Historia de la música ~ 3º trimestre

LA MÚSICA DEL BARROCO

1. ORIGEN DEL TÉRMINO Y CRONOLOGÍA
- El periodo comprendido aproximadamente entre 1600 y
1750 constituye en la historia de la música una época
estilística, el Barroco
- Es un término que se utiliza de forma peyorativa a partir de
1750 para describir lo pomposo y recargado del arte
antiguo.
- La revaloración de lo barroco no llegó hasta el siglo XIX
- Algunos historiadores consideran varios subperiodos dentro
del Barroco: Barroco primero (1590-1620), medio (1620-
1680) y tardío (1680-1750).

2. ANTECEDENTES GEOGRÁFICOS Y CULTURALES

La música barroca surgió en Italia. Desde mediados del siglo XVI
hasta la misma época del siglo XVIII, Italia fue la nación
musicalmente más influyente de Europa.
Francia comenzó a desarrollar un estilo musical nacional, que se
opuso a las influencias italianas durante más de un siglo.
En Alemania la cultura musical, ya debilitada en el siglo XVI, fue
avasallada por la calamidad de la guerra de los treinta años,
(1618-1648) pero a pesar de la desunión política, hubo un
resurgimientos en las generaciones siguientes que desembocó en
J.S. Bach.
Otros países como España o Inglaterra también desarrollaron una
música barroca que a partir de modelos italianos y franceses
derivó en formas y estilos musicales propios

3. CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL BARROCO

● LA MELODÍA ACOMPAÑADA: Es el uso de una (o varias)
melodías con acompañamiento instrumental de acordes y
 bajo. Reemplaza al contrapunto el cual impedía la
expresión musical y el entendimiento de los textos. No
obstante el contrapunto no se abandonó totalmente.
● EL BAJO CONTINUO: Es la clave para entender el Barroco. Se
trata de una línea musical de notas graves que crean un
colchón para acompañar a la voz principal más aguda y
que se interpreta ininterrumpidamente hasta el final de la
obra. El continuo puede ser improvisado y armonizado por
el intérprete. En la partitura aparecen cifras que se escriben
encima o debajo de la línea del bajo, dando lugar a un
sistema de escritura denominado bajo cifrado. Serán
instrumentos polifónicos como el órgano, el clave o el arpa
los encargados de realizar este bajo continuo.
● EL ESTILO CONCERTANTE: Hace referencia a una manera de
hacer la música en la que tiene mucha importancia los
contrastes sonoros, tímbricos, dinámicos etc, derivados
de mezclar distintos grupos de instrumentos y voces. (un
solista frente a la orquesta en el concierto solista, o un
pequeño grupo de instrumentistas frente a la orquesta en el
concerto grosso).

4. LA MÚSICA VOCAL DEL BARROCO

IMPORTANCIA DE LA VOZ Y EL TEXTO: Para intensificar la fuerza
emocional (expresividad) del texto dentro de la música vocal, se
emplean dos técnicas de composición a través de formas
musicales: el recitativo y el aria.
Recitativo: se recita el texto de forma declamada al tiempo que
se canta siguiendo los acentos del texto:
- Imita las inflexiones de la voz.
- Utiliza con libertad los ritmos y la armonía (licencias en el
tratamiento de la disonancia) para así favorecer la expresión de
los sentimientos que aparecen en el texto.
- No tiene claridad melódica, sino que busca un punto intermedio
entre la música y el habla.
Aria: Es una melodía cantada que es enriquecida añadiendo
adornos. Podía ser estrófica o compuesta de una sola melodía en
el Primer Barroco. Más tarde con el auge del Bel Canto se
generalizó el uso del Aria Da Capo. (ABA)
En la música religiosa se siguió utilizando la composición coral
polifónica, si bien, esta ya está construida en un contexto tonal

5. GÉNEROS MUSICALES DEL BARROCO

MÚSICA VOCAL:
- Ópera - Oratorio - Cantata - Pasión (tipo especial de oratorio) -
Misa

MÚSICA INSTRUMENTAL:
- Concierto (Solista o Grosso) - Sonata - Suite - Formas polifónicas
(Fugas, cánones, Invenciones…)

6. LA ÓPERA
EL NACIMIENTO DE LA OPERA
La Tragedia Griega, va a ser el punto de partida de los primeros
compositores de ópera, es decir, dado el prestigio que tenía el
mundo clásico, algunos autores pretendieron revivir la
tragedia griega. Quisieron resucitar este género desaparecido
durante la Edad Media. El resultado, lejos de parecer una obra
clásica griega, representa el estilo y las prácticas musicales del
siglo XVII.

