TEMA 1: De las Luces a la Revolución Industrial Arquitectura y ciudad, 1750 - 1830

Ilustración en Francia
De acuerdo a esta situación, la arquitectura basará sus reflexiones en los ideales revolucionarios. Un claro
ejemplo es Jaques François Blondel, quien pretende eliminar el barroco y volver al mundo grecorromano con un
carácter moral: el mundo antiguo se corresponde con la democracia, o Marc Antoine Laugier que habla de la
cabaña primitiva, la primera construcción para protegerse de la intemperie, inspiración para el tempo griego.

Étienne-Louis Boullée (1728-1799)

Nacido en París, su padre se empeñó en que fuera arquitecto y por ello

lo metió en un taller de pintura para que aprendiera a dibujar. Fue
discípulo de Soufflot, pero también de Boffrand, el arquitecto más
famoso del Rococó. Empezó su carrera con obras menores que no se
conservan y con 34 años entra en la academia convirtiéndose en
profesor muy activo. En esta época que soñó con una arquitectura
megalómana pero que nunca se llegó a construir.

• Cenotafio a Newton, Étienne-Louis Boullée

Es uno de los iconos de lo que se llama “Arquitectura Visionaria”. El

cenotafio era una gran esfera hundida en base circular y cubierta de
cipreses. Aunque la estructura nunca se construyó, su diseño fue
grabado y circuló en círculos profesionales. Se inspira en la tumba
de Adriano en el exterior, aunque en el interior de la cúpula recuerda
al Panteón. Es un diseño previo a la Revolución, un monumento a la
ciencia que cobra la forma de una gigantesca esfera lisa decorada
por setos de árboles y unos anillos a modo de basamento.
Estudiadas en el exterior las luces y sombras, en el interior está
perforada para que la luz penetre como si fuese la bóveda iluminada
bajo la cual se sitúa la tumba a una escala diminuta.

Marc-Antoine Laugier

Crea un grabado donde sintetiza la idea de una nueva arquitectura simple, donde se ven ornamentos tirados,
señalizando que ya no sirven, y la señora, simbolizando la arquitectura, señalando la cabaña, volviendo a lo
simple. La idea es que hunda sus raíces en la naturaleza.

Piranesi, Carceri D´invenzione

Se dan también arquitectos que comprenden que detrás de la razón pueden esconderse otros temas más
oscuros. Un ejemplo de estos artistas es Goya, con sus pinturas. O también el arquitecto italiano Piranesi, que
hace dibujos de cárceles oscuras.

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 Jacques-Germain Soufflot (1713-1780)

A pesar de que su padre consideraba que el arte nos servía para nada
y pretendía que su hijo estudiase leyes, Soufflot se marchó a Roma, la
capital artística de Europa. Tras estudiar los templos griegos de
Pnestum, vuelve a Francia y se convierte en un coleccionista de arte
de gran prestigio y con una buena formación. Pnestum es una ciudad
que junto con Pompeya (donde se descubren las pinturas romanas)
produce conmoción en el mundo del arte por conocerse en ella los
primitivos templos griegos dóricos…

• Iglesia Santa Genoveva, París

Con la Iglesia de Santa Genoveva también llamada Panteón de París. Es por tanto
un elemento ya consolidado por la historia, pero al que se le introducen nuevos
conceptos de la Ilustración. Soufflot hace tres transformaciones básicas:

Funde el templo griego con el templo cristiano: uniendo la religión de la

Antigüedad con la actual

Trabaja con liberta y con falta de respeto a la arquitectura de la Antigüedad. Por

ejemplo, toma una copia de San Pietro in Montorio (Obra de Bramante y situado
en Roma) que es un edificio en sí mismo y lo coloca en esta Iglesia formando un
conjunto. Es un edificio híbrido: con una planta de cruz griega y un pórtico más
un tolos. Es una planta centralizada que a su vez es longitudinal.

La iglesia de Soufflot presenta una composición fría y austera dominada por

líneas rectas y regulares. En el interior plantea una arquitectura adintelada y una
arquitectura abovedada, propia del gótico. Además, es un anticipo de las técnicas modernas al usar una
construcción basada en el hierro: la estabilidad de la cornisa está asegurada por una tupida red de barras
metálicas dispuestas casi como la armadura de una obra moderna en hormigón armado. El hierro, considerado
como un material carente de belleza y de precedentes en el mundo romano, es abundante, pero se mantiene
oculto.

Claude Nicolas Ledoux

Es la figura más destacada de la época. Se trasladó muy joven a París y se ganó la vida pintando escenas de
batallas hasta que le surgió la oportunidad de decorar interiores como el café Militar. Ledoux fue un visionario y
diseñó muchos edificios con formas geométricas como las casas de los vigilantes del bosque del río o
cementerios. El carácter onírico y la racionalidad pura se dan la mano en sus proyectos utópicos.

• Teatro de Besancon, Ledoux

Es un claro ejemplo de teatro de Las Luces. Los teatros

del Siglo de las Luces se empapan de una arquitectura
palaciega. Se les dota de una monumentalidad nunca
vista, pues en el siglo XVIII los teatros no tenían ninguna
forma y estaban marcados por el desorden absoluto.

La sala de teatro se organiza en función de la visibilidad,

y se ordena en plateas, paraíso… todo en función de la
persona que asistiera al teatro. Se buscaba la
especialización pues cada espacio tenía una función.

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 • Salinas de Chaux

Se trata de una fábrica de sal, una nueva tipología para la época, para la
cual realiza un minucioso estudio del territorio próximo a través de un
plano de situación muy elaborado: la fábrica se concibe como un
círculo con caminos de carácter utópico. Su situación en el bosque se
debe a que Ledoux se plante desalinizar el agua salada con grandes
cantidades de combustible, se ahorraría de este modo los gastos del
transporte de la leña.

Fueron dos proyectos: El primero tenía forma cuadrada y Ledoux intentaba mediante caminos proteger los
movimientos de la mano de obra para hacerlo todo más funcional y económico. El proyecto final, por su parte,
tiene forma geométrica y se pierde en la imprecisión del bosque. En el centro encontramos un eje de producción
y en el perímetro las viviendas de los obreros, alrededor de la fábrica encontramos huertos adosados a las
viviendas. Del macroproyecto solo se realizó media circunferencia con la casa del director, los dos hangares de
producción de la sal y las viviendas. La fachada evoca a la cultura griega, se trata de una arquitectura parlante
pues es descifrable por la inteligencia humana. De este proyecto para la fábrica solo se construirá la mitad del
círculo, el cual se vincula a un estilo dórico, robusto y austero de acorde con esta arquitectura industrial. Con
respecto a su finalidad encontramos las siguientes características: una imponente portada de acceso con
columnas sin basa, robustas y que dan sensación de masividad al juntarlas.

• Pierre Patte. Plano de París

El pensamiento de las luces tiene también el componente de la exaltación del orden y la geometría frente a lo
caótico o desordenado, las luces son claridad que se lanzan sobre lo que hasta ahora era oscuro. Se da una
supresión de los elementos que generan confusión en la arquitectura.

Se creó un concurso en París para crear una plaza, donde los concursantes proponían el lugar y como hacer la
plaza. Lo que hace Pierre Patte es colocar todos los planos uno encima de otro y crear una ciudad llena de plazas
geométricas.

Por último, en la Ilustración francesa cabe destacar a Jean Nicolas Louis Durand con su COMPENDIO DE
LECCIONES DE ARQUITECTURA en el cual propone otro método de enseñanza puramente compositivo. Es decir,
una enseñanza que se olvida de la belleza y de la simetría y que más bien se centra en la funcionalidad y la
economía.

Ilustración en España
La gran obra de las Luces en Madrid fue el Museo del Prado. Primero se edificó el EJE DEL PRADO, una avenida
que conllevó el entubamiento del cauce del Manzanares. Allí se edificó el jardín botánico y el gabinete de historia
natural (actual Museo del Prado), además del Hospital General de Madrid y el observatorio astronómico.

• Hospital de Atocha, Sabatini

Fue llevado a cabo por el arquitecto italiano Sabatini. Los hospitales permanecieron
sujetos a los modelos tradicionales hasta la difusión del modelo-pabellón sugerido
por los higienistas.

En el Madrid de esta época los avances médicos progresan hasta el punto de que se
cambia totalmente el concepto de los hospitales anteriores donde los enfermos iban
a descansar y rezar hasta que finalmente morían.

Tenía una entrada monumental con un patio y su capilla, y un jardín con plantas
medicinales. Había dos patios, uno para hombres y otro para mujeres. Tiene una
planta geométricamente simple y funcional que permite la circulación y la
ventilación ya que se dan aperturas hacia los dos lados, y una estructura
compositiva que se asemeja a la de El Escorial.

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 Juan de Villanueva
Es considerado el mejor arquitecto de España de la segunda mitad del siglo XVIII. Hijo de un arquitecto que hizo
también importantes proyectos y que le aconsejó que estudiara en Italia, donde permaneció 6 años. Recibe
muchos encargos reales en Roma y, aunque llegó a formar parte de la Academia de San Fernando, no se implicó
en ella como una prioridad, lo que hizo que la influencia de esta en su obra fuera limitada.

• Museo del Prado (Gabinete de historia natural)

Comenzó con un proyecto del arquitecto francés Boullèe. Los

museos son un invento de las Luces, pues hasta entonces las
grandes colecciones pertenecían a los reyes y el pueblo no
tenía ningún derecho a verlas. Casi todos los arquitectos de las
Luces hacen proyectos de museo.

Fue encargado principalmente para ser una academia y

gabinete de historia natural. Se empieza a trabajar en él
haciendo un edificio que sirviera para remodelar el paseo del
Prado, un lugar de ocio que quedaba al límite de la ciudad y que
era muy concurrido. Su idea maduró hasta elaborar un proyecto
que constituye un compendio de formas del mundo antiguo:

El tolos, o templo circular / El templo clásico romano con pórtico / El palacio del renacimiento como el Farnesio
(de forma cúbica y con patios interiores)

Este proyecto tenía planta cuadrada y cuatro puertas de acceso al museo. Cabe destacar las 4 columnas trajanas
que aparecen. Se considera que son dos plantes bajas pues la planta más baja se entierra de manera que se
puede acceder a ambas plantas por diferentes puertas. Muy alargado y paralelo al Paseo del Prado, es un edificio
muy articulado y con una superposición de 2 pisos

Las 3 funciones principales del edificio son:

1) Es un museo : exposición al público

2) Es un gabinete de trabajo : laboratorio científico para trabajar
3) Debe tener una parte solemne para inauguraciones, entregas de premios…

En los extremos, siguiendo la lógica paladina, el centro es más

ornamentado y los volúmenes de los extremos más sobrios. Los
tejados son de chapa metálica y con lucernarios (la iluminación
cenital encuentra aquí una de sus más tempranas manifestaciones).

Más adelante, Moneo se encarga de la ampliación del museo. Este

proyecto consistió en reordenar las colecciones, para ello utilizó el
Claustro del Monasterio de Los Jerónimos, lo restauró y les colocó
salas de exposiciones temporales y demás salas adaptadas a los
museos más modernos y del siglo XXI: Cafetería, tiendas…

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 Ilustración en Inglaterra
Inglaterra se va a debatir entre dos estéticas muy contrastadas: el neoclasicismo y el neogótico y entre dos
aptitudes también distintas como son el racionalismo y lo pintoresco (romanticismo). A finales del siglo XVII
había radicalizado una revolución burguesa en la que el rey dejó de ser absolutista y quedó sometido a un
parlamento.

John Nash

Se formó como un arquitecto neoclásico porque se orientó hacia la promoción más que el diseño. Empezó a
especular, pero quebró, por ello tuvo que abandonar Londres y marcharse a Gales.

• Pabellón Real de Brighton

Se trata de un proyecto que hizo para Jorge IV. El palacio muestra

la reunión de todos los caprichos y fantasías generados a partir
del Grand Tour. El príncipe regente manda a construir en la ciudad
costera de Brighton el Pabellón Real, un palacio neohindú y que a
su vez tenía estilo árabe en el que Nash usa la estructura de
fundición para este pabellón. Se emplean rejas, barandillas,
verjas y adornos de fundición cada vez con mayor frecuencia en
construcciones corrientes y hasta en obras representativas. En esta en concreto cabe mencionar las columnas
de hierro fundido de la cocina. El palacio adquiere un aspecto de fantasía india. El edificio presenta similitudes
con el Taj Mahal, sin embargo, es un edificio muy innovador porque la estructura con que se construye combina
hierro y acero recubriéndose la superficie con mastique, elemento experimental que va a resultar poco
resistente, pero que acabará dando lugar al cemento Portland. Es por ello un edificio moderno incluso en su
estética que no es común en la época (neoárabe o musulmana).

John Soane

Es un arquitecto que gusta a los historiadores por su carácter de la disciplina y sobriedad. Por ello se considera
como el arquitecto inglés más importante de su época. William Chamber inspiró a Soane para que creara su
propio estilo, lo que hará de forma consciente. Hizo un viaje por Italia donde quedó fascinado por lo más
moderno que se hacía como la obra de Baptista Piranesi (fantasías pintorescas en las que jugaba con
arquitecturas imposibles) También queda interesado por las teorías de Laugier en cuanto a las bóvedas y la luz
cenital neoclásicas. En lugar de dedicarse a medir los elementos y dibujarlos, se dedica a estudiar las
estructuras y los efectos de columnas y masas.

• Banco de Inglaterra

De vuelta a Inglaterra gana el concurso para ser el arquitecto del banco de Inglaterra, el cual
continuamente se estaba remodelando porque siempre se quedaba pequeño en un país
que se convierte en el centro capitalista.

• Casa Museo en Lincoln ’s, John Soane. Londres

John Soane hizo un catálogo de diferentes formas de espacio de toda la historia de la

Arquitectura en este edificio, se trata de su propia casa estudio que estaba repleta de los
elementos decorativos obtenidos de sus viajes. Fue un proyecto para sí mismo. La fachada
rompe con los diseños de la calle y es provocadora por su lenguaje arquitectónico que anuncia
las extravagancias de su interior. El primer cuerpo de la fachada es sobrio y contiene dos detalles
góticos comprados del palacio de Weinmenster. La composición de la fachada aun así es sobria.
En el interior encontramos una sucesión de salas entre las cuales la más famosa es la sala de
desayuno cubierta por una cúpula en la que la luz entra por la linterna resultando bastante
peculiar. Además, coloca espejos en las pechinas para reflejar el interior recordando a los
ambientes de Piranesi.

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 Ilustración en Alemania
Alemania estaba dividida en 300 principados y esta fragmentación política se traducía en una gran diversidad
arquitectónica. Cada rey o arzobispo tenía su estilo y buscada a sus arquitectos. El más importante de los
estados era Prusia, que ocupa parte de Polonia. Prusia era el estado más poderoso y su capital Berlín había
empezado a desarrollarse de forma notable con cierta importancia a finales del XVIII y principios del XIX. Todos
los alemanes de Prusia fueron expulsados. Los emperadores que gobernaron Prusia quisieron hacer de Berlín
una gran capital y a finales del siglo XVIII se empezaron a hacer los primeros edificios neoclásicos. Los
emperadores de Prusia realizaron un arquitectura de la Revolución. Un ejemplo fue la Puerta de Brandeburgo de
Langhans.

Karl Friedrich Schinkel

Estudió en Berlín donde fue mediocre a excepción de las asignaturas artísticas. Con 16 años fue a ver la
exposición del monumento a Federico el Grande donde se encontró a sí mismo. Contribuyó a convertir Berlín de
una ciudad cortesana a una gran metrópoli, para ello se tuvieron que crear grandes monumentos que dotaran a la
ciudad de importancia.

• Schauspielhaus, Schinkel. Berlín

Tiene una parte de teatro y una sala de conciertos, con una entrada de templo, y
otro edificio detrás con otro frontón mucho más alto. En las alas, se dan
camerinos y oficinas para los artistas, con sus propios accesos.

• Neue Wache, Schinkel. Berlín

Schinkel recurre a columnas dóricas, aunque coloca las metopas a eje con
columnas. Es un edificio aparentemente clásico, pero realmente moderno.

Para las salas destinadas al teatro se conserva el modelo barroco; pero los
teatros se transforman en edificios monumentales, con gran abundancia de
ambientes secundarios. Aparte de la sala de teatro se crearon más instalaciones
adaptadas al teatro. Está situado en el centro de una plaza con dos iglesias a los
lados. Tiene doble frontón, el frontón principal que acoge la entrada y el segundo
frontón que acoge el edificio principal.

• Altes Museum, Schinkel. Berlín

La fachada recrea una stoa griega, construcción columnada. Todos los

proyectos de Schinker crean un ambiente urbanista. Sin embargo, esta stoa no
es lo más relevante: el interior se presenta como un museo al aire libre cuyos
cartones están hechos por Schinker para que fuesen pintados por otros
artistas. El museo al aire libre tiene sus precedentes en Italia se edifica una
fachada que evoca a un palacio griego. Cabe destacar la stoa que relaciona el
palacio con la ciudad. El edificio se articula respecto a un patio interior
cubierto con una cúpula cerrada y un edificio de 2 plantas. La primera
dedicada a la escultura con columnas exentas y la segunda a la pintura con la
máxima cantidad de muros para colgar cuadros. Al igual que ocurre con el
Museo del Prado, los nuevos
museos públicos requieren edificios convenientemente adaptados
y de gran compromiso arquitectónico. Es un dispositivo que enseña
lo de dentro y lo de fuera a través de su mirador interior. Desde la
escalera abierta que emplea barandillas metálicas se ve el palacio
real iluminado por estar abierto. A través de ella a la rotonda que
sirve de elemento ordenador del museo a través de nichos en los
que se colocan las obras.

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 • Bauakademie, Schinkel. Berlín

Que fue una Escuela de arquitectura en la Schinkel decidió

emplear otro método de enseñanza basado en la construcción y
se olvidó de la enseñanza de las artes gráficas. Es un edificio de
ladrillo que fue demolido posteriormente. En la propia fachada
refleja su estructura. Esta edificación es la obra más original de la
arquitectura: La planta sigue las plantas de Durand: una malla con
ejes marcados que se distribuye de forma racionalista / En lugar de
tener muros de carga, muchos espacios descansan sobre pilares,
los cuales sostienen bóvedas rebajadas.

Todo presenta una distribución modular a través de espacios que pueden unir o separar según convenga a través
de crujías. Además, presentan grandes ventanales en las fachadas, al estilo de los edificios industriales. Todo se
construye en ladrillo, el material revolucionario por su economía, aunque es considerado como poco noble por
los grandes arquitectos de la época. Las ventanas adinteladas solo tienen algunos detalles en terracota, aunque
austeros.

Jardines
Los parques constituyen quizás la mayor novedad de este periodo. En Inglaterra se abren los parques al público
al igual que en París de la mano de Napoleón que promueve la construcción de nuevos parques en varios países
del Imperio. Tiene una doble influencia: por una parte, la pintura paisajista barroca (pintoresca) y los jardines
barrocos chinos y por otra, la reacción contra el racionalismo francés. Inglaterra busca su propia personalidad
siendo rival de Francia a pesar de que había hechos jardines imitando el estilo francés.

Así el parque tiene belleza similar a la de la pintura: belleza pintoresca produciendo sensaciones en el visitante
que lo recorre. Lo bello en el mundo antiguo era lo simétrico. Otros conceptos como la deformidad, el terror
deleitoso que conmueve, entretiene y causa emociones no entraban dentro de la estética clásica. En este tiempo
los paisajes considerados como bellos no se atienen a la simetría, partiendo de esta idea, de lo sublime surge lo
pintoresco: aquello que no es pulido o elegante, lo rústico. El resultado es una nueva forma de ver las cosas, se
revalorizan los paisajes que antes eran considerados no bellos.

En los grandes jardines europeos el escenario del pasado es inmovilizado como recurso recreativo. Algunos
ejemplos son:

Stourhead de Henry Flitcroft en Londres. Está en Inglaterra y es la cuna del del

jardín paisajista. Es un jardín que no quiere imponerse como Versalles, sino que
tiene una apariencia natural; el jardín a la inglesa busca la naturalidad sin una visión
total de todo el paisaje como el jardín francés. En estos jardines se salpican
diferentes monumentos y edificios que evocan a épocas pasadas.

Además, en esta ciudad aparecen los KEW GARDENS por William Chambers en la que introduce una pagoda en
el jardín propio de la cultura china, y REGENT´S PARK por John Nash y situado en la zona norte de la ciudad. Era
un parque salvaje donde se plantea una urbanización, es uno de los primeros proyectos de especulación urbana.
También se plantea una calle que une el palacio con el parque y que cruza todo el centro de Londres, de manera
sinuosa adaptándose a los edificios.

El último ejemplo en París con DESERT DE RETZ que viene a ser una crítica a la temporalidad que convierte en
ruinas a todos los edificios y que plasma con una columna dórica construida en ruinas y que forma una casa.

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 TEMA 2: Arquitectura y Revolución Industrial: historicismo y eclecticismo
La Revolución Industrial modifica en un primer lugar la técnica constructiva. Los materiales tradicionales: piedra,
ladrillo, madera… son trabajados de manera más racional y distribuidos más libremente: y a estos se unen
nuevos materiales como la fundición, el vidrio y más tarde el hormigón. Los avances en la ciencia a su vez
permiten poner en práctica los materiales y medir su resistencia; mientras que por otra parte las instalaciones de
las obras mejoran y se difunde el uso de la maquinaria para la construcción.

El hierro se convierte en el material más utilizado y distinguimos:

- Hierro fundido: el primer hierro con el que se construyeron las primeras construcciones del siglo XIX. Era
un material muy frágil. Los materiales de hierro se fundían con carbón vegetal, luego se refundía el
producto y se obtenía el hierro de fundición.
- Hierro forjado: que resultaba más caro, pero no muy resistente y se utilizaba en detalles constructivos.
Se fundía con carbón vegetal y luego se forjaba para obtener el hierro dulce.
- Acero: aleación con pocas impurezas, dúctil y maleable. Muy resistente al fuego, y por tanto el más
utilizado

La fundación de escuelas especializadas provee a la sociedad de un gran número de profesionales preparados; y

la imprenta y los nuevos métodos de reproducción gráfico permiten una rápida difusión de todos los adelantos.
En el siglo XIX se funda la escuela politécnica por primera vez en Francia, disociada de Bellas Artes y que
diferencia al técnico del arquitecto. Surge esta escuela ante la necesidad de técnicas que se especialicen en la
construcción.

Otro cambio es el que se produce en la puesta en obra: nuevas formas de colocación de los nuevos materiales y
nueva maquinaria que facilita la construcción y sustituyen la fuerza bruta que había imperado hasta ahora en el
edificio. Relativo a la técnica constructiva, se produce otro cambio como es la especialización del dibujo de los
elementos constructivos. Al introducir máquinas en la imprenta, se publican tratados que se expanden al
occidente.

Construcciones de hierro: Puentes

Desde la antigüedad se había venido usando el hierro y el vidrio en la construcción, pero solo a partir de esta
época los progresos técnicos permiten extender sus aplicaciones al introducir conceptos nuevos en la técnica
constructiva. La industria del vidrio progresó tanto que aumentó su producción y disminuyó su precio de modo
que se universalizó su uso para los cerramientos y se empezaron a experimentar aplicaciones más ambiciosas,
asociando el vidrio al hierro para obtener cubiertas traslucidas. También se utilizó el vidrio para la construcción
de algunos grandes invernadores, aquí tenemos el ejemplo de Burton y Turner con PALM HOUSE en los Kew
Gardens, donde se trabajó con grandes cantidades de vidrio creando un espacio mágico.

• Puente Tubular Britannia, Robert Stephenson y William Fairbairn

A Stephenson con el que diseñó este puente que originalmente era un puente
tubular con una forma de caja rectangular de hierro forjado. El diseño requería
que el estrecho permaneciera accesible a los barcos y que el mismo puente fuese
lo suficientemente rígido para soportar la carga de la doble vía férrea que
sustenta. Está apoyado sobre torres de mampostería.

• Viaducto del Garabit, Gustave Eiffel y T. Seyrin, Francia

Gustave Eiffel emplea una superestructura de celosía metálica dividida en 7 vanos que se coronan en un arco
central. Gustave Eiffel fue el pionero de los puentes con arco que son más resistentes, como también en el
Puente María Pía sobre el río Duero.

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 • Puente de Brooklyn, John y Washington Roebling, Nueva York

Po John A. Roebling, un puente de acero muy elegante estéticamente. Cubre

1800 metros de longitud y se convierte en la primera mega estructura de acero.
La evolución de puente suspendido culmina con el Golden State de San
Francisco.

• Puente Coalbrookdale

También conocido como el Puente de Hierro, es un puente histórico situado en

Inglaterra. Inaugurado en 1781, reconocido como el primer puente de arco del mundo
hecho completamente de hierro fundido. Diseñado por Thomas Farnolls Pritchard y
construido por Abraham Darby III, su construcción marcó un avance significativo
durante la Revolución Industrial. Con un único arco de 30 metros de longitud, el
puente simboliza la innovación de la época. Hoy es un sitio del patrimonio Mundial de
la UNESCO y un símbolo perdurable del ingenio y progreso industrial del siglo XVIII.

• Puente sobre el Estrecho de Menai

Puente colgante que conecta la isla de Anglesey con el continente de Gales.

Diseñado por Thomas Telford, el puente se completó en 1826. Fue uno de los
primeros grandes puente colgantes del mundo. Tiene una longitud de 417
metros, con un tramo principal de 176 metros que permite el paso de barcos
altos por debajo. La altura máxima sobre el agua es de 30 metros. Permitió una
conexión más rápida y segura entre las 2 tierras, facilitando el transporte de
personas y mercancías, y contribuyendo al desarrollo económico de la región.

Fábricas
Mientras tanto se generaliza el uso de la fundición en la edificación: columnas y vigas de esta material forman el
esqueleto de muchos edificios industriales, permitiendo cubrir grandes espacios con estructuras relativamente
ligeras y no atacables por el fuego.

• Fábrica de Chocolate Menier, Jules Saulnier, Noisiel-Sur-Marne

Saulnier Primer estructura compuesta de hierro. El perímetro de la base sobre el que se configuran la estructura
es también metálico. Los muros de la fachada no son portantes, sino de relleno para aislar interior-exterior. Los
arriostramientos en diagonal sirven para conferir resistencia, pero siguiendo la forma de tradicional de madera de
la época. Todavía no se conocen las propiedades de los materiales y se recurre a las formas tradicionales.

• Edificio con fachada de vidrio y metal para un taller de fundición

Destaca por ser uno de los primeros ejemplos de construcción con fachada de hierro
fundido, una innovación que Bogardus promovió para mejorar la resistencia al fuego y
la durabilidad de las estructuras urbanas. La combinación de vidrio y hierro fundido en
la fachada permitía grandes ventanas, que proporcionaban abundante luz natural al
interior, mejorando las condiciones de trabajo. El uso de hierro fundido no solo ofrecía
una mayor resistencia al fuego, sino que también permitía diseños arquitectónicos
más elaborados y detallados.

Estaciones de tren
En 1830 aparece la locomotora, lo que cambia la faz del paisaje y de la ciudad. Los trenes que surcaban el
territorio y se introducían en la ciudad que se movía en carro y a pie. Por un lado, estaba el mundo de la población
y por otra el mundo del vapor que se integran en un mismo espacio a través de las estaciones de tren: por un
lado, andenes para trenes y por otro espacio de pasaje. Los ingenieros se encargarán de las naves de los trenes,
mientras que los arquitectos harán el diseño de los edificios de pasaje. El ingeniero tenía que crear un espacio

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cubierto en el que se tuviese altura para albergar trenes, iluminación y gran longitud y todo ello sin tener apoyos
intermedios. Las estaciones se cubrieron con acero y vidrio y se fachearon evocando la antigüedad. Eran
fachadas tradicionales usando materiales más antiguos. Se usan referencias del cinquecento y góticas y se
empleaban arcadas para significar que eran la entrada a la ciudad. la mayoría de las naves para trenes creadas
por los ingenieros se constituyen por bóvedas de cañón compuestas por una sucesión de arcos en celosía y se
iluminan cenitalmente con paneles de vidrio. En la construcción de estaciones se tomaron tres posturas: La
primera consistía en manifestar la estructura en la fachada como en King ´s Cross de Lewis Cubitt, la segunda en
jugar con las formas que se derivan de la nave central, pero integrándola en el lenguaje de la fachada como en la
Estación del Este de París, y la tercera en esconder por completo la nave central a la fachada como St. Pancras.

Tenemos tres ejemplos de estaciones:

La estación del este de parís por Duqesney que venía a ser una recepción al visitante a la vez que demostraba la
modernidad de la ciudad. el arquitecto proyectaba la fachada como dos palacios. En el exterior su gran ventana
evoca a un rosetón, a las catedrales medievales con sus cubiertas a dos aguas; mientras que en el interior
recurre a los arcos en celosía y a su vez a una bóveda con tirantes y cubierta con grandes vidrios. El gran
problema fueron las grandes luces que había que salvar en los grandes andenes.

La estación de St. Pancras por Barlow y Ordish con una fachada neogótica. Fue el
espacio continuo a lo largo y a lo ancho más grande construido hasta el momento. La
nueva estación destaca por su gran luminosidad, sus espacios abiertos y la oferta de
ocio y galerías comerciales. Otra opción era ocultar el interior y no revelarlo en la
fachada. La de Pancras oculta su función a través de un estilo neogótico que se
muestra como independiente de las naves industriales.

Y por último la estación de King ´s Cross por Lewis Cubitt donde se conjuntan un arco, una torre, y un
reloj. El arco como celebración del triunfo progreso, la torre simbolizando la centralidad y el poder y el
reloj mostrando la aceleración de este nuevo mundo que transcurría más rápido.

• Gare du Nord

Situada en París, es una de las estaciones de tren más importantes y concurridas de

Europa. Fue inaugurada en 1846, diseñada por el arquitecto Jacques Hittorff, presenta una
fachada neoclásica con esculturas que representan ciudades servidas por la estación. El
vestíbulo de la estación es espacioso y está diseñado para manejar un gran flujo de
pasajeros, con techos altos y estructuras de hierro que reflejan la ingeniería avanzada.

• Gare Saint-Lazare

Es una de las principales estaciones de tren de París, fue inaugurada en 1837 y es la segunda estación más
antigua de París. Combina elementos del estilo Beaux-Arts con características funcionales típicas de la
arquitectura industrial del siglo XIX. La fachada es simétrica y está adornada con elementos clásicos, incluyendo
pilastras, frontones y molduras elaboradas, que le otorgan un aspecto monumental y elegante. La construcción
hace uso extensivo de piedra y hierro, materiales que simbolizan la durabilidad y la modernidad de la era
industrial.

Mercados y galerías
También son de destacar los mercados y las galerías. El mercado de Les Halles para el cual Baltar proyectó un
pabellón de piedra, parcialmente construido, pero que se reveló inservible. Haussmann le ordenó su demolición
y le obligó a realizar otro proyecto totalmente de hierro, abandonando cualquier preocupación estilística. El
abastecimiento se albergaba en Logias y estaba distribuido en 12 pabellones; toda la actividad se desarrollaba
en espacios cubiertos con paredes y techos de cristal y columnas de hierro.

