Cuarenta Naipes

Revista de Cultura y Literatura

Vanguardia y tradición en el arte político de la década del sesenta. Observaciones

acerca de una cita de Ricardo Carpani a La civilización occidental y cristiana de León
Ferrari

Vanguard and tradition in the political art of the sixties. Observations about a quote
by Ricardo Carpani to The Western and Christian Civilization of León Ferrari

Ignacio Soneira1

Resumen

En el presente artículo nos proponemos reflexionar sobre un afiche realizado por el artista
plástico Ricardo Carpani en 1968, que es el resultado de una cita explícita a la emblemática
obra La civilización occidental y cristiana, realizada por León Ferrari tres años antes. El
hecho de que haya sido un afiche, modalidad utilizada por distintos grupos y artistas para
llevar adelante una práctica política desde el arte a finales de la década del sesenta, expresa
un vínculo efectivo entre la obra de uno de los artistas figurativos más relevantes del
período y la vanguardia experimental en pleno contexto de radicalización política del
campo artístico. Al unísono, la cita nos restituye ante la pregunta por el público de una y
otra obra, su circulación, decodificación y potencial eficacia.

Palabras clave: Ricardo Carpani; León Ferrari; arte político; América Latina; afiche.

Abstract

In this article we propose to reflect on a poster made by the plastic artist Ricardo Carpani in
1968, which is the result of an explicit appointment to the emblematic work The Western
Civilization and Christina, made by León Ferrari three years before. The fact that it was a
poster, a modality used by different groups and artists to carry out a political art at the end
of the sixties, expresses an effective link between one of the most relevant figurative artists
of the period and the experimental vanguard in full context of political radicalization of the
artistic field. In unison, the quotation restores us to the question by the public of one and
another work, its circulation, decoding and potential effectiveness.

Keywords: Ricardo Carpani; León Ferrari; political art; Latin America; poster.

1
Es Doctor en Filosofía y Letras, con especialidad en Estética y Filosofía del Arte. Actualmente
trabaja en la Facultad de Ciencias Sociales de la Universidad Nacional de Buenos Aires y en el
Instituto de Investigación Gino Germani.
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Introducción

El artista argentino Luis Felipe Noé en una entrevista realizada en el año 2016 2 se

lamentaba de no haber tomado una fotografía de un evento en el cual Ricardo Carpani,

León Ferrari y él colgaban la obra emblemática de éste último La civilización occidental y

cristiana (1965) en el hall de su casa, promediando la década del ochenta. 3 Ferrari la había

recuperado a su regreso del exilio y Noé le había ofrecido su casa para guardarla. La

fotografía nunca tomada de los amigos entre escaleras y sogas con la enorme obra en

manos, expresa un vínculo entre tres de los referentes del arte argentino de la segunda

mitad del siglo XX y, a la vez, entre al menos tres estilos de hacer arte con la política

desarrollados durante la llamada “década larga”.4 Este vínculo entre arte y política, se

expresa en el período bajo el binomio vanguardia-revolución (Longoni 2014: 12) que cada

uno de ellos asumió a su manera. Pero, ¿qué implicó pertenecer a la “vanguardia” a

comienzos de los años sesentas? ¿Qué pasó a significar eso cuando el arte se imbricó

entrañablemente con la política finalizando la década? La abundante bibliografía sobre el

período ha tendido a estudiar el proceso de radicalización política de la llamada vanguardia

experimental que, en las artes visuales, se desarrolló de forma virulenta bajo la promoción

2
Entrevista realizada al pintor por integrantes del equipo del “Archivo Carpani” (IIPC/TAREA) en
el año 2016 en el marco del proyecto PICyT “Gráfica política y cultura visual en las décadas de
1960 y 1970 en Argentina. Proyecto de relevamiento, catalogación, conservación en investigación
del Archivo Ricardo Carpani” (2015-2018).
3
“Cuando León vuelve de su exilio en Brasil va a buscar la obra que estaba en un depósito.
Encuentra que al Cristo se le había roto un brazo. Entonces compra en una santería otro brazo y lo
arma. Él quería tenerlo colgado, no sabía dónde, para que no se le vuelva a romper. Mi casa es muy
especial tiene un hall de 10 pisos, muy alto, y entonces me pide colgarlo ahí. Entonces lo colgamos
nosotros. León, Ricardo y Yo. Y yo como un estúpido no saqué fotografía nunca ni de la obra
colgada en mi casa ni de nosotros tres colgando esa foto. …es la fotografía que más lamento no
tener”. Entrevista realizada a Luis Felipe Noé por el equipo del “Archivo Carpani” en 2016.
4
Frederic Jameson se remite a esta idea para caracterizar el período comprendido entre la segunda
mitad de los años cincuenta y 1972/1974, tomando como parámetro el inicio de la crisis económica
del primer mundo y el progresivo proceso de militarización de los estados americanos (Jameson
1997).
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institucional de Romero Brest al frente del Instituto Di Tella. De todos modos, existieron

otros artistas que no participaron de este movimiento y que sin embargo se autopercibieron

de vanguardia como Edgardo Vigo, Carlos Alonso, los integrantes del grupo Espartaco y el

propio Ricardo Carpani, por nombrar algunos ejemplos. Incluso, en los momentos en los

que la vanguardia se fusionó con la política, los artistas que venían llevando adelante tareas

militantes con su práctica desde al menos una década antes, entendieron que su actividad

entonces era necesariamente de vanguardia. Ricardo Carpani fue uno de ellos, quizás el

más visible.