La primera de la historia que nos ha llegado completa fue

compuesta por Jacopo Peri en 1600 y se titula EURÍDICE.

Estas primeras óperas se denominan óperas de corte pues

estaban financiadas por una corte de la nobleza o por el alto
clero:
1.-Sólo se interpretaban una vez para conmemorar un
acontecimiento.
2.-Eran muy costosas y los gastos no eran amortizados.
3.- Su temática solía ser mitológica (alegórica).
4.-El público invitado era perteneciente a las clases más altas.
5.-Servía como signo del poder del mecenas, pues acrecentaba
su prestigio ante el resto de la nobleza.

LA ÓPERA EMPRESARIAL
A partir de 1637 aparece la ópera empresarial con la apertura del
teatro de San Casiano en Venecia.
Características:
1.-Se podía repetir tantas veces como se quisiera.
2.-Los gastos se amortizaban mediante el pago de una entrada.
3.-El tema solía ser el mito del buen gobierno y tendía a ser
atractivo al público más popular.
4.-El público pertenecía a todas las clases sociales.

7. CANTATA
Forma vocal, compuesta por arias, recitativos, coros (a veces) y
ritornelos instrumentales.

PRIMER BARROCO. Era una forma vocal polifónica en secciones,

típica de la escuela veneciana. En los primeros ejemplos aún no
hay una clara diferenciación entre aria y recitativo.
BARROCO MEDIO: adopta el estilo recitativo, arias (con una
recurrencia muy común a bajos ostinatos, como el de chacona).
Más tarde adopta las características del bel canto.
BARROCO FINAL: En Alemania se desarrolló un tipo de cantata
religiosa protestante, que recurre muy a menudo a coros,
inspirados normalmente en el coral luterano, y que llegó a sus
máximas cotas artísticas en la obra de Juan Sebastián Bach.
8. ORATORIO
El término deriva del latín "oratorium" y significa "casa de
oración". Eso indica que los comienzos de la forma se encuentran
en contemplaciones religiosas, pero no litúrgicas. Por lo tanto es
una forma vocal de carácter religioso. Se compone de recitativos,
arias, partes instrumentales y coros (generalmente sirven para
acentuar momentos dramáticos). A diferencia de la ópera no se
representa sino que la acción es narrada por un narrador o
“testo”.
Suele estar basado en historias bíblicas. Un caso especial de
Oratorio son las Pasiones, cuyo tema se basa en la historia de la
Pasión de Cristo. El primer Oratorio es una pequeña obra de
Cavallieri que lleva por título “Rappresentatione di Anima, et di
Corpo”
Tipos:
Latino (Carissimi) Se llama así porque se cantaba en latín
Volgare (stradella) Se llama así porque se cantaba en la lengua
de cada país (lengua vulgar)

9. EL BEL CANTO (surge en el barroco medio)

Características:
-Reacción a las imposiciones de los poetas.
-Restauración de las leyes musicales tradicionales (melodía
cantable y fluida, ritmo proporcionado con preferencia por el
ternario, repeticiones temáticas etc…)
-Rechazo de la excesiva ornamentación (coloratura), que queda
relegada a ciertos puntos dramáticos.
-Idioma vocal más comedido. Influencia posterior a la música
instrumental.
-Utilización de pautas de danza estilizadas. Suite: (Allemanda,
Courante, Zarabanda y Giga)
-Integración del bajo en la melodía (recursos contrapuntísticos)
-Esta técnica se aplica a las Arias, continuando un lenguaje
representativo en los recitativos, que suelen tener una función
más narrativa.

10. EL BARROCO EN FRANCIA

La época barroca tiene en Francia un carácter muy diferente al de
los restantes países europeos, tanto en literatura como en artes
plásticas o en música.