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 Almacenes
Como consecuencia de la producción en serie y de la mecanización del trabajo surgen los almacenes donde
nace la figura del intermediario, aquel que ni compra ni vende. Son una especie de palacios de la mercancía que
surgen de la combinación del hierro, del vidrio y de las escaleras. Se unifica la tecnología y las antiguas
ornamentaciones para dar lugar a estos palacios genialmente iluminados y lo suficientemente grandes para las
comunicaciones. Se originan en París.

Exposiciones universales
A través de las exposiciones universales podemos seguir fácilmente los progresos de la ingeniería en la segunda
mitad del siglo XIX. Las exposiciones de los productos industriales reflejan la relación directa que se establece
entre productores, comerciantes y consumidores después de la abolición de las corporaciones. Durante la
primera mitad del siglo XIX las expos son nacionales por el hecho de que casi todos los países ponen fuertes
obstáculos al comercio extranjero para proteger las nacientes industrias locales. La situación cambia solo
después de 1850: Francia primero y luego los demás países reducen las barreras aduaneras y las nuevas
posibilidades del comercio internaciones se reflejan en las exposiciones que se convierten en universales.

• Londres 1851 – Crystal Palace

La primera exposición universal tiene lugar en Londres en 1851. Se elige como sede Hyde Park y se convoca un
concurso internacional para la construcción de un edificio. Horeau gana el primer premio con un pabellón de
hierro y cristal, pero ningún proyecto es considerado realizado puesto que todos empleaban una estructura de
grandes elementos no recuperables después de la demolición. Por lo tanto, interviene Joseph Paxton constructor
de invernaderos, elabora a toda prisa un proyecto y se encomienda a Fox y Henderson para presentar el Crystal
Palace. La oferta es muy arriesgada porque las cantidades en juego son muy grandes y los precios de cada
elemento en hierro, madera y vidrio tienen que fijarse con gran exactitud y en muy corto plazo.

La oferta es la más baja y la obra se realiza sin salir de los límites del
presupuesto. El proyecto inicial no incluye el crucero, añadido luego para
respetar algunos grandes árboles. Los montantes en tubos de fundición
sirven también como bajantes para las aguas pluviales, y los
arriostramientos horizontales en la base sirven de colectores para
descargar el agua en el alcantarillado. Se puede decir que el edificio se
sostiene apoyándose en una instalación hidráulica.

Se descompusieron los techos e n superficies inclinadas para resolver el problema de la condensación de los
vidrios, y el único recurso ornamental fue la pintura de los pórticos: rojo, amarillo y azul que se repetían
constantemente y daban sensación de infinidad de mano de Owen Jones. Es la primera vez que se crea un
espacio bello, irreal pero que es resultado de unas condiciones técnicas y económicas.

El Cristal Palace es el precursor de los grandes pabellones acristalados para

exposiciones que seguirán en la segunda mitad del siglo XIX. Después de la
Expo se desmonta el Palacio y se vuelve a montar en Sydenham en una
disposición paisajística ideada por el propio Paxton donde permanece hasta
el incendio de 1937.

El carácter genuino y valiente del Palacio de Cristal Londinense depende de

varias circunstancias: de la formación de su creador (Que no es arquitecto
sino ingeniero experto en jardinería) y la influencia de Henry Cole, teórico del
industrial design y uno de los animadores de la Exposición.

12
 • PARIS 1855

En la exposición de Paris de 1855 se representa un problema análogo y se

prepara el proyecto para un gran pabellón de hierro y vidrio, pero la industria
francesa al contrario de la inglesa no está preparada para responder a estas
demandas; se decide entonces cubrir el edificio con un revestimiento de
fábrica limitando el hierro a la cobertura de la sala.: El edificio es el Palais
de l´Industrie construido en los Campos Elíseos.

Esta exposición se centró en la agricultura, la industria y las bellas artes. Su estructura con vigas en celosía,
como en las estaciones, semicirculares formaban una bóveda de 48 metros de luz. Se cubrió con paneles de
vidrio y para contrarrestar los empujes de la bóveda se utilizaron contrafuertes, propios de la Edad Media, que
supuso un encarecimiento y restó espacio.

La expo de 1856 servirá para consolidar el prestigio del Imperio y para mostrar los progresos de la Industria
francesa, preparada para competir en igualdad de armas con la extranjera. En el campo de la edificación muchas
otras realizaciones atraen la atención de los visitantes: las máquinas para la construcción, las grúas y
excavadores…

• PARIS 1889

La Expo de Paris de 1889 es en muchos aspectos la más importante de todas las muestras ochocentistas:
organizada también en el Champ de Mars, se mantuvo el edificio de la exposición anterior y apareció la Torre
Eiffel de 300 m como símbolo de entrada al recinto y dos naves dedicadas a las artes liberales y a las bellas artes
que se unían por el cuerpo de exposición. Después aparecía la galería de máquinas. Supuso el clímax en las
exposiciones universales, más avanzada tecnológicamente y con más influencia posterior.

El palacio proyectado por Formigé es una obra pesada y aparatosa, con una cúpula sobrecargada de
ornamentación; sin embargo, la Galerie des machines y la Torre, aunque cargadas de decoraciones no siempre
logradas, representa las obras de mayor envergadura realizadas hasta entonces en hierro y además por sus
dimensiones plantean nuevos problemas arquitectónicos.

Gustave adaptó uno de los soportes de sus puentes, pero con

unas dimensiones megalómanas alcanzando los 300 m de altitud.
Estaba formado por 4 pilares que ascendían asintóticamente y
que reducían sus dimensiones conforme ganaban altura. La
cimentación de estos pilares era separada. Estos 4 pilares se
unen por 4 arcos únicamente decorativos pues esa forma le
confería a la torre estabilidad.

El perfil de la torre está calculado para que pueda resistir la

acción del viento y Eiffel se compromete a que las formas fijadas
por los cálculos confieran a las costillas un perfil agradable.
Estaba dividida en tres plataformas y una estructura formada por
piezas prefabricadas unidas por roblones.

La altura excepcional y la línea ininterrumpida de la aguja entre la segunda y la tercera plataforma, hace posible
que la torre se vea desde casi todos los barrios de Paris. Sus dimensiones inusitadas al igual que en la Galerie
des machines hacen cambiar el significado de la arquitectura y le confieren una calidad dinámica que nos obliga
a considerarla bajo un nuevo punto de vista.

Las construcciones en hierro parecen haber alcanzado ahora la cúspide de sus posibilidades. Por el contrario, en
los dos últimos decenios del siglo aparece un nuevo sistema de construcción: el hormigón armado que hace
grandes y rápidos progresos invadiendo el campo de la edificación.

13
 • Ópera de París

Una obra de Garnier donde el estilo neobarroco se hace presente en

los frontones, la cornisa y en lo pomposo y cargado que resulta el
edificio. Todos los eclécticos, empezando por Garnier, comenzaron a
protestar por la reproducción de los estilos pasados y afirmaron querer
interpretarlos y elaborarlos libremente. Es también un punto de fuga de
los bulevares. Es de estilo neobarroco Garnier recupera el barroco y el
edificio se convierte en el más famoso de París del siglo XIX y es
imitado posteriormente. Todo ello porque la ópera era un lugar de
encuentro de la burguesía, un lugar para lucirse, por ello tenía una
gigantesca escalera de acceso. La fachada recuerda a la columnata de
El Louvre o de Bounarrotti, con columnas pares y ornamentación
dorada de bronce.

El Neoclásico es un estilo arquitectónico que comenzó a mediados del siglo XVIII como reacción contra el estilo
barroco de ornamentación naturalista, así como por el resultado de algunos rasgos clasicistas nacidos en el
barroco tardío.

• Monumento Nacional a Vittorio Emmanuelle II

A mano de Sacconi en Roma, un monumento que realizó en honor del primer Rey de la Italia unificada. Resultó un
homenaje a la nación única y fuerte, un estilo neoclásico con elementos barrocos: majestuosas escaleras,
columnas corintias, esculturas…

El Neogótico por su parte se contrapone al movimiento neoclásico. Este nuevo

estilo no reemplaza ni se une al precedente, sino que permanecen uno junto al
otro como hipótesis parciales y todo el panorama de la historia del arte se
presenta como un conjunto de múltiples hipótesis estilísticas una para cada
uno de los estilos pasados. El estilo neogótico fue un estilo muy apreciado
pues resultaba la combinación perfecta de arte y de técnica avanzada. Un
ejemplo muy neogótico es el Castillo de Neuschwannstein de Christian Jank.

El experimento que representa introducir el gótico en los proyectos corrientes se debe a la restauración de
edificios medievales. En los trabajos de restauración los proyectistas deben abordar la relación entre formas
medievales y los problemas constructivos. En Inglaterra se restauran y amplían en el mismo estilo numerosos
edificios medievales como el Palacio de Westminster que había sido destruido en 1834 por un incendio. Se
convocó un concurso para la nueva sede del parlamento inglés que prescribía que el proyecto fuese de estilo
gótico e isabelino y así lo realizó Charles Barry y Augustus Pugin. Pugin fue un gran defensor del estilo gótico y de
la Edad Medieval en el ámbito arquitectónico, moral y religioso.

Henry Labrouste

Henry Labrouste es la mayor figura del racionalismo neoclásico.

Realizó dos bibliotecas: la Bibliotèque Saint-Geneviève en
1843 es un edificio independiente que apareció con el “Boom”
del mundo editorial al trabajar con la celulosa. Es un gran
contenedor exento, sobrio y masivo con unos gruesos muros de
piedra y un aire neoclásico muy depurado sin ornamentación.

En la Planta Baja aparecen ventanas muy pequeñas y

estrechas. La única decoración de la fachada es el friso con
festones. La Planta superior es más abierta con arcadas y
grandes huecos, el antepecho de las ventanas es más alto para

14
situar las ventanas sobre las grandes estanterías del interior. Como elemento singular hay que destacar las
inscripciones de las ventanas en piedra con los 810 nombres de todos los autores cuyos libros estaban en el
interior.

Su estructura es de hierro fundido y de hierro forjado y su distribución en la planta inferior con vestíbulos, oficinas
y el depósito de libros y en la planta superior con la sala de lectura. La sala de lectura tenía una hilera de
columnas muy esbeltas jónicas hechas con hierro fundido y que se apoyan sobre pedestales con relieves.

En la Bibliothèque Impèriale de París en 1855 se emplea una estructura de hierro con el fin de obtener interiores
espaciosos, si bien la cierra con un envoltorio de piedra decorado a la antigua. Las ideas de Labrouste no son
nuevas; su razonamiento sobre la construcción y la fundición es parecido al de Durand.

Tuvo la idea de colocar la sala de lectura y el depósito de libros en el mismo eje. La sala de lectura tenía una
planta cuadrada con columnas de fundición muy esbeltas de 10 metros que le aportaban una gran ligereza a la
sala. Las columnas se abrían como palmeras formando una cúpula vaída con óculos (que recuerda al Panteón)
garantizando luz cenital. Estaban decorados con elementos de hierro decorativos. El depósito de libros, por su
parte, metálico con pasarelas y rejilla de tramex de modo que la iluminación atravesaba toda la sala 4 pisos y 1
por debajo albergaban 900 000 volúmenes, se trata de un edificio adoptado totalmente a su función y carente de
ornamentación. Las planchas de tramex hasta entonces solo se habían utilizado en los barcos de vapor de modo
que fue una novedad muy funcional.

• Hotel Alhambra Palace

Diseñado con un estilo neoárabe, refleja la influencia del cercano

Palacio de la Alhambra. Sus detalles arquitectónicos incluyen arcos
de herradura, yeserías, azulejos y decoraciones inspiradas en el arte
islámico. El hotel combina la riqueza histórica con la elegancia
moderna, ofreciendo vistas panorámicas de la ciudad y Sierra Nevada.

• Catedral de Colonia

Famosa por su tamaño y belleza. Destacan sus agujas gemelas que se elevan majestuosamente sobre la ciudad.
su interior alberga obras de arte sacro y reliquias importantes. Es considerada uno de los logros más destacados
del arte gótico en Europa y un hito cultural de Colonia.

• Las siete lámparas de la arquitectura

Ensayo escrito por John Ruskin, presentando siete principios fundamentales que considera esenciales para la
práctica arquitectónica. Estos principios era: la Verdad, la Belleza, el Poder, la Limpieza, la Proporción, la Unidad
y la Sinceridad. Cada uno de estos conceptos representa aspectos clave que un arquitecto debe tener en cuenta
al diseñar y construir edificaciones. Ruskin argumenta que la arquitectura debe ser más que simplemente
funcional, debe aspirar a la belleza, la integridad estructural y la expresión de la verdad.

15
16
 TEMA 3: La ciudad del siglo XIX
A mediados del siglo XVIII algunas ciudades aumentaron su población de una manera nunca vista. Este
incremento se debió a una notable reducción del coeficiente de mortalidad. No cabe duda de que las causas de
este descenso son de orden higiénico al mejorar la alimentación, la higiene personal, y los progresos en la
medicina. Este aumento de la población fue acompañado de un desarrollo de la producción nunca visto.

También fue una causa importante la migración del campo a la ciudad, se dieron innovaciones tecnológicas:
apareció la maquina sembradora que transformó la agricultura doméstica en expansiva, no se necesitaba la
mano de obra como antes lo que desembocó en una migración a la ciudad en busca de trabajo en las fábricas.
Esto se aumentó con la llegada del ferrocarril, los raíles de hierro y la aparición de la locomotora que no solo
facilitó el comercio sino también el transporte de personas hacia otros países, algo que también se ve fomentado
por el barco de vapor. Fue un proceso de reorganización territorial, pues ciudades como NY multiplicaron su
población por 100. Esto fue un efecto inmediato de la superpoblación y las cotas de miseria urbana aumentaron.

Este crecimiento demográfico tuvo consecuencias arquitectónicas: se transformaron los barrios antiguos en
zonas degradadas, y además aparecieron los suburbios al otro lado de las murallas. Los límites físicos de la
ciudad no existen de modo que las murallas carecen de sentido. Tanto los barrios antiguos como los suburbios
acaban teniendo las mismas características: luz natural y calefacción deficientes, no existen los espacios
abiertos, las instalaciones sanitarias (baños, lavaderos…) eran comunes o completamente inexistentes, las
conducciones de abastecimiento de agua y de saneamiento eran pésimas… Con ello proliferaron el cólera y la
tuberculosis lo que supuso un problema para el gobierno, de modo que se redactaron reformas sanitarias y
ordenanzas relativas a la construcción y al mantenimiento.

Respuestas negativas a los problemas de la sociedad

Las primeras respuestas negativas: renegaron de la gran ciudad buscando alternativas al capitalismo, tenían una
fuerte componente comunista y colectivista y eran propuestas radicales que caían fácilmente en la utopía. A
estas propuestas se les denominó socialismo utópico. Son iniciadores de una nueva línea de pensamiento y
acción con la que se comienza una acción consciente para la reforma del paisaje urbano y rural.

Owen elabora un modelo de convivencia ideal: un pueblo para una comunidad restringida que trabaje
colectivamente en el campo y en la fábrica, disponiendo en el propio pueblo de todos los servicios necesarios.
Su proyecto de comunidad es capaz de alojar a 1200 personas, el número de habitantes ideal debía estar
comprendido entre 300 y 2000 personas. Era una comunidad autosuficiente: agrícola e industrial. Propulsó
sindicatos, movimientos colectivos… Propuestas de componente política socialista. Al conocer las condiciones
del proletariado introdujo mejoras en su fábrica: escolaridad, reducción de horarios, aumentó los espacios
verdes, maquinaria moderna, y hasta buenos salarios.

En los primeros años del siglo XIX la fábrica de New Lanark llega a ser famosa
y la visitan gentes de todo el mundo. Se convierte en uno de los precursores de
la legislación laboral, del movimiento cooperativo y de las organizaciones
sindicales.

Según Owen los patios, las avenidas y las calles crean multitud de
inconvenientes inútiles y resultan perjudiciales para la salud y destruyen casi
toda la comodidad natural de la vida humana. Se adopta una plaza amplia con
forma de paralelogramo, en cuyos cuatro lados se instalan las viviendas
privadas: dormitorios y salas de estar para la población adulta, dormitorios
colectivos para los niños, almacenes y depósitos, un hotel, una enfermería…
En el centro se construye la Iglesia y los lugares de culto junto a la cocina y las
escuelas. Las viviendas no superiores a 4 pisos no tendrían cocina, pero si
estaban ventiladas y provistas de calefacción o refrigeración.

17
 El proyecto para new harmony sintetizó todo un modelo como
ciudad ideal con una población restringida entre 800 y 1200
personas que trabajaban en el campo o en la fábrica. No existía el
dinero sino el intercambio de trabajo, por lo que era una comunidad
autosuficiente que no necesita tener contacto con ninguna otra
comunidad. No existían ni los tribunales ni las cárceles.
Finalmente, el modelo no funcionó y Owen se arruinó.

Charles Fourier fue contemporáneo de Owen y se basaba en una teoría

filosófico-psicológica según la cual las acciones de los seres humanos
derivan de la atracción pasional y no del provecho económico. Distingue
doce pasiones fundamentales e interpreta toda la historia a través de sus
combinaciones. En ese momento según Fourier la pasión que dominaba
era el egoísmo y la barbarie los cuales iban a desembocar en la seguridad
y la armonía y finalmente en el Falansterio: en el cual la vida y la
propiedad estarán totalmente colectivizados; los hombres abandonarán la
ciudad y se reunirán en falanges de 1620 individuos.

Este gran hotel estaba inspirado en los palacios franceses como Versalles o como el Louvre, de hecho, concibe el
edificio bajo las formas áulicas de la arquitectura representativa francesa; deberá ser simétrico, con tres patios y
numerosas entradas. El gran patio central estaba vigilado por una torre: La Tour d´Ordre con un reloj y un
telégrafo óptico.

Godin adaptó los principios del Falansterio a su propia

fábrica. Sin embargo, modifica los planos de Fourier en
dos puntos esenciales; en primer lugar, el peso de la
iniciativa se apoya en una industria; en segundo la vida
común queda abolida asignando a cada familia un
alojamiento individual en un gran edificio con patios,
que dispone además de un asilo, una escuela, un
teatro y otros servicios. Esa agrupación recibe el
nombre de familisterio y dirige las empresas de Godin
después de su muerte en forma de cooperativas de
producción.

Era una propuesta más comedida pues no se planteaba como una unidad que acabara con el capitalismo, sino
que era un complejo residencial asociado a una fábrica. El Familisterio se situaba en el meandro del río Oise.
Eran tres elementos unidos entre sí en los que vivían 1000 personas y a día de hoy sigue funcionando como una
residencia donde viven cerca de 700 personas. También se organizó según Versalles, como un palacio social.

Distinguimos tres bloques residenciales con planta rectangular y patio acristalado, comunicados entre sí por
unos pasajes internos y son un total de unos 300 apartamentos. Contaba además con un complejo educativo en
el mismo eje de las viviendas y unos edificios accesorios con mataderos, gallineros, restaurantes, laboratorios…
Había también un complejo de ocio e higiene con baños públicos y piscina cubierta y un depósito de gas y
alrededor de todo el conjunto zonas de parque y de terrenos agrícolas. La educación se estructuraba por edades
y no existían iglesias de modo que se implantaba una educación no religiosa.

18
 Respuestas positivas a los problemas de la sociedad industrial
La respuesta positiva con más trascendencia es el PLAN DE PARÍS
por Haussmann. Napoleón III quería competir con Londres: quería
que Paris fuese símbolo de modernidad adaptada a la circulación y al
brillo de las clases dominantes. Haussmann era precepto de la
ciudad de París y Napoleón puso en sus manos una reforma integral
de la capital.

París es una ciudad que en 1830 cuenta con 700 000 habitantes,
siendo una de las más grandes de Europa y en ella se ponen en
marcha, a raíz de la revolución, una serie de reformas con vista a
mejorar la calidad de vida en una ciudad que se entendía como
organismo enfermo.

La ciudad estaba en un estado lamentable pues no supo aprovechar su crecimiento demográfico. El centro de la
ciudad antigua mostraba ya claramente su incapacidad para soportar el peso de un organismo tan desarrollado:
las calles medievales y barrocas resultaban insuficientes para el tráfico y las viejas casas no respondían a las
exigencias higiénicas de la ciudad industrial. La concentración de las funciones y de los intereses en la capital
había encarecido tanto los precios de los terrenos que se hacía también inevitable una transformación radical de
la edificación.

Las obras realizadas por Haussmann en sus diecisiete años de trabajo las podemos dividir en cinco categorías:

a) Ante todo, las obras viarias tanto la urbanización de los terrenos periféricos con el trazado de nuevas
retículas viarias como la apertura de nuevas arterias en los viejos barrios construyendo a su vez, edificios a
lo largo de estos nuevos trazados. La construcción de las nuevas calles se realizó con una normativa más
detallada que en el pasado: se debían presentar solicitudes de construcción, además se modifica el
antigua reglamento de la construcción en París y se fijan nuevas normas que relacionan la altura de las
casas con la anchura de las calles, a la vez que se limita la inclinación de las cubiertas a 45 grados.
El núcleo medieval lo corta en todos los sentidos, separando muchos de los viejos barrios del este: que era
foco de las revueltas. En la práctica, Haussmann superpone al cuerpo de la antigua ciudad una nueva red
de calles anchas y rectilíneas formando un sistema coherente de comunicaciones entre los centros
principales de la vida ciudadana y las estaciones de ferrocarril, asegurando al mismo tiempo directrices
eficaces de tráfico, de cruce y de defensa: procura no destruir los monumentos más importantes, sino que
los aísla y los emplea como puntos de fuga para las nuevas perspectivas de las calles. El nuevo sistema
viario asegura la buena circulación mediante amplias vías y estudiando bien los cruces.
Tras obras viarias el límite de la ciudad coincidía con la fortificación de modo que se pensó en agregar una
franja de 250 metros en el exterior, manteniéndola libre para la construcción de una vía rápida de
circunvalación, aunque no se consiguieron substraer estos terrenos a la especulación de la edificación.
Las obras viarias de Haussmann fueron posibles gracias a la Ley del 13 de abril de 1850 que permite
expropiar además de las áreas necesarias para las calles, todos los inmuebles que se levantasen dentro
del perímetro de las obras. Una de las consecuencias directas de la intervención fue el derrumbe masivo de
edificios.
b) Los parques y jardines públicos son un invento del siglo XIX como respuesta al tiempo de ocio de la clase
capitalista. Ahora se proyectan dos grandes parques en ambos extremos de la ciudad empleando grandes
bosques: Bois de Boulogne, situado entre el Sena y las fortificaciones occidentales, que se convirtió por su
situación y proximidad a los Campos Elíseos en un punto de reunión de la vida más elegante de París, y Bois
de Vincennes destinado a los barrios del este para manifestar la solicitud del emperador por las clases
populares. Fueron parques exóticos, con cascadas y lagos cuya principal función era convertirse en los
pulmones de la ciudad de París.
El diseño de los jardines le correspondió a Alphand que también hizo el parque de butteschaumont situado
al norte de París que es un jardín romántico con grutas y cascadas, caminos sinuosos, puentes colgantes,
variedad de especies, y hasta un tolos griego, y Parc Montsouris en el sur de la ciudad.

19
 c) El problema de las viviendas destinadas a las clases menos pudientes y la exigencia de una intervención
estatal para garantizar las condiciones mínimas de distribución e higiene lo resuelve Luis Napoleón al hacer
aprobar un presupuesto para construir un primer conjunto de casas populares. Las viviendas colectivas se
construyeron a ambos lados de las avenidas, este ejemplo se repetía una y otra vez hasta así marcar la
estética de la calla. Se trataban de inmuebles de renta y alquiler de la burguesía lo que provocó el traslado
de los burgueses al centro de París. La zonificación dentro del edificio era vertical: más pobres de acuerdo
se ascendía: todo el lujo se concentraba en las plantas más bajas mientras que en las más altas se
alojaban los empleados y la gente de poca solvencia económica. La propia escalera de los edificios
mostraban esa graduación pues eran de piedra en los primeros pisos y de madera y esquelética en los
últimos. La altura libre también era otro elemento de distinción pues los pisos de abajo tenían mucha
mayor altura que los de arriba. Con la decoración y las molduras ocurría lo mismo, la calidad de la fachada
descendía en sus materiales según ascendíamos en altura.
d) Los edificios públicos por su parte fueron edificios referentes en toda Europa: cementerios, cuarteles,
escuelas, asilos, mercados, teatros… El teatro de la Opera de París de Garnier es un claro ejemplo. Todos
estos cambios hicieron que la población de París aumentara de 1 200 000 en casi 2 000 000 habitantes, al
igual que la renta per cápita.

Las realizaciones de Haussmann en París constituyen el prototipo de los que hemos llamado urbanística
neoconservadora; esta se convierte en la práctica común de todas las ciudades europeas. Por regla general, las
remodelaciones urbanas hechas a imitación de la napoleónica de París son muy inferiores al modelo. El Plan
Haussmann es importante, principalmente por la coherencia e integridad con que se realiza; pero ningún otro
planificador posee la energía del Prefecto del Sena. Por otro lado, ninguna administración logra contener los
efectos disgregados de la especulación inmobiliaria; Haussmann trabajó bajo una especulación muy fuerte que
se adueñaba de los beneficios de sus trabajos, y hasta 1858 no hace absolutamente nada por ir en contra del
Sistema.

Viena

Las cosas se presentan de forma diferente cuando las

administraciones poseen el suficiente patrimonio de terrenos
situados en los puntos más adecuados para la transformación de la
ciudad. Esto sucede en VIENA donde la antigua ciudad aparece
todavía circundada por un amplio anillo de murallas, más allá de las
cuales se han levantado nuevos barrios. El emperador convocó un
concurso para la remodelación del área, imponiendo a los
proyectistas instrucciones precisas: los cuarteles al sur de la ciudad
deberían ser respetados y se construiría otro grupo de cuarteles en la
parte norte, de manera que las tropas pudiesen desplazarse
rápidamente a lo largo de la vía circular que seguiría la orilla del
Donaukanal y donde se levantarían edificios públicos: teatro de ópera,
biblioteca, nuevo palacio municipal, museos…

El Ring vienés permite incluir la ciudad antigua en el sistema viario de la ciudad moderna, sin cortar ni destruir el
casco antiguo como sucedió en París y levantar los principales edificios públicos de la ciudad decimonónica en
un espacio ancho y aireado entre avenidas y jardines. Lo mismo ocurre en otras ciudades nórdicas donde el
centro tradicional se mantiene intacto como en Colonia, Leipzig o Copenhague.

Tras la derrota de Napoleón Bonaparte se celebró el Congreso de Viena que tenía como objetivo reestablecer las
fronteras de los países europeos. A partir de este momento, Viena se convirtió en el foco de la política europea.
Se unió con Hungría años después y se fueron anexionado países formando el Imperio Austrohúngaro. Tras haber
crecido constreñida y apretada contra sus murallas, que tras desarrollarse la artillería pesada no tenían ningún
tipo de factor defensivo, Viena tuvo un gran desarrollo industrial, cultura, artístico, financiero y político. Era la
época dorada de Viena y solo se le podía comparar con París. A partir del derribo de las murallas en 1857 las
aspiraciones del Rey fueron darle la apariencia a Viena de una gran capital convirtiéndola en el gran símbolo del
imperio. Para ello se construyó el Ring para poder coser la capital con las afueras. Aunque, como ya hemos visto,

20
el Ring en un principio se destinó a un uso militar posteriormente se planteó como una especie de Boulevard con
una vía principal: Ringstrasse, una calle de circulación rápida en torno al casco histórico con un ancho de 56
metros y alrededor de 4 km. El proyecto se realizó por los arquitectos de la corona y en torno a Ringstrasse se
construyeron una serie de equipamientos y jardines públicos que fueron principalmente políticos, culturales y
edificios como los de Haussmann en París.

El teatro de la ópera es un símbolo de Viena y lo llevaron a cabo Von Sicardsburg y Van der Null. Se emplea un
estilo neorrenacentista con bóvedas de cañón, arcos de medio punto… Fue un edificio muy criticado por sus
dimensiones y sus proporciones desmesuradas.

La ornamentación era muy fastuosa y abundante como en la Opera de París. En el exterior destaca una galería
porticada con arcos de medio punto, y con un volumen que se introduce en la acera. Uno de los directores de la
época fue Gustave Maller que introdujo una novedad escenográfica: atenuar las luces durante la escenificación
algo que se mantiene a día de hoy.

Cabe destacar por último la EXPOSICIÓN DE VIENA DE 1873 que resultó un fracaso al coincidir con una crisis
financiera. En este momento llegaron las críticas de la expansión del Ring como por ejemplo de Camilo Sitte que
reflejó su crítica en su obra “Construcción de ciudades según principios artísticos” donde criticó a los planes
modernos en su rigidez geométrica y la monotonía, proponiendo un diseño más pintoresco con formas orgánicas.
Otra crítica fue la desproporción de los espacios, espacios muy grandes y descomunales, y por último también
criticó que el urbanismo hubiese estado sometido a la movilidad hablando de secuencias espaciales. Fue un
gran defensor de las plazas como lugares de descanso y de reposo.

Sus propuestas para Viena no se llevaron a cabo, pero si fueron muy influyentes fuera de las fronteras austriacas
para las teorías urbanísticas de los anglosajones.

BARCELONA

El ensanche de Barcelona es la tercera respuesta positiva. Barcelona hasta entonces era una ciudad artesanal y
amurallada que empezaba su proceso de industrialización: superpoblación, condiciones higiénicas
infrahumanas, epidemias… En 1840, Barcelona estaba asfixiada por sus murallas, con importante valor
estratégico. Éstas estaban en uso y constituían un cinturón que había hecho creer la ciudad en densidad pero
que carecía de instalaciones para saneamiento y era insalubre. En aquella época tenía pocos atractivos, pero
comienza a despegar un fuerte crecimiento en la industria textil y surgen barrios extramuros caóticos ante la
imposibilidad de absorber más población bajo las murallas. Por ello se decide celebrar un concurso para realizar
un ensanche de la ciudad en 1859.

El primer premio lo obtiene el arquitecto Antoni Rovira i Trias con un proyecto

convencional y poco imaginativo en el que, mediante un esquema radial, la ciudad
quedaba dividida en cinco sectores conectados por un paseo de ronda. Pretendía unir el
núcleo con la periferia y entre las avenidas radiales trazar manzanas rectangulares con
patio central, un proyecto de un estilo burgués por la separación de los barrios. La
edificabilidad era muy extensa construyéndose edificios muy altos en calles muy
estrechas. Aunque ganó el concurso ese proyecto no siguió adelante y el gobierno
impulsó el proyecto de Ildefonso Cerdá.

Ildefonso estudió la ciudad de una manera científica. Era conocedor de las ideas
urbanísticas de la época y finalmente juntó todos sus conocimientos en un texto
urbanístico que fue de los más avanzados de toda Europa. Antes de elaborar ese libro
hizo un plano topográfico de los alrededores de Barcelona que supuso un antes y un
después en el mundo de la cartografía pues se relacionaba el plano de la ciudad con el
territorio en el que se inserta. Supuso una novedad pues ya aparecía la línea de costa,
las montañas… Además, se acompañaba de números referentes a la población: un
auténtico estudio cientí fico de la ciudad y de su territorio.