Ricardo Carpani fue uno de los protagonistas de la escena plástica argentina de la

segunda mitad del siglo XX, por haber sido el autor de un conjunto de imágenes

inconfundibles que tuvieron una profusa circulación bajo la forma de murales, cartelones,

afiches e ilustraciones gráficas en el campo de la militancia política y sindical desde

comienzos de la década del sesenta, y que continúan siendo utilizadas y resignificadas en la

actualidad, manteniendo una vigencia y difusión insospechada para un artista plástico

(Soneira 2017). Toda esa producción se sumó a una constante labor ensayística y a una

activa participación política en circuitos pertenecientes a la Izquierda Nacional y el

Peronismo revolucionario, desde las filas de la CGT de los Argentinos, algunos sindicatos

de base como la Federación Gráfica Bonaerense o el Sindicato de Sanidad, desde distintas

agrupaciones de intelectuales o emprendimientos editoriales diversos, que lo ubicaron

como uno de los emblemas del artista militante en el país y le dieron incluso cierto

reconocimiento en el exterior.

Mantuvo una relación polémica con las vanguardias “estéticas” –como solía

llamarlas– desde finales de la década del cincuenta que explicitó en artículos y entrevistas,

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pero no por ello evitó considerarse asimismo de vanguardia, respondiendo a sus detractores

que lo acusaban de tener una imagen panfletaria y tradicional, asumiendo así que tanto la

vanguardia como el arte son conceptos en disputa.

Nos proponemos en el presente artículo reflexionar sobre un afiche realizado por

Ricardo Carpani en 1968, que es el resultado de una cita explícita a la obra La civilización

occidental y cristiana, realizada por León Ferrari tres años antes. El hecho de que haya sido

un afiche, modalidad utilizada por distintos grupos y artistas para llevar adelante una

práctica política desde el arte a finales de la década del sesenta, expresa un vínculo efectivo

entre la obra de uno de los artistas figurativos más relevantes del período, ligados a la

tradición del muralismo mexicano, y la vanguardia experimental. Al unísono, la cita nos

restituye ante la pregunta por el público de una y otra obra, su circulación, decodificación y

potencial eficacia. Todas variables que cristalizan las búsquedas e imaginarios del período,

que persisten pese al paso del tiempo.

El artista en sus definiciones

Carpani expresa repetidas veces la pretensión de ser considerado vanguardia en

oposición al movimiento calificado bajo ese nombre desde fines de la década del sesenta.

En esa clave, en la entrevista realizada por Ana Longoni y Mariano Mestman en el año

1992, sostenía:

En aquella época se me acusaba de que lo que hacía no era arte sino

panfletarismo político, se me acusaba de ser formalmente “retrógrado”. Yo no tenía,

nunca tuve, nada que ver con las llamadas “vanguardias estéticas” de moda, y, sin

embargo, si observan la imagen de los primeros afiches –para no hablar de los

cuadros– no puede decirse que se tratara de una imagen convencional: por el tipo de

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distorsiones y exageraciones expresivas que empleaba, era más vanguardia lo mío que

la copia despersonalizada de las últimas modas o el academicismo abstracto que

impulsaba la elite dominante (Mestman y Longoni 2008: 437).

Con esta afirmación –y otras declaraciones del período– Carpani calificaba desde el

expresionismo abstracto a la vanguardia experimental como copias despersonalizadas

impulsadas por la elite dominante. Una idea recurrente en semanarios de extracción

peronista de mediados de la década del sesenta como Compañero y en correspondencia con

los debates de la época publicados en revistas como Cuadernos de cultura, órgano cultural

del Partido Comunista Argentino, en los que se caracterizaba a la vanguardia como “moda

extranjerizante o ejercicio lúdico y superficial” (Longoni 2014: 25). Esta denuncia se

justificaba en la existencia de un orquestado plan de intercambio entre Argentina y los

Estados Unidos, comenzado algunos años antes. La llegada de exposiciones extranjeras y la

cada vez más frecuente participación de artistas argentinos en certámenes internacionales,

becas y estímulos desde comienzos de los años sesentas, evidenciaba por un lado la

pretensión por parte de las autoridades políticas nacionales de internacionalizar el arte, pero

por otro, dejaba al descubierto un proyecto propagandístico orientado a contrarrestar la

politización de intelectuales y artistas del continente (Giunta 2008: 202). Estas políticas

culturales fueron apoyadas en el campo artístico local por figuras como Rafael Squirru,

director en ese entonces del Ministerio de Cultura de Relaciones exteriores, y José Gómez

Sicre, jefe de la división de artes visuales de la OEA.

Carpani declaraba esto en distintos artículos como el de 1964, “Privatizar la

cultura”, escrito en el que acusa a la revista Sur y al suplemento cultural de La Nación pero

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fundamentalmente a Romero Brest5 y al instituto Di Tella, de ser “agentes del imperialismo

norteamericano” (Carpani 1964: 7). Estos promovían, según el artista, la infiltración de

políticas culturales que se enmarcaban en una estrategia de dominación de los Estados

Unidos para con Argentina, con la intención de frenar los procesos revolucionarios en

ciernes.