La música dramática en Francia tenía muy estrechas relaciones

con la música de danza, en especial la danza escenificada o
ballet. El Ballet de Corte (Ballet de Cour), género que surge
en el Renacimiento, estaba formado por una serie de entreés
(ESCENAS), que se representaban mímicamente recitados o
versos de carácter explicativo, coros y música instrumental. Las
características estilísticas más importantes del Barroco Francés
son:

● Utilización de grandes medios orquestales. Textura orquestal

a cinco voces
● Recurrencia a la danza en la ópera
● Utilización de recursos rítmicos principalmente el doble
puntillo
● Recitativo medido (utiliza diversos compases para medir el
ritmo) y aria francesa (generalmente ternaria y con
estribillos
 ● Obertura francesa (ver la estructura) frente a la obertura
italiana
● Carácter solemne y majestuoso

LA TRAGEDIA LÍRICA (ópera)

Una vez establecido el estilo Barroco en Francia, los autores
produjeron también óperas como en Italia. El compositor más
importante fue Lully. Entre otros elementos Lully utiliza:
- Obertura Francesa.
- Recitativo Francés. Perfeccionado y que sigue al texto, de ahí los
numerosos cambios de compás, con melodías que se repiten a
modo de estribillo.
- Aria francesa. Semejante a una canción, a menudo con estribillo
después de cada estrofa y melodismo silábico
- Coros.
- Música de ballet. Música orquestal elaborada a cinco voces.
- Música instrumental

11. BARROCO INGLÉS

El período de formación de la música barroca inglesa tiene lugar
durante el reinado de Carlos I. (1625-1649).
El nuevo estilo no entró en Inglaterra de modo súbito como una
revolución; esto es característico de todos aquellos países que
importaron el estilo Barroco. El género en el que se empezó a
introducir el Barroco fue la mascarada, equivalente inglés al
ballet de cour.

Henry Purcell (1659-1695), de Londres, fue cantor de la capilla

de la corte y desde 1679 organista en la abadía de Westminster.
Autor de música sacra (Anthems), de cámara y teatral. En su obra
destaca el melodismo cantable, una atrevida armonía cromática y
la fusión de todas las influencias en un estilo personal.
La única ópera de Purcell con todo el texto cantado es Dido y
Eneas (Londres 1689), considerada la ópera inglesa más
importante del siglo XVII.

12. BARROCO EN ESPAÑA

Existe un cierto conservadurismo sobre todo en la música
religiosa si bien ya durante el primer barroco existen numerosos
ejemplos de compositores españoles en el extranjero, con un
estilo italiano moderno como Bartolomé de Selma y Salaverde o
guitarristas como Doisi y Briceño, clavicembalistas como Romaña
etc…
El compositor de música de órgano más importante será Correa
de Arauxo, que supo integrar las tradiciones hispánicas con
las innovaciones barrocas. Su obra más importante es la
“Facultad Orgánica” una serie de obras para órgano. Otros
autores son Aguilera de Heredia o Cabanilles

MÚSICA VOCAL EN EL BARROCO ESPAÑOL

En cuanto a la música vocal, villancicos y tonadas tienen una gran
influencia del
folklore, en sus ritmos sincopados, hemiolias, etc…
El género barroco español por antonomasia es la zarzuela,
(equivalente español al ballet de cour o la masque inglesa). A
diferencia de la ópera los diálogos se hablan.
La primera ópera en español es Selva Sin Amor con texto de Lope
de Vega que no ha llegado hasta nosotros (música de Filippo
Piccini). Se estrenó en 1627.
La música de la primera ópera española que ha llegado hasta
nosotros es del barroco medio Celos aún del ayre matan de Juan
Hidalgo con libreto de Calderón.
Otros compositores importantes del barroco medio y tardío en
España son Sebastián Durón, José de Nebra y Tomás de Torrejón
y Velasco, autor de la primera ópera que se compuso en el Nuevo
Mundo: “El Púrpura de la Rosa”
13. ÚLTIMO BARROCO O BARROCO FINAL
Este último periodo del Barroco se caracteriza por el auge de la
tonalidad, de ahí que sea un repertorio conocido e interpretado
hoy en día.
La tonalidad no la inventó un solo compositor ni una sola escuela,
sino en varias escuelas y estilos musicales (escuela de Bolonia,
ópera napolitana etc…). Rameau, que pertenecía a una
generación posterior a su primera aparición en música, la codificó
(tratado de armonía de 1722).