21
 Fue ron dos las versiones que Cerda realiza de su plan para el
ensanche de Barcelona: la primera con un tipo de calles muy
semejantes a las existentes hoy, más otras flanqueadas por jardines
que alternan con los costados de los bloques. La segunda versión
mucho más innovadora supone en definitiva la supresión de la Rue
Corridor, propugnada, tantas veces por Le Corbusier y otros
urbanistas contemporáneos. No consistía en ampliar la ciudad
existente sino en construir una ciudad nueva. Era un plan con una
escala amplísima multiplicando por 8 la superficie de la ciudad existente era una ciudad que crecería decenios y
decenios con este plan. Además del plan tenía una estructura homogénea por que el casco viejo no era el centro
sino un barrio más de la estructura nueva. Los equipamientos públicos se distribuían uniformemente por toda la
ciudad y no existía discriminación de clases como en el caso de Rovira.

El esquema viario se caracteriza por un trazado en cuadricula con calles de 20 m de anchura y amplios chaflanes
en todas las intersecciones. La parte antigua se rodea comuna calle de ronda creándose la plaza de las Glories
catalanes, punto focal donde se cruzaban dos vías diagonales importantísimas: el Paseo de San Juan y la Gran
Vía formando ángulo recto. El sistema viario era doble, uno radial girado 45º respecto a otro reticular.

Mientras que en el primer proyecto se establece que en cada manzana no serán ocupados más que los dos
tercios del solar estableciéndose la edificación de dos únicos bloques paralelos situados en las zonas periféricas
de cada parcela, en el segundo los bloques ya no deben ser necesariamente rectangulares apareciendo el
bloque de planta en L. Los tipos de calle que se habrían dado lugar con esta disposición más libre se hubieran
separado por completo de los tradicionales y la calle corredor sería eliminada casi totalmente manteniéndose
solo para dar lugar a unas grandes avenidas. Con esta solución se obtenía una gran variedad de espacios
urbanísticos y multitud de zonas ajardinadas. Con la superpoblación Cerdá llegó a admitir la posibilidad de cerrar
3 lados de la manzana teniendo bloques en U evitándose así la monotonía de la cuadrícula. Con el tiempo y la
presión especulativa las manzanas se cerraron en los 4 lados.

En el plan Cerda las manzanas se estructuran como núcleos

vecinales aglutinados alrededor de un pequeño centro cívico que
incluye iglesias y escuelas. Los mercados se distribuyen
homogéneamente por toda la ciudad huyendo de una centralización
de los edificios administrativos procurando que no existen zonas
privilegiadas. Cerdá establece asimismo otros servicios urbanos
como centros sanitarios y un gran parque en el margen derecho del
Besós.

El módulo mínimo era una manzana cuyo tamaño debía ser 113x113, y se agrupaban en 5 para construir un barrio
con centros sociales. Con el casco histórico también se hizo esa división por barrios para instalarlo en el modelo
teórico. Cada cuatro manzanas se organizaba un distrito con un mercado central cada uno y cada cuatro distritos
formaban un sector: tres sectores tuvo la ciudad. fuera de la trama y para evitar la interferencia con el tráfico y la
vida se situaron el cementerio y el matadero.

La retícula cuadrangular se extendió por todo el llano con un carácter territorial y solamente limitada por los
accidentes geográficos: montañas y mar, los cuales determinaron la orientación de la trama. Los pueblos de la
periferia quedaron integrados dentro de la ciudad nueva: Sans, Gracia… a excepción de la Barceloneta que no
llegó a integrarse pues todo el litoral quedó sin colonizar. La malla como elemento de colonización no era una
novedad, pues era un recurso funcional empleado desde el inicio de las ciudades. Con esa malla se busca la
igualdad de toda la ciudad, todas las dimensiones son iguales.

El plan Cerdá no se llevó a la práctica más que en lo que se refiere a la estructura vial que aun así está
desvirtuada pues, aunque el trazado es casi coincidente con el proyecto su sentido se vuelve temporalmente
distinto al variar el carácter de las calles como consecuencia del cambio en la organización de las manzanas.

22
 MADRID

Madrid por entonces no tenía una población muy elevada para ser la capital del Estado. Era una ciudad
constreñida por una cerca tributaria para controlar los impuestos, una muralla del siglo XVII. Al triunfar la idea del
ensanche se le encarga el proyecto a De Castro, el cual conocía los estudios de Cerdá y el Ensanche de
Barcelona, pero no era un urbanista tan avanzado de modo que su plan no fue tan brillante.

Barcelona tenía una visión más industrial con una burguesía muy activa, en cambio Madrid era una ciudad con
menos industria, una ciudad de interior sin burguesía especuladora. Los territorios en los que se insertaban las
ciudades también eran muy diferentes: Barcelona se extendía por el llano y estaba protegida por la sierra
mientras que Madrid tenía muchas más imperfecciones en el terreno.

El Plan Castro consistía en ampliar la ciudad con una corona que

estaba limitada con un foso marcando un nuevo límite del crecimiento
de la ciudad, algo que no concordaba con los planes de ciudad de la
época. La población con menos recursos acabó fuera del ensanche lo
que originó muchos problemas posteriores de crecimiento, aun asi la
ampliación multiplicó por 3 la superficie de la ciudad existente.

Castro también utilizó la retícula ortogonal, pero sin el rigor de Cerdá,

pues aquí cambiaba de orientación según el sector. El módulo no era
una retícula cuadrangular, sino que era rectangular, aunque también
cambiaba sus dimensiones. Se veía muy modificada por las
preexistencias. Las manzanas estaban cerradas en sus cuatro lados,
al igual que sus vértices también estaban achaflanados. Había tres
tipos de vías según su importancia: las más importantes de 30 m de
ancho, las secundarias de 20 m y de 15 el resto. Pero además la
jerarquización no era funcional sino social, de modo que las vías más
amplias se situaban en los barrios más ricos.

Se situaron en el centro los organismos de poder y luego la zona de la burguesía se situó en el Barrio de
Salamanca llamado así en honor al Marqués de Salamanca, promotor de este plan. La zona industrial en cambio
se situaba en el barrio de Chamberí al norte, una industria artesana, mientras que la clase obrera junto al Barrio
de las delicias, al sur y al este del Retiro.

Ciudades jardín

El movimiento de las ciudades jardín de Howard tiene dos fuentes relacionadas entre sí: por un lado, la
tradición utópica de la primera mitad del siglo XIX, especialmente la de Owen, entendida como comunidad
perfecta y autosuficiente, síntesis de campo y ciudad, con los significados sociales que se le han añadido
tradicionalmente. Y por otro lado el concepto de la vivienda unifamiliar con jardín poniendo el acento en la
privacidad, y no en las relaciones sociales: un intento de sustraer la vida familiar a la promiscuidad y desorden de
la metrópoli y de realizar el máximo de ruralización compatible con la vida urbana.

El impulsor es Howard que no fue arquitecto sino taquígrafo del tribunal de Londres. Era un hombre con un afán
reformista y planteó una teoría con dos raíces fundamentales: el amor a la naturaleza, algo que siempre ha
caracterizado a los británicos; y una propuesta de socialistas utópicos, Owen era una referencia en su modelo.
Otra de las mayores inspiraciones fue de una novela científica “Mirando atrás”.

Publicó un libro “Ciudades jardín del mañana” en el cual desarrolla su idea de los tres imanes: la ciudad y el
campo son dos imanes que atraían a las personas por todas sus ventajas aunque también tenían inconvenientes:
así que planteaba un tercer imán que incluía las ventajas del campo y la ciudad y desechaba los inconvenientes,
era la Ciudad Jardín que tenía relaciones sociales, los servicios, las comunicaciones… todo lo positivo de la
ciudad pero a la vez tenía la salubridad, las zonas verdes… todo lo positivo del campo.

23
Todas las ciudades tenían un límite de habitantes. La ciudad central de 58 000 habitantes y las satélites de 32
000. De esa forma se mantenía el equilibrio entre la salud mental y la del cuerpo, entre lo rural y lo industrial,
entre la vida en común y la privacidad. Además, tenían un límite de extensión de 5000 acres de extensión agrícola
y 1000 acres para la ciudad.

Cada ciudad además tenía vías radiales que dividían el territorio en 6 sectores y comunicaban el centro con las
afueras. La vía ferroviaria unía la ciudad central con las demás ciudades satélites.

Las ciudades jardín se estructuraban con un gran parque comunitario en el centro, una franja residencial
concéntrica con una avenida y por último otra franja concéntrica pero industrial. El parque central a su vez tenía
un núcleo verde de 5 acres que se rodeaba con una banda de edificios públicos como el ayuntamiento, los
museos, el hospital… Como mercado había una especie de Crystal Palace y las viviendas venían a ser viviendas
adosadas con jardín tipo cottage.

La ciudad jardín estaba dirigida por una sociedad anónima, propietaria del terreno, pero no de las viviendas, de
los servicios ni de las actividades económicas; cada cual era libre de regular su vida y sus negocios como creyese
conveniente, sometiéndose únicamente al reglamento ciudadano y recubriendo a cambio de los beneficios de
una convivencia regulada. Howard supone siempre que la nueva ciudad debe ser autosuficiente y basarse en un
equilibrio armónico entre industria y agricultura, por ello sugiere que la ciudad jardín ocupe una sexta parte del
terreno disponible destinándose el resto a la agricultura y disponiéndose en torno al núcleo urbano un cinturón
de fábricas, dependientes también de la misma autoridad.

Howard fundó una sociedad para poner en práctica el modelo de ciudad jardín. LETCHWORTH
fue la primera ciudad construida por esta sociedad de la mano de Barry Parker y Raymond
Unwin; aunque se alejaba del modelo propuesto por Howard. Se situó a unos cincuenta km de
Londres y se recurrió a un reglamento sumamente minucioso: no solo se ordena la relación
entre casas y jardines, el tipo de vallas, de cultivos… Sino que la Compañía establece también la
prohibición de abrir negocios en locales destinados a vivienda, la obligación de cambiar de zona
a los artesanos que quisieran convertirse en pequeños o medios industriales, la limitación del
número de profesionales no solo en la ciudad sino en cada barrio, el control de la cría de
animales domésticos y la prohibición de fijar carteles o de hacer sonar sirenas o campanas.

Sin embargo, se creó un ambiente pintoresco, con las viviendas siguiendo la estructura típica inglesa. Tenía ese
aspecto de pequeño ciudad de provincia que no tenía suficiente fuerza como las ciudades metrópolis. Fueron
viviendas caras así que la población trabajadora no tuvo la oportunidad de trasladarse a vivir aquí.

WELWYN fue otro ejemplo de la mano de Soissons, entre Londres y Letchworth. Se

elige un terreno más pequeño, el cinturón agrícola se reduce aún más se prevé una
población de 50 000 habitantes. Aquí el éxito es más rápido pues Velwyn alcanza
los 35 000 habitantes antes de la segunda guerra mundial, sin embargo, este
progreso se debe probablemente a razones diferentes de las que Howard pensaba;
la proximidad de Londres y la posibilidad de residir en ciudad jardín trabajando en la
metrópoli. Asi la autosuficiencia revista por Howard se muestra no solo irrealizable
sino perjudicial para el éxito de la ciudad jardín. El cinturón agrícola se reduce
progresivamente, pierde toda importancia económica y tanto en Letchworth como
en Welwyn se reduce a una pantalla verde para garantizar los límites impuestos a la
ciudad. El esquema es parecido a la anterior con un cinturón verde, calles sinuosas,
y viviendas tradicionales con jardín. Aunque como en el ejemplo anterior el eje del
ferrocarril se introduce en la ciudad y lo que es peor el área industrial desaparece
convirtiéndose en una ciudad dormitorio. La gran avenida ajardinada cuenta con los
equipamientos públicos, y las normas fueron muy rigurosas para la edificación,
asegurando que el conjunto estuviese en sintonía y armonía.

24
 HAMPSTEAD GARDEN SUBURB también fue un encargo de la sociedad de
Howard, junto a Barry Parker, Unwin y Lutyens. A día de hoy se introduce en la
misma ciudad de Londres. El objetivo era posibilitar que los londinenses
pudieran vivir en la gran ciudad, pero en contacto con la naturaleza en una
ambiente más tranquilo: un barrio jardín donde se desplazaron las clases altas
de Londres. En la actualidad sigue así pues es uno de los barrios más ricos de la
capital. Cuenta en su centro con un gran parque, y el ferrocarril quedó lejos de
la ciudad jardín. Se dispusieron carreteras radiales además de calles sinuosas y
con fondo de saco para tener pequeños jardines. La mayor contribución de
Hampstead fueron las soluciones tipológicas para agregar las viviendas: se
agrupaban en torno a un close, que es un espacio semipúblico y semiprivado
que favorece las relaciones vecinales. Las viviendas también eran de tipo cottage con huerto trasero.

Por último, también hay un proyecto de ciudad jardín en España. Esta propuesta de Arturo Soria y Mata fue muy
influyente pues apareció años después en ideas de Le Corbusier.

Arturo Soria Mata es un hombre de ciencia español. Entre sus propuestas teóricas destaca la “CIUDAD LINEAL”
expuesta por primera vez en un artículo en el periódico “El Progreso” de Madrid. Impresionado por la congestión
de la ciudad tradicional desarrollada concéntricamente en torno a un núcleo Soria propone una alternativa
radical: una cinta de ancho limitado y longitud ilimitada, recorrida a lo largo de su eje, por una o más líneas férrea.
Este tipo de ciudad debería construirse a partir de una o más ciudades puntiformes actuales, pero podrá
formarse inmediatamente una red de triangulación entre las mismas ciudades, organizándose una distribución
de los asentamientos completamente distinta. La calle central debe tener una anchura mínima de 40 metros y
estará dotada de arboleda y por su parte central recorrida por el ferrocarril eléctrico; las calles transversales
tendrán una longitud aproximada de 200 metros y una anchura de 20 metros. Los edificios solo podrán ocupar
una quinta parte del terreno.

Cada familia tenía una casa fuese cual fuese su clase social y con contacto a la naturaleza, teniendo un jardín. Se
elaboraron catálogos de viviendas para que el cliente eligiese la vivienda que le convenía y el arquitecto hacía
ligeras modificaciones para evitar repetitividad. Solían tener dos plantas con porches, las más nobles, mientras
que las de trabajadores tenían una planta con un aspecto más pobre, construida de ladrillos y con cubierta de
teja árabe. Lo importante era que las viviendas fuesen de la clase que fuesen compartían manzanas sin haber
barrios de clases.

25
 Colonias obreras de los empresarios filántropos

Entre las colonias obreras de los empresarios filántropos destacamos la COLONIA DE SALTAIRE por Titus Salt
que era un empresario textil. Decidió trasladar su fábrica de lana y construir un poblado asociado. El conjunto se
organizaba con un eje: Victoria Road, perpendicular al rio y al eje de ferrocarril, y otro eje paralelo a ese: Albert
Road. Y entre ellos vías perpendiculares que conectaban ambos y en torno al cual se asociaban las manzanas
residenciales y los equipamientos, iglesias, hospitales… las viviendas eran tipo cottage, aunque había algunas
más importantes y lujosas para los capataces y los ingenieros… Al otro lado del Rio, en la parte superior y al final
de Victoria Road había un parque. La población era de unas 4 400 personas.

BOURNVILLE por Cardbury que era propietario de una fábrica de chocolate. Hizo un experimento análogo cerca
de Birmingham con 500 viviendas en un terreno bastante más grande, cerca de 180 hectáreas sin prescripciones
de estilo, pero fijando una proporción a guardar entre terrenos y construcciones. Presenta una diferencia en torno
a los anteriores pues no solo vivía la gente de la fábrica, sino que también podía vivir gente ajena a la misma. Se
repiten viviendas unifamiliares con jardín, grandes espacios verdes, equipamientos colectivos… este caso es
anterior a la ciudad jardín de Howard y probablemente le sirvió de inspiración para su modelo.

• Ciudad industrial, Tony Garnier

Como becario en Roma, estudia cómo realizar una ciudad

industrial moderna. Crea un proyecto donde combina
todos los distintos elementos que existían, creando una
ciudad muy extendida y lineal, alrededor de un río, donde
introduce una zonificación incluyendo una zona industrial
al lado del puerto, con una propia estación de ferrocarril, y
en el exterior, la zona de viviendas, donde resucita el
concepto de ágora, haciendo que las edificaciones la
rodeen.

Al subir la colina, se da para él lo que sería la acrópolis la

ciudad moderna, en la ciudad industrial, la zona
hospitalaria y el cementerio. Se da también una presa
hidroeléctrica que aporta energía, siendo la primera
propuesta que presenta atención al problema energético.

26
 TEMA 4: Del Arts and Crafts al Art Nouveau (1887)
El Art Nouveau fue un movimiento de poca duración, poco más de 20 años, desde la última década del siglo XIX
hasta la Primera Guerra Mundial. Fue un movimiento intenso que afectó a toda Europa. Los arquitectos estaban
cansados de este envoltorio historicista que se les daba a los nuevos edificios de nueva construcción, pero
también lo estaban de la impersonalidad característica de la construcción en serie. Los arquitectos no querían
ser ingenieros, pero tampoco querían seguir manteniendo los estilos históricos. Por eso el Art Nouveau supuso
una ruptura para una cosa como para la otra. Se creó un nuevo estilo fresco y diferente.

La ciudad industrial continuó creciendo y se creó un deterioro en la vida del pueblo. En el origen real era la
producción en serie, el cambio de la producción artesanal a la producción industrial. Se diferenció la producción
de los objetos en dos categorías: las bellas artes aplicadas. Las bellas artes eran la producción artesanal, todo
hecho a mano; ligado con la espiritualidad… Quedaba reservado para las obras de arte, escultura… Las artes
aplicadas era la fabricación industrial de objetos cotidianos del día a día. Cuando esos objetos cotidianos
comienzan a construirse de manera industrial surgieron críticas en torno a ellos: tenían falta de espiritualidad, no
tenían autenticidad… Justamente por eso nace en Inglaterra un movimiento que intentó reformar esas Artes
aplicadas: asi surge el Arts and Crafts.

Un representante fue PUGIN arquitecto neogótico. En esta primera fase se intenta atajar ese problema de la
fealdad y vulgaridad de los objetos cotidianos con los procesos de industrialización, se forma a partir de ahí
escuelas de diseño industrial para fomentar el buen gusto dentro de la producción en serie. El primer
representante de esta época fue COLE, uno de los encargados en elegir el Crystal Palace de Paxton. En esta
primera generación también aparece Owen Jones que le dio color al Crystal Palace en su estructura.

William Morris, diseñador y pintor que fundó su propia firma de productos artesanales. William Morris era uno
de los personajes que detestaban las grandes ciudades, buscaba el contacto de la naturaleza, se quejaba de que
la sociedad de su época solo se preocupaba del dinero y era seguidor de las teorías de Ruskin. Su sociedad ideal
era una sociedad constituida por pequeñas ciudades agrícolas y medievales, la vida en comunidad.

Fue el fundador del Arts and Crafts que pretendía extender el arte más allá de la arquitectura, pintura y escritura,
sino extenderlo a todos esos objetos de la vida cotidiana que nos rodea. El Arts and Crafts defendía la
supremacía del hombre frente a la máquina, el Arts and Crafts rechaza la producción en serie fomentando los
talleres artesanales donde se produzcan objetos de la vida cotidiana lo más bellos posibles. Él quería producir
“arte del pueblo para el pueblo”, pero al rechazar la mecanización todos los objetos eran artesanales, eran
únicos y por tanto eran caros, por lo que solo podían acceder a ellos las clases ricas. Fue un movimiento
reformista que tuvo influencia en toda Europa, no solo en Inglaterra y no solo en las artes decorativas sino en la
Arquitectura. Esta es la raíz de las Escuelas de Artes y oficios.

• Red House por Web y Morris

Se concibió con los principios de la arquitectura doméstica

medieval que se refleja en los grandes muros de ladrillo rojo sin
ninguna ornamentación. Todas muy bien integrado en el
ambiente de la campiña inglesa, las cubiertas apuntadas…
Planta asimétrica típica de la arquitectura medieval que crecía
según la necesidad: es una planta libre de simetría y de
ataduras geométricas. De hecho, el proyecto quedó abierto
para ser ampliado en un futuro. También se ve la mano de
Morris en las chimeneas de la vivienda: austeridad volumétrica construida por diferentes aparejos y diferentes
tipos de ladrillo. El ladrillo artesanal era uno de los mejores materiales de construcción: las chimeneas
consiguen aspecto de pieza única y exclusiva. A partir de esta experiencia creando sus propios muebles, creó su
fundación “Morris, Marshall, Faulkner & Co” que se encargó de fabricar vidrieras, tapices, alfombras, mobiliario…
todo de manera artesanal. Eran carísimos y no prosperó. Incansable Morris fundó después su propio taller
“Morris and Company”. Los objetos según Morris debían ser prácticos y funcionales además de artesanales. Los
papeles murales estaban plasmados con naturaleza y flores, las cuales fueron la inspiración del movimiento.

27
 Morris tuvo un número grande de sucesores directos, pero
estos lo que hicieron fue superar esa especie de aversión a la
producción industrializada, sí que la incorporaron a sus obras.
Esto en parte llevó a que las formas de los tapices, papeles,
muebles se simplificaran sin perder su belleza y su elegancia.
En arquitectura destacó VOYSEY con sus casas de campo.
“The Orchard” fue su casa inspirada en las casas típicas
inglesas, pero con una reinterpretación pues depura esa idea
con unos volúmenes más austeros, emplea revoco igual para
toda la fachada, las cubiertas son de pizarra, la horizontalidad se realza con la seriación de las ventanas en
horizontal. Es como una figura de enlace entre el Arts and Crafts y el movimiento moderno, su composición es
sencilla y diseñada desde la funcionalidad. El mobiliario interior era de diseño propio, pero sin rechazar la
producción industrial.

La pintura que siempre ha ido más avanzada que la arquitectura, a finales del siglo XIX se creó el POST
IMPRESIONISMO. Es una forma de pintar diferente a lo que se había venido a hacer. La “noche estrellada” de Van
Gogh también es otro ejemplo a esa época donde pinta una noche llena de luz y de color. Las líneas se retuercen
como remolinos envolviendo todo el cuadro. Gauguin rechaza la perspectiva y sus temas son muy referentes a
los placeres de la vida, a la libertad de forma de vivir de los indígenas libres de los convencionalismos de la gran
ciudad, la fecundidad…

La influencia de la cultura japonesa proviene del interés de sus obras por partes de los europeos, Hokusai es el
artista japonés más destacado, de la escuela de pinturas del mundo flotante, muy obsesionado por el Monte Fuji,
su obra se caracteriza por la no perspectiva, bidimensional y colores planos, composiciones asimétricas y
descentralizadas. Uno de los mayores introductores del arte japonés en Europa fue Samuel Bing con “Le Japon
Artistique” una revista mensual que recogía todas las novedades del arte y del diseño japonés. De esta forma se
creó lo que se llama japonismo, el interés en Occidente por la cultura nipona. En Japón sucedió el fenómeno
inverso, lo japonés perdió valor frente a lo occidental. El Japonismo afectó a todas las artes aplicadas: desde el
diseño gráfico, al mobiliario…

Decálogo del Art Nouveau

1. Los historiadores enmarcan el desarrollo del Art Nouveau entre 1892-1914. Los historiadores enmarcan
el desarrollo entre esos años en cada país con sus peculiaridades, un poco antes se estaba
transformando en geometrización, art decó
2. El contexto es el de la Segunda Revolución Industrial, época de gran optimismo popular, la
industrialización iba a acabar con todos los males mundiales
3. El Art Nouveau se dio principalmente en ciudades industriales que generalmente no coincidían con las
grandes capitales (Bruselas, Glasgow, Barcelona o Múnich), ciudades que buscan distinguirse por su
estilo propio de las capitales
4. Los consumidores de este arte son la nueva burguesía adinerada. El rechazo a la producción industrial
tenía como consecuencia de que era un arte caro. Esta nueva clase social busca darse a conocer.
5. Está muy ligado a la moda. Este concepto surge en estos momentos. Los objetos quedan obsoletos por
pasar de moda, algo que nunca había ocurrido.
6. Fue muy difundido por las revistas ilustradas, las revistas con las imágenes a color son un fenómeno del
siglo XIX era una forma rapidísima de difundir ideas a un lado y al otro del atlántico.
7. Hay una voluntad de modernidad (romper con el historicismo). La nueva fuente de inspiración es la
naturaleza y las formas imaginativas y exóticos. No se copian las formas como en los Neos.
8. El carácter artesanal de todas las piezas. Rechazo a la producción industrial.
9. La obra del arte total; se busca la integración de todas las artes, el arquitecto ya hace un diseño integral
de todos los elementos de su obra desde la estructura hasta los más minuciosos detalles.
10. El arquitecto del Art Nouveau conoce tanto los nuevos materiales como los tratados médicos, pone en
práctica sus conocimientos en los edificios que proyecta, empleando nuevos materiales y tecnológicas,
luz a gas y luego eléctrica, presta atención a la iluminación y a la ventilación.

28
 Art Nouveau en Bélgica
Bélgica tenía unas condiciones especiales pues se había separado de Holanda en 1830 e intentaba buscar un
nueva lenguaje artístico con el que identificarse. Otra influencia fue la creación en Bruselas de una revista de Arte
Moderno en la que se publican las creaciones más innovadoras de artistas independientes, así apareció la figura
de Víctor Horta.

Arquitecto que estudió en París había estado en contacto con los ideales de Viollet le Duc al igual que los de
Morris. Cuando volvió a Bruselas se pasó 7 años meditando y empezó a construir en la década de los 90. Fue muy
innovador hasta que quedó anclado con los nuevos arquitectos.

• Casa Tassel, Bruselas

Se caracteriza por el uso de formas orgánicas, motivos naturales y una integración

armoniosa entre estructura y decoración. La fachada se distingue por su fluidez y el
uso de materiales innovadores para la época, como el vidrio y el hierro. Las líneas
curvas y los detalles decorativos se integran perfectamente creando un efecto de
ligereza y dinamismo. En el interior, Horta utiliza una planta abierta, donde los
espacios conectan sin las barreras tradicionales de las habitaciones cerradas. Marcó
el inicio de una nueva era en la arquitectura, donde la funcionalidad y la estética se
combinan de manera innovadora. Es una obra pionera que refleja la integración del
arte, diseño y funcionalidad, estableciendo nuevos estándares en la arquitectura
moderna y dejando un legado duradero en el mundo del diseño arquitectónico.

• La Casa Horta

Compuesta por dos elementos independientes, un taller y la zona de vivienda.

Tenía dos escaleras una para el servicio y otra principal… La principal ocupa el
centro geométrico de la planta, su diseño era en realidad diferentes tramos de
escalera que daba acceso a entre plantas, a las espaldas de la vivienda había un
jardín, mezcla entre estilo japonés y romántico. El comedor construido de muro
de ladrillo blanco muy cuidado en la composición de arcos, bóvedas, puertas y
ventanas muy amplias buscando la luminosidad. La escalera principal tiene un
diseño muy sofisticado, barandilla de hierro con motivos vegetales, hasta las
instalaciones tenían que formar en esa obra del arte total, todo muy cuidado la
escalera se cubrió con una claraboya por donde entre la luz.

Lámparas que caen de tallos de plantas… Algunos detalles más son el grupo de picaportes y de llaves, las
ménsulas del vuelo de la fachada metálica con las cerchas en celosía eran la única ornamentación. Los nervios
recuerdan a una estructura gótica. Horta siguió construyendo en Bruselas, pero nunca llegó a la frescura de sus
primeras obras.

Paul Hankar
Otro protagonista de esa revolución de la arquitectura en Bélgica fue PAUL HANKAR con un estilo muy innovador
y personal, en Bruselas es un ejemplo de su obra. La fachada tiene una composición sin precedentes al ser
asimétrica, tiene tres niveles distintos donde se combinan diferentes formas con mampostería, ladrillo, hierro…
Todas las líneas rectas que marcan los ritmos se combinan con los elementos curvos de las ventanas.

• Casa Hankar

Es su propia casa, cuya fachada es menos innovadora, pero tiene dos elementos especiales destacables, que
son el mirador de hierro con una decoración vegetal geometrizada y el cuidado del despiece de los diferentes
materiales. Además, este tipo de arquitectura fue una referencia para la construcción doméstica en Bélgica y de
hecho se construyeron barrios enteros siguiendo este modelo.

29
 Henry van de Velde
El tercer padre del ART NOUVEAU en Bélgica es VAN DE VELDE, este personaje en sus inicios fue pintor y
conociendo las teorías de Ruskin y de Morris y se dedicó posteriormente al diseño de objetos decorativos y
después se pasó al mundo arquitectónico. Además, con una profunda reflexión teórica detrás. A Horta y a Hankar
les movía la inauguración de un movimiento estético, pero se acabaron estancando. Sin embargo, Val de Velde
supo evolucionar y adaptarse a los tiempos. Partió del Arts and Crafts y su pensamiento evolucionó integrando a
la industria en la obra artística. Posteriormente evolucionó al racionalismo del movimiento moderno.

• Tienda de tabaco Havana

Ubicada en la ciudad de Bruselas, esta tienda es un ejemplo característico

del estilo de Van de Velde, en 1907. La fachada de la tienda es elegante y
curvilínea, con líneas fluidas que son típicas del Art Nouveau. Utiliza
materiales nobles como piedra y hierro forjado, destacando los detalles
ornamentales. Las ventanas grandes permiten la entrada de abundante luz
natural, y están decoradas con vidrieras artísticas. El interior de la tienda
presenta una disposición espaciosa y luminosa. La iluminación está
cuidadosamente diseñada para resaltar los productos y crear una atmósfera
acogedora y elegante.

• Casa Bloemenwerf

Es su propia casa, en uno de los suburbios donde crea un barrio jardín: Uccle en
Bruselas. Es una reinterpretación de la arquitectura rural belga con cubierta y
tramos en distinta pendiente. Madera como estructura. En el interior diseño todos
los elementos desde muebles, barandilla a cubertería. Según Van de Velde la
forma de los objetos debían ser funcionales y no caprichosas, las formas de las
muebles provenían de las necesidades y principios ergonómicos. Van de Velde fue
uno de los granes interioristas de esta época y del Art Nouveau. Aunque empezó
su carrera en Bruselas también trabajó en Alemania. En Weimar con una gran
tradición alemana recibió el encargo de una ESCUELA DE ARTES Y OFICIOS
donde se enseña una nueva educación basada en la creatividad del hombre y en
la inspiración al entrar en contacto con los materiales, sin basarse mucho en la
tradición histórico. Es el precedente de la Bauhaus.

Es un edificio dominado por la idea de taller. Son volúmenes puros,

un edificio muy racionalista donde se emplea la modulación y la
tecnología, el vidrio, el metal… Van de Velde fue el director de la
escuela hasta que se le cambió el nombre por Bauhaus al cambiar
de director.