Por otro lado, el extracto de la entrevista de Carpani que citamos anteriormente, deja

entrever que aquello que definiría el hecho de pertenecer a una vanguardia estaría dado en

su caso por el uso de ciertas distorsiones expresivas aplicadas a un planteo de tipo

figurativo. Es decir, una clase de producción que exprese una reflexión formal pictórica que

no sea ni un naturalismo académico ni una construcción abstracta formalista, tampoco una

“moda despersonalizada” como calificaba a las experiencias informalistas. Con esta

posición, el pintor no se alejaba de las líneas fundamentales que inician el programa del

Movimiento Espartaco hacia 1959,6 las cuales proponían una distancia de las corrientes

abstractas, por considerarlas expresión de una burguesía en decadencia, a la vez que una

diferencia taxativa del realismo socialista que se mostraba como la doctrina oficial del

Partido Comunista, promovida por Stalin. No obstante, Espartaco consideraba

imprescindible aprovechar “los últimos descubrimientos y los nuevos caminos que se van

abriendo en el panorama artístico mundial”,7 que podrían ser potencialmente apropiados en

5
Carpani acusa a Brest en ese trabajo de ser básicamente “un figurón de la oligarquía” (Carpani
1964: 7).
6
Grupo de pintores que había formado un año antes junto a Mario Mollari, Juan Manuel Sánchez,
Esperilio Bute y Carlos Sessano, que tendría distintas formaciones hasta 1968, año en el que se
desintegra.
7
Manifiesto del Movimiento Espartaco “Por un arte revolucionario” (Cippolini 2004: 287).

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favor de un arte nacional/latinoamericano y revolucionario. Es decir, logros formales,

readaptados a los temas locales.8

El hecho de suponer que la distorsión y la originalidad estilística podía ser un

elemento renovador o “vanguardista”, como afirma en la entrevista, resulta anacrónico para

el momento en el que lo plantea (los años noventa) y para el período en el que lo

implementa (la década del sesenta). En todo caso, se asemeja a un argumento de tipo

modernista, que se inscribe en discusiones comenzadas en décadas anteriores, que oponían

el realismo a la abstracción o el contenido a la forma.9 Los años sesentas constituyen el

laboratorio experimental del arte en la Argentina, en el cual gran parte de sus concepciones

tradicionales se ponen en crisis y se actualizan los límites conceptuales de los debates.

Ana Longoni sostiene que para abordar los distintos usos de la vanguardia en el arte

argentino de la década del sesenta puede resultar útil distinguir la categoría teórica de los

empleos que hacen los artistas para caracterizar su posición o construir su identidad en cada

época (2014: 23). Para superar las limitaciones de teorías como la de Peter Bürger (2010),

la autora propone atender a la distinción entre experimentalismo y vanguardia, en la cual el

experimentalismo actuaría de forma innovadora dentro de los límites del arte y la

vanguardia, contra las instituciones, las convenciones y la idea misma de arte (Longoni

2014: 24). Es en ese sentido que se ha calificado al espacio de artistas coordinado por

Romero Brest como “vanguardia experimental”, dado que más allá de su claro sesgo

experimental en el lenguaje, terminó yendo contra las mismas instituciones que lo

alentaban o promovían. A la vez, es comprensible que artistas como Ricardo Carpani,

8
Un ejemplo emblemático que sirvió de soporte a la producción de muchos artistas figurativos
latinoamericanos fue la figura de Pablo Picasso, quien en obras como Guernica, consolidó una
alianza entre logros formales de la representación y la política, que sirvió de inspiración en la región
y resulta observable en las producciones de O. Guayasamín o C. Portinari (Cf. Giunta 2009).
9
Cf. Para esto Lucena 2012: 121-133.

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fuertemente identificado con la tradición representativa de las artes visuales pero también

con la política, considerara que ser parte de la vanguardia artística requería formar parte de

la vanguardia política necesariamente.

En esa línea, en una entrevista publicada en el diario La Capital en el año 1992

Carpani proponía otro argumento por el cual entendía que su producción debía ser

calificada de vanguardia:

Y yo ahí planteé, a partir de que un crítico me definió un pintor

tradicionalista, que no me ofendía en absoluto el término, siempre y cuando lo

considerara dentro de la tradición artística mundial, de nuestro país y de nuestro

continente; pero también señalé que por la evolución que tuvieron todas las corrientes

estéticas en los años 60 y la culminación a fin de esa década, nosotros fuimos la

avanzada de vanguardia, porque fuimos los primeros en postular un arte político, un

arte directamente enraizado en las luchas concretas de los trabajadores (….) Lo curioso

es que todas estas tendencias que surgieron en ese momento (que se pusieron de

moda), e incluso el Instituto Di Tella donde se definía lo que debía llamarse arte de

vanguardia (me refiero al señor Romero Brest) terminaron haciendo arte político;

llegando a experiencias como Tucumán Arde. Entonces yo le preguntaba al crítico

quién fue la vanguardia, si al final terminaron haciendo lo que hacíamos nosotros diez

años antes (Giudici 2002: 188).

El criterio de demarcación vanguardista reside en el testimonio del artista en la

incursión del arte en la política, entendida ésta como la incorporación a los espacios

gremiales o a la acción directa. En rigor, la relación inespecífica entre vanguardia y

revolución resultará de un cruce más pretendido que efectivo entre diversos artistas
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pertenecientes a distintas tradiciones y espacios y a un conjunto de experiencias no siempre

coordinadas, suscitadas en la efervescencia sesentista.