LA TONALIDAD EN EL BARROCO
Características del nuevo sistema tonal:
1. Estableció un sistema de gradaciones de las relaciones de
los acordes con un centro tonal.
2. La secuencia de quintas se convirtió en la fórmula más
común y notable de la armonía (determina el grado de
alejamiento de la tónica)
3. Utilización de acordes de séptima, en todos los grados de la
escala
4. Utilización del acorde de séptima sobre la sensible en
menor, (séptima disminuida) para los momentos de clímax.
5. Las series descendentes de acordes de sextas.
6. Progresiones armónicas.
7. Homofonía del bajo (con bajo contínuo)

FORMAS INSTRUMENTALES DEL ÚLTIMO BARROCO

El nuevo sistema tonal, y la toma de conciencia de los
compositores de las posibilidades idiomáticas de los
instrumentos, posibilitó un gran auge de la música instrumental
en los últimos años del Barroco.
Entre las formas musicales de esta época destacaremos las
siguientes:
- La sonata en trío: Está escrita para dos instrumentos
melódicos y bajo continuo por lo que recibe el nombre de trio
sonata. Debido a que el bajo continuo suele constar de dos
instrumentos (un cello y clave), las sonatas en trío son
interpretadas generalmente por cuatro músicos. Tipos:
● Sonata de Iglesia (sonata da Chiesa) : En general, consta de
cuatro movimientos: lento-rápido-lento-rápido. El segundo
movimiento es usualmente un allegro de fuga, el tercero a
veces se asemeja a la zarabanda y el cuarto a la giga. (Se
tocaban en la iglesia como entretenimiento de ahí su
carácter más serio que la sonata de cámara).
● Sonata de Cámara: Es una obra en tres o más movimientos
estilizados de danza (a veces con un movimiento en forma
de prólogo). A partir de 1700 se va fusionando con la sonata
da Chiesa (de iglesia) recibiendo ésta el nombre de partita,
suite u ordre.

- Suite: Serie de danzas estilizadas basadas en la danza

cortesana renacentista: a una danza lenta “de pasos” le seguía
una rápida “de saltos”. De ahí el carácter contrastante de las
danzas en ritmo y tiempo. El tipo básico contiene la Alemanda, la
Courante, la Zarabanda y la Giga, aunque puede tener muchos
más movimientos. Otros términos del género son partita y ordre.

- Concierto (Concerto): Es una de las formas más

características del Último Barroco. Los dos tipos más importantes
son:
● Concerto Grosso: Se basa en la división de la orquesta en
dos grupos instrumentales, el tutti o concerto grosso , y el
solo o concertino; ambas partes contaban con un continuo
propio, lo cual les permitía mantener una cierta
independencia. Para el concertino, Corelli, escogió un trío de
 cuerdas, proyectando así el idioma de la sonata en trío sobre
el entorno de la orquesta.
● Concierto solista: Se basa en la alternancia entre un solista y
el tutti. Las partes interpretadas por el tutti se llaman
ritornellos y episodios, los solos. Su forma quedó
definitivamente establecida por Vivaldi en tres movimientos
en sus más de cuatrocientos conciertos (violín, fagot,
trompeta, mandolina etc…)

- Formas contrapuntísticas: Aunque en el Barroco surge la

melodía acompañada, el contrapunto o polifonía no se abandonó
totalmente si no que adoptó las nuevas características del estilo
como la aplicación de la tonalidad, la ornamentación etc…

Se considera que la técnica contrapuntística alcanza su cénit a

finales del Barroco, siendo sus máximos exponentes Georg
Friedrich Handel y, sobre todo, Johann Sebastian Bach cuyas
composiciones más destacadas en este ámbito son el El arte de la
fuga, El clave bien temperado y la Ofrenda musical.

Algunas de las composiciones contrapuntísticas más utilizadas en

el Barroco son la
fuga, los preludios, tocatas, invenciones, cánones etc…