30
 Hector Guimard
En Francia por su parte, el ART NOUVEAU está representado por la figura de Hector Guimard que en mucho
tiempo se le consideró un arquitecto secundario al lado de Horta, Van de Velde o Gaudí al no crear escuela y no
tener discípulos. Su obra quedó aislada y desconocida. Estudió en la Escuela de Artes decorativas y después en
la Escuela de bellas artes y admiró la obra de Le Duc. En Holanda de viaje conoció las tendencias del Art
Nouveau y tras eso se establece en París donde desarrolla gran parte de su obra.

• Metro de París

Además, en esta época mientras se construía el metro de París Guimard construyó

las puertas de estilo modernista donde el hierro era el material principal. Mostraba
una arquitectura muy ligera. Eran muchas y muy diversas estas entradas de metro,
aunque en la actualidad quedan muy pocas como las de Monceau. Una de ellas se
trasladó a Montreal como regalo de París. Los materiales fueron el hierro fundido y
forjado, el vidrio, a veces coloreado, y los paneles cerámicos esmaltados. Algo que es
importante es que a pesar de estas formas imaginativas se produjeron las piezas en
serie. Guimard no solo se inspira en la naturaleza sino también en los insectos,
incluso la tipografía del cartel también fue muy cuidada y objeto de diseño de
Guimard. Diseñó todos los detalles hasta de las lámparas que iluminaban el cartel.
En París se le llamó el Art Nouveau como Estilo Metro, al ser este un gran ejemplo
muy característico del Art Nouveau. Guimard se trasladó a EEUU donde falleció.

Charles Rennie Mackintosh (1868 – 1928)

En la ciudad de Glasgow, una de las ciudades prototipo del Art Nouveau al no ser una ciudad capital y no tener un
pasado histórico, la tradición no estaba tan arraigada. A la vez en ese momento estaban sufriendo estas ciudades
un despliegue industrial con las casas de navegación y los astilleros… y por eso surgió una élite o una nueva
burguesía que pretendía rodearse de este estilo para diferenciarse de las clases aristocráticas. En el caso de
Glasgow se buscó la inspiración en la simbología celta y en el intercambio con Japón. Fue el gran arquitecto de
Glasgow como muchos arquitectos fue un borracho empedernido y construyó pocas obras, aunque se convirtió
en una de las señas de identidad de la ciudad. Dentro del mundo del Art Nouveau Mackintosh supuso un cambio
al hacer líneas más rectas, menos dadas a las florituras, líneas más puras y sencillas y por eso en cierto modo se
le considera un precursor del Art Decó y del movimiento moderno. Su obra tuvo una gran repercusión en Europa
por la publicación de revistas.

Encontró su inspiración en su DECORACIÓN MURAL en el mundo floral, en el mundo celular y de los protozoos, el
japonismo, y el simbolismo de la cultura celta: los símbolos del árbol de la vida (los círculos representaban la
eternidad, las espirales son los ciclos vitales…). Mackintosh comenzó su carrera en un estudio de arquitectura y
conoció a McNair y a las hermanas McDonald con las que se casaron, formando los CUATRO DE GLASGOW. En
sus comienzos usaron formas sinuosas, femeninas y vegetales, usaron colores planos como el resto de los
artistas Art Nouveau. Fueron evolucionado a formas más simples, geométricas y austeras, aunque tampoco sin
llegar a perder las raíces de lo místico y lo vegetal.

• La Escuela de Arte de Glasgow

Fue su salto definitivo a la fama. Edificio en un solar complejo con pendiente y muy alargado que mantiene en
cierto modo el aire de fortaleza medieval construido con grandes bloques de piedra sin renunciar al hierro y al
vidrio. La distribución de huecos es simétrica tanto en planta como sección. A pesar de estar construido en
piedra no es un edificio que resulta monumental. Tiene planta rectangular con 4 plantas, aunque en la fachada
principal da la sensación de que solo tiene dos. Las plantas se organizan en dos crujías que dejan un corredor en
medio y lo que se hace es dejar enfrente los accesos, las aulas, los talleres… y en la parte de atrás se desplazan
los medios de comunicación, dos patios traseros, un pequeño salón de actos con forma de anfiteatro. En torno a
la escalera se organiza un museo y en uno de los extremos de la parte posterior se sitúa la biblioteca con doble
altura.

31
Es una planta muy funcional en la que el corredor central actúa
como una espina dorsal que comunica todo. Los huecos
correspondían a las necesidades de los espacios interiores. En la
fachada principal domina la línea recta que ayuda a marcar el
carácter macizo del edificio, los enormes ventanales iluminan
talleres y aulas. Los elementos curvos son escasos y se concentran
en las barandillas y la puerta de acceso. Materiales: granito gris en
las tres fachadas, ladrillo enfoscado en la fachada trasera, que
ayuda al carácter solemne. En los huecos utiliza el hierro y el vidrio
en los grandes ventanales.

La biblioteca tiene rasgos góticos como la cubierta inclinada, los ventanales que sobresalen y la carpintería
reticulada de los mismos muy utilizada por Mackintosh. Era una escuela muy moderna al ser mixta. El interior de
la biblioteca Mackintosh lo plantea como una cueva de la sabiduría con maderas nobles y elementos colgantes
del techo que simulan estalactitas, diseñó todo el mobiliario interior, hasta las lámparas, empleando formas
limpias y geométricas, madera oscura excepto en el suelo. Mackintosh fue pionero en las villas del Art Nouveau.
Son dos grandes villas a las afueras de Glasgow:

• Windy Hill

Con una gran austeridad exterior frente a los interiores con una
decoración en sintonía con la obra de arte total pero muy
sofisticada la Windy Hill es más modesta, aparece la
característica básica de romper con la simetría para jerarquizar
los volúmenes y espacios. Esa planta en libertad y sin ataduras
geométrica se manifiesta en el exterior con diferentes
volúmenes, en diferentes alturas y cubierta de diferente tipo.
Muy contrarias a las villas de Paladio. Las plantas componen una
L, con una zona más amplia y señorial y una más corta para el
servicio. En planta baja se situaban los espacios de día mientras
que en la planta primera se situaban los espacios de noche.
Algunas de esas cubiertas eran muy pronunciadas con paños muy extensos y ese revestimiento rugoso que
vemos en los muros exteriores son un revestimiento propio de la arquitectura tradicional escocesa: Harling, un
mortero de grano grueso pensado para el mal tiempo. Esos exteriores austeros no concuerdan con los interiores
delicados, un ejemplo es la chimenea donde se aportan tonos crema y madera que dan calidez a la estancia y
que parece un santuario japonés. d

• Hill House

Es una planta con composición asimétrica, los volúmenes variados que

buscaban una funcionalidad. Mackintosh decía que la casa había que
construirla de dentro hacia fuera haciendo una arquitectura Bella. Para que
la vivienda fuera lo más funcional posible, Mackintosh vivió con la familia de
la vivienda para conocer sus hábitos. En esta vivienda se incluyen esos
espacios nuevos que nacen con el Art Nouveau: el fumadero, la sala de
billar… Eran espacios de relación social. En el exterior aparecen muros
gruesos de ladrillo con el revestimiento de Harling. Siguió dos estrategias
volumétricas con la yuxtaposición de elementos: torreones en esquina, y por
otro lado la fusión de volúmenes: la chimenea integrada en la fachada. Gran contraste del exterior con el interior.
Se hace una obra de arquitectura total. En 1901 participó en un concurso entregando fuera de plazo: El proyecto
de casa para un amante del arte, Darmstadt. El concurso era en la ciudad alemana que era conocida por tener
una colonia de artista. Mackintosh no ganó, el concurso quedó desierto sin ganador. El proyecto de Mackintosh
fue tan innovador que se decidió publicar y posteriormente se construyó. Mackintosh siguiendo su filosofía de
crear la casa de dentro hacia fuera, pensó en todos los espacios que necesitaba este burgués adinerado

32
apasionado por el arte: una habitación de desayuno, dos habitaciones separadas para la pareja, una sala de
música, una sala de juegos… Prescinde de cualquier rasgo histórico en su planta: son dos volúmenes
desplazados entre sí por un eje longitudinal y ya los espacios se suceden alrededor de ese eje. Es una
arquitectura austera con muros desnudos, como símbolo de modernidad. En este caso emplea el color blanco y
se va acercando poco a poco al movimiento moderno. No hay una composición de fachada, hay una cubierta de
pizarra. En el interior hay un diseño muy exhaustivo con espacios claros y luminosos en el interior.

Una rica empresaria de Glasgow: La señora Cranston fundó una cadena

de salones de té, para luchar contra el alcoholismo. La señora Cranston
le encargó la reforma y la construcción de estos edificios, aunque la
mayoría fueron demolidos en los años veinte. El Salón de Té Willow
con una fachada sobria y estrecha con un juego de superficies
cóncavas. Utiliza también huecos con diferentes tamaños y
profundidades con respecto al plano de la fachada. Ese juego es el
reflejo de los ricos espacios que se guardaban en el interior: había un
restaurante, una sala de té, un fumadera, una sala de juego… El interior
es muy luminoso también diseñado hasta el último detalle, además de
los muebles diseñó la mantelería, los espejos hasta la carta del menú.
Las puertas eran paños de vidrio tintados con motivos vegetales. En
1913 Mackintosh abandona la arquitectura y se fue a Londres donde
sobrevivió haciendo diseños de tejidos, proyectos de decoración… y después se va a Provenza en Francia donde
se dedicó a pintar acuarelas que vendía en Londres.

ART NOUVEAU en España, el modernismo catalán

Barcelona era la ciudad más industrializada de España con una burguesía pujante en ese momento que
reivindicaba una diferenciación política y social con el resto de la sociedad española, surgen los nacionalismos
que buscaban esa diferenciación con el resto de España. La figura que más destaca es ANTONI GAUDÍ, aunque
no podemos entenderlo como un genio aislado en este contexto, trabajó con CADAFALCH, DOMENECH i
MONTANER y JUJOL.

Antoni Gaudí I Cornet

Fue un gran arquitecto que supo entender su época y algo muy importante para los arquitectos entendió las
necesidades y las exigencias de sus clientes. Era un personaje contradictorio y su trabajo estuvo marcado por
cuatro ideas fundamentales: concentró muchísimos esfuerzos por rescatar en sus obras los oficios de la
tradición artesanal de Cataluña como la forja y la cerámica. Gaudí tuvo una carrera muy relacionada a la de
Güell, empresario textil catalán que representaba un tipo de empresa en el que creía que los empresarios y los
trabajadores debían trabajar unidos, pero con jerarquías, “trabajaban como en una colmena” Gaudí compartía
todas sus ideas con sus mecenas pues fue uno de los empresarios que más encargos le hizo a Gaudí. El tercer
rasgo característico era la religión pues era un hombre muy religioso, pensaba que la religión podía ser la
conciliación de las clases sociales y por último el cuarto rasgo es que rechaza la arquitectura recurriendo a las
formas de la naturaleza: los arcos parabólicos, las curvas, los soportes inclinados, los materiales sin pulir… tiene
una idea de que el arquitecto debe ser un artesano y por eso sus edificios son en gran parte empíricos.

Su obra fue desde ese interés por el gótico, evolucionado por etapas que siguen un orden cronológico con varias
obras destacables. Tuvo cuatro etapas: La primera arquitectura con referencias orientalistas, la Segunda
arquitectura con referencias neogóticos, Tercera arquitectura con referencias naturalistas y la cuarta arquitectura
con la culminación de su estilo personal.

Primera etapa: Arquitectura de referencias orientalistas empieza con la obra de la Casa Vicens en 1883 en
Barcelona. Es su primer encargo tras hacer varias obras de poca envergadura.

33
 • Casa Vicens

Esta casa está inspirada en el arte islámico español: nazarí y mudéjar. No es

un estilo neoárabe, no es una copia de la arquitectura oriental. La casa Vicens
es una vivienda con jardín y cuatro plantas. Tiene tres fachadas donde se
combina la piedra, el ladrillo, los azulejos. La fachada se caracteriza por las
torres, las cartelas y los arcos como reinterpretaciones de los arcos poli
lobulados. Emplea también forja con formas elaboradas en los balcones y en
la verja del jardín. Se inspira también en la palmera mediterránea, y la
combinación de llenos y de vacíos da sensación de forma geológica.

En el interior cabe destacar el fumadero con inspiración alhambresca con la yesería de los paramentos que nos
recuerda a la Sala de los Abencerrajes de la Alhambra. El arte islámico se relacionaba con los placeres de la vida.
Aparecen armaduras de madera, pinturas murales… es una obra de arte total. En el jardín integró elementos
orientales que está inspirado en el Mausoleo de la necrópolis de Asuán en Egipto. Hay mucha vegetación
autóctona.

• El Capricho

En Comillas (Cantabria). Fue un capricho de las formas orientales.

Funcionaba como zona de recreo en verano. Es un edificio de planta libre en la
que destaca la torre-mirador cilíndrica que recuerda a un minarete persa. Las
cartelas son de ladrillo visto y la cubierta de teja árabe de color verde. La
entrada está flanqueada por cuatro columnas con capiteles de palmito y
pájaros de inspiración románica. Se combina el zócalo de piedra con los
ladrillos de distintos tonos. Además, se intercalan azulejos decorados con
girasoles en la fachada. Al igual que en la Casa Vicens cabe destacar el
trabajo elaborado de la forja. Como obra de arte total tenía incluso un
mecanismo musical que se accionaba al abrir y cerrar las ventanas.

Gaudí también recibió el encargo de hacer el acceso en la finca Güell donde hizo unos pabellones donde empleó
zócalo de piedra, cerámica con relieves orientales, mucha decoración… Otro elementos que destaca es la
culminación de su interés por la forja en la puerta de acceso donde hace un dragón, animal que custodia la finca,
con una elaboración rigurosa.

• Finca Güell en Pedralbes

Empieza a dejar las influencias orientales. Realizada para Güell, un empresario barcelonés, ambos convencían la
religión como algo que podría venir a suavizar los conflictos entre patronos de obreros.

La primera obra que realiza es la finca Güell, que se

encontraba en aquellos entonces en las afueras de
Barcelona y que ahora se encuentra en pleno centro.
Construye fundamentalmente pabellones de recreo, las
caballerizas, y la puerta metálica, que mue stra el
interés de Gaudí por los oficios artesanales y como
concibe la arquitectura colaborando con ceramistas,
ebanistas, y profesiones que se estaban perdiendo. Otra
característica de la puerta es su simbolismo, con un
gran dragón de metal, la representación del dragón
mitológico de la mitología griega. Al pasar la puerta, a la
derecha, se encuentran las caballerizas, con una forma
principal del lucernario, y los recintos donde se
colocaban los caballos, donde se utilizaba el arco
parabólico.

34
 • Palacio Güell

Fue un encargo de Güell para su residencia. Es una obra con la que comienza a entrar en su
segunda etapa pues aparte de sus referencias árabes también tiene referencias góticas. Es
una casa señorial con fachada de piedra como referente a la posición social del promotor.
Cabe destacar todo el mirador que recorre la primera planta en la fachada y los arcos
parabólicos como entradas. En estas puertas emplea de nuevo la forja alternando la trama en
celosía con una decoración de líneas retorcidas. También destaca el yelmo con el caballo de
al lado que custodia la entrada. Para el diseño de los arcos parabólicos se inspiró en las
asociaciones de colmenas de las abejas. Era característico emplear formas naturales como
base para diseñar las estructuras.

En el interior, concretamente en el recibidor, tiene tres alturas y era el núcleo central de la

vivienda, como un patio árabe distribuye las estancias a su alrededor. Tiene el peso de ser el
corazón de la vivienda y representativa decorado con un arte religioso: tiene un mueble altar
que recrea una capilla. Cabe destacar el trabajo de la forja, y la cúpula parabólico en el
interior y cónica en el exterior. Es una cúpula agujereada para que la luz entrase a modo de
baño árabe. Desde el exterior la forma concia hace referencia a un termitero.

Destacamos la bodega con construcciones de ladrillo y las chimeneas en el tejado como combinación del
azulejo con remates cónicos, sin precedentes anteriores.

• Parque Güell

El encargo del PARQUE GÜELL era hacer una urbanización de lujo inspirado en las
ciudades jardín. Se pretendía introducir en Barcelona la conexión de vivienda y
naturaleza. Se construyeron los elementos comunitarios que se realizó en
mampostería con 7 entradas distintas, dos pabellones en la entrada principal, un
espacio de mercado con una gran plaza pública encima y una serie de viaductos y
paseos que permitían recorrer todo el parque. El Parque Güell se sitúa en la montaña
pelada de Barcelona sin apenas vegetación, es un paisaje abrupto. Se plantaron nuevas especies de vegetación y
se construyeron otros viaductos para transitar el parque a pie protegido por unas galerías porticadas, o mediante
vehículos. Estructuralmente funcionan como muros de contención esos viaductos: construidos en piedra más
basta en el interior y un canto más fino en los capiteles y soportes lo que le da un aspecto rústico y áspero de
aspecto de gruta natural, potenciando la relación con la naturaleza.

La entrada principal estaba flanqueada por dos pabellones: una vivienda del portero y el otro con servicios como
el teléfono. La planta era ovalada y emplea mampostería de color ocre. Los huecos tienen diferentes formas y
están enmarcados con piezas cerámicas. Las cubiertas toman formas plásticas como si fuesen fácilmente
moldeables y todo recubierto con trencadís. Cabe destacar la Sala Hipóstila que funcionaria como mercado. La
componen 86 columnas de 6 metros de altura y 1.20 de diámetro y están revestidas en su base con material
cerámico y tienen ábacos octogonales, es casi como una reinterpretación personal del estilo dórico. Todo el
espacio estaba cubierto por una especie de bóvedas entre las cuales había rosetones que simbolizaban las
cuatro estaciones del año. Sobre la sala hipóstila aparece esa gran plaza mirador que tiene un banco-pretil que
rodea todo el perímetro. Estaba reservado para acoger eventos religiosos. Bajo la sala hipóstila hay una cisterna
para regar todo el entorno.

• Colonia Güell

Su último proyecto para sus mecenas era una iglesia para un colonia obrera, la Cripta de la Colonia Güell. Era
para una colonia obrera y faltaba construir la Iglesia en el complejo industrial. Con la muerte de Güell solo se
construye la cripta, la parte de abajo. La planta era oval como un crustáceo inspirado en los animales y mundo
natural y dividido en cinco naves. Gaudí ideó un conjunto en la naturaleza lo que sirvió como campo de
experimentación para la Sagrada Familia. La cripta se caracteriza por las bóvedas de Gaudí, todo construido en
ladrillo excepto las cuatro columnas centrales de basalto. La construcción es brutalista con todos los materiales
vistos, no se forran, ni se pulen. Destacan también los grandes ventanales con vidrios coloreados.

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 • Casa Batlló

Entre 1904 y 1906 encargó remodelar una casa de estilo neoclásico en el Paseo de
Gracia y que en la actualidad es la Casa Batlló, casa entre medianeras perteneciente
a un empresario textil. Está situada junto a la casa Ametller. Es una parcela estrecha y
alargada. Tiene planta baja, seis plantas y buhardilla y una planta bajo rasante. El
sexto piso fue un añadido de Gaudí, la transformación fue superficial. Es un
cerramiento ondulado lleno de color y reflejos luminosos coronado todo con una
cubierta que simula la piel de un reptil. Es una mezcla de arquitectura, escultura y
pintura que aúnan las obras de Gaudí. En la fachada aparece la metáfora naturalista
con los balcones que simulan los esqueletos de animales gigantescos: los soportes
simulan huesos, todo sobre un mar de trencadís. En el interior el núcleo de escaleras
central es lo único que queda recto excepto el tramo de la planta a la primera que
adopta una forma curva y simula la espina dorsal de un esqueleto. Es interesante
como la losa se funde con el paramento lateral en curva sin ningún tipo de arista.
Todo esto se emplea en la tabiquería del resto de la vivienda. También en el interior se emplea el trencadís en
colores claros para mejorar la luminosidad de la casa. La cubierta es uno de los elementos más característicos
de Gaudí pues es un espacio escultórico lleno de simbolismo. Vemos todas las chimeneas retorcidas que se
coronan con remates cónicos. La cubierta simula un reptil revestido con trencadís y rematado con figuras
cerámicas circulares. Destaca la cruz florar como triunfo de la religión de San Jorge frente al dragón.

• Casa Milá

El último ejemplo de su fase naturalista es la Casa Milá en

uno de los chaflanes del Paseo de Gracia invadiendo a la
acera. (LA PEDRERA) se levanta como una formación rocosa
se refleja el mundo natural de la geología. Elude a la montaña
sagrada de Montserrat. Aunque la fachada tiene una
apariencia de ser un elemento pesado no es una estructura
de muros de carga sino de pilares y vigas y tiene placas
delgadas de piedra caliza en la fachada. Cabe destacar el
trabajo de la forja en los balcones. La planta se organiza en
torno a unos patios interiores comunicados. Son dos
edificios yuxtapuestos con dos entradas independientes,
aunque el exterior no es visible para ganar presencia unitaria
y más potente. La planta sótano es de garajes y trasteros, planta baja, cinco plantas y la de lavaderos y desvanes.
Los desvanes se cubrieron con arcos parabólicos y la cubierta es transitable. Destacan las chimeneas y las
salidas de ventilación que toman formas escultóricas en la fachada. Lo que más se reconoce son las chimeneas
retorcidas coronadas con yelmos.

Arquitectura Religiosa
Su devoción, se puede ver hasta en detalles pequeños como en llamadores, simbolizando como al llamar a una
puerta, se le da un golpe al demonio.

Otras obras religiosas son el convento de las teresianas, con pasillos construidos a base de arcos parabólicos, el
palacio episcopal de Astorga, en León, donde construye un palacio gótico del norte de Europa, pero con la
esencia de Gaudí. Otro ejemplo es la intervención en el altar mayor de la catedral de Palma de Mallorca.

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 • La Sagrada Familia

La última obra de Gaudí que representa la culminación de su estilo personal es la

Sagrada Familia en ella sintetizó todas las soluciones que había probado hasta ese
momento. Cuando recibió el encargo ya estaba empezada y tenía un ábside y una
cripta. Readaptó esa planta y realizó una nueva volumetría. La construcción de la
Iglesia la empezaron católicos catalanes como una manera de pedir perdón por sus
pecados. Gaudí se encargó en exclusiva a ella desde 1910 hasta que murió, tuvo tal
compromiso que se trasladó a vivir allí. Se inspiró en las formas de la naturaleza, es
una síntesis estética y estructural de dos proyectos: el parque Güell y la colonia
Güell. El tiempo tiene una planta característica ni una cruz griega ni una cruz latina,
tiene tres naves en el cuerpo principal y tres en el transepto. Tiene un ábside con 7
capillas y cuatro capillas en los extremos de la planta. Además, cuenta con un
claustro sin precedentes como galería que une las cuatro capillas que recorre el
perímetro del edificio. Tiene 3 enormes portadas dedicadas al nacimiento, a la
pasión y a la resurrección de Cristo. Tiene 18 torres que se debían convertir en el elemento de difusión de la fe,
corresponden 12 a los apóstoles , 4 a los evangelistas, sobre la ábside una para la virgen y por último la torre
central con 170 metros de altura dedicada a Cristo. La iglesia se introduce en un cuadrado, como parcela de
Cerdá. El interior de la Iglesia se plasma como un esqueleto de un ser vivo con sus articulaciones y
ramificaciones, sin arbotantes ni contrafuertes. Gaudí murió arrollado por un tranvía. La obra se sigue
construyendo a día de hoy, fue el último constructor de catedrales de la historia.

• Casa Amatller y Les Punxes, Jose Puig I Cadafalch

Casas, del modernismo español, que se encuentran también en Barcelona.

Creada entre 1898 y 1900 como residencia para el chocolatero Antoni Amatller.
La casa es parte de la llamada “Manzana de la Discordia”, un conjunto de
edificios modernistas que incluye la Casa Batlló y la Casa LLeó Morera. Su diseño
y construcción reflejan el deseo de Antoni Amatller de proyectar su estatus social
y su interés por el arte y la cultura.

▪ Casaramona

Es una fábrica textil situada en Barcelona, construida entre 1909 y 1912 por
Josep Puig I Cadafalch. La fábrica fue encargada por el industrial Casimir
Casaramona y combinó funcionalidad con un diseño estético destacado,
reflejando el estilo característico del Modernismo catalán. Exhibe los
elementos de esta corriente, con un énfasis en los detalles ornamentales, el
uso de materiales nobles, y una integración de la funcionalidad y la estética.
La fábrica fue diseñada con un criterio funcional claro, con amplias naves
industriales para el trabajo textil y una buena ventilación e iluminación
natural, gracias a los numerosos ventanales y lucernarios.

• Palau de la Música, Lluis Domenech I Montaner

Arquitecto modernista, conocido por dos obras que aplican la

técnica modernista con una decoración total, la primera de ellas, el
Palau de la música de Barcelona, que se construye como
contraposición de un carácter social del teatro del liceo, que
aparece con un tono más popular, y recibe la mayor exuberancia
decorativa del modernismo catalán. Vidrieras, lámparas y todos los
detalles del Art Nouveau.

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 • Casa Lleó Morera Casa que tiene un despliegue ornamental de interiores.
Siendo este el arquitecto más volcado a la decoración y los detalles, y un
experto en las vidrieras, que coloca en el salón de la casa.

• Hospital de Sant Pau

Vuelca toda la estética del Art Nouveau en un edificio sanitario. Se recurre a la mayor
novedad hospitalaria de entonces, recurriendo al sistema de pabellones separados por
especialidades. Se da un pabellón de entrada que recoge una pequeña plaza de acceso y
luego, un eje donde se dan los demás pabellones a su alrededor.

• Torre de la Creu y Casa Planells, Josep María Jujol

Gran constructor de bodegas en la zona de Cataluña, con arquitecturas subterráneas. Construye en este caso
una torre y un edificio en el ensanche.

38
 TEMA 5: Arquitectura y ciudad en los EEUU, de los orígenes a la escuela de Chicago.
Tanto en EEUU como en Europa estamos asistiendo a ese fenómeno global de la revolución industrial que afectó
en todos los aspectos culturales. En EEUU hay dos diferencias básicas respecto a Europa: la primera de ellas es
obvia, la ausencia absoluta de referencias históricas. En Europa los procesos de modernización se confrontan
con capas de enorme densidad histórica, algo que no ocurre en los Estados Unidos. En Europa no se puede
prescindir de cómo la historia se confronta con la modernidad. EEUU era un territorio virgen que es fenómeno de
la colonización lo que rodea a EEUU de una aureola de paraíso terrenal donde se puede empezar de 0. Es un lugar
de utopías e ideas de renunciar al pasado europeo. Esa ausencia de referencias históricas se plantea en un nivel
estilístico e ideológico.

El segundo rasgo diferenciador es el predominio absoluto de lo mercantil, el capitalismo en estado puro, la

ciudad norteamericana no es más que el resultado de la división y multiplicación. WILLIAM PENN hizo un plan de
Filadelfia que sirve de ejemplo de estilo urbano; se dividen las parcelas en lotes iguales donde se apilan unidades
que aprovechan al máximo la rentabilidad del suelo.

Todo esto se relaciona con la cuestión interesante de cómo funcionan los mitos en la sociedad. El mito de la
autoconstrucción y la desconfianza hacia el arquitecto se exalta junto al mito del pionero. Lo que explica que
gran parte de la arquitectura norteamericana se construye de la manera célebre Baloon Frame, una estructura
de madera ligerísima pensaba en una posibilidad de autoconstrucción resaltando el nivel de la individualidad.

La ligereza de esta estructura explica muy bien la manera de construir americana frente a la idea europea de la
arquitectura duradera u sólida. En EEUU florece la idea de una sociedad nómada y en continuo movimiento lo
que se plasma también en las autocaravanas. Ciudades que niegan lo esencial de una ciudad europea, la
fijación. Es un poco la paradoja de que la ciudad más urbanizada del mundo, a nivel del subconsciente mantiene
la idea de su casa con su huerto y animales propios.

Solamente hay una ciudad que se sale de la idea del plano geométrico puro dividido en parcelas: Washington, la
capital federal cuando se crea la nueva nación en 1776 y se decide que se va a crear una ciudad nueva que será la
encarnación del espíritu norteamericano. Washington es una ciudad con tal potencial económico que es la única
donde se va a hacer un urbanismo europeo con repartición de parcelas, avenidas radiales y monumentales que
comunicaban los hitos de la ciudad. Se llamó a Pierre-Charles L´enfant que superpuso a la trama de la ciudad un
trazado con avenidas diagonales.

Nueva York por su parte es una de las ciudades más antiguas de los EEUU. Fue una colonia holandesa llamada
nueva Ámsterdam hasta que, en el siglo XVIII como consecuencia de las guerras inglesas y holandesas, los
ingleses se apoderan de la ciudad y le cambian el nombre. Nueva York ofrece un primer asentamiento originario
que en principio está bastante más irregular y se estructura a través de la punta de Manhattan. El asentamiento
va creciendo poco a poco debido a la posición estratégica del lugar entre la tierra y el mar protegido por dos ríos
lo que hace que sea un enclave privilegiado. Nueva York interesa porque ofrece de un urbanismo irregular a una
cuadrícula absoluta: geometría pura. Esto ocurre sobre todo con la aprobación del primer plan urbanístico de
nueva york el “Plan de los Comisionados”: se creó una comisión para crear un plan. Representa el momento
que se pasa de la irregularidad de la punta sur de Manhattan a la cuadrícula absoluta que recubre todo el resto de
la Isla. Fue un plan muy ambicioso: un desarrollo espectacular económico. La zona se estructura con avenidas,
norte y sur cruzadas por calles de menos anchura este y oeste. A las calles no se les ponen nombres sino
números algo muy diferente de las ciudades europeas donde se ponen nombres referentes a la historia. La
ciudad es una máquina aséptica.

Con el desarrollo de la ciudad aparece New Jersey y el puente de Brooklyn. Nueva York también es el lugar donde
se plantea el lado menos triunfal de la arquitectura, donde el desarrollo industrial es tan desarrollado que se
produce el fenómeno de Slum donde se amontonan pésimas condiciones al densificarse las manzanas.

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 • Central Park, Frederick Law Omsted y Calvert Vaux

Es contradictorio ver como una ciudad muy desarrollada económicamente, se le sustrae esa gran porción,
supone un sacrificio doloroso debido a la pérdida de capital del beneficio inmobiliario, se coloca por la razón de
la necesidad física de un gran pulmón de la ciudad, un lugar que este más en contacto con la naturaleza, un
espacio en el que se desarrolle el ocio de masas, por otra parte está el factor de la necesidad de volver a
encontrar un punto privilegiado de la clase dominante, es difícil designar una zona de residencia de élite en la
trama urbana, en una trama como esta es difícil, pero con Central Park, en sus bordes se sitúa la zona de élite de
nueva york donde la clase alta se reconoce como tal, es ahí donde se sitúan los pisos más lujosos de Nueva York.