Luis Felipe Noé definía en 1972 que “la vanguardia es la revolución”,

estableciendo una correspondencia entre vanguardia artística y política para comienzos de

la década del setenta que se venía gestando al menos unos años antes, en una suerte de

proceso en el cual la vanguardia pasó de concebirse como revolucionaria, en tanto ponía en

discusión algunas formas de la institucionalidad del arte, a comprenderse como “fuerza

activadora, detonante, dispositivo capaz de contribuir al estallido” (Longoni 2014: 46). En

efecto, los artistas nucleados en torno al Di Tella pasan a partir del Itinerario de ’68 a

pensar el lenguaje experimental del arte no en función de su capacidad para erosionar las

instituciones del arte sino en función de su eficacia político-comunicativa y bajo una

intención de intervenir de manera expresa en la realidad social del momento. En esa línea,

Juan Pablo Renzi recordaba que en las discusiones que se dieron en el I Encuentro Nacional

de Arte de Vanguardia realizado en Rosario en 1968, varios de los presentes se opusieron a

la posición de León Ferrari que sostenía que lo más importante en la conformación de una

vanguardia era la cuestión política y por eso proponía la incorporación de artistas como

Carlos Alonso y Ricardo Carpani, con amplia trayectoria en ese terreno. Recordaba Renzi

al respecto:

Nosotros nos opusimos mucho, porque considerábamos que esa manera de

manifestar la política o el arte, al estilo del Partido Comunista, no era una propuesta.

Nuestra intención era desde la vanguardia tomar la ideología, no poníamos el arte al

servicio de la ideología, como mero mensajero, como mera forma de transmitir

mensajes, sino que tenía que ser una confluencia dialéctica, creativa y creadora de una

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nueva situación formal. Situación que se daría a partir de la conjunción de la actitud de

vanguardia, de indagación experimental, con la actitud ideológicamente revolucionaria

(Fantoni, 1998: 59).

Por su lado, León Ferrari recordaba tardíamente sobre ese momento, diferenciándose de

Renzi:

[Carpani] es la figura más destacada en arte político en nuestro país y el más consecuente.

Lo de Ricardo fue muy importante. No sólo llegaba por lo que son sus imágenes, sino

porque estaban donde debían estar, en los afiches, en la calle, en los sindicatos, en las

revistas y publicaciones políticas. Él era atacado por el grupo Di Tella, que lo acusaba de

hacer pintura académica. Carpani tenía también su batería de críticas contra aquél grupo.

Yo respeto a ambas partes, no por ser ecléctico: me interesaba la forma en cómo él

vinculaba su actividad política con su pintura, con sus escritos, con su militancia. Y me

interesaba el clima de efervescencia que Romero Brest había generado en el Instituto

(Longoni y Mestman 2008: 341).

Ambos testimonios expresan las discusiones vigentes al momento de concebir la

praxis política desde el arte en períodos de radicalización del campo artístico argentino,

fundamentalmente luego del golpe militar liderado por Juan Carlos Onganía en 1966, que

llevó adelante la persecución de artistas e intelectuales durante su mandato y que aceleró la

toma de posición de una parcialidad del campo artístico frente al contexto. Por un lado, la

pretendida intención de acercar ideas revolucionarias/políticas a partir de un lenguaje

experimental, sin mediaciones representativas ni convenciones artísticas definidas, a un

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público no versado necesariamente en el código artístico del caso. Por otro, la continuidad

de una práctica en la que el arte podía interpretarse como un medio para la transmisión de

ideas políticas y en la que el código podía resultar tradicional en términos estéticos, ligado

por ciertas similitudes morfológicas a los aparatos de propagandas de los grandes

totalitarismos del siglo XX pero con una eficacia comunicativa de larga trayectoria. De un

lado la tradición, del otro la vanguardia bajo un mismo interés: intervenir en la escena

política.

A finales de la década del sesenta parte del campo artístico se encuentra, a raíz de la

radicalización de parte de sus integrantes, en un escenario común, de intercambios,

intereses, acuerdos y agrupaciones, más allá de las diferencias estéticas e ideológicas que

venían manteniendo. En ese entonces el movimiento antiinstitucional no tiene tanto que ver

con el rechazo a ciertos espacios de promoción de las artes, sino con la política. Las

diferentes acciones colectivas impulsadas desde la Sociedad Argentina de Artistas Plásticos

a partir de 1968, la participación variopinta de artistas de diversas procedencias en la CGT

de los Argentinos o incluso la concurrencia a los encuentros de artistas plásticos de Chile y

Cuba a comienzos de la década del setenta,10 demuestran que el interés político por la

acción directa cuestiona de forma secundaria las estrategias de legitimación y hegemonía

del ecosistema artístico argentino, situación que resulta en un acercamiento y reagrupación

de los artistas de vanguardia, abstractos, figurativos, peronistas, trotskistas o comunistas, en

espacios comunes.11 Es desde ese lugar que Carpani sostenía que la llamada vanguardia

