sólo tiene valor si se realiza
sobre la base de los principios, y no meramente sobre la base
de lo exterior.
Al ahondar dentro de sus propios medios, cada arte señala las
fronteras que lo distinguen y, en este hecho, vuelven a unirse
por un mismo esfuerzo interior. Todo empeño puesto en
ahondar sobre los tesoros ocultos de un arte, es un aporte
valioso en la edificación de la pirámide espiritual que, algún
día, tocará el cielo.

Los efectos del color

Si miramos una paleta repleta de colores, pueden producirse
dos efectos:
1 – Un efecto físico exclusivo: el embelesamiento producido por
la belleza y los atributos del color.
2 – El efecto psicológico provocado por el color. La energía
psicológica del color produce un movimiento en el ánimo. La
energía física primitiva es el camino por el cual el color llega al
espíritu.
La asociación no agota la explicación de los efectos del color
sobre la mente. En términos generales, el color es un
instrumento para influir directamente sobre el alma. La armonía
de los colores debe estar fundada específicamente en una ley
de contacto propicio con el alma humana, a esto lo llamaremos
“ley de necesidad interior”.

El idioma de las formas y los colores

La forma existe de manera independiente, como
representación de un objeto o como delimitación abstracta
pura de un espacio o una superficie. No sucede lo mismo con
el color, que no puede expandirse infinitamente. El rojo infinito
sólo puede ser concebido en el intelecto. Cuando oímos la
palabra “rojo” no hay límites para nuestra imaginación. Es una
idea difusa porque no cuenta con un matiz determinado de
color rojo. Pero también es precisa porque su sonido interior
está despojado de tendencias hacia el frío o el calor, que
podrían ponerle vallas.
La relación innegable que existe entre el color y la forma, nos
muestra los efectos que esta tiene sobre el color. Las formas,
incluso las completamente abstractas, que pueden reducirse a
una forma geométrica, poseen dentro de sí un sonido interno.
Ciertos colores son exaltados por ciertas formas y atenuados
por otras. Así, los colores agudos encontrarán mayor
resonancia cualitativa en las formas agudas (el amarillo en un
triángulo). Los colores que se inclinan a la profundidad son
consonantes con las formas redondas (el azul en un círculo).
De todas maneras, es evidente que la disonancia entre forma y
color no es necesariamente disarmónica sino que, en cambio,
abre una nueva armonía posible.
Los dos agentes que actúan sobre la forma son también sus
dos objetivos. La delimitación externa es adecuada cuando
pone de relieve el contenido interior de la forma del modo más
expresivo posible.
No obstante, la variedad de la forma nunca rebasará dos
límites externos. Es decir:
1 – La forma tiene por fin recortar sobre un plano, por
delimitación, un objeto material.
2 – La forma es abstracta, o sea, no dibuja un objeto real sino
que constituye un ente completamente abstracto.
La imposibilidad y la nulidad, en el arte, de copiar un objeto
sin un fin determinado ni el deseo de dotarlo de una
expresión, son las premisas desde donde el artista parte para
lograr objetivos artísticos puros (pictóricos), tomando distancia
del aspecto literario del objeto. Esta es la senda por la que
llega a la composición.

Teoría
La pintura actual se encuentra en un estadio diferente: su
liberación de la naturaleza recién está comenzando. La
utilización del color y de la forma como agentes internos ha
sido casi inconsciente hasta hoy.
Es preciso que el pintor cultive su alma y no sólo su sentido
visual, para que ella misma pueda clasificar el color y no sea
un mero receptáculo de impresiones externas (a veces
también internas) sino una fuerza activa en la gestación de
las obras.
El arte está en un nivel superior al de la naturaleza, esto no
es una premisa nueva. Los principios nuevos nunca salen de
la nada, sino que se encuentran en una relación causal con
el pasado y el futuro. Lo que hoy importa más es saber
dónde encontrar esos principios y hasta dónde llegar con su
auxilio en el futuro. Cuando el artista logre afinar su alma con
este diapasón, automáticamente sus obras adquirirán un tono
concreto. La progresiva liberación de nuestros días se
desarrolla sobre el reino de la necesidad interior que, como
hemos dicho, es en el arte la fuerza espiritual de lo objetivo.

La obra de arte y el artista

El artista constituye misteriosamente la auténtica obra de arte
a través de una vía mística. Aislada de él, ella toma vida
propia y se constituye en algo individual, una entidad
independiente que respira en forma autónoma y posee una
existencia material real.
La pintura es un arte, y el arte en su conjunto no implica una
creación innecesaria, de entes que se diluyen en la nada, sino
una fuerza que contribuye al desarrollo y a la sensibilización
del alma humana, la cual funda el movimiento del analizado
triángulo espiritual. El arte es el código que se comunica con
el alma de las cosas, que es para ella un pan cotidiano,
imposible de obtener de otra manera.
 Unidad IV:
Consideraciones
finales
Las artes visuales es una profesión,
no una afición

Antes de finalizar con este curso, quisiera hablarles sobre

mis experiencias como estudiante de artes visuales.
Primeramente había escogido esa carrera con la idea de
dedicarme al arte. Sin embargo, con el paso del tiempo,
me percaté de que muchos de mis compañeros solo
tomaron la carrera como un complemento de otra carrera
o trabajo que aplicaron o estaban aplicando en esos
momentos. También me fijé que muchos desertaban, al
ver que las artes visuales “no era lo que esperaban”.
Por un lado me angustié y entré en un gran dilema. No sabia
si había escogido bien la carrera, así como también tuve
deseos de dejarla a la mitad e ingresar a otra carrera que
tuviese una salida laboral definida. Y es que siempre que digo
mi profesión, lo primero que me preguntan es a qué me
dedico o a qué me voy a dedicar. En el próximo video estaría
dando más detalles al respecto.
A pesar de esos inconvenientes, no saben la satisfacción y
alegría que me produjo el lograr terminar la carrera, defender
mi tesis de grado y recibir el título. Y es que en ese entonces
todavía no sabía en qué ámbito me enfocaría y, en mi país, es
muy difícil vivir del arte.