• Sever Hall, Harvard, Henry Hobson Richardson

Un arquitecto que es interesante porque es un personaje entre el mundo

influenciado por la arquitectura europea y el mundo americano, es el primer
gran arquitecto americano, un personaje que estudió en Europa y conoció muy
bien la arquitectura histórica europea, a él le obsesiona el románico al ser una
arquitectura de la masa y de grandes volúmenes, hace un campus
universitario, este tipo de edificios es una invención norteamericana, hasta el
momento quedaban integradas en los centros históricos, se desarrolla un
modelo de campus planteado como ciudades segregadas, que poco a poco
en Europa ha despertado tendencia este modelo.

• Grandes Almacenes Marshall Field, Henry Hobson Richardson

El modelo románico y renacentista se aplica en este modelo, es un híbrido interesante, un edificio moderno
revestido de formas fuertes y rotundas.

En Chicago es donde se inventa el rascacielos, icono de la arquitectura

norteamericana, Chicago es el ejemplo del desarrollo espectacular del
modelo norteamericano, en 1820 era un espacio plenamente rural, pero en
menos de cien años llega a tener cerca de dos millones de habitantes,
sufrió una gran expansión, Chicago es la clave de las comunicaciones
norteamericano entre el oeste rural y este industrial. Chicago es el lugar
estratégico donde se equilibra estoy hace que sea una gran metrópoli. En
1871 sucedió una catástrofe, se produce el gran incendio de Chicago que se
carga toda la estructura de madera de la ciudad y se carga el centro de
negocios, pasa que la catástrofe permite el abortamiento de
planteamientos nuevos que en casos de normalidad no se pueden llevar a cabo, se permite empezar de cero.
Este fuego es lo que hace que se desarrollen innovaciones técnicas disponibles y combinadas para desarrollar
un edificio llamado, edificio alto de oficinas, o rascacielos, en muy poco tiempo la necesidad permite
innovaciones. Los primeros rascacielos eran de una gran innovación de 15 plantas como mucho, la ciudad
estaba conectada con el lago Michigan y permite desarrollo del puerto, todo esto hace que se convierta en el
segundo lugar más importante económicamente después de Manhattan.

Aparece también la figura del oficinista, parecido al obrero industrial pero que desempeña otra labor diferente,
pero en condiciones muy parecidas, por eso hay que inventar un edificio que pueda reunir muchos trabajadores
como estos, que tenga buena iluminación y altura para aprovechar la inversión de un suelo cada vez más caro,
que a la vez tenga facilidad de transporte interno, esa es la necesidad y a la que se le da respuesta tecnológica
rápidamente. El rascacielos es el resultado de la innovación con tres técnicas.

El avance en materia de cimentaciones, el crecimiento en altura hace que se produzcan las cimentaciones más
profundas y resistentes, y para eso se inventa el “cajón de Chicago”, un cajón estanco que se hunde en el suelo
hasta encontrar la roca madre, y a partir de ahí se puede cimentar.

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La segunda es el ascensor, Elia Otis enseña su invento en la expo de EEUU, el ascensor es una revolución en las
comunicaciones verticales, primero a vapor e hidráulicos y luego eléctricos. Es un elemento que permite el
acceso simultáneo al edificio en un mismo horario y de un gran número de personas.

La tercera cuestión es la aparición de la estructura de acero, es el tema más importante, la estructura de acero
permite alcanzar grandes alturas, es posible gracias al progreso tecnológico que se produce con el acero, que a
lo largo de todo el siglo se ha ido desarrollando, hasta llegar a un acero de calidad que permite construir
estructuras metálicas, no solo permiten elevar altura, sino que permite que aparezca el MURO CORTINA, es una
gran revolución en la arquitectura, ya que la estática se encargaba hasta el momento a la fachada y al muro de
carga, en este momento se produce una gran revolución de liberar al muro de función portante, el muro se abre lo
suficiente y que entre la luz al interior. Se desarrolla en ellos el revestimiento ignífugo, aparece una normativa que
incluye la obligatoriedad del revestimiento ignífugo, esto se introduce como elemento obligatorio y llevará a
situaciones ridículas, con estos elementos tenemos las bases del rascacielos.

Un grupo de arquitectos se dedicó al desarrollo de estos edificios, se conoce como La Escuela de Chicago, el
más pionero el francés William Le Baron Jenney, en Chicago sorprende la enorme velocidad con la que se
reconstruye, no existe momento de lamentación, la recuperación es a una velocidad asombrosa, este arquitecto
hace unas primeras muestras de esto, un rascacielos de 6 plantas, que posee un muro cortinas, algo que
produce sensación al ser algo novedoso.

• Marquette y Tacoma Buildings, Holabird y Roche

El Tacoma es uno de los primeros edificios en los que aparece la “célebre ventana
chicago o bow window” es una ventana que se arquea respecto a la fachada, no sigue el
plano horizontal de la fachada, sino que se arquea para captar la mayor luz posible, no
es un elemento estético, su motivación fundamental es introducir la mayor cantidad de
luz posible. El edificio Marquette consolida el tipo de planta en E, es un tipo de planta
donde queda definido un frente principal de fachada de cara a la calle y un desarrollo
posterior con oficinas de alquileres más baratos, esta planta se volverá típica en los
rascacielos de Chicago y Nueva York, los pisos se van elevando y son todos iguales sin
distinción formal, aunque como remate o piso ático se sigue poniendo, siempre existirá
este piso último, una necesidad que da la sensación de poder prolongarlo hasta el
infinito pero de indicar cuando se acaba, es un elemento de peso histórico.

• Monadnock Buildings, Daniel Burnham y John Wellborn Root

Autores de muchos edificios, pero el que destaca es el Monadnock Building, interesante

por su enorme volumen y la presencia de bow window, es el último de los grandes edificios
de Chicago de estructura mixta pero que predomina el muro de carga, es anacrónico, al no
interesar ir mostrando siempre lo moderno, se produce 20 años después al primero visto,
los muros de carga llegan a tener 3 m de espesor y muestra que el panorama completa de la
ciudad es una coexistencia de distintos momentos.

• Reliance Building

Pensado como un edificio de 5 plantas, pero en plena construcción se decide que son
de 15, se rehacen los cálculos, rectifican cimentaciones y se construye sin problema,
es una operación de multiplicación.

La maquinaria y aparatos especializados aparecen en este momento, grúas con

vagonetas para el transporte en el interior de la obra, medidas de seguridad, todo esto
aparece. La mano de obra se especializa, aparecen también los capataces, directores
de obra, especialistas en ferrarla, oficiales… El trabajo se empieza a organizar aquí.

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 Dankmar Adler y Louis H. Sullivan
Sullivan es un personaje clave que hace la transición al siglo XX, en su estudio se forma Frank Lloyd Right, es un
arquitecto que hace de puente para la llegada del movimiento moderno, es un personaje que permite la llegada
de otros personajes, supone una ruptura inicial. Sullivan es el importante, tiene de particular el ser el primero que
teoriza lo que es un rascacielos, “el edificio alto de oficinas” considerando desde un punto de vista artístico, es el
primero que intenta sacar de la práctica una teoría, además es el tutor de obras importantes de Chicago, su obra
maestra es el…

• Auditorium Building

Se implica hacer un enorme edificio que implica un auditorio de 4 500 asientos y

136 oficinas en la parte superior, en una de las cuales instalarán su estudio, un
restaurante y un hotel. El edificio debía ser el centro cultural de la ciudad y un hito
urbano que se reconociera dentro de esta ciudad de grandes alturas. El edificio se
convierte en hito a través de la presencia de un torreón. El encargo era
importantísimo y los llevó a los arquitectos a tener dudas sobre el diseño final
(con lo que se hicieron fotomontajes). La propuesta que eligen es inspirarse en los
almacenes Marshall siendo los primeros pisos agrupados con un almohadillado,
la composición sigue con un piso principal que agrupa 4 plantas sin
almohadillado, y un siguiente piso que elude a los triglifos y metopas de los templos clásicos. La torre parece
brotar del propio edificio con un acabado. El primer cuerpo tiene un almohadillado tosco. En el interior las
ornamentaciones son refinadas, con aire ecléctico, pero se dota la personalidad, integrando por ejemplo en el
auditorio arcos fajones en la cubierta que, a pesar de presentar ornamentación bizantina, dota al edificio de gran
modernidad. En los arcos fajones se incluyen lucernarios en el comedor. El rascacielos ya no es solo un edificio
de oficinas. La Ópera de Chicago, habla de que la metrópoli busca señas de identidad controlables, buscan
puntos de identificación culturales, hay una tercera cosa que es que alberga un gran hotel, todas esas funciones
coexisten, esto hace que aparezca una tipología de edificio nueva debido a la modernidad. El hotel es el edificio
que responde al encuentro entre lo inmóvil de lo domestico y la necesidad del viaje, en este momento aparecen
estudios sobre las proporciones de los hoteles y relaciones de sus espacios, es un teatro de ópera combinado
con el resto de los espacios. Cuenta con numerosos detalles, por ejemplo, las cocinas del hotel están en la
planta alta para la evacuación de olores.

• Wainwright Building, Alder y Sullivan. St. Louis

Sullivan salen de Chicago y exportan el modelo de edificio hacia otras ciudades en desarrollo, por ejemplo,
este en St. Louis. Cuenta con una planta en E, y un remate con desarrollo artístico en la cornisa, él era un
defensor de que el rascacielos no debe de ser algo funcional, sino que también debe de ser un
monumento, eso lleva a que ocurran cosas como en el revestimiento, llega a realizar una fachada “falsa”
que no deja ver la estructura verdadera que soporta al edificio.

• Almacenes Carson Pirie y Scott, Louis Sullivan

Donde hay unas cosas interesantes, la estructura es de acero, y añade innovaciones como
el trabajo sobre la esquina, es un gran maestro de la esquina, para el impacto del edificio
está en la esquina, la esquina es el punto más fuerte del edificio, comprende que en un
edificio que da hacia dos calles, la entrada se debe de dar en la esquina, esa esquina debe
de ser como una especie de semicilindro vaciado, es un elemento innovador, el acceso por
la esquina supone la influencia de la trama urbana. La segunda característica es el tratado
de la decoración, cada vez más escasa según subimos en altura, a partir de una distancia
que el ojo humano no lo aprecia, por tanto, la concentración ornamental está en las plantas
más bajas y un ahorro de todo ese gasto en cuanto subimos una cierta altura. Este edificio
supone la aparición del patrimonio moderno, hitos de la nueva arquitectura, se aplican
criterios hoy en día en debate, este edificio ha sufrido muchas transformaciones, ya que
requiere actualizarse, el debate de patrimonio contemporáneo es otro de los elementos característicos.

42
 • Plan de Chicago, Daniel Burnham

Le encargan a él el plan de urbanismo de Chicago en 1909, y hace un plan muy

a la francesa, grandes avenidas radiales que conciben en el centro donde
están todos los edificios importantes, es un plan muy hausmaniano, posee un
gran cinturón de circunvalación lejanísimo que supone la conexión, periferia y
centro. Además, supone la renovación del entorno del lago Michigan, en la
propia expresión gráfica se plantea al arquitecto como un pintor, se ve
claramente una gran plaza cívica donde confluyen todas las avenidas radiales,
este urbanismo es bastante modificador a lo que es la típica cuadrícula del
urbanismo de EEUU, muchos planes norteamericanos crean elementos que
responde a la idea de la CITY BEAUTIFUL, se requiere un poco de arte y no
tanta obra de ingeniería.

Aparecen los rascacielos de segunda generación, que salen de Chicago hacia otras ciudades, todos, como los de
NY, todos estos rascacielos responden a la idea de CITY BEAUTIFUL, una máquina revestida de arte.

• Fuller Building (Flatiron), Burnham

Este edificio con planta triangular ocupa una esquina, con 21 plantas de altura, 87 m de altura y
un aspecto muy pesado. Al estilo de este edificio se le llamaría como gótico Burnham. La forma
de la planta tiene forma de plancha antigua, es un rascacielos en los que se muestra la maestría
de aprovechar un solar complejo, es un solar triangular donde se aprovecha el punto más
estrecho del triángulo para los grandes despachos señoriales, y plantea un desarrollo más
funcional conforme se aleja de este. Posee un revestimiento de piedra ondulada, metáfora del
ritmo de la metrópoli, es uno de los primeros iconos de Nueva York… Tiene un almohadillado y
ornamentaciones que comparado con los almacenes de Sullivan supone un retroceso, pero es
que EEUU no volvería a estar en la vanguardia hasta 30 años después.

Los edificios ahora son muy modernos en cuanto a construcción y estructura pero que recuperan
las decoraciones eclécticas.

• Casa Gilbert Woolworth Building

Construido en estilo neogótico por el arquitecto Cass Gilbert, encargado por Frank Woolworth en 1910
para que fuera el edificio más alto del mundo y la sede Woolworth Company. Se proyectó inicialmente
para que midiera 191 metros de altura, pero al final llegó a 241 metros. El edificio se basa en las
catedrales góticas europeas, por su ornamentación como torres, arcos y gárgolas. La estructura se
diseñó de manera que no tuviera una cara frontal solo. Da igual desde qué ángulo mires el Woolworth,
no escatimaron en detalles en cada fachada.

• Life Insurance Company Tower, Napoleon Le Brun

Se levanta uno de los más hermosos rascacielos de la ciudad de Nueva York: la torre del
Metropolitan Life. Este rascacielos de 50 pisos y 213.4 metros de altura fue construido por la
firma de arquitectos Napoleón Le Brun & Sons entre 1908 y 1909 como respuesta a las
constantes necesidades de la Metropolitan Life Insurance Company de ampliar sus oficinas
dado el incremento de las operaciones de la compañía, líder en aseguradoras en su tiempo.
Los detalles del edificio son excepcionales: una torre de estructura de acero y con fachada de
mármol blanco y piedra caliza, inspirada por el campanario de la Iglesia de San Marcos de
Venecia, esto es debido a la idea de City Beautiful.

El estudio más representativo de la CITY BEAUTIFUL, es el de McKim, Mead y White, llenan

Norteamérica de edificios de City Beautiful.

43
 • Pennsylvania Station, McKim, Mead & White

Hoy desaparecida es una de las estaciones ferroviarias, se asemeja a una

terma romana con sus grandes ventanales, tiene un revestimiento clásico con
modelo antiguo. Es una maquinaria perfecta en el interior, pero en el exterior se
coloca un revestimiento más clásico de cara a la ciudad.

• Gran Central Terminal, Warren y Wetmore

Madison Square Garden, del mismo estudio, ha tenido cuatro

etapas constructivas, en la torre copian la torre de Giralda de
Sevilla, lo musulmán aparece muy asociado al mundo del placer,
deciden construir una gran infraestructura.

• Chrysler Building, William Van Alen

Es un edificio de 1929, de los más conocidos de NY, es un momento en el que las formas históricas reconocibles
aparecen por formas abstractas y no reconocibles históricamente, aparece una referencia al mundo de lo
mineral, no funciona como un trozo de historia, sino que es algo más genérico. Su remate posee varias escamas
superpuestas.

• Empire State Building, Shreve Lamb Harmon

Tenía más de 300 m de altura

• Radiator Building, Raymond Hood

Sirve de modelo de Batman, es un rascacielos del Art Decó.

44
 TEMA 6: Viena. El Ring. La Sezession. Adolf Loos. Viena Roja
Exposición universal de Viena
Viena sal del núcleo medieval, en 1873 es la expo de Viena, crean una especie de ciudad efímera donde en un
corto periodo de tiempo aparecen la arquitectura del momento, funciona como laboratorio de prueba de
materiales y técnicas constructivas.

La Sezession
Es el equivalente vienes del art Nouveau, ese momento del siglo XIX en el que artistas y arquitectos se muestran
cansados de las dos vías que había seguido la arquitectura, la arquitectura ingenieril del hierro, y la academicista
de formas históricas reconocibles. Renunciar a estas arquitecturas, les queda la naturaleza como elemento de
innovación. En Viena en su contexto cultural es un laboratorio de experimentación, por razones históricas se
produce una concentración de talentos en todos los campos de la cultura, Freud y Karl Kraus, sus aportaciones
intelectuales, diferencias entre lo que hay en la piel y dentro de la piel, lo que harán también los arquitectos, la
fachada y el interior del propio edificio. El café se convierte en un lugar de sociabilidad de intercambio cultural,
tertulias permanentes de arquitectos, filósofos, escritores. Los arquitectos vieneses no son autistas, no viven
encerrados solo en la arquitectura, sino que en pleno debate con personajes variados. Gustav Mahler y Arnold
Schönberg, músicos destacables. Ludwig Wittgenstein, filósofo del siglo XX, su pensamiento basado en la idea
de cómo el lenguaje contemporáneo ya no puede expresar las realidades complejas del momento, elaboró un
proyecto de casa con la idea de que el lenguaje es incapaz de expresar los problemas de la época.

La secesión se abre camino con los carteles del pintor Gustav Kliimt, es el impulsor del movimiento artístico, la
palabra secesión tiene que ver con el ambiente del art Nouveau, secesión significa apartarse de algo, el cartel es
el Mito de Tesseo, es el maestro del art Nouveau de la idea de la mujer fatal. Nos interesa porque el grupo tiene
anclaje arquitectónico en

La sede de la Sezession

Tiene una estructura muy funcional de materiales ligeros con paneles móviles que permiten crear salas de
distintas dimensiones según las necesidades. Es cúbico en planta, pero en los detalles, aunque predomina la
línea recta, no faltan los elementos art Nouveau, de los cuales Orbrich fue un destacado diseñador. Se aprecian
elementos vegetales como en la esfera y siempre está presente la línea recta. En la entrada se evoca a los pilones
egipcios. En la fachada posterior se acentúan los rasgos geométricos. Joseph Maria Olbrich es el arquitecto, lo
paga el padre de Lwidggestain, un importante magnate de Viena. Este edificio requiere dar forma a una nueva
manera de presentar el arte, mantiene las formas de un templo, pero fragmenta y destruye elementos, la cúpula
pesada la sustituye una escultura ligera de bronce vacía, se destruye el frontón del templo, el templo marca la
idea de piel y de ligereza, el lema queda inscrito en la fachada. Se estructura en dos plantas y aparecen por
primera vez los tabiques móviles, es un edificio que muestra que el arte contemporáneo es imprevisible, puede
dar lugar a otro tipo de objetos.

Otto Wagner
Nacido en Viena, estudió en su ciudad natal y en Berlín. Recibió una formación historicista. Desarrolló una
arquitectura grandilocuente al nivel. Sus primeras obras están marcadas por el historicismo, pero se va
cuestionando esto progresivamente, señalando la necesidad de crear un lenguaje propio para su tiempo de
carácter funcional. Era profesor en la escuela de arquitectura de Viena. Cuando se produce la corriente del art
Nouveau se ve influido por ella y ve un camino para crear un lenguaje para su tiempo, pero no le resultará
satisfactorio y acabará evolucionando hacia un lenguaje más racionalista. Es propulsor del movimiento moderno
en algunas de sus obras.

Es un personaje que forma parte de esos arquitectos que “le dan la patada a la puerta” se crían en pleno siglo XIX
y rompen sus trayectoria y luego le siguen otros más modernos, a partir de 1890 da un giro en su carrera y se
empieza a convertir en un moderno, le encargan el plan regulador de Viena, el momento en el que publica para
sus alumnos un libro “Arquitectura para nuestro tiempo”.

45
El plan de Viena de 1893, es un plan basado en la movilidad, un dato importante de modernidad, Otto Wagner su
plantea la esencia de la ciudad moderna, el movimiento, todo tiene que estar en movimiento, los hombres, las
ideas, frente a una ciudad tradicional estática, la moderna es el movimiento, elabora un plan en forma de tela de
araña lo forman cinturones concéntricos cada vez más alejados, plantea un plan sencillo con cinturones
concéntricos unidos con una trama de líneas de tranvía, un plan que crece en forma de araña con los sucesivos
cinturones “Gürtel” (correo en alemán), es un plan ilimitado, en estos momentos hay un debate en materia
urbana sobre si la ciudad debe tener un crecimiento ilimitado o si debe ponerse un límite, apuesta en este caso
por el crecimiento ilimitado.

El plan de ampliación de Viena en 1912. Lo presenta un congreso de urbanismo en Chicago, el crecimiento en

forma de tela de araña está presente partiendo del elemento central, lo que hace también es un ejercicio de
invención de cómo se llenaría el espacio, con jardines y espacios naturales y luego bloques iguales concibiendo
el anonimato del habitante, bloques en contacto con un parque, diseño de parques salpicados, donde los
bloques y manzanas tienen un parque, el debate urbanístico.

• Estación Karlsplatz, Metro de Viena, Otto Wagner

Encargo en que no va a llegar a desarrollar un estilo tan avanzado, puesto que

tiene varias reminiscencias neobarrocos. Es una combinación de elementos
art Nouveau con reminiscencias del barroco austríaco, en cuanto al uso de
los dorados, la simetría, la monumentalidad. Pero no es reconocible en
ciertos ornamentos puesto que éstos son todos art Nouveau como girasoles
y tallos vegetales. Lo que hace es un trabajo del nuevo objeto arquitectónico,
estación de metro, con los planteamientos del art Nouveau. Todo cubierto de
paneles de mármol, finos, él estaba obsesionado en el trabajo de la piel.

• Casas Linke Wienzeile (Casa de las Mayólicas), Otto Wagner

El tratamiento es unitario en las fachadas, establece un tratamiento

ornamental único en la fachada, trata la fachada como una cortina, se
imita a una cortina floral caída sobre la fachada, a Wagner le interesa la
relación entre arquitectura y lo textil, la arquitectura ligera, con una
cortina que tapa, en este edificio se ve la relación del art Nouveau, por lo
vegetal y la caracterización del elemento de piel. En la planta baja se
sitúa el balcón, pero en el resto existe un tratamiento uniforme y
silencioso, se marca una diferencia entre el fuera y el dentro, la
condición democrática del hombre contemporáneo, la idea de cómo el
individuo solo ya no cuenta nada, lo que cuenta es la multitud, por eso él
le da la importancia en la caja del ascensor. Para él son elementos artísticos muy trabajados y depurados al ser el
ascensor un elemento que muestra una ración igual para todos los vecinos se convierte en un símbolo del
anonimato igual para todos de los pisos.

• Caja Postal, Otto Wagner

Otro nuevo tipo de edificio que aparece, la arquitectura bancaria, insiste

en la idea de revestimiento, en la fachada el elemento organizador es la
placa atornillada, los tornillos de aluminio se convierte en el elemento
de revestimiento, los clavos de aluminio son superfluos para exaltar la
idea de piel y revestimiento, la segunda pieza es la sala de clientes de la
caja de ahorros, la idea del hierro y vidrio quedan estetizadas, los
tratamientos son más artísticos. Recuerda a las bóvedas de la
arquitectura tradicional, la idea de obra de arte total del art Nouveau.

46
 • Sanatorio Psiquiátrico de Steinhof, Otto Wagner

En la ciudad donde Freud renueva el concepto de psiquiatría. La organización es muy

interesante, solo construye la iglesia. Todo organizado por pabellones, implica una
modernidad absoluta en el concepto de psiquiatría. En su iglesia plantea una cúpula que
desde dentro no se contempla, en el interior es una iglesia de un tipo completamente
nuevo, el techo está revestido por unas placas cerámicas aparentemente grapadas, en
cada elemento cuadrado hay un elemento ornamental que finge que se ha grapado al
techo, el tema de la obra de arte total, Wagner diseña todo el elemento litúrgico. Los
escritores que hablan de la época prevén que el imperio está a punto de caer. La iglesia
es de planta en cruz griega con un interior diáfano y un perfil art Nouveau. Era un edificio
de gran modernidad para la época. A los ojos de la familia imperial resultó chirriante.
Otto Wagner es el precursor de este movimiento, abre un camino que seguirán
sucesores.

• Villa Wagner I

Primera y segunda villa Wagner, aún no ha hecho ninguna de sus

grandes obras, es una casa completamente paladina, una zona de
estudio y otra que es un invernadero que mantiene un tono
clasicista.

La villa Wagner 2 presenta unos rasgos del art Nouveau, la entrada

ya no está en el eje y las ventanas tiene un tratamiento creativo, los
elementos ornamentales están muy presentes. Destaca por la
simetría, con dos alas donde una es el invernadero y otra su
estudio.

Josef Hoffman
Es el fundador de una gran empresa de construcción de objetos de uso cotidiano, Wiener Werkstatte, es una
empresa que le da forma a la idea de obra de arte total, producen en serie objetos de uso cotidiano, la estética
del art Nouveau sale hasta el último rincón de la vida cotidiana del habitante. Los talleres producirán sin cesar
mobiliario objetos de uso cotidiano, estetizar la vida cotidiana. Cuando se constituye el movimiento Moderno hay
un debate en cuanto a si Hoffman debe o no ser invitado a las reuniones de CIAM. Las opiniones de los jóvenes
arquitectos del movimiento moderno estaban divididas puesto que para algunos había un carácter precursor,
pero para otros era un arquitecto que encarnaba el trabajo artesanal, mientras que el movimiento moderno
apuesta por el industrial y que en su etapa posterior gira a una arquitectura neoclásica muy peculiar. Fue profesor
de la escuela de artes y oficios de Viena, lo que ayudó a influir sobre todo en las mujeres.

• Sanatorio Purkersdof, Josef Hoffman. Viena

Se trata de un sanatorio mental. Diseña un edificio de gran racionalismo y funcionalidad. De los edificios más
modernos de la primera década del siglo XX en Europa. Se mantiene la simetría, el orden. Cerca de Viena y que es
interesante por la austeridad, es un sanatorio de lujo, algo bastante considerable, para millonarios aquejados de
enfermedades imaginarias que convierten el sanatorio en lugar de encuentro, una sociedad en la que el sanatorio
se convierte en lugar de encuentro. La distribución resulta incluso curiosa en el programa que acoge.

47
 • Palacio Stoclet, Josef Hoffman. Bruselas

Muestra que el art Nouveau es una arquitectura de élite, los clientes

son millonarios crecientes, fortunas de origen dudoso. En Bruselas, se
convierte en una de las obras cumbre, es una mansión muy
fragmentada que rehúye de la idea del bloque único, expresa una
diferencia entre la fachada a la avenida y al jardín, el elemento
simbólico y monumental es importante, la lección de Wagner se
manifiesta en la estructura rellena de placas de mármol noruego,
elementos caros al no haber límite de presupuesto. La planta del
palacio es enormemente significativa, la planta baja es de una riqueza
de espacios importante. En la planta baja se halla una zona de servicio, despensa, garaje y un gran salón que
hace de distribuidor y de salón, tiene doble altura que es el corazón de la casa y después aparecen piezas
centrífugas que tienden a separarse del núcleo central, una es el despacho del señor de la casa y otra el
comedor, existe un salón con una forma muy reconocible, la sala de música le da al edificio un toque cultural. La
parte de arriba es una sala de dormitorios y luego arriba están las habitaciones de criados e invitados.

Hoffman va a dar un giro en su obra después de la primera guerra mundial. En lugar de evolucionar hacia una
arquitectura de fabricación en serie y de elementos estructurales de carácter más económico como exige el
movimiento moderno, va a seguir empeñado en hacer viviendas de lujo e incluso dará algunos pasos hacia una
estética de una peculiar neoclasicismo racionalista, algo que va a estar de moda en los años 10, 20 y 30. Son
muchos los arquitectos innovadores que caerán en ese neoclasicismo racionalista como Víctor Horta. Hay un
retroceso ante el abismo que suponía el movimiento moderno una ruptura muy fuerte con el pasado.

Adolf Loos
Pasa a la historia de la arquitectura con el texto titulado como “Ornamento y delito”. Con sus escritos ha
aterrorizado a los arquitectos posteriores que no se han atrevido a meter ornamentos en sus edificios. Se piensa
que Loos no conocía la obra de Picasso y que por tanto no podía estar influenciado por él por ser ambos
contemporáneos. Su arquitectura muestra una composición de volúmenes.

Nació en Brno, hijo de un cantero de piedra, pero no tenía buenas relaciones familiares y se marchó a una ciudad
alemana, donde fue un mediocre estudiante. Después de estar un tiempo estudiando tomó la decisión de
marcharse a Nueva York, donde pasaría tres años para así visitar a un tío suyo y la exposición de Chicago de la
que se estaba haciendo propaganda. Pasó tres años cruciales de la arquitectura, cuando el art Nouveau triunfa
en Europa como el arte más moderno, está en EEUU, donde queda fascinado por la escuela de Chicago, donde
conoció a Sullivan, el arquitecto más destacado de la escuela de Chicago que había publicado su texto “el
ornamento en la arquitecto” donde proponía construir edificios sin ornamentos durante un tiempo para realizar
una nueva experiencia. Es el primero de los grandes modernos del siglo XX, toda su obra de arquitecto se basa en
tres principios básicos:

- La primera idea es la crítica al híper-esteticismo de la secesión, a Loos le parece una barbaridad la

obsesión de estetizar la vida cotidiana, en contra de lo que pretendían los hombres de la secesión, para
el arquitecto hace arquitectura y el individuo vive la arquitectura como quiera, en sus artículos de
periódico crítica esta tendencia.
- El segundo punto es la crítica al ornamento, la guerra absoluta al ornamento exterior, en 1908 publica un
texto de arquitectura “Ornamento y delito” donde viene a decir que ornamentar la fachada es un crimen,
en arquitectura esto se traduce como Alteridad, quiere decir el contraste entre lo uno y lo otro, el fuera y
lo otro es el dentro, el interior, diferenciación radical entre lo uno y lo otro, esto consiste en que Loos dice
lo mismo que Wagner, en la metrópoli contemporánea la condición del individuo se disuelve en la masa,
la arquitectura por tanto no debe decir nada de puertas para fuera y ser una arquitectura silenciosa, ese
silencio se expresa con una renuncia a la ornamentación.
- El tercer concepto es RAUMPLAN, eso es plano espacial en alemán, si es en el interior lo que debe
reconocerse, el arquitecto debe de proyectar en las tres dimensiones, no se basa solo en la superficie,
sino que haya volúmenes a diferentes alturas de techo, otorgar diferentes volúmenes de altura.

48
 • Café Museum, Adolf Loos

Es una reforma de una obra existente, un café donde Loos revisa el concepto de café vienes que
estaba presente en el Café Griendsteidl, una parte de mesas de café y otra parte con mesas de
billar, una planta bastante tradicional en la que Loos pone en práctica la idea anti ornamental,
el café ha sido restaurado hoy.

• Villa Karma, Clarens. Suiza

Es una reforma de una casa existente, responde al cuadrado interior, había

una casa en la que está conjunto a un lago suizo y a poca distancia de la
Casita del Lago de Le Corbusier, reestructura el interior y hace del interior
un reducto en el que se juega con las sombras y las luces, un lugar que se
entiende como un refugio de la intimidad, el interior, la biblioteca galería se
va escalonando diferentes maneras de lectura, a Loos le interesa mucho
entre la relación de primeras luces y segundas luces, en el interior hay un
gran despliegue coloristico, en el interior Loos si coloca el ornamento, para
el ornamento debe de estar en el interior, y no cualquier ornamento, sino
que cada ornamento tiene su lugar y debe de aparecer en su estado
natural, ningún material sometido a ninguna operación de disfraz,

• American Bar, Adolf Loos. Viena

Loos es un ejemplo de cómo una cosa es lo que dicen los arquitectos y otra lo que hacen, es un espacio
apasionante, un bar pequeñísimo, el espacio se amplía visualmente con espejos, es un espacio que muestra la
fascinación de Loos por la cultura norteamericana, hizo un viaje de aventurero a EEUU, nada que ver con un viaje
de arquitecto, le fascina el dinamismo de la vida urbana de EEUU, la arquitectura industrial y de los silos, pero le
fascina el bar, desconocido hasta el momento en Europa, el bar es el símbolo de la vida dinámica, él lo introduce
en Europa por primera vez, un ejemplo de arquitectura minúscula en dimensiones peor enormemente simbólico
respecto a la actitud moderna de Loos. En el interior utiliza materiales de calidad y acabados de bronce. En el
techo hay casetones que aluden al clasicismo y coloca espejos en la parte superior de las paredes, estando más
alto que las personas, lo que da una sensación visual de espacialidad.