10
Nos referimos a los realizados en Cuba y Chile entre 1971 y 1973.
11
Andrea Giunta sostiene que la unión entre vanguardia estética y vanguardia política a finales de la
década del sesenta, no obedeció a una circunstancia única proveniente del campo de la política sino
también “a los sucesivos quiebres y reposicionamientos que respondieron a coyunturas de la
política nacional e internacional y a condiciones inherentes a la constitución del campo, a su grado
de institucionalización” y a los debates estéticos (Giunta 2008: 263).
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estética terminó haciendo lo que hacía él, entre otros, diez años antes. 12 Efectivamente, más

allá de que los niveles de experimentación plástico formal de la obra de Carpani puedan

resultar cuestionables e incluso asimilables en parte a la iconografía del realismo socialista

(Bute Sánchez de Hoyos, 2013), la efectiva inserción de su práctica artística en el campo de

la militancia y su vasta recepción en circuitos obreros y masivos –teniendo en cuenta que

ese era uno de los objetivos centrales de los grupos de vanguardia en este momento (García

Canclini, 1973)– resultan innegables, atendiendo fundamentalmente a la circulación y a la

supervivencia actual de su imagen en circuitos gremiales y militantes.

El giro gráfico y La civilización Occidental y Cristiana

En el territorio definido por los encuentros, cruces y tensiones entre artistas de

distintas extracciones estéticas e ideológicas que acabamos de delinear anteriormente, se

puede analizar la cita a la obra de León Ferrari La Civilización Occidental y Cristiana

llevada adelante por Carpani hacia 196913 (Fig. 2). Este trabajo de Ferrari, que consistía en

un Cristo de santería crucificado en la maqueta a escala de un avión bombardero del

ejército norteamericano, fue considerado polémico en su momento hasta para los propios

promotores de la vanguardia argentina. Su imponente tamaño, su carácter explícito de

denuncia a la guerra de Vietnam y la asociación de la misma con el culto cristianismo,

12
La revista Panorama en su número del 5 de octubre de 1972, publicaba un artículo llamado
“¿Muerte o resurrección de la pintura?”. Allí se publicaba una entrevista a Ricardo Carpani en la
que afirmaba: “los mejores y más sinceros artistas de vanguardia que vivieron la crisis del
vanguardismo, cayendo en un primer momento en posiciones nihilistas frente al arte […]
simplemente se van integrando a la lucha revolucionaria” “¿Muerte o resurrección de la
pintura?”(Panorama, 5 de octubre de 1972: 50).
13
Existen varias versiones del mismo trabajo, como solía hacer Carpani. Al menos una pintura, una
tinta a pluma, un dibujo en lápiz. Cf. “Archivo Ricardo Carpani”. UNSAM/ TAREA, coord. Isabel
Plante, Silvia Dolinko y Nora Altrudi.
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resultaba impactante aún para el receptivo circuito artístico local. 14 Por ello la obra no llegó

a ser expuesta al público y sólo quedó su fotografía registrada en el catálogo (Idem). La

pieza, hoy consagrada, constituye un mojón de las relaciones entre vanguardia y política, al

denunciar la guerra por medio de un objeto que presenta un concepto de alta densidad con

un nivel sensible de síntesis.

Fig. 1. León Ferrari. La civilización occidental y cristiana. 1965. Yeso y plástico esmaltado. 200 x 120 x 50

cm.

14
Romero Brest le pide que retire el envío al salón del Instituto Di Tella por lo conflictiva que
resultaba para “la sensibilidad religiosa del personal del instituto” (Giunta 2008).
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Tres años después de este episodio, Carpani elige representar en un afiche la misma

idea de Ferrari, adaptando las figuras del Cristo y del avión a su estilo característico,

acompañando la imagen del título de la obra, consignado por medio de una tipografía

similar a la utilizada por éste en sus cartelones políticos del período. Según la nota

publicada en el periódico alemán Die Zeit,15 Carpani expone este trabajo en el país europeo

(“Die Abendländische Zivilisation”), llamando la atención del público.

Si bien existen diversas versiones de la imagen –una de ellas publicada como

ilustración a plumín en la contratapa de la revista del Sindicato de la Dirección General

Impositiva en 1971–, elegimos poner la realizada a la manera de un afiche, en el que el

nombre de la obra se encuentra integrando al diseño, 16 en clara sintonía con los cartelones y

replicando la estética de los afiches comerciales del período.

15
“Revolutionäre Bilderbögen”, Die Zeit, n° 254, 31 de octubre de 1969.
16
Jaime Vindel Gamonal va a sostener que es “difícil entender el fenómeno de radicalización de la
escena artística argentina en el arco temporal que se extiende desde finales de los años cincuenta a
principios de la década del setenta sin acudir al itinerario intelectual de dos artistas como Ricardo
Carpani y León Ferrari” (Vindel Gamonal 2012).
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Fig 2. Ricardo Carpani. La civilización occidental y cristiana. 1968. 70 x 50 cm, técnica mixta sobre papel.

Archivo Carpani (IIPC/TAREA).