Pasaron los años. Ahora me enfoco en la educación y trabajo

en un instituto superior de arte. Y es por eso que quiero darles
algunas consideraciones a tener en cuenta sobre la carrera, ya
sea que busquen estudiarla o ya la estén cursando. La verdad
me hubiese gustado recibir estas consideraciones en esos
momentos, por lo que se los diré ahora y espero reflexionen al
respecto para saber si las Artes Visuales es o no su vocación.
Primero, las artes visuales NO ES UNA AFICIÓN. TAMPOCO
ES UN COMPLEMENTO DE OTRA CARRERA. Es toda una
profesión que abarca distintas disciplinas.
Segundo. Vuelvo a repetir lo anterior: Las artes visuales
abarca diferentes disciplinas, tanto teóricas como prácticas. Si
solo deseas aprender a dibujar y pintar, lo mejor sería que
tomaras cursos de dibujo o de pintura. Duran poco tiempo y te
garantizarán una salida laboral mucho más precisa, aunque
no por eso rápida.
Tercero, la carrera, por lo general, DURA CUATRO AÑOS.
Sin contar con la tesis de grado, que por lo general se
extiende hasta dos años. Le tendrías que dedicar un total de
SEIS AÑOS aproximadamente para finalizar la carrera.
Cuarto, estudiar Artes Visuales ES CARO. No solo pagas la
matrícula, sino también materiales, fotocopias, herramientas
de arte y derecho a examen. Sin contar traslados en colectivo
o combustible. Así que te recomiendo que te ahorres tu plata
para poder cursarla.
Quinto, no te angusties. Es difícil cuando tu entorno, sobre
todo tu familia, no te comprende y quieren que deseches la
idea de estudiar artes visuales. Si realmente piensas que el
mundo del arte es lo tuyo y quieres dedicarte la vida a eso,
trabaja, investiga, relacionate con personas que tengan tu
misma visión y optimismo. Y sobre todo, no te dejes llevar por
las personas tóxicas que solo quieren verte retroceder en tus
sueños.
Y por último, lee bien la malla curricular antes de tomar una
decisión final. La mayoría postula a la carrera sin tener idea
de qué se trata y a qué se dedicará después. Ahora es fácil
consultar por internet y buscar información sobre las artes
visuales. Te llevarás más de una sorpresa y podrás
determinar si ésta carrera es o no lo tuyo.
 ¿De qué vas a trabajar? Algunas
salidas laborales

Decir que te puedes “desempeñar como artista” sería

innecesario. Más que nada porque el título de “artista” te lo da la
crítica y la sociedad. Sin embargo, si lo tuyo es ser un artista
titulado, entonces puedes dedicarte a eso y enfocarte en una o
varias disciplinas, ya sea dibujo, fotografía, pintura o incluso
creación de audiovisuales.
También puedes trabajar en el espacio televisivo y teatral,
montaje de escaparates, desfiles y espectáculos, así como
organización de exposiciones artísticas, curadurías,
investigación en arte y publicación de artículos sobre crítica de
arte y cine.
En cuanto al ámbito educativo, en mi país la carrera no me
habilita para ser docente universitaria o trabajar en la educación
formal. Sí puedo trabajar en la educación informal creando
talleres, charlas, seminarios y demás que estén relacionados
con el arte. Para trabajar en la educación formal hay que
estudiar un posgrado. En mi caso, estudié la especialización en
Didáctica universitaria para trabajar en la universidad o institutos
educación superior.
La LICENCIATURA en Artes Visuales te habilita a seguir un
posgrado, ya sea una especialización o maestría. Puede ser
una maestría en artes u otros similares.
Antes de finalizar con esta unidad, les propongo una
investigación opcional: busquen por internet el sitio web de la
universidad o instituto de su país donde imparten la carrera
de artes visuales, descarguen la malla curricular y lean
atentamente el perfil del egresado, las disciplinas que incluye
la carrera, la duración y los requisitos para ingresar. De esta
forma podrán interiorizarse mejor sobre esta fascinante
carrera.
 Fuentes consultadas
Si desean ampliar sus conocimientos del arte en general, les
recomiendo que visiten los siguientes sitios web:

[Link]
[Link]
[Link]
[Link]
[Link]
[Link]
visuales-conoces-la-diferencia
[Link]
[Link]
[Link]
[Link]
[Link]
[Link]
humanidades/arte/arte-contemporaneo-interpretacion-y-analisis-
de-obras-de-arte/antecedentes-del-arte-contemporaneo
[Link]
[Link]
[Link]
[Link]
[Link]
[Link]
Proyecto "La tríada
del divague"
"La tríada del divague" es un proyecto personal y
autogestionado, el cual consiste en la unión de tres
blogs cuyos nombres finalizan en "Divague" y son:
"Filodivague", "Artedivague" y "Bibliodivague".
Cada blog publica, periódicamente, artículos de arte,
filosofía, literatura y temática variada. Actualmente
los blogs están alojados en un sitio web y cuentan
con una página de Facebook, de manera a facilitar
una mayor difusión entre los amantes de la
información y la cultura.
El proyecto pretende extenderse con la creación de
cursos online de bajo costo para personas que
quieran saber más sobre arte y educación, pero por
motivos económicos o laborales le es difícil asistir a
cursos presenciales, charlas, conferencias o
simposios de su profesión o interés. Por cada curso
comprado, ayudará a que este proyecto pueda seguir
en pie.