• Looshaus, Adolf Loos. Michaelerplatz, Viena

Una casa construida en 1909 que muestra por primera vez con toda claridad el concepto de alteridad, tiene
apartamentos de vivienda y en la planta baja tenía una sastrería, lo que hace es mostrar la diferencia entre una
planta baja más monumental y abierta y la zona de vivienda en la que domina la austeridad, las jardineras de la
fachada hacen referencia al enfrentamiento entre modernidad y tradicionalismo, la parte baja se trata con un
travertinos, la sastrería era donde se vestía el propio Loos, la entrada es monumental con un espacio en altura
restringido que varía de altura, se juega con diferencias de alturas, la diferencia hace referencia entre la
recepción de los clientes y las zonas de trabajo que tienen un tratamiento en altura mucho más restringido, la
bowindow aparece en esta fachada, consecuencia del viaje de Loos a Norteamérica, es una ventana que debido
a su apertura capta luz.

49
 • Villa Steiner, Adolf Loos. Viena

La casa es una vivienda unifamiliar donde no hay Ramplan en una

misma planta pero sí que hay diferencias de alturas entre las plantas, a
diferentes importancias de los espacios, diferentes alturas, el
tratamiento del salón, en planta baja, la planta baja tiene un tratamiento
más complicado, la planta del salón da al jardín trasero y es una zona
más limpia, tiene unas prolongaciones al jardín que marca el acceso a
éste, un espacio iba dedicado a invernadero y otro para leer,
actualmente es una casa restaurada a su propuesta original, Loos frente
al típico piso burgués con muebles pesados en el centro, Loos coloca
los muebles en la periferia para dejar libre el espacio central, hace que los muebles sean lo más periféricos
posible, él dice que esto lo aprende de la casa japonesa, el Japón no es ya una fuente de ornamentación como en
el art Nouveau, a Loos les interesa el espacio japonés, un espacio flexible y ligero dimensionado entorno a las
medidas básicas del tatami.

• Casa Scheu, Adolf Loos. Viena

Es una casa compleja por varios conceptos, en un único edificio

combina la vivienda de dueño de la casa con un apartamento de
alquiler, en el exterior se ve como un bloque compacto, pero en el
interior acoge una diversidad en el programa funcional. Loos juega
siempre con un cubo virtual, en las casas privadas, en ellas se
realizan operaciones de sustracción o adición, esta casa recibe una
crítica enorme, hay tendencia a rechazar las críticas, la principal
crítica, y es que parece una casa árabe, la gente se indigna con la
casa porque la arquitectura tradicionalista identifica cubierta plana
con algo antieuropeo, empieza aquí una guerra entre la cubierta
plana y el tejado a dos aguas, la arquitectura con tejado a dos aguas
es un emblema de lo europeo.

• Casa Rufer, Adolf Loos. Viena

Su estilo no va a cambiar, en estas casas previas a la guerra desarrolla un tipo y a partir de ahí irá variando los
diseños. Esta casa es un cubo de 10x10 metros en la que hay que aprovechar el espacio al máximo, por ello
coloca un pilar central que será el que reciba los conductos de agua y de calefacción, mientras que los muros
perimetrales serán muros portantes que permiten hacer un espacio totalmente diáfano dentro de la propia
modernidad. Hay ya un verdadero Ramplan, aparecen saltos de escalones en una misma planta, aparecen
cambios de nivel, aparece el cubo virtual, la estructura es muy destacable, tiene una estructura mixta, hay un
único pilar central que se combina con muros de carga, porque al trabajar con muro de carga se refuerza la idea
de muro como elemento que marca un elemento fortísimo que marca la diferencia entre el dentro y el fuera, es
un proyecto interesante porque demuestra que muchas veces las cosas no son lo que parece.

• Proyecto para el Concurso del Chicago Tribune, Adolf Loos

Uno de sus proyectos más controvertidos. En 1922 se lanza un concurso internacional en Chicago para hacer un
edificio, un rascacielos de oficinas que fuese llamativo y que se identificara el edificio con el proyecto, todo con
un presupuesto altísimo. Se presentaron 260 proyectos de 30 países, muchos de los arquitectos más
vanguardistas de su tiempo, tentación a la que pocos se resistieron puesto que la idea resultaba sugerente. La
propuesta de Loos, una gigantesca columna dórica sobre un cubo, lo que para muchos resultó contradictorio
porque iba en contra de sus principios anti ornamentales. Se trata de una superposición de oficinas de planta
circular. Si quitamos el cilindro y nos quedamos con el bloque, es un edificio parecido a los típicos edificios de
Chicago. Sin embargo, no se llegó a construir, aunque se hicieron reconstrucciones de cómo hubiese quedado en
su contexto. El concurso lo ganaría un proyecto norteamericano con forma de torre clásica, lo que muestra la
floración del arte clasicista en Chicago.

50
 • Villa Moissi, Adolf Loos. Lido, Viena

No se llegó a construir, se conservan planos redibujados y fotos

de maqueta, es una casa en la que hay un ramplan en el que las
medias plantas se marcan con saltos de cota, es una casa que
sobretodo destaca por la influencia fortísima de la arquitectura
popular mediterránea, en la arquitectura popular se ha ido
cristalizando lecciones constructivas que un arquitecto puede tomar, se influencia por la típica casa de los
pescadores de la costa, a la casa se entra por arriba, el itinerario es inverso al que ocurre en muchas casas
tradicionales.

• Casa de Tristan Tzara, Adolf Loos. París

La construye en París, un poeta rumano fundador del dadaísmo, Loos

pasa una breve temporada en París donde hace proyectos de casas, la
casa es una casa en la que hay un apartamento de alquiler y la vivienda
del propietario, además se pone en juego la topografía accidentada de
la zona, lo que le afecta al acceso, Loos juega con la ironía de los
volúmenes y los accesos al interior, la zona superior es la zona de
vivienda del dueño y en la zona intermedia entre el acceso y su
vivienda se sitúa la vivienda del inquilino.

• Casa Müller, Adolf Loos. Viena

Se ven dos cosas, el auténtico trabajo virtual sobre el cubo, arquitectura silenciosa sobre volúmenes que parten
de la idea del cubo al que le añaden y sustraen, y luego ya el estallido de espacios interiores en el que aparecen
lugares de privacidad absoluta, en la esquina de la casa y la separación entre el comedor y la zona del salón, es
un ejemplo más de como a lo largo de los años se afina el tratamiento en superficie y altura de los volúmenes.

• Los Experimentos de Vivienda Social de la “Viena Roja”

Tras la fragmentación del imperio austrohúngaro, después de acabarse la primera guerra mundial, Austria se
reduce a la pequeña nación de hoy, una nación ridícula en tamaño en comparación al imperio anterior. Viena se
convierte en una capital gigantesca de un país enano, todos estos hechos políticos influyen en la arquitectura, en
todos esos países nuevos pequeños se les hace la vida imposible y emigran a la nueva Austria. En Viena suceden
tres problemas

Las consecuencias y desastres de la Guerra - La desproporción de la capital de Viena respecto a su nación -

La inmigración de los nuevos países fragmentados

Aumenta por tanto el chabolismo, Viena se parece más a una capital tercermundista, Tras ganar el partido
socialdemócrata las elecciones propone una solución al problema de la vivienda, durante el gobierno se pone en
marcha un programa de construcción masiva de viviendas. Loos contribuye a este desarrollo de las viviendas
mínimas para construir viviendas de menor superficie posible.

• Casa de un solo muro. Adolf Loos

Se trata de abaratar, la zona más cara es la cimentación y deja que el resto de la estructura cuelgue, la casa no se
construyó en masa, en verdad es una casa con dos muros con una estructura ligera, llega a plantear que las
casas no tengan baño, uno de los problemas que había era el problema de abastecimiento de alimento, Loos
quería que los excrementos humanos sirviesen de abono para el huerto de las casas. Loos produce modelos de
casas populares como las de la Expo de Viena de 1930.

Loos hizo una reducción a mínimo de la escala barata popular. El programa se finanza con un impuesto de 14%
sobre los alquileres, con ese impuesto se llegan a construir un enorme número de viviendas, el tipo de viviendas
hace que surja un debate entre dos modelos de construcción barata, HOF (Palacio) unas viviendas sociales
modelo Hof es un super-bloque, bloques enorme colectivos, alta concentración el modelo que acaba

51
predominando. SIEDLUNG, (asentamiento y colonia), el que predomina en Alemania, es un modelo de baja
densidad, más próximo a lo que pude ser la ciudad jardín, en Viena se deciden por el modelo Hof.

Las técnicas constructivas de las Hof: el hormigón todavía es una opción cara en la época por no haber industrias
que produzcan cemento en cantidad necesaria y porque los arquitectos y albañiles no están acostumbrados a
trabajar con los nuevos materiales, por lo que se encarece el proceso constructivo. Lo dominante será el muro de
carga y el uso del ladrillo frente al acero y al hormigón.

La estética exterior de los edificios es impresionista. Los bloques con diseño moderno se van desplegando por
las fincas creando espacios de zonas comunes al aire libre.

Los superbloques se colocan en Viena en una especie de segundo cinturón, el Ring dominado por la arquitectura
burguesa y los Hof crean una especie de segunda corona, un programa gigante de construcción. Son
superbloques, destaca el

Karl Marx Hof

Todos llevan nombres de héroes de la izquierda, tiene 1 500 viviendas, un superbloque que funciona como una
pequeña ciudad, a lo largo de su extensión se acumulan cientos de viviendas mínimas pero con la idea de
proporcionar ciertas dosis de equipamiento colectivo, la vivienda no es lo único, la vivienda sola produce
egoísmo, colocan un gran número de espacios públicos, los patios son enormes plazas donde se encuentran
bibliotecas, salas de reunión, lavanderías, el hecho de lavar la ropa se expropia el lugar de lavadero como punto
de encuentro, la acumulación de viviendas no olvida la sociológica socialdemócrata, estos superbloques
recurren a ciertos elementos de monumentalidad por motivos propagandísticos, recurre a formas clásicas como
el arco monumental de entrada, las torres que hablan de muralla medieval.

Karl Steif Hof

Muestra aún más la monumentalidad que recurre a la idea de la torre del reloj y la galería de arcos, la planta de
este conjunto son supermanzanas que funcionan como pequeños pueblos independientes, un ejemplo del
equipamiento público es la piscina pública, el baño deja de ser privativo, debido a la preocupación por la mejora
de la salud pública, es un ejemplo, en el interior la idea es impactante, el pueblo también dispone de sus propios
palacios públicos, ya no es algo solo de ricos.

52
TEMA 7: Holanda, De BERLAGE a DE STIJIL, Pioneros franceses de la arquitectura moderna
Ámsterdam

En la segunda mitad del siglo XVII se produce el esplendor del arte y cultura holandesa tras independizarse de
España, se desarrolló colonialmente dando lugar a una burguesía poderosa económicamente con fuerte
conciencia de clase, rechazaba la posición tradicional de la aristocracia, con el auge económico se producen
transformaciones urbanísticas en Ámsterdam, empezó a aumentar su superficie a base de un plan, EL PLAN DE
LOS TRES CANALES, tres canales concéntricos que permiten que los barcos lleguen hacia el interior, la ciudad le
fue ganando territorio al mar. Es una ciudad de territorio ganado al mar, a la orilla del agua y mirando su reflejo en
él, unas ciudades que integraban las actividades económicas con la vida ciudadana, los rasgos son:

- Mayoritaria construcción artificial, mediante el secado de tierra le gana terreno al mar mediante obras
hidráulicas, con esas grandes obras se produce un sentimiento de colectivización en la ciudad debido a
las obras públicas que se realizan.
- Domina una arquitectura sobria sin ornamentación, que no es iconoclasta por la convivencia de
religiones y sociedades tolerantes que no hacían alarde de sus creencias, es una arquitectura sobria en
la que dominan las líneas ortogonales, todo muy alineado y perpendicular a la costa, las parcelas son
estrechas y alargadas. El material tradicional es el ladrillo, la piedra era inexistente en el lugar, el ladrillo
colaboraba en lo rectilíneo. La imagen más típica es de unas parcelas estrechas y profundas, el uso
masivo de ladrillo, para todas las construcciones, es típico el remate de las fachadas, piñón escalonado,
un remate triangular que va haciendo escalones.

Cuypers
Desarrolló gran parte de su carrera en la restauración, sus dos obras más representativas son la estación central
de Ámsterdam y el Rijksmuseum. Puso en práctica el racionalismo estructural que puso en práctica Violet le Dic,
(el del interés en la arquitectura gótica al ser una arquitectura estructural e ingenieril).

• Rijkmuseum

Es de estilo neogótico, un estilo de significado nacional y

progresista mezcla también estilos renacentistas, el pórtico
simétrico con una logia de arcos de medio punto, sigue la
técnica constructiva de Holanda, el ladrillo.

Berlage
La renovación de la arquitectura holandesa pasa por la superación de este historicismo, pero asumiendo la
arquitectura holandesa tradicional, Berlage representa una modernidad que asume la historia y la expresa de otra
manera, ningún arquitecto huye de lo anterior a ellos, lo reutilizan a su favor lo reinterpretan en sus obras. Estudio
en Zúrich recibiendo una educación tradicional, viajó por toda Europa y tras volver a Ámsterdam trabajo en el
estudio de Cuypers, a pesar de que este trabajaba en el eclecticismo y de acuerdo a la tradición.

Los edificios públicos que desarrolla Berlage después son algo decepcionante en los que emplea un lenguaje
historicista que se quedan en un lenguaje apenas modernista, destaca en sus planes urbanos y planes de
vivienda social.

Los holandeses entran en el mundo moderno con un rasgo diferenciador, desde la edad media acometían obras
hidráulicas para entrar en el mar, de no ser por esas obras las ciudades serían arrasadas por el agua, a principios
del siglo XX se plantean los problemas de las viviendas baratas, y no resulta raro de que esto fuese una
intervención pública, en el resto de los países esto estaría mal visto.

Un acontecimiento importante fue la aprobación de la Ley de la Vivienda, una ley vanguardista que tenía un
carácter social, los municipios de más de 10 000 habitantes debía elaborar un plan de expansión con ayudas de
subvenciones estatales para viviendas de clase popular, aseguraron condiciones mínimas, con estas normas se
permiten una experimentación en los planteamientos de los barrios obreros.

53
 • Bolsa de Ámsterdam. H. P. Berlage

Se convierte en el hito de su carrera y supone para Holanda el

inicio de su propia arquitectura y el inicia de la arquitectura
moderna. Destacan los impresionantes volúmenes de ladrillo,
destaca más la ausencia de ornamentación que la presencia, es
poca ornamentación en comparación de los volúmenes pese a
resaltar los ecos medievales. In situ parece menos medieval que
en las imágenes. La entrada principal fue concebida como un
elemento representativo y por eso tiene esa torre en la esquina
porque pretendía que fuese un símbolo de la institución y de la
ciudad, es la bolsa más antigua del mundo, se trata de un
edificio simbólico. Los volúmenes iluminados cenitalmente incluyen una matriz común a los tres volúmenes de
cada bolsa. La estructura portante sigue los principios del racionalismo estructural, estaba construido por
ladrillo y la zona de transmisión de cargas como las ménsulas y estribos era de granito, marcando los puntos
clave de transmisión de cargas, los forjados son de estructura metálica, los grandes volúmenes de ladrillo se
cubren con cerchas metálicas y vidrio translucido. Como obra simbólica contiene un programa iconográfico
sobre la historia de la ciudad. Poco después de la terminación del edificio, los agentes de la bolsa no querían
compartir el edificio y se debió de construir otro edificio de Cuipers forrado por un aparejo inglés, los materiales
se muestran tal cual son y en su función, la piedra se usa en los elementos estructurales, claves de arcos,
estribos y en ornamentos escultóricos. El interior de la de Berlage tiene una estructura metálica y arcos
rebajados de ladrillo sobre pilares de granito de sección cuadrada, todo el pavimento es de madera excepto la
línea de piedra que recoge todas las bases de los pilares.

• Plan de Ampliación Sur. H. P. Berlage

Berlage elabora el plan de ampliación sur, en la primera versión del plan los espacios verdes dominan la
propuesta y un nuevo canal de unión entre dos ríos rodeado entre una especie de masa boscosa hace de eje de
esa intervención, había viviendas de baja densidad, esta primera decisión fue rechazada al ser muy costosa.

En el periodo entre esta entrega y la definitiva reelaboro sus teorías y se convenció de la importancia cultural de
la ciudad y detestaba la desurbanización que proponía la ciudad jardín, se alejaba de camilo site y del ambiente
pintoresco. El nuevo plan instala grandes avenidas como las de Haussmann, incorporaba puntos focales,
empleaba como unidad básica unas manzanas rectangulares y alargadas que dejaban en el centro un patio
interior, esto era ya muy frecuente en todo su urbanismo. Para Berlage la calle es una habitación que surge al
construir las viviendas y se dedica a modificar su estructura introduciendo otros equipamientos, espacios
arbolados. Intento elaborar un plan en el que se conjugasen orden y variedad, las manzanas de casas eran todas
geométricas, pero no iguales al igual que las calles, plazas de escala humana, etc.…

El plan puso de manifiesto el interés en la continuidad

física del entorno urbano, lo que le llevo a entrar en
conflicto con los Cián, lo que se proponía en los cianes
era una especie de teoría contra la calle que entraba en
conflicto con estas teorías.

Las tipologías de viviendas plurifamiliar que el proyecto

era una vivienda rectangular, una hilera de dúplex y otra
hilera de dúplex encima, cuatro plantas con dos hileras
evocando la vivienda tradicional de dos plantas, pero
agrupadas en dos alturas, el espacio interior de jardín se
dedica a espacios de cultivo o huerto.

54
 • Conjunto Residencial Mercartorplein. H. P. Berlage. Ámsterdam

Es una construcción de viviendas que aprovechó las subvenciones que edificó una zona para la clase media baja,
este plan es uno de los mejores ejemplos de intervención mixta, la empresa privada y administración ponen el
dinero. El plan pone en ejecución una organización de las calles alargadas y cerradas, un número de arquitectos
definen las fachadas, las características del barrio es la cimentación o la colocación de muros de hormigón
armado. Aparece el agua caliente centralizada, el conjunto tenía una imagen muy contundente, Berlage diseñó la
plaza central que le da nombre al barrio.

La plaza era la encrucijada de dos ejes, que conecta el barrio con

el resto de la ciudad. Berlage quiere destacar la importancia del
punto de encuentro, es una característica típica del Barroco,
tenía ese fin de hacer de la ciudad un escenario, aplica esa idea
a la plaza y la monumentaliza con las dos torres colocadas en las
embocaduras de la plaza, estaban rematados con unos relojes,
las fachadas eran de ladrillo visto como en el resto del conjunto,
a excepción del basamento que recorre toda la fachada, estas
fachadas son las más sobrias de edificio.

• Escuela de Ámsterdam

Está muy activa durante estos primeros años del siglo XX. Tiene en común con Berlage el uso del ladrillo, la
geometría, cierto gusto por el diseño de detalles originales en un espíritu art Nouveau… Todo muy marcado por
un lenguaje expresionista de acentuadas angulosidades que es paralelo al expresionismo. La influencia principal
es el expresionismo alemán y las últimas fases del art Nouveau de Viena y Alemania, y del modernismo de
Gaudí,… Las características principales de esta escuela son:

La construcción basada en el ladrillo de diferentes tamaños y de diferentes colores para conseguir formas
expresivas y orgánicas, la intención era reproducir formas de la naturaleza, pero sin llegar al art Nouveau porque
la arquitectura tenía que ser limpia. Los edificios de esta escuela cuentan con ornamentación de torres y
esculturas integradas en esta arquitectura de ladrillo. Las ventanas nunca son grandes y se divide en retícula
dando una imagen pintoresca con marcos de madera blancos, las ventanas son otros de los elementos
ornamentales de las fachadas.

Johan van der Mey

Trabajaba en el estudio de Cupers, dejo el estudio para iniciar su carrera de manera independiente, fue nombrado
asesor estético del departamento de O.P. de Ámsterdam, llego a hacer puentes, pero destaca por la Casa de la
Navegación, aunque colaboraron otros arquitectos.

• Casa de la Navegación. Kramer, Ámsterdam. 1912-1916

Para 6 navieras, estaba en un solar en esquina, este edificio responde

a los principios de la escuela de Ámsterdam, sobre todo en el
tratamiento de la torre, inspiración de Alemania, y recuerda a
edificios del art Nouveau, en las cubiertas y en la profunda
ornamentación, usa símbolos marinos, todo esto lo hace con
elementos de ladrillo y terracota, la ornamentación se hace con
piezas cerámicas, emplea el hierro para la ornamentación, e interior
recuerda a los interiores del art Nouveau, vidrio coloreado, hierro en
las lámparas. El edificio hoy es un hotel. Es muy expresionista en los
tejados con esas formas agudas tan extraordinarias con esa torre
imaginativa en un extremo, tiene claro el uso del ladrillo y los ventanales de las obras de Berlage. En sus detalles
recurre mucho al simbolismo casi místico que conecta bien con el expresionismo literario lo cual se traduce en
detalles de terracota o de piedra. Conecta el art Nouveau con la escuela de Ámsterdam.

55
 • Casas Populares de la Cooperativa de Dagerad, Pieter Kramer

Nos interesa por sus avances en la vivienda social, las viviendas populares para los obreros socialistas, un grupo
de viviendas para esa cooperativa es la máxima expresividad de monumentalidad y de fantasía de las formas que
toman las formas que se aplican a ladrillo y viviendas sociales, tiene elementos de gran plasticidad, la torre
circular como un pergamino que se enrolla. La hace en conjunto con De Kerk, todo construido en ladrillo con
formas onduladas, las carpinterías son las típicas blancas y reticuladas, cuerpos de ladrillos. La cubierta de teja
que parece inundar la fachada, elementos expresivos que son típicos de la Escuela de Ámsterdam. La curva del
alzado parece que los ladrillos se rizan y las ventanas sobresalen más por un lado que por otro, los ornamentos
están hechos con material cerámico.

Michel de Klerk
Era muy buen dibujante y algunos rasgos típicos son las cubiertas que se desbordan de las fachadas, los cuerpos
cilíndricos que emergen, las formas parabólicas de las ventanas, de sus proyectos de madurez dentro de
Ámsterdam Oeste.

• Cooperativa Eigen Haard. Spaarndam, Ámsterdam

Es un conjunto de viviendas dentro de distrito de Spaarndam, un edificio para la cooperativa, ocupa toda la
manzana triangular con un patio interior, se reconocen los rasgos típicos de la escuela de Ámsterdam, el
programa es una propuesta compleja que funde funciones residenciales y sociales, en un extremo sitúa una
oficina de correos del barrio y coloca una torre angular para marcar el acceso, el resto son 102 viviendas de 18
tipos diferentes, las de planta baja tienen sus jardines privados al interior de la manzana, había una vivienda
preexistente que integra.

En el lado más corto del triángulo abre una cavidad para colocar una plaza o jardín, es importante de conceptos
complejos a nivel arquitectónico como es el vacío, un volumen sustractivo, justo en ese punto el edificio pasa de
tener cinco alturas a tener dos, las cuatro torres hace referencia a un campanario nórdico. Una pieza pequeña en
el interior es una casa comunitaria, un equipamiento para las reuniones de vecinos.

• Movimiento de Stijl y el Neoplasticismo

Revista De Stijl, mostraba una derivación del art abstracto a la que se le llamó neoplasticismo, pretendía ir más
allá de los límites del arte, una expresión universal de la sociedad, un arte auténtico reflejo de cosmos, por eso
usa la línea, colores primarios, se busca la armonía y el equilibrio, el título de la revista hace referencia a la
superación de los estilos del pasado buscando un estilo verdadero.

Quiere decir nueva configuración, la pintura deja de imitar la naturaleza, se buscan unas leyes universales y
quedarse con las leyes universales, emplea formas puras, líneas, planos, emplea colores primarios, esa revista
fue el medio de difusión de estas ideas, en ocasiones a este movimiento se le llama movimiento de Stijl.

Se hicieron reflexiones de cómo se relacionaba el arte y el mundo, su estructura, dando lugar a la abstracción
pura, como en las de Piet Mondrian. Se desprende de lo que no es esencial, los tres colores puros y el no color
es lo que usa.

Quien más divulgó estos conocimientos fue Theo Van Doesburg, un personaje fundamental en el neoplasticismo
holandés, promotor de la revista en la que publicó numerosos artículos, tuvo una actividad importante en toda
Europa, dio un curso en la Bauhaus, en su pintura emplea estructuras geométricas y colores puros, introdujo la
línea diagonal en sus composiciones, en esa línea de hacerlo todo se interesó por la arquitectura y poco a poco
se involucró en proyectos donde se desarrollan estas ideas.

56
 Theo van Doesburg y Cornelis van Eesteren

• Casa Particular

El espacio se construye por una sucesión de planos ortogonales, horizontales y verticales,

ya no hay cubiertas en pendientes, estos colores refuerzan la presencia de esos planos,
las plantas se someten a modulación geométrica, las colaboraciones entre pintores y
arquitectos fueron disminuyendo al no ser práctico lleva a la arquitectura a la pintura. Esta
colaboración dio lugar a tres proyectos fundamentales. Los proyectos eran la casa de un
artista, el hotel particular y el más destacado es la casa particular.

Casa particular, participó con Van Eesteren, desvela 7 puntos de la arquitectura

neoplástica, que decían cosas como que la forma la determinan planos rectangulares, los
conceptos empiezan a cambiar, la planta del edificio debe de ser abierta y la distinción
interior y exterior debe de ir desapareciendo, los paramentos ya no son de carga, el
espacio debe de ser continuo, en los dibujos los edificios aparecen flotando, el espacio ha
de ser continuo y la relación interior y exterior ha de hacerse continua, el color podía
contribuir a las cualidades espaciales, al igual que contribuye la luz a los materiales.

Gerrit Rietvild
Comenzó como ebanista y luego se convirtió en arquitecto. Diseñador de muebles que aplicó estas ideas. En
1927, se suma al movimiento de Die Style y aplicará estas ideas al mobiliario a base de planos y líneas que se
entrecruzan con colores aplicados a los planos que abren nuevas ideas al diseño. Son esculturas.

• La Casa Rietveld – Schöder

Construida en la ciudad de Utrecht, colaboró con la propietaria para estar de

acuerdo con ella, este es el intento más avanzado de llevar a la arquitectura el
neoplasticismo, la vivienda se sitúa en una parcela que no está exenta, se
coloca junto a una parcela. La escalera se sitúa en la parte central y se ilumina
por una claraboya, en el interior tiene una sala de lectura y un estudio, en la
planta alta esta es la novedad, una planta diáfana con paneles móviles que se
desplazaban y permite modificar la distribución a voluntad de los usuarios. Era
una vivienda económica de ladrillo y madera y muy funcional. Una vivienda
dinámica y para nada monumental, es de escala reducida, responde a un programa planteado por la propietaria,
no buscaba ser una obra pictórica aunque parezca un collage, las carpinterías, barandillas y ventanas son negras,
los elementos lineales si incluyen el color, entre muchas de las críticas el autor dijo que se encontró una relación
entre interior y exterior con los paños acristalados, fue una lección única e irrepetible al ser consciente el autor
del valor de su singularidad, a lo largo de su carrera hizo otras obras.

Jacobus Johannes Pieter Ourd

Es un arquitecto con un larguísimo ejercicio de la profesión. Nació en Tell, estudió en Ámsterdam y trabajó en
distintos estudios. Conoció a Theo que conocía ya a Diret y sale en los primeros números de la revista. Entre 1918
y 1923 fue el arquitecto jefe de Roterdam construyendo casas aplicando ideas relacionadas con la flexibilidad.
Participó en el movimiento de Stijl, en su obra intentó unir clasicismo y modernidad, algo bastante confuso,
mantenía contacto con la arquitectura de la URSS y de Alemania, su obra más reconocida…

• Café de Unie. Rotterdam

Pretendía explotar un solar vacío durante un tiempo limitado, al ser una construcción temporal
concibió la fachada como un lienzo, con esa composición en la que la tipografía cobra presencia, el
café se sitúa entre dos edificios de arquitectura tradicional, el retranque en planta baja potencia los
planos de abajo, los elementos pintados en realidad no se pintaron sobre la fachada, eran paneles de
madera que se anclaban a ella, la imagen de la derecha es una reconstrucción.

57
 • Vivienda en Noordwijkerrhout w/ Theo van Doesburg

Se le conoce a nivel internacional por sus viviendas obreras, se derivaron

fundamentalmente por ser el arquitecto municipal de Rotterdam, era una ciudad
básicamente industrial y portuaria, al principio sus intervenciones tenían
influencia de Berlage, que estableció unos ideales de las viviendas obreras de
manzanas alargadas, profundizó en estas ideas.

Esta colonia eran agrupaciones con patio común que al exterior transmite la imagen única y rítmica, el barrio
sigue un trazado ortogonal con orientación inclinada al suroeste, tiene manzanas cerradas y una central en forma
de L dando frente a una plaza, al interior de la manzana se accede por pasajes o pequeñas callejuelas en los
lados cortos de la manzana, empleó la simetría y repetición uniforme de viviendas, paramentos de ladrillo,
simplificando y depurando las formas, este proyecto supuso la crítica de Vandosvel.

• Barrio en Hoek Van Holland

Localidad del centro de la costa de Holanda, conocida por ser el punto de partida de ferris, se desvinculó de
Vandesbulg y se acercó a las tipologías tradicionales de edificación, la arquitectura se volvía artificial al estar
unida a la pintura y no podía salir una arquitectura social.

Son dos bloques iguales y cerrados que no tiene que ver en la descomposición de
planos, unos bloques de viviendas repetidas hasta los extremos donde toman
formas redondeadas que albergan tiendas, hay dos plantas de viviendas en el
bloque con acceso independiente cada una. Los huecos marcan un ritmo hueco y
relajado, los muros están revocados con un mortero blanco como las obras
contemporáneas, a excepción de un pequeño zócalo de ladrillo amarillo.

• Barrio Kiefhoek

Viviendas que realiza en forma de primas rectangulares, viviendas de dos plantas,

en las cuales, en los alzados, no se nota el corte entre la vivienda y la contigua,
intentando dar la impresión de edificios unitarios. Se dan cubiertas planas, y el uso
de la curva, en este caso, para enfatizar la entrada a la zona central del conjunto.