La adaptación pictórica traduce el naturalismo de la imagen de mampostería

comprada en una santería, al estilo figurativo de Carpani y al dispositivo comunicativo del

afiche, en el que imagen y palabra se asocian visualmente. Pese a que el contenido es el

mismo en uno y otro caso y ambas obras denuncian el mismo evento político de

trascendencia mundial, la obra de Ferrari se inscribe en la crítica a la idea de representación

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o imagen artística, propia del clima experimental de las vanguardias locales. En esa clave,

la obra de Ferrari resulta de un ensamble de objetos, que sorprende e interpela por estar

compuesto en parte por uno devocional, que alude de forma polémica al culto cristiano. En

el caso del afiche de Carpani, las convenciones instituidas en torno a la imagen

representada y el hecho de que ya existieran para el momento otras pinturas que

incorporaran iconografía religiosa para llevar adelante una crítica social o política, resulta

al menos en apariencia, menos impactante. De todos modos, la realización de afiches

efímeros que integraban imagen y palabra con fines políticos y en los que había una

manifiesta cercanía con la publicidad comercial, resulta un topos del período y constituye

una de las posibles convenciones o acuerdos que surgen de los espacios compartidos por los

artistas que se habían volcado decididamente a la acción directa. Es decir, utilizar algunas

de las herramientas comunicativas de la publicidad comercial a los fines de la divulgación

de un contenido político, circuló con fuerza en la difusión de experiencias

contrainformativas como Tucumán Arde, en acciones colectivas como Malvenido

Rockefeller, en exposiciones de afiches de Luis Felipe Noé como El arte de América Latina

es la revolución, e incluso utilizado en artistas inicialmente muy críticos del panfletarismo

político como Juan Pablo Renzi, quien realizaba afiches como el enviado a la exposición de

1973 Amerique Latine en lutte. Esta fue de hecho una de las estrategias comunicativas

comunes acordadas por los artistas participantes tanto en el I Encuentro de artistas plásticos

del Cono Sur realizado en Chile en 1972 como en los Encuentros de Plástica

Latinoamericana realizados en La Habana en 1972 y 1973.17

17
Cfr. Encuentro de artistas plásticos del Cono Sur, Instituto de Arte Latinoamericano, Universidad
de Chile, Santiago de Chile, Mayo de 1972 y “Conclusiones y acuerdos del II Encuentro de Plástica
Latinoamericana”, Gramma, n° 249, año 9, La Habana, lunes 22 de octubre de 1973. Firmada entre
otros por los argentinos: Carnevale, Carpani, Colombres, Le Parc, Ferrari, Marcos y Noé.
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Carpani al menos a partir de 1966, confecciona una serie de cartelones en témperas

sobre papel madera de grandes dimensiones, que eran emplazados como escenografías de

actos políticos y sindicales.18 Los mismos combinaban imágenes con consignas de

coyuntura.19 La premura en su realización con materiales de bajo costo y durabilidad, y el

carácter efímero de los eventos destinatarios de los mismos, se conecta, por un lado, con el

muralismo militante como el que realizaban desde 1964 las brigadas muralistas chilenas y,

por otro, con experiencias de vanguardia que ponían el acento en la acción estético-política

y no tanto en la obra, pensada en términos tradicionales como un objeto perdurable. Su

participación en los encuentros de Chile y La Habana lo convocan a continuar con esta

práctica, incorporando incluso el uso de fotografías solarizadas y realizando encuentros con

militantes barriales denominados “Talleres de militancia plástica” en los que enseñaba a

realizar afiches, murales y banderas a través de amplificación de imágenes fotográficas por

medio de cuadrículas (Soneira 2019).

Este uso del afiche efímero, incluso de la impresión gráfica en offset, fue utilizado

de manera recurrente por diferentes artistas durante el período como Juan Carlos Romero,

Julio Le Parc, Alfredo Saavedra, Graciela Carnevale, Roberto Jacoby y los citados Juan

Pablo Renzi y Luis Felipe Noé, entre otros.

18
Existe un antecedente anterior en la realización de cartelones en la producción plástica de Ricardo
Carpani y tiene que ver con aquél elaborado en 1964 para el lanzamiento de la agrupación
C.O.N.D.O.R, que consistía en un Felipe Varela de gran tamaño que fue emplazado en Plaza
Francia el 8 de junio de 1964, y removido por la policía a las pocas horas. Cfr. “cartelones”, Clarín,
9 de junio de 1964: 32.
19
Entre las más reseñadas encontramos: “Felipe Varela. Por la unidad revolucionaria de América
Latina”, “Por un nuevo 17 de octubre Socialista, revolucionario y Nacional”, “Retrato de Ernesto
Che Guevara”, “Homenaje a los compañeros revolucionarios presos”, “Hacia la liberación de los
argentinos junto al tercer mundo”, “Sólo el pueblo salvará al pueblo”, “Contra la violencia de los
opresores-la violencia de los oprimidos”, “Córdoba 1969-1971- por un argentinazo definitivo”.
182
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El público

Ambas obras, la de León Ferrari y la de Ricardo Carpani, tienen el mismo nombre

y, como vimos, denuncian la misma problemática a partir de la asociación entre dos

elementos en apariencia divergentes: el Cristo crucificado en un avión militar

norteamericano en el contexto de la guerra de Vietnam. Pero uno y otro apelan a

modalidades y soportes distintos: la obra de Ferrari es una instalación, pensada

originalmente para una sala de obras de vanguardia, destinada a un público versado e

interesado en este tipo de prácticas. La de Carpani es un afiche, confeccionado para un

público masivo (Soneira 2018: 342), que utiliza el recurso del dibujo convencional

(adaptado a su estilo) en franco diálogo con la palabra escrita. No hemos podido encontrar

datos sobre el destino original del trabajo de Carpani, sólo que fue expuesto en una galería

alemana en octubre de 1969 y que fue reutilizado como ilustración para la revista del

sindicato de la DGI, como hemos mencionado anteriormente. Si bien Carpani expone

repetidas veces sus cartelones y afiches en locales militantes y gremiales locales y en

galerías del exterior, por lo general los mismos eran trabajos que habían sido realizados

inicialmente con otro objetivo, como acciones artístico-políticas, encargos gremiales o

actividades de realización colectiva.