• W. M. Dudok, Colonia en Hilversum, Ayuntamiento y Escuela

Juego de volúmenes con un gran interés plástico, con superficies lisas.

Arquitectura de las Vanguardias Soviéticas

Hay que destacar los dos movimientos artísticos más importantes que surgen en la unión soviética, el
suprematismo y el constructivismo. El suprematismo. Promueve, por tanto, la abstracción geométrica, la
supremacía formal que se le da a las formas geométricas puras. No tienen significado ni contexto y su estética es
bidimensional, aunque se sugiere un plano de profundidad. También se utilizan pocos colores, pero con una
gama más variada que la neoplasticista.

Hacia 1919, es cuando Malévich abandona la pintura y se va a dedicar a la enseñanza de la arquitectura en los
talleres libres de Moscú, realizando maquetas estudiando los volúmenes, pero desde el suprematismo. Otro
artista es Lissitzky, que también salta del arte a la arquitectura, con los Prouns, que eran composiciones a medio
camino entre la pintura y la arquitectura. Su evolución llega hasta una posible funcionalidad de sus diseños.

Vladimir Tatlin, otro artista, comienza a trabajar en un arte no objetivo, llamados contra relieves, una especie de
esculturas que se colocaban en las esquinas de las casas. Con esto, se convierte en el impulsor del
constructivismo. El constructivismo, se basa en la manipulación directa del material, no se apoya en la forma, si
no en la construcción, por lo tanto, no se buscan formas perfectas, si no incorporar el espacio, tiempo y
movimiento mecanizado.

58
 • Monumento a la Tercera Internacional, Vladimir Tatlin

Sólo se construye la maqueta, y a través de este proyecto se entiende perfectamente el

constructivismo. Su dimensión era mayor a la torre Eiffel, y construido en acero y vidrio,
conformado grandes estructuras entrelazadas y desnudas, formando una espiral ascendente, y
en cuyo interior, la idea era suspender una serie de cuerpos geométricos transparentes, girando
cada uno a una velocidad diferente. Integra una estética basada en el material, totalmente
alejada de una estética tradicional y se integra el movimiento mecanizado y el tiempo.

• Palacio de la Cultura y Club Zuev, Ilya Golosov, Moscú

Talleres en los cuales se difunde propaganda comunista. Se crea el club obrero, la tipología
estrella en la que centran la atención los arquitectos, además de la fábrica y la vivienda o casa
colectiva.

• Casa Comuna, Nikolái Ladovski

La Asnova, son las siglas de la primera organización de arquitectos innovadores,

liderada entre otros por Ladovski y Mélnikov, y se consideraban a ellos mismos
racionalistas, aunque sus críticos, los tachaban de formalistas, pues ellos buscaban
un vocabulario formal.

Konstantin Mélnikov
En cuya fabrica AMO, tuvo una formación academicista con valores intactos. La modernidad del edificio se ve en
la ausencia de la modernidad. Al salir de la escuela se introdujo en las vanguardias. Su primer encargo
importante fue el Pabellón Majorka.

• Pabellón Makhorka

Refleja la estética constructivista, dando la sensación de producto inacabado, refleja el proceso de

construcción, es un proyecto que se hace en diferentes partes y esto se debe de reflejar, a ese dinamismo
contribuye la escalera de caracol y torre de luz.

Participó en el concurso de sarcófago de Lenin, Stalin hizo que fuese un Santo para la época, esto se ve en el
Mausoleo que existe en la plaza roja, en el interior el sarcófago es diseño de Melnikov.

• Proyecto para el edificio Pravda, Moscú

Representa la obsesión del constructivismo por el movimiento y dinamismo, se compone

de cilindros superpuestos de los que salen otros cuerpos, tienen forma de espiral, esto se
debe a la forma en la que se imprime el periódico, este proyecto no se llegó a construir.

• Pabellón para la Exposición de Artes Decorativas de París

La intención se ve clara, quería romper el volumen y dejar espacios

abiertos, fomentando perspectivas inesperadas, se busca fomentar
el movimiento en un edifico que es estático, la construcción tenía
que ser de madera y debía de resolverse en dos niveles, con esos
paneles de madera inclinados da la sensación de proyecto
inacabado. Melnikov puso este edificio como ejemplo de
modernidad, lo que pudo ponerlo en contacto con arquitectos
modernos. El ayuntamiento de París le encarga un parking-puente,
sobre el Senna, se apoyaba en columnas atlante, el ayuntamiento
ignoro esta propuesta porque parecía una locura.

59
 • Casa-estudio del Arquitecto

Se ve una relación con el expresionismo alemán, en la que se permite

ver también la corriente formalista. La casa se compone como la macla
de dos cilindros, que son dos torres, ambas del mismo diámetro (9m),
pero de diferente altura. En la planta baja, se ve un salón, un baño…Y en
la primera, una sala de estar y una habitación. Por último, en la última
planta, se ve el estudio que se abre a una terraza.

Las cubiertas son planas y la construcción es en ladrillo y madera, pero pintadas de blanco, y el cilindro
orientado al norte, se perfora con una retícula de ventanas hexagonal. La fachada al sur se abre con ventanales y
acristalamientos para recibir la luz del sol.

La inclinación formalista, finalmente lo condena, pues va a quedar ciertamente renegado profesionalmente ya

que su formalismo va a quedar considerado como un crimen.

Urbanismo

• Proyecto de Ciudad Verde, Moscú

Fue una iniciativa ambiciosa de desarrollo urbano sostenible, enfocada en transformar áreas industriales y
subutilizadas de la capital rusa en espacios verdes y habitables. Este proyecto tiene como objetivo mejorar la
calidad de vida de los habitantes mediante la creación de parques jardines y espacios públicos verdes, así como
la implementación de tecnologías sostenibles.

• Esquema de la Ciudad Lineal

Su concepto principal se basa en la creación de una ciudad que se extiende linealmente a lo largo de una vía de
comunicación principal, como una carretera o una línea de tren, en lugar de expandirse de manera radial como
las ciudades tradicionales.

• Palacio de los Soviets

Vinculado al realismo socialista, una vuelta al neoclasicismo debido a la dictadura

de Stalin, la vuelta al tradicionalismo estético, un concurso de nivel internacional.
Muchos arquitectos modernos presentaron sus proyectos, pero se descartaron. El
constructivismo era demasiado avanzado para la época en la que le tocó vivir,
debido a que la URSS no estaba al alcance para desarrollarlo

Futurismo Italiano
Situado en el contexto posterior a la reunificación italiana, es el momento de la
arquitectura del hierro, mientras se construye el Monumento Nacional a Vittorio Emanuele
II. Es el momento de los historicismos y eclecticismos, es un edificio como máximo de los
exponentes. Contra él reaccionan en contra de este arte clasicista, plantean un arte que
reniega de la tradición arrastrada, el futurismo surge en Italia cuando Marinetti publica el
primer manifiesto del futurista, en ese momento el manifiesto provoca un escándalo en el
que se ensalza la máquina, la velocidad, el movimiento, la violencia, se incitaba a eliminar
determinados valores preexistentes para crear un modo diferente de expresarse, decía que le futurismo es un
movimiento anticultural, acabar con los museos y bibliotecas, con lo tradicional y mirar hacia el progreso, se
alaba la figura del automóvil, el ruido. El futurismo es una renovación debido a los descubrimientos científicos de
los últimos tiempos, el auto móvil, la motocicleta, todos los vehículos y formas de comunicación provocan que
percibamos el mundo de manera diferente y por tanto se necesita un nuevo lenguaje. El futurismo abarco la
poesía, el teatro, cine, música, apoyados en ese manifiesto un poco más tarde aparecen manifiestos de la
pintura, de la escultura, y también el de la arquitectura futurista en 1914, emplearon los manifiestos por primera
vez en el arte, esos manifiestos los hacen resaltar más que sus obras, es un movimiento exclusivamente italiano
que acabo en 1916 tras la muerte de uno de los máximos representantes.

60
En las formas artísticas usaba un lenguaje similar al cubismo, pero dotado de más movimiento, las formas se
descomponen a partir del movimiento y de la luz, esa es la principal característica. La idea no era tanto plasmar
un objeto en movimiento, sino plasmar el movimiento, la energía lo que ellos llaman líneas de fuerza. La
escultura en bronce de Boccioni, el pintor y escultor futurista más importante, es una figura antropomorfa, pero
geometrizada, En su escultura plantea que la escultura debe de ser cerrada, sino abierta para mostrar la dualidad
del lleno y el vacío. Su muerte marca el final del futurismo.

Giacomo Balla, es otro de los artistas destacados, el emplea los arcos y ángulos agudos repetidos y
yuxtaponiéndolas para reflejar de manera extraordinaria el dinamismo de un objeto en movimiento, lo que se
llama simultaneismo, dar la sensación de movimiento a través de secuencias. Dedica toda una serie de cuadros
a la velocidad de los automóviles y velocidad, obsesión de futurismo por la máquina. Severini, su pintura es muy
alegre, es interesante porque en La Bailarina Azul se vuelve a ver esa geometrización. Carlo Carrá, el más
agresivo de todos los pintores futuristas, en el Entierro del Anarquista Gali, plasma la sensación de la masa de
gente en movimiento, el protagonista del cuadro es la masa de gente despersonalizada y manipulada e irracional,
bajo las órdenes de un líder.

• Antonio Sant’Elia

Es el que redacta el manifiesto de la arquitectura futurista, hacia énfasis en los principios generales del futurismo
como rechazo a los principios anteriores, rechazo a las formas cubicas y ortogonales, la arquitectura debía
emanar de la tecnología y no de la naturaleza. Los manifiestos abren caminos con sus postulados, pero el abrir
nuevos caminos resultaba complejo. El proyecto de Sant'Elia para una ciudad nueva, son un conjunto de dibujos
e imágenes visionarias de rascacielos de vidrio y hormigón armado, como si fueran maquinas, aparece ese
concepto de la casa-maquina, un concepto muy utilizado por Le Corbusier.

• La Cittá Nouvoa

Asumía las nuevas tipologías de la ciudad industrial, plantea nuevos materiales para
conseguir arquitecturas de carácter efímero, con carácter de cambio para dar imagen de
evolución constante. En la arquitectura de esta ciudad, funcionabilidad y estructura era lo
más importante, la movilidad es el tema fundamental y por tanto se plantean vías de
comunicación. Sant´Elia plantea un centro de comunicaciones con aeropuerto, es una
arquitectura visionaria, cuando según él la ciudad alcanza el esplendor es por la noche
debido a que la luz artificial sustituía a la natural, el hecho de que el hombre dote de luz a
la ciudad por la noche. Aunque fue un modelo utópico, los arquitectos modernos
siguieron sus influencias. El en la guerra veía la oportunidad para hacer desaparecer la
ciudad y poder construir la nueva.

• Fábrica Fiat de Turín

El mejor ejemplo es la Fabrica Fiat en Turín. Albergaba la cadena de automóviles. Tenía unas rampas helicoidales
en los extremos, el proceso de construcción de vehículos se hacían de manera ascendentes hasta que se
construían pilotos probaban el vehículo en la cubierta, donde había una pista de pruebas. Es una idea que
destaca por su peculiaridad. Es un edificio muy funcional sin conexión estética. Es de vidrio y de hormigón
armado. Fascino a muchos arquitectos europeos. Renzo Piano llevo a cabo un proyecto de rehabilitación, que
ahora tiene un hotel, sala de conciertos, es un equipamiento social.

Al disolverse el futurismo, algunos artistas se iniciaron en la abstracción. Carlos

Garrá se inclinó a la pintura metafísica, destaca Giorgio De Chirico, abandona la
representación fragmentada de la realidad para retornar a los valores
tradicionales, recuperar solidez geométricas y sensaciones de peso y volumen,
un tema muy recurrente son las calles y plazas solitarias con estética neoclásica
y racionalista, arquitecturas que rompían con, o que se hacía en el resto de
Europa. Se llaman así las pinturas porque parecen lugares en los que se ha
detenido el tiempo, lugares pertenecientes a sueños e imaginación, transmiten
esa soledad.

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62
 TEMA 8: Arquitectura Alemana: De Peter Behrens al Expresionismo
Alemania en su último tercio del siglo XIX, tenía un estado imperial y acentuadamente militarista. Hasta ahora
Alemania no existía, sino que era un conjunto de estados en el que el que se encontraba Prusia. El emperador
Guillermo II llega al poder. El estado alemán es muy militarista, con una estética grandilocuente, y una clásica
dominante. Alemania en apenas 100 años multiplica por 40 su población dando lugar al problema típico de sobre
ocupación del espacio doméstico, un problema típico en todas las grandes ciudades industrializadas. Alemania
experimenta un gran desarrollo industrial, pues entra en la revolución industrial junto con Japón y con EE.UU.
Este tema estará muy presente también en pintura y en la novela. En arquitectura encontraremos dos tendencias,
la tendencia de la tradicionalidad, el querer hacer una obra más artística, y por otra parte existe la tendencia de lo
industrial, que será la que finalmente triunfe en un país tan industrializado como Alemania.

El expresionismo. Es la reacción de los jóvenes, artistas y con cierto retraso arquitectos, al arte oficial del
emperador Guillermo. Contra ese arte oficial y pesado se revelan los expresionistas. Los expresionistas quieren
todo lo contrario, un arte emotivo, directo, que no esté sometido a ninguna regla, la regla de la palabra. Los
artistas jóvenes se revelan con un arte provocador, que no tenga reglas más allá de la emoción, la espontaneidad,
un arte provocador, que se inspira en el arte africano, y en otras partes consideradas primitivas. El artista alemán
cree que la cultura es represión. Cada artista lo expresa de una manera libre. Estos artistas expresionistas se van
a reunir en asociaciones, van a lanzar manifiestos, y tendrán también su correlato en literatura. A la arquitectura
todo llegará más tarde.

Darmstadt es un claro ejemplo de este desarrollo, en la Colina Matilde, Matildehöhe, sucede un desarrollo
industrial, próximo a Frankfurt, y en esta zona un mecenas adinerado apasionado del arte manda construir una
colonia en forma de homenaje a la cultura y arte, pues se crea un complejo en el que se sitúan sala de
exposiciones, talleres, todo configurado como si fuese una pequeña ciudad del artista. El arquitecto que rompe
con lo tradicional en ese tiempo, que pega la patada en la puerta fue Peter Behrens.

Peter Behrens
Empezó trabajando el estilo art Nouveau porque quería ser moderno. A principios del siglo XX hizo lámparas,
pinturas o una casita que construyó en Darmstadt, debido a que el mecenas citado anteriormente lo contrató
para su proyecto. Es un personaje que en poco tiempo lleva a hacerse una auto ruptura respecto a su forma de
proyectar, esta ruptura personal lo lleva desde las formas más orgánicas del art Nouveau, a una reinterpretación
más pura y definida de las formas. En su arquitectura hace la misma operación que Mies Schinkel, un clasicismo
sometido a una amputación ornamental, de esta manera logra introducir el clasicismo en la modernidad. Entre
1916 es contratado por la fábrica de turbinas AEG. Peter pasa a convertirse en un diseñador de esta poderosa
fábrica, que es una empresa inmensa. Behrens para ser diseñador de todo, diseñará todo tipo de objetos:
carteles, tipografías… etc.

• Casa Behrens, Darmstadt

El propio plano tiene todos los caracteres del art Nouveau. Un art Nouveau estilizado,
pero al que no le falta fantasía, aunque no llegara a tener la gracia de los artistas belgas
y franceses. Vivienda totalmente art Nouveau, pero con un planteamiento más rígido y
menos imaginativo. La planta no presenta grandes novedades, es compacta y
convencional. Lo que más destaca es la resolución de interiores y exteriores.

• Fábrica de Turbinas AEG. Berlín

Esta fábrica de turbinas se caracteriza por tener una estructura que es en parte de
hormigón y en parte de acero, estando el acero visto, no lo oculta. Tiene unos enormes
paños de cristal que son la primera manifestación en sentido estricto del muro cortina
de cristal. Parecen colgar del frontón del edificio, cuelga como si fuese una cortina
sobre la fachada. Por otra parte, el edificio carece de ornamentación simplemente el
símbolo de la compañía, AEG, y es simplemente un juego de volúmenes de una gran
sobriedad. Ahora bien, el exterior aún tiene algunos ecos clásicos, reduce el

63
clasicismo a unas formas más elementales. En el lateral lo que contemplamos recuerda a un templo clásico: hay
un frontón, unas columnas, que nos recuerdan a un templo griego. Esto no es casualidad. El interior de la fábrica
no es más que una nave que aprovecha la luz al máximo. En este mismo polígono industrial sigue haciendo otros
pabellones que son del mismo estilo. En uno de ellos añade un cuerpo al final, como una pirámide y rectángulos
contrapuestos de formas muy angulosas y marcadas. Evoca una stoa griega con sus columnas.

• Fábrica de Motores Eléctrico AEG. Berlín

Se vuelven a ver los acristalamientos, las esquinas masivas, el ritmo de los alzados
laterales marcado por las sombras, y por dentro, un espacio racional y liberado para la
comodidad de los trabajadores. Otro ejemplo es la fábrica de pequeños motores AEG.

• Almacenes Mannesman, Berlín

Se ve la influencia del clasicismo, siendo su referente Schinkel, con esquinas masivas, o las ventanas en doble
altura, como en el Schaupielhaus de Schinkel.

• Edificio Hoesch (IG Farben). 1920-1925

Crea un vestíbulo con hiladas de ladrillo de distintos colores, cuyos pilares producen la
sensación de ser una cascada que cae, con una gran iluminación cenital. Una obra más
expresionista.

• Exposición de la Deutscher Werbund, Colonia

Se funda en 1907, es una asociación que tiene el objetivo el crear un encuentro entre el mundo industrial y el
mundo intelectual, estaba formado por personajes de alto poder adquisitivo, por artistas, arquitectos, gente
vinculada al mundo industrial y por intelectuales, con el fin de organizar reuniones, congresos para incitar a la
modernidad, también organizan exposiciones como la de Colonia 1914, en la que llama la atención la forma de
exponer obras arquitectónicas mediante la construcción de éstas y no mediante grafismos como es típico.

Expresionismo
Nos situamos tras la derrota de Alemania en la primera guerra mundial, donde se inicia un periodo de crisis en
todos los sentidos, que acaba siendo una seña de identidad del expresionismo. Desde el arte, se va a buscar la
crítica al sistema y la evasión imaginando mundos distintos. Se dan cuadros llenos de amargura. El
expresionismo tiene dos referentes claros, el arte gótico alemán, un gótico que se entendía como el arte
autentico de los pueblos del norte, un gótico donde predominaba la expresión y el simbolismo frente a las
expresiones y veracidad. Otro referente es el mundo exótico, prestando mayor importancia a Asia, Oceanía, y
pueblos hindúes, por la evasión y la búsqueda de otros modos de vivir alternativos. Otro factor que permitió la
expansión del expresionismo fue la cantidad de grupos de trabajadores, como el ‘’consejo de trabajadores por el
arte’’, o ‘’la cadena de cristal’’, grupo liderado por Bruno Taut.

Bruno Taut (1880-1938)

Participa en muchos movimientos en su época, políticos-estéticos. Bruno Taut había hecho ya algo importante
antes de que estallara la Guerra Mundial, hizo diseños vanguardistas, dibujos. Pero antes de todo esto había
hecho un pabellón de cristal para la exposición del Werkbund, este pabellón constituye el ejemplo más famoso
de la arquitectura expresionista. Después de la Primera Guerra Mundial, tras la derrota de Alemania, sucede una
crisis de identidad en el país germano, al no acabar de asumir la derrota debido a la imagen de un país fuerte y
poderoso que tenían los alemanes, pero que ahora está en ruinas. En este contexto de reconstrucción se soñara
con una arquitectura irracional, utópica alpina, se pone en marcha un círculo de arquitectos, “La cadena de
cristal”, un círculo al que pertenecía Taut, son proyectos muy atrevidos y de imposible construcción algunos, por
tanto son proyectos que se quedaran en el papel. Más tarde tras su traslado a Turquía Taut fundara allí la primera
escuela de arquitectura, la de Ankara.

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 • Pabellón de Cristal en la Exposición de la Deutscher Werkbund. 1914

Es un encargo de los industriales del vidrio, el diseño en general es una alusión a

un mundo místico y tradicional de vidrio y del cristal. El pabellón que presenta se
eleva sobre un basamento de hormigón tratado con mucha fluidez. El basamento
se alabea como si fuera una estructura orgánica, una forma fluida. Algunas formas
orgánicas le sirven de inspiración, son las arquitecturas Alpinas. Sobre este
basamento se eleva una estructura orgánica muy ligera para soportar vidrios. Todo
el pabellón es de cristal. Su estética es muy distinta a la de los pabellones del siglo
XIX, que parecían invernaderos. Tiene un diseño completamente tecnológico.
Cuando entramos, y lo vemos iluminado por la noche, comprobamos que los cristales son de colores, y que el
edificio está pensado para ser iluminado con luz eléctrica. La luz eléctrica era relativamente joven, ya que el gas
era el que se usaba. Por la noche el edificio se transforma en una joya. La escalera, la pared y los propios
peldaños están hechos con ladrillos transparentes.

Erich Mendelsohn (1887-1953)

El expresionismo es una rebelión estética contra el arte, pero es muy diferente en cada artista. El otro arquitecto
que solemos asociar con el expresionismo de estos años es Erich Mendelsohn y quizás sea de todos el más
influyente porque algunas de sus ideas las encontramos por todas partes. Él como todos también hizo sus
manifiestos. Los momentos más utópicos de su época coinciden con la Primera Guerra Mundial, y no hay nada
que construir. Así que él no pierde el tiempo y se dedica a hacer bocetos… etc. y va a brillar como el más
influyente dibujante de la época. Sus dibujos resultan enormemente llamativos. En Mendelsohn aparece la
arquitectura orgánica. Debió de conocer la casa de Milá de Gaudí. Este arquitecto, además de ser un arquitecto
de vanguardia, además de no ser bien visto por los nazis, además es judío, por lo que en el año 33 se exilia a los
EE.UU. En los EEUU la influencia que va a tener va a ser también bastante notable. Allí no aportará nada nuevo.
Únicamente repetirá estas ideas. Lo más interesante de su obra se va a hacer después de la Segunda Guerra
Mundial. Es un joven arquitecto que se entrega a los diseño utópicos y hace obras como los dibujos
expresionistas, con colorido, formas geométricas básicas, etc.… está influido por Taut. Después de terminar la
guerra trabaja en una exposición y hace una casa.

• Torre de Einstein, Potsdam. 1920-1924

Construida en la ciudad de Potsdam, esta ciudad es el equivalente alemán de

Versalles en París debido a que se situaba el palacio de Federico II. Es un
observatorio en el que el mismo Einstein participó dando consejos sobres su
construcción, por tanto, es un proyecto destinado a la ciencia y sin antecedentes
históricos. Se planteó su construcción mediante un único vaciado del hormigón,
pues este proyecto pertenecía a esa serie de proyectos idílicos anteriores. Gracias al
hormigón tiene ventanas elásticas que se abren y todo ello coronado por la cúpula.
La planta es toda ella movimiento. Es un edificio bastante pequeño, pero constituye
uno de los iconos de la arquitectura utópica de la época.

• Edificio Mosse, Berlín. 1921-1923

Hace unos edificios que van a tener una enorme influencia en la arquitectura de
las siguientes épocas. Edificios en los que prescinde de cualquier ornamentación,
pero sin embargo resultan enormemente expresivos gracias al uso de largas líneas
o molduras horizontales, por ejemplo, en la esquina. Esquinas de violenta curva,
ventanas horizontales que se prolongan en las esquinas, dando una sensación de
ingravidez al edificio, y por supuesto una marcada articulación de los volúmenes.
Es un edificio construido sobre uno previo, que durante la Segunda Guerra
Mundial fue demolido y posteriormente reconstruido, por lo tanto, podemos
contar tres fases dentro de este mismo proyecto.

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 • Almacenes Schoken, Stuttgart. 1926-1927

Construidos en Stuttgart, utiliza líneas curvas que emanan de sus dibujos. La esquina
está tratada de una manera muy expresiva. Las curvas nos muestran el juego de líneas.
Por supuesto es una arquitectura para ser vista de noche. Su edificio al ser iluminado
por la noche adquiere su máximo esplendor. En él hay influencia constructivista. Toda
la arquitectura basada en la tecnología también está aquí presente. La escalera se sitúa
en la esquina y se hace muy expresiva induciendo el movimiento.

• Cine Universum, Berlín. 1926-1928

Es un especialista en hacer cisnes. Es el más influyente constructor de cines en esta época, el cine es un
elemento que adquiere gran importancia cultural en esta época en Alemania. La ventana corrida como suele ser
habitual en él. Recorriendo la fachada, las molduras, grandes letras en la fachada, y un juego de volúmenes muy
dinámico. El conjunto se forma a partir de una serie de formas geométricas básicas. En los vestíbulos las mismas
molduras y la misma desornamentación están presente en los interiores, pero además el juego de luz.

Hans Scharoun (1893-1972)

Integrado en grupos como la cadena de cristal, inicia su carrera realizando una serie de dibujos oníricos en la que
se reflejan la estética del expresionismo.

• Villa Schminke, Löbau

Se ven el uso de la curva para dar una impresión de

movimiento, dinamismo. Los voladizos de la casa no
coinciden en planta, son planos con distinta forma. No
deja de lado la parte funcional de la vivienda.
La planta baja tiene forma de Z. el dilema de esta casa era
hacia donde abrir las vistas de la casa. Se opta por colocar
ventanas a ambos lados del salón. Encontramos un
volumen transversal el salón, el vestíbulo. Al otro lado del
salón encontramos un invernadero, se emplea el vidrio.
En planta primera ubica las habitaciones teniendo en
cuenta de nuevo tanto la funcionalidad de los espacios
como el expresionismo.

Uno de sus primeros encargos, fueron las viviendas unifamiliares y la vivienda

social, representativas en el periodo de entreguerras. Destacando del primer tipo
esta. Se dan grandes voladizos con los balcones que no coinciden verticalmente,
el uso de la curva en las esquinas.

En la planta baja, se ve que es en forma de Z aproximadamente, genera un salón

que es una pastilla transversal, y luego los dos extremos que se abren hacia el
sur, donde estaba la empresa de los dueños y el sol, donde se da un invernadero,
con un gran uso del vidrio. Y el norte, hacia las vistas, donde se da el comedor, la
cocina, y una zona de juego para los niños, además, las oblicuidades venían
dadas por el terreno.

En planta primera integra los dormitorios en línea, muy compactos, con una
distribución racional y austera, sin dejar de lado la funcionalidad. También, un
gran voladizo.

En el interior, se da un gran uso del vidrio, también se usa la iluminación

eléctrica, e incluso se tratan los tiradores de un armario, con una estética
expresionista. En el jardín se da una escalera náutica que comunica las terrazas.

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 • Los funerales de Oscar Panizza y Metrópolis Georg Grosz

Cuadros donde se muestran la sobrepoblación alemana, como si fueran una especie de infierno insalubre, donde
la gente no tiene ni identidad propia. También se daban caricaturas y fotografías de los patios de manzanas,
donde los edificios crecían en cualquier espacio que quedaba libre. Se dio una masificación totalmente
descontrolada, ya que los edificios se levantaban sin orden debido a la demanda de viviendas. Este fenómeno se
llama mietskaserne, que son estos edificios que crecían en los patios de manzana.

Esta situación, no puede sostenerse, por lo que el gobierno llama a los arquitectos alemanes para intervenir,
construyéndose asentamientos de viviendas sociales a las afueras de las grandes ciudades alemanas, llamadas
de siedlungen (plural), o siedlung (singular). Todo esto, gracias a la red de ferrocarril. Son grandes desarrollos de
viviendas sociales promovidas por empresas o por los gobiernos socialistas.

De las mietkaserne a las siedlungen

El problema de la vivienda es un problema típico de las ciudades que experimentan un gran desarrollo industrial,
las pésimas condiciones en las que se encuentran los obreros, hace que los arquitectos y urbanistas empiecen a
plantear soluciones para este problema como ya vimos en Viena. En Alemania se realizan numerosas críticas a
como se encontraba la sociedad obrera.

• Mietkaserne

Es la vivienda obrera típica hasta el momento, las condiciones en las que se encontraban los habitantes eran
pésimas, en numerosas caricaturas de la época vemos como se manifiesta la angustia de los habitantes de estas
construcciones en masa, entre ellas apenas había espacios públicos, las condiciones de salubridad eran
pésimas en estos barrios. En los bloques de viviendas la ventilación no estaba garantizada y tan solo algunas
pocas ventilaban hacia patios.

Esta situación hace reaccionar a algunos sociólogos de la época como G.

Simmel, su mirada se enfocó en la ciudad, trato de comprenderla desde la
sociología, como eran los cambios en éstas y no solo en tamaño, en sus textos
se cuestiona las diferencias de la ciudad medieval y la ciudad contemporánea y
como han sucedido los cambios a lo largo de la historia, llega a la conclusión de
que el cambio se basa en los estímulos de las personas que transcurren por la
ciudad, en las grandes metrópolis aparece una gran masificación y pérdidas de
señas de identidad que pueden verse en ciudades más pequeñas. Ante estos
problemas de masificación y desorientación, aparecen en la ciudades guías de
mapas o incluso como sucede en Berlín, aparecen los primeros semáforos, o
pasos de cebra.

Siedlungen
El problema de la vivienda es el que hay que resolver, aquí numerosos arquitectos inician sus planteamientos de
las condiciones del habitante. En Alemania se opta por una opción opuesta a la vienesa, la cultura alemana opta
por un modelo disperso y emparentado más con la idea de ciudad jardín, estas viviendas se desarrollan a partir
de 1925, cuando Alemania empieza a recuperarse tras su derrota en la Guerra y fruto de esa recuperación se
empiezan a construir nuevas viviendas sociales. Estas viviendas tienen las siguientes características:

• Se pone en marcha los avances tecnológicos en materia constructiva, así como en la misma maquinaria
que coge el modelo de una cadena de montaje de fábrica para hacer más corto el periodo de
elaboración. Así como se potencia la idea de lo prefabricado, elementos que se crean en taller y se
montan directamente en obra simplemente uniendo. La vivienda social se va a convertir en un campo de
experimentación de nuevas técnicas, la idea de montar en seco y ensamblando. Esto es totalmente
opuesto como ya vimos en Viena donde se opta por un sistema más tradicional, en Alemania la obsesión
es realizar la obra en el menor tiempo posible.

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 • “Existernminimium”, otro tema a tratar es cuales son las dimensiones de la vivienda mínima que
garantiza unas condiciones decentes y dignas de habitabilidad, esto es un tema debatido ya en el II CIAM
• El exhaustivo trabajo sobre las plantas de las viviendas, intentar reducir hasta lo máximo posible el
espacio de habitabilidad, los pasillos y vestíbulos en estas viviendas van a ser suprimidos al
considerarse innecesarios.

La cuestión de la vivienda – Siedlungen

Contexto q se vivía en las grandes ciudades. Las ciudades alemanas no habían crecido tanto como para albergar
a todas las personas que se mudaban a la ciudad en busca de trabajo. Esta masividad se refleja en cuadros como
“Los Funerales de Oscar Panizza”, “El Estrepito de la calle” o en revistas como “ Simplicissimus”.