De todos modos, la cuestión de la recepción de las obras se inscribe medularmente

en las reflexiones y discusiones de los artistas de vanguardia desde comienzos de la década

del sesenta (Cf. García Canclini 1973). Como sostenía Renzi en la entrevista que

reconstruimos, la búsqueda comunicativa, muchas veces emplazada en el espacio público,

no renunciaba a la exploración material y formal, y a la revisión de las convenciones

instituidas.

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Revista de Cultura y Literatura

Por su parte, Carpani rechazaba desde sus primeros escritos el lenguaje

experimental de la vanguardia porque entendía que respondía a un gusto de élite, distante

del código accesible de los obreros que eran quienes, en definitiva, protagonizarían un

proceso revolucionario. Por eso sostenía en una carta dirigida al intelectual Juan José

Hernández Arregui:

En los sectores populares más culturalizados (sectores cultos de la pequeño burguesía)

predomina el “gusto de vanguardia”, y en las capas populares más alejadas de los bienes

culturales, se mantiene, por inercia y carencia de posibilidades de renovación, el

concepto “tradicionalista”.20

Esta elección respondía a su recepción temprana de las posiciones que mantuvieron

los referentes del muralismo mexicano décadas antes y a los ecos relativos a la

implementación del realismo socialista en Europa. ¿Es posible llevar adelante un arte que

sea un motorizador de los procesos revolucionarios que no parta de las convenciones

artísticas y del código cultural de los sectores populares? ¿Cómo lograr no transformar el

arte en una mera ilustración de la política? A propósito de la posición de Carpani, el poeta

Vicente Zito Lema, amigo y compañero del pintor durante la década del sesenta y el exilio,

reflexionaba:

Ricardo era el único artista argentino en esa época que tenía un reconocimiento

popular, repito, aunque la gente no supiera cómo se llamaba. El retrato de Eva Perón

yo lo he visto por todo el país. Vos vas hoy a un sindicato y le mostrás un dibujo a un

20
Carta de Ricardo Carpani a Juan José Hernández Arregui, Octubre de 1961, Archivo Ricardo Carpani
(UNSAM/ TAREA): 7.

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trabajador y lo conoce todo el mundo. “El de Evita te van a decir” (…) Nosotros no

teníamos tradición, éramos más caóticos, más abiertos. Tomábamos del surrealismo,

las vanguardias. Estábamos más ligados a la violencia, al guevarismo. Ricardo era más

tradicional en esa discusión. Por una parte, le garantizaba algo muy potente: su diálogo

con las clases más populares, que en su concepción estética no son tan revolucionarias,

están ligadas a una tradición de tipo representativa, al realismo. Carpani estaba ligado

al muralismo mexicano en donde había una búsqueda de un código de comunicación

que incluía a los espectadores populares (…) La tradición de Carpani, paradójicamente,

siendo revolucionaria estaba más ligada a lo tradicional en su concepción artística. 21

Con su afirmación, Zito Lema vincula la recepción obrera y la supervivencia de la

imagen de Carpani (“Vos vas hoy a un sindicato y le mostrás un dibujo a un trabajador y lo

conoce todo el mundo”) al código que subyace a las imágenes del pintor, que éste entiende

se encuentra “ligado a una tradición representativa” como el que tendrían las clases

populares. En efecto, Carpani busca elaborar un código comprensible para un espectador no

versado en las artes, lo hace inicialmente con una intención comunicativa pero también

programática, ya que desde sus primeros escritos denunciaba la distancia existente entre las

masas y el arte abstracto o de vanguardia (Cf. Carpani 1961: 27). Bajo esa perspectiva,

construye ese código visual apelando a símbolos identitarios de fácil reconocimiento y a

consignas explícitas, pero en esa tarea retoma modos resolutivos e iconográficos

profusamente utilizados en la gráfica política y propagandística de otros países, más allá de

las variaciones morfológicas de sus figuras (cf. Soneira 2017).

21
Entrevista realizada por el autor a Vicente Zito Lema en abril de 2017.

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Pierre Bourdieu retomando a Erwin Panofsky sostiene la importancia del código de

toda obra de arte, afirmando:

La obra de arte adquiere sentido y reviste interés sólo para quién posee la

cultura, es decir, el código según el cual está codificada (…) Es decir, que el encuentro

con la obra de arte, supone un acto de conocimiento, una operación de desciframiento,

de decodificación, que implica la aplicación de un patrimonio cognitivo, de un código

cultural (Bourdieu 2010: 233).

Por tal razón, la legibilidad de una obra se daría en una función entre el nivel de

emisión, “definido como el grado de complejidad intrínseco del código exigido por la obra”

y, un nivel de recepción, definido por el grado de dominio del código que exige la obra por

parte del individuo (76).

En esa clave de análisis, el teórico francés, explora la hipótesis de la recepción en

vías a una “estética popular” en la que existiría una subordinación de la forma a la función

y en la que se daría una preferencia, en el campo de la pintura y la fotografía, por los

planteos realistas. En efecto, sostendrá el autor, gran parte del arte reciente –entre el cual

estaría el abstracto y el conceptual– se encuentra en un diálogo consigo mismo y no con la

realidad, resultando que: “un arte que encierra cada vez más la referencia a su propia

historia apela a una mirada histórica; demanda ser referido no a ese referente exterior que

es la “realidad” representada o designada sino al universo de las obras de arte del pasado y

el presente” (236). Ese “realismo” aceptado por el consumo popular se daría como tal:

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Cuando las condiciones de producción coinciden con la definición vigente de la

visión objetiva del mundo o, más precisamente, con la “visión del mundo” del

espectador, es decir, con un sistema de categorías sociales de percepción y apreciación

que son producto de la frecuentación prolongada de representaciones producidas según

esas mismas reglas (81).

Los conceptos de código de la obra y estética popular, ¿alcanzan para explicar la

rápida y amplia recepción de la imagen de Carpani en circuitos de tradición obrera y

popular como nos sugería Vicente Zito Lema en el fragmento de entrevista citada? ¿Se

vincula ello con la exposición prolongada de representaciones producidas por esas mismas

reglas en el marco de instancias de divulgación y reproducción seriada que tuvo la obra de

Carpani? Como hemos abordado en otros trabajos, la recepción y supervivencia de la

imagen de Carpani en circuitos de raíz obrera y espacios ligados a la militancia política,

debe ser pensada tanto desde la imagen y código, como desde las estrategias de circulación

de la misma en sus contextos específicos (Cf. Soneira 2017).

Más allá de lo dicho, no cabe dudas de que el campo institucional del arte y,

fundamentalmente, la historia del arte, ha tendido a investigar y recuperar con mucha

mayor atención el derrotero de la vanguardia experimental en el período, que a experiencias

alternativas ligadas a desarrollos más tradicionales desde la composición de la imagen, que

incluso han logrado mayor trascendencia en circuitos extra artísticos, como lo fue la de

Carpani. De hecho, más allá de la recuperación reciente de su obra, particularmente durante

los años del gobierno kirchnerista, existió un menosprecio de su producción desde distintos

sectores del campo institucional del arte que se traduce en una limitadísima incorporación

de sus obras en salas y museos nacionales, y una magra investigación histórica. Sin ir más

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lejos, recién en 2011 el Museo Nacional de Bellas Artes compra obra de Carpani,

limitándose sólo a afiches políticos, que no forman parte de las exposiciones estables de

arte argentino. Este gesto podría interpretarse también como un reconocimiento selectivo,

dado que el impacto de su obra gráfica resultó de interés para diversos coleccionistas del

mundo desde finales de la década del sesenta, más por su valor histórico-documental, al ser

una experiencia elocuente de vinculación efectiva entre arte y cultura obrera, que por los

aportes formales de la imagen o la consideración artística de la misma. Operando allí una

valoración subsidiaria a su reconocimiento en el terreno político.

Eduardo Jozami nos recordaba en la entrevista que le realizamos en 2015 que

“Carpani no tuvo una consagración como la que tuvieron otros pintores que también

participaron de algún modo en el movimiento político del ’60 como Noé o Ferrari”.22

El propio Noé nos decía al respecto:

Pero hay una cosa que celebro, que en un momento, esas boludeces

argentinas… lo habían excluido a él. Como que políticamente tiene su sentido, pero no

lo consideraban mucho [como artista] Y él se dolía de eso. Él lo sentía y se dolía. Pero

ahora veo que hay toda una recuperación de él en tanto pintor. Hasta un diario como La

Nación publica un fascículo dedicado a él.23

Conclusiones

La civilización occidental y cristiana es una obra emblemática de la vanguardia

experimental, ineludible al momento de pensar las relaciones entre arte y política en la

22
Cf. Entrevista realizada por el autor a Eduardo Jozami en diciembre de 2015.
23
Entrevista realizada por el autor a Luis Felipe Noé en junio de 2015.

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década del sesenta en Argentina. Su nivel de síntesis conceptual y su monumental

presencia, la destacan por sobre un conjunto de producciones e intervenciones del período.

A la vez, resulta una obra representativa de una forma de hacer política con el arte anterior

a la radicalización política de parte del campo artístico que, como mencionamos, convocará

a sus integrantes a una militancia efectiva, a la incorporación a espacios sindicales y a la

realización de obras o acciones en donde lo comunicativo prime por sobre lo experimental,

hacia finales de la década del sesenta y los primeros años de la década siguiente. En esa vía,

destacamos que el afiche, sea impresión gráfica o realizado manualmente, resulta una

modalidad muy utilizada tanto para dar lugar a acciones colectivas (Malvenido Rockefller)

o como producción individual (El arte de América Latina es la revolución) por distintos

artistas por esos años. Desde esa clave puede interpretarse el afiche de Carpani como una

obra de vanguardia desde el soporte pero tradicional desde la concepción de la imagen, que

éste entendía era una condición para la recepción masiva. La cita a la obra de Ferrari,

expresa un reconocimiento de su síntesis conceptual pero a la vez introduce una distancia

en relación al código que supone la obra para su recepción y su potencial eficacia

comunicativa. Todas cuestiones que podrían haber conversado tranquilamente entre

escaleras y sogas mientras colgaban la obra en el hall de Noé.

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