En las manzanas se empezaron a levantar bloques de viviendas por la gran demanda. Esto limitaba la circulación
la ventilación y ofrecía una calidad de vida pésima.

Se construyen asentamientos de viviendas sociales a las afueras de la ciudad, conocidos como “Siedlungen”.
Son grandes desarrollos de vivienda social promovidas por el propio gobierno o por empresas. Características:

- Se apoyan en la red de ferrocarriles para facilitar el traslado a la ciudad.

- Se trata también de viviendas de densidad media. Esto se consigue combinando edificios en bloque de
3-4 plantas y viviendas unifamiliares con jardín.
- Existenzminimun consiste en lo mínimo que se necesita para vivir. CIAM (Congresos Internacionales de
Arquitectura Moderna). En estos congresos se asientan las bases de esta nueva arquitectura. Plantas
compactas, sin pasillos.
- Industrialización de la construcción. Esto no termina de cuajar. Encontramos la construcción en seco,
como paredes prefabricadas. No se busca la estética sino la funcionalidad y la economía. Tenemos el
ejemplo de la “Cocina Frankfurt”.
- Equipamientos colectivos. Todas las siedlungen cuentan con lavanderías, bibliotecas, espacios verdes,
etc. Incluso la luz, la electricidad se estudian a fondo para una mayor funcionalidad.
- Nuevo lenguaje arquitectónico.
• Siedlung Römerstadt, Frankfurt.

El desarrollo urbano que experimenta Frankfurt se debe al compromiso y preocupación de sus alcaldes y a las
intervenciones de los arquitectos y urbanistas. Durante un periodo de tiempo, Frankfurt había acumulado gran
cantidad de suelo público, por lo que un desarrollo urbano no llevaba a cabo procesos de expropiación como ya
vimos anteriormente. Las colonias de Siedlungen se desarrollan en torno al centro histórico de Frankfurt y se
conecta mediante vías de tranvía.

En esta ciudad se sigue tratando de aplicar el concepto del menor espacio

posible para garantizar unas funciones básicas. Este concepto se aplica
también en las cocinas que diseño la arquitecta Grete Schütte, que las realiza
como un lugar de trabajo racional.

En este caso se hace un guiño a la historia, ya que el barrio se sitúa sobre un

antiguo campamento romano, y para ello coloca torres que actúan como
mirador de toda la ciudad. Respecto al resto, los planteamientos urbanos son
iguales.

Sus características fundamentales son la importancia de la red de ferrocarril y de tranvías, que estaba siendo
instalada en toda el área metropolitana para su ubicación. Así los empresarios podían comprar el suelo barato, y
con el sistema de transporte, proporcionarles a los ciudadanos un sistema de comunicación con la ciudad.

Otra característica es que se trata de un modelo de densidad media, frente a esos super bloques de vivienda con
patio interior que existían en Alemania, y que se estaban renovando en Viena. Esta densidad media se va a
conseguir combinando edificios en bloque de 3 o 4 plantas, y viviendas unifamiliares de dos plantas con jardín.
Se van a insertar en grandes zonas verdes, rodeadas de servicios colectivos.

68
La tercera característica es el concepto de existenzminimum, o la célula minina de habitabilidad, que surge de
las reuniones de los congresos CIAM, que son las siglas de congresos internacionales de arquitectura moderna.
Siendo en Alemania fundamental, buscándose diseñar viviendas mínimas, eliminándose lo que no sea
estrictamente necesario para vivir con unas condiciones mínimas. Lo que culmina en una especie de planta en la
que los pasillos casi desaparecen, se mejora la iluminación natural y la ventilación.

Otro punto, es la industrialización de la construcción, combinando la racionalización y la industrialización en el

mundo de la construcción, por ejemplo, se va a experimentar con el modelo de montaje en cadena, también se
experimenta con la prefabricación y la experimentación en seco. Todo esto supone un paso para la mejora de la
construcción.

La industrialización también afecta al mobiliario, no buscando la estética, sino la funcionalidad y economía,

como por ejemplo la cocina Frankfurt, diseñada por la arquitecta Grete Schütte- Lihotzky, siendo una cocina
modular, estudiada al milímetro, reduciendo el consumo de energía, los desplazamientos, con tonos verdes y
azulados y cajones de aluminio, encimeras de madera y tabla de planchar que se ocultaba.

La sexta característica, es su nuevo carácter arquitectónico, que es la nueva objetividad, donde no se da

referencia a formas de expresión que habían sido vanguardia años antes, o a movimientos que ya estaban
llegando a su fin. Se da un lenguaje basado en formas geométricas sencillas, superficies sencillas sin
decoración, donde el blanco va a primar por encima de los demás colores, con cubiertas planas transitables en
la mayoría de los casos, y donde la decoración se proyecta en elementos secundarios como los balcones o
marquesinas.

o Siedlungen en Berlín, Martín Wagner

Diseñando o supervisando todos los proyectos que se presenten hasta 1933 aproximadamente, colaborando con
arquitectos como Bruno Taut. Entre todos estos arquitectos, van a crear siedlungen de gran calidad.

La más antigua, es la ciudad jardín de Falkenberg, de Bruno Taut y Heinrich Tessenow, donde prima la
funcionalidad y la economía. Taut diseña viviendas sociales que cumplen las condiciones mínimas con gran
solvencia, siendo el único recurso expresivo que utiliza el color.

Otra siedlung es ‘’La cabaña del tío Tom’’, posterior a la primera guerra mundial, donde también se ve la
combinación de tipologías, que en conjunto da una densidad media. Se ve además la proporción de espacio libre
comunitario, con ninguna pretensión de monumentalidad. Las viviendas que diseña Bruno Taut son las
unifamiliares, con sus huertos propios. Otra siedlungen es la ciudad residencial de Carl Legien.

La más importante, será la siedlung Britz, o la herradura, por su bloque central en esta forma, que acumula agua
en el centro con un largo, realizada en Berlín por Bruno Taut y Martin Wagner con Leberecht Migge, donde se
vuelve a ver la relación de las viviendas unifamiliares con sus huertos, debido a la dificultad de conseguir
alimentos, combinadas otra vez con los bloques. Las plantas de las viviendas unifamiliares son muy compactas,
donde no se ven caprichos ni excesos, son totalmente racionalizadas.

Otra de la más conocida es la siedlung Siemensstadt, por Hans Scharoun, ubicada al norte de Berlín, siendo esta
un punto de inflexión de la vivienda social, dando mayor importancia al bloque, hasta imponerse sobre la
vivienda unifamiliar. Puede destacarse el edificio conocido como el acorazado, en el acceso. Se da una fachada
donde predomina la nueva objetividad, cubiertas planas y el color blanco. Donde se da el uso de la curva en las
terrazas.

Los bloques que realiza Hugo Häring en esta siedlung, tienen una planta muy compacta, sin superficies casi de
circulación. También hay que destacar los edificios que realiza Walter Gropius, con unos edificios mucho más
rectilíneos y sobrios, con ventanas horizontales y planos rectos.

• Siedlung Britz, Berlín

El conjunto tiene forma de herradura o de imán, este barrio se ha rehabilitado en los años 80, por lo que las
viviendas y los espacios públicos siguen manteniéndose. Pero lo que vemos es que es un hábitat más disperso

69
de casas, se asemeja a un imán atrae a las virutas del acero, las organizaciones de las calles son lineales, pero
entorno al barrio poseen cierta irregularidad. Llama la atención que todas las viviendas se organizan entorno a un
núcleo que es el “corazón” del barrio, que normalmente suele ser un espacio público alrededor del cual se
distribuyen hileras irregulares. Otro concepto interesante es el límite entre el barrio obrero y la propia ciudad,
este tipo de fronteras se elaboran para marcar el tránsito entre la ciudad y el propio barrio. Las cajas de escalera
de las viviendas también se reorganizan en función de los espacios a los que sirva. Todos los espacios verdes, los
jardines y espacios públicos son objeto de un cuidado diseño, que normalmente corren a mano de paisajistas
prestigiosos como Leberecht Migge.

Se caracteriza por un edificio con forma de herradura cuyo centro acumula el agua en forma de lago. El arquitecto
explica que se basa en la topografía de la zona para esa forma tan peculiar. Las casas son de 79-89 m2, a pesar
de ser algo más grandes, siguen siendo más funcionales y racionales.

• Siedlung Siemensstadt, Berlín

Hans Scharoun es el proyectista. Es un conjunto de viviendas de alquiler abierto a todo el mundo, cualquier
persona podía vivir aquí, estaba próximo a una línea férrea y a la fábrica de Siemens. La entrada al conjunto es
mediante dos bloques de viviendas abiertos al acceso del público, tras acceder al interior se percibe una larga
hilera de viviendas concebidas como el límite con la ciudad. El tratamiento que se le da a las fachadas, es
puramente moderno y escaso de ornamento, de color blanco.

La urbanización cuenta con una central térmica que producía agua caliente para el consumo y para la
calefacción, esto es algo novedoso ya que el tema de introducir agua caliente en las viviendas no estaba muy
elaborado hasta el momento, otra cosa interesante es la proximidad a la zona de las lavadoras, pues el hecho de
ir a lavar la ropa va a pasar a ser un punto de encuentro social.

En este barrio aparecen las hileras colocadas de manera perpendicular a la vía principal, y es que un tema muy
tratado es la disposición de las fachadas respecto a la calle, de esta manera se evita el concepto de que la
fachada sea un elemento continuo que acote el espacio de la calle.

Un bloque que llama mucho la atención es el diseñado por Hugo Horing, el arquitecto en este caso hace de la
necesidad una virtud y coloca un balcón con forma de riñón, para que entrase la luz y garantizar una buena
ventilación en el interior, el balcón es un elemento que hasta ahora solo estaba a disposición de las clases más
adineradas. Estos balcones se manifiestan en la fachada y reflejan algo más que una cuestión estética. Otros
arquitectos como Gropius también llegan a construir aquí algún bloque de viviendas.

• Siedlung Niederrad, Frankfurt am Main

En este conjunto de viviendas cabe destacar que en el interior albergaba una

plaza pública y que la orientación de las fachadas no estaba alineada con la
calle, sino que tenían cierta inclinación para aprovechar el soleamiento. Las
viviendas eran dos dúplex de dos plantas cada una, por tanto, tenemos cuatro
plantas en un mismo edificio, el de abajo poseía un huerto o jardín propio
mientras que el de arriba poseía una terraza.

• Siedlung Weissenhof, Stuttgart

En esta ciudad se realizó una exposición del mismo carácter que la de Colonia, en
la colina de Weissenhof se invita a que un grupo selecto de arquitectos
destacados construyan una casa en esta colonia. Dicha exposición es muy
criticada y caricaturizada al ser una representación no muy acorde con el gusto de
los asistentes, arquitectos como Mies o Le Corbusier llegan a realizar aquí
proyectos de vivienda.

Algo racionalista, usa la curva tanto en planta como en el volumen. Con la curva consigue una impresión de
dinamismo. Une la funcionalidad con el expresionismo en equilibrio. Una de las curvas se encuentra en la
escalera y otra en una ventana del salón que da una sensación de unión entre el salón y el jardín.

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 • Siedlung La Cabaña del Tío Tom, Berlín

Se encuentra próximo a las paradas de las líneas

de metro del suroeste de Berlín, este núcleo se
convierte en el corazón del barrio, es símbolo de
la movilidad de las metrópolis debido a los
avances que éstas habían sufrido. Por lo demás el
planteamiento es como en el caso de los
anteriores barrios respecto a la ordenación por
hileras y como se van organizando entorno al
“corazón” del Siedlungen.

Bruno TAUT y otros. Vemos la proporción de

espacio libre, comunitario. Organización racional.
Superficies lisas, cubiertas planas.

• Siedlungen del Nazismo (Keulenberg y Steterburg)

No aceptaban las nuevas ideas de vivienda. La tachaban de extranjera.

Agrupaciones de viviendas con cubiertas inclinadas, materiales tradicionales, contraventanas de madera, con
chimeneas, buhardillas, interiores clásicos, etc.
Sus destinatarios no van a ser obreros sino agricultores para trabajar la tierra.
Un estilo que recupere la seña de identidad nacional con cubiertas inclinadas, materiales tradicionales, como la
madera. Arquitectura totalmente de la tradición alemana. También se van a dar huertos, pero se plantean para
colonizar territorios lejanos a las ciudades, por lo tanto, sus destinatarios son agricultores.

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72
 TEMA 9: La Bauhaus, de Gropius a Mies van der Rohe
Walter Gropius
Walter Gropius nació en el seno de una familia acomodada y de varios arquitectos. Empezó sus estudios en
Múnich en 1903, los siguió en Berlín, pero los abandonó en 1907 con una carta de colaboración para entrar en el
estudio de Peter Berherens donde conocerá también a Mies Van der Rohe. Después de unos años de aprendizaje
y sacarse el título, abre su estudio con Adolf Meyer. Es un arquitecto que durante 8 años dirige la Bauhaus,
aunque durante el resto de su vida de arquitecto hace edificios tanto en Alemania como en EEUU tras su exilio. Le
ocurre como a Mies y a Corbusier, pues en estos tres podemos ver el cambio de una modernidad inicial a una
modernidad más desarrollada al vivir una vida muy longeva antes, durante y después de la guerra.

• Fábrica Fagus, con Adolf Meyer. 1910-1911

Se trata de una fábrica de zapatos, en la que Gropius da un paso más

que Beherens. Es un edificio que da un paso a la modernidad, y que no
solo cumple los requisitos del cliente como la luz o el espacio, sino que
es un auténtico hito hacia el modernismo. Rompe con la simetría y
hace un edificio que se descompone en volúmenes. Anula la
monumentalidad hasta el punto de que tiene la idea de llevar las
cristaleras hasta las esquinas del edificio anulando la sensación de
gravidez puesto que la esquina siempre tenía un pilar. Se hace la
fachada con muros cortina de vidrio que sobresale del muro a modo de
cortinas que aprovechan la luz al máximo. Como resultado se obtiene
un edificio de gran sobriedad y racionalismo.

• Fábrica tipo. Exposición Deutsche Werkbund, Colonia. 1914

Ejemplo de la nueva objetividad que se anuncia durante estos momentos. Se da un uso innovador del vidrio, que
queda concentrado en los cuerpos de escalera laterales, que enmarcan la fachada ciega y estriada.

Detrás de la primera crujía hay un patio interior de operaciones, y

más tarde, las naves de trabajo. La fachada trasera, anuncia la
arquitectura que se va a producir de manera inminente. Los
cuerpos de escalera vuelven curvados al llegar al límite superior,
teniendo por tanto curvatura en sentido horizontal y vertical. Las
escaleras son en voladizo, alrededor de un núcleo central de
hormigón armado.

También se ve una reinterpretación de la arquitectura clásica, como el perfil triangular, siendo una estructura
continua que se evidencia en el interior, sugiriendo conexión con los templos de la antigüedad.

Bauhaus Expresionista. Inicios

En 1919 se quiere recuperar una antigua escuela de arte que existía en la ciudad Weimar antes de la Guerra
fundada por Van de Velde. Al estallar la Primera Guerra Mundial, Van de Velde tuvo que marcharse por su
condición belga, al terminar esta se decide que hubiese una nueva escuela asi, aprovechando los antiguos
edificios, se llamó a Gropius para dirigir la nueva escuela de arte. A esto se le llamó la BAUHAUS. La Bauhaus
tiene una vida muy breve de 14 años, los que van desde su fundación hasta su cierre por los nazis en 1933.
Durante esos 14 años, la bauhaus se convierte en un microcosmos donde se puede investigar sobre el arte. En
ese periodo se dan dos Bauhaus distintas:

73
 Primera Bauhaus
Una primera Bauhaus durante 4 o 5 años (1919-1923) influida totalmente por el expresionismo. A partir de 1923 y
hasta 1933, los delirios expresionistas quedan abandonados y aparece una nueva Bauhaus más tecnológica y
ligada al mundo de la máquina, y de la racionalidad.

Así a la Bauhaus como microcosmos, le ocurre lo mismo que al resto del País alemán. Durante estos años la
Bauhaus pasa por varias sedes diferentes, primero por Weimar, después en Dessau y finalmente en Berlín. La
primera Bauhaus tiene un plan de estudios bastante peculiar. No se estudiaba arquitectura o por lo menos hasta
1928 no tiene ninguna asignatura relacionada con ella. Se pretende con ella partir absolutamente de 0 tras la
Guerra. Lo que hace la Bauhaus es desenseñar todo lo que tenían aprendido y enseñarles una nueva relación con
el mundo aprendiendo las nuevas formas, los colores, los materiales. A partir de ese curso preliminar los
estudiantes elegían un taller. El plan de estudios contaba con talleres de metal, madera, muebles, pinturas,
textil… Todos estos talleres tenían una dirección doble: un artista y un artesano. Johannes Itten, suizo encargado
del curso preliminar era el que les enseñaba a los estudiantes su primer contacto con las formas. En sus clases
se descomponían cuadros del siglo XV haciendo un análisis de formas. Esta primera Bauhaus estaba limitada
económicamente pues nos encontramos en un periodo de posguerra y entonces un ejercicio que se hacía
habitualmente era enviar a los alumnos al vertedero para que fomentasen su creatividad con los objetos que
encontraban; así experimentaban la naturaleza de los materiales. En estos momentos también Gropius realiza
obras en las cuales se ayuda de los talleres de la Bauhaus. Un ejemplo son las dos siguientes obras.

• Escuela de Artes y Oficios de Weimar (primera sede). 1919-1925

Primeramente, se les daba un taller de iniciación de seis meses,

donde al pasar este periodo, los estudiantes se inscribían en los
talleres que les llamaban la atención. Estos talleres siempre eran
llevados por un artista y un artesano.

Una de las figuras que más relevancia que tomara en estos

momentos fue Johannes Itten, un profesor de dibujo, que alentaba a
los estudiantes a hacer collages y a dibujar. A esta plantilla docente,
poco a poco se unen más profesores, como Paul Klee o Wassily
Kandinsky.

• Casa Sommerfeld, Berlín. 1921

Se parece a una cabaña primitiva construida con madera de un barco naufragado

comprado por el cliente. El resultado es una casa que evoca temas ancestrales muy
folclores, bien alejadas del mundo tecnológico. Que será una casa muy marcada por
el expresionismo de moda del momento, con formas angulosas, de madera, planta
paladiana en su simetría, aunque en su estética es distinta. Muchos de los detalles
fueron realizados por sus alumnos para darles oportunidades de trabajo. Al taller de
textil encarga una cortina con diseños expresionistas.

• Despacho del director de la Bauhaus

Donde destaca la lámpara con tubos de neón lo que se acerca más al mundo tecnológico, y a la transición entre
la primera Bauhaus y la segunda. Los temas importantes de la primera Bauhaus son los temas referentes a la vida
cotidiana. La escuela era un lugar de comunidad donde no solo se trataban temas artísticos, sino que se
planteaba una forma de convivencia y un nuevo modo de vida muy alternativo y poco convencional. Era un lugar
donde las fiestas tenían un papel importante en las que se trataba de realizar un verdadero mundo artístico. Un
giro importante tiene lugar en 1923 cuando se decide hacer una exposición con los productos de la escuela algo
que reclama el propio Ayuntamiento de la ciudad de Weimar. En ella se muestra todo lo que se realiza en la
Bauhaus. En ella enseñan la:

74
 Theo Van Doesburg
La llegada de este arquitecto a la escuela hace que Itten abandone y dimita como profesor. Llegando por tanto a
la Bauhaus funcionalista, donde se reestructura el plan de estudios para orientar toda la formación de los
estudiantes con la conexión con la industria.

En el ámbito estético se aleja del expresionismo y se acerca a Jugendstil o las vanguardias rusas, pero sobre todo
de la función, conocida como nueva objetividad

Segunda Bauhaus. Funcionalista. 1922-1933

Itten fue despedido y los mundos del delirio se abandonan. Llegamos a una Bauhaus destinada a la racionalidad
en la que cobran importancia los trabajos tipográficos como los que hizo Joost Schmidt, que llegó a hacer una
tipografía matemáticamente controlada. También destaca el trabajo textil de Gunta Stolzl. Un personaje clave
que aparece en estos momentos es el húngaro Laszlo Moholy-Nagy que es un gran especialista en el metal,
estudió mucho la luz. Es también uno de los grandes fotógrafos del momento, creador de fotomontajes, es el
único que se atrevió a meterse un poco en el cine, ya que la Bauhaus rehuía de él. Oskar Schlemmer es el autor
del segundo sello de la Bauhaus, pasando a la historia de ser el creador del ballet trialico de la Bauhaus, un ballet
especial donde los bailarines se vestían con formas geométricas y sus movimientos se limitaban a éstas. En 1925
se suprimen los créditos de la Bauhaus y se decide cerrar la institución en Weimar. En la ciudad de Dessau muy
avanzada se instaura la nueva Bauhaus.

• Casa modelo Haus an Horn. 1923

Por Muche y Meyer, formada por un paralelepípedo con un salón a doble

altura en el centro y habitaciones alrededor. La planta tiene un precedente
claro: las casas romanas con patio central, se trata de un modelo de más
de 2000 años de antigüedad. Los arquitectos modernos también
dependen de la historia. La casa fue decorada por los talleres de la
Bauhaus. A partir de esta exposición se marca un antes y un después.

Casa realizada para mostrar públicamente el trabajo que se realiza en la escuela, donde se realiza la exposición
para la cual se construye esta casa modelo. Diseñada íntegramente por los talleres de la Bauhaus, se ve una
construcción basada en la construcción en serie. La edificación es totalmente geométrica, de planta cuadrada,
con un volumen central de mayor altura, que es un salón, y se ilumina por ventanas altas. Entorno a ese salón se
distribuyen las distintas habitaciones de la vivienda.

En su exterior es completamente blanca con superficies lisas y rectas, donde se recortan unos huecos. En el
interior el mobiliario es austero, diseñado para ser producido en serie, también se ven las lámparas sin pantalla,
muebles sin molduras o radiadores vistos.

• Edificio de la Bauhaus en Dessau. 1925-1926

Un edificio complejo que alberga varias funciones. Gropius decide hacer extensibles las distintas funciones del
edifico sin enmascararlas en la piel de un edificio unitario. Se trata de un edificio que se plantea en una línea
quebrada. Es un proyecto que exhibe las distintas partes que lo componen. Está compuesto de tres grandes
bloques unidos por dos puentes, similar al Museo del Prado, aunque sus líneas no están quebradas. Los tres
bloques son respectivamente el bloque de talleres, el bloque de docencia, y el bloque de residencia de los
estudiantes. El primer puente es elevado donde encontramos el gobierno de la escuela y el otro a nivel del suelo
que sirve de transición entre la docencia y la residencia, corazón de la escuela, ahí encontramos el salón de
actos y el comedor. El bloque de docencia es completamente acristalado donde la estructura se tranquea; el
cuerpo de aulas y de administración tienen unas ventanas convencionales; y el bloque de residencia es un
bloque de apartamentos. En conjunto, el edificio no solo sirve para albergar la escuela, la misma estructura es un
manifiesto de la arquitectura. Los apartamentos eran mínimos y en ellos se refleja la obsesión por el sol con los
balcones de hormigón y metal. El edificio fue restaurado tras la Guerra con todo detalle.

75
 • Casa de los Maestros de la Bauhaus de Dessau. 1925-1926

Obra interesante porque es una aplicación práctica de este debate del

concepto de vivienda que se puso en práctica en Frankfurt y el resto de
Alemania. Aun así, se trata de casas a un nivel más alto pues son
destinadas a profesores. Se construyen 4, una individual para el director, y
otras 3 pareadas que son excepcionales. Todas responden a la estética
pura del movimiento moderno con pintura blanca y cubiertas en terraza y
también todas ellas han sido objeto de la restauración reciente a la que se
sometió a la escuela. Cada maestro puso su casa a su gusto: Klee por
ejemplo hizo de su casa un manifiesto de diferentes pruebas de color por
todas partes.

También es interesante la construcción de DESSAU-TÖRTEN y de otros proyectos como el TEATRO TOTAL

encargado por Erwin Piscator. Este teatro con un escenario móvil que no fue construido.

• Siedlung Dessau-Törten. 1926-1928

Gropius, tiene por primera vez, la oportunidad de poner en práctica sus ideas de construcción
racionalizada, encargada por el mismo ayuntamiento de Dessau, proyectando la siedlung con
grandes parcelas individuales, con huertos para el cultivo y autoconsumo de los habitantes.

Viviendas adosadas de dos plantas, con una serie de equipamientos comunitarios en la zona
central, que son un centro social y un mercado. Con una densidad más baja que la mayoría
de las siedlungen. Prima la fabricación, con una estructura de muros de carga de bloques de
hormigón, y forjados con vigas de hormigón, y varios de sus elementos van a ser
prefabricados en obra.

Las viviendas en planta tienen algunos desplazamientos para producir ensanchamientos y espacios de
encuentro, favoreciendo así la orientación. También se da uso del color. Otros tipos de viviendas presentan dos
crujías desfasadas, lo que sirve para ver la concentración de circulaciones, resueltos, concentrándolos en un
mínimo distribuidor desde le cual se da acceso a las demás habitaciones. Se da un gran uso del vidrio, líneas
rectas, caras y cubiertas planas… En el interior se da mobiliario sencillo, de líneas rectas, industrializable, fácil de
limpiar…

• Siedlung Dammerstock, Karlsruche. 1927

Los volúmenes se orientan en dirección norte sur, buscando que todas las viviendas tengan luz por la mañana y
por la tarde. El espacio entre las hileras viene dado por la sombra arrojada la suelo, de modo que un bloque no
tape el sol a otro.

Para acceder a cada una de las viviendas se disponen senderos peatonales, que permiten acceder a cada una de
las viviendas, buscando aislar el tráfico rodado de la vivienda, racionalizando la circulación y dejándola
racionalizada en la avenida central. Los servicios se dejaban en los márgenes.

En cuanto a la arquitectura, se sigue hablando de la nueva objetividad, con las equipaciones horizontales de
ventanas, con paños acristalados verticales en las escaleras, terrazas, cubiertas planas…

• Dos viviendas en la Weissenhof, Stuttgart. 1927

Diseña dos viviendas unifamiliares, donde se siguen viendo las mismas inquietudes, con una premisa puramente
funcional. Las casas son además modulares y semiprefabricadas. También se ve una concentración de las
circulaciones en un espacio central.

El lenguaje sigue siendo el de la nueva objetividad, donde se coloca una marquesina de delgados pilares
metálicos en el acceso, y se hace uso del color, para dotar de mayor dinamismo visual a las composiciones. Los
interiores, también son muebles producidos en serie .

76
 • Siedlung Siemensstaddt, Berlín. 1929-1930

Realiza un bloque donde destaca el espacio de la terraza como lugar de relación en la vivienda y entre vecinos.
Edificio sobrio y austero, pero utilizando el paño de vidrio, dejando retrasado el forjado, o la agrupación horizontal
de varias ventanas.

• Oficina Municipal de Empleo, Dessau. 1929

Edificio muy frecuentado cuando llega a Alemania la crisis de 29.

Gropius plantea como clave del proyecto el hecho de conducir a las
personas, como canalizar el flujo de las personas. La clave del
proyecto es la circulación. Es un proyecto de galerías concéntricas
iluminadas cenitalmente, donde en los extremos se colocan las
oficinas.

Un personaje clave es Marcel Breuer que fue el gran diseñador de muebles de la Bauhaus: tanto del mueble de
acero cromado como del mueble apilable. Breuer trabajará de arquitecto en los EEUU. En 1927 Gropius dimite de
la Bauhaus y empieza entonces otro periodo interesante en la Bauhaus donde comienza a verse la arquitectura
en la escuela. Así aparecen arquitectos y urbanistas nuevos como Hilberseimer, profesor y autor de grandes
metrópolis con bloques lineales. Diseña propuestas futuristas en las que se da una gran diferenciación en la
comunicación. Fue un gran urbanista. Hannes Meyer fue el segundo director de la Bauhaus y finalmente Mies Van
der Rohe asume la responsabilidad de la escuela. Los nazis hacen de la Bauhaus su punto de mira como un
elemento anti-alemán, lleno de judíos y bolcheviques. Es por ello por lo que fue muy acosada durante los años de
Mies. La Bauhaus acaba como una escuela okupa en una fábrica antigua hasta que finalmente llega la policía y la
desaloja. Fue una manera totalmente innovadora de enseñanza de la arquitectura.

La Bauhaus de Hannes Meyer. 1928-1930

Hacia 1927, cuando Hannes Meyer entra como profesor a la Bauhaus, se crean los talleres de arquitectura, en
1928, es nombrado director de la escuela, donde orienta más si puede los postulados de la nueva objetividad,
adoptando.

Estas ideas se reflejan en el concurso para la sociedad de naciones, justificando toda la construcción por
razones científicas, persiguiendo una arquitectura determinada por condicionantes sociales, económicos y
estructurales. Durante esta época, se produce una radicalización de los talleres en la Bauhaus, produciendo
mobiliario sencillo, económico y producible en serie. Se da una orientación de la bauhaus más hacia la
producción en serie y la economía que hacia lo artesanal y bello.

En arquitectura, se estudia la eficiencia de las plantas, especialmente la orientación de los volúmenes para que
no se den sombra entre ellos, para optimizar la luz natural…Algo que se ve especialmente en la entrada y salida
de distintos profesores.

En 1930, Meyer dimitió por diferencias políticas, donde acabó mudándose a la Unión soviética, pues se fue
privando de libertad a la Bauhaus. Esta tensión culmina con la expulsión y dimisión de los alumnos y profesores
que tenían ideas de izquierdas.

Para salvar esta situación, se nombra de director a Mies Van der Rohe, pues no se había pronunciado nunca
acerca de sus ideas políticas, dejando clara su neutralidad política y buscando salvar la escuela, aceptando la
necesidad de seguir buscando la economía y objetividad, pero considera que tampoco debe de llegar al extremo,
pues no deben de ser los fines últimos del a arquitectura.

77
 La Bauhaus de Mies van der Rohe. 1930-1933
Es el arquitecto cuya estética más peso ha tenido en los años XX y que aun todavía hoy sigue siendo el arquitecto
de referencia para muchos arquitectos. Era hijo de un cantero y albañil que desde muy joven tuvo que ejercer
distintos oficios para pagarse sus estudios dado que su padre no podía. En 1905 se instala en Berlín y tres años
después es contratado como ayudante por Peter Beherens, que le aconsejó que prestara atención a Schinkel, el
gran arquitecto neoclásico.

Le ocurre lo mismo que a Gropius y que a Le Corbusier, son arquitectos importantes porque no permanecen
anclados a unas formas definidas en su juventud, se reinventan continuamente, su trayectoria es fácilmente
identificable. Él mismo a lo largo de su vida se va dando diferentes respuestas a sus obras. Un arquitecto muy en
contacto con las corrientes artísticas de su tiempo, a Mies le apasiona el clasicismo, la arquitectura clásica, para
Mies el clasicismo es una lección de orden y claridad, le ofrece lo que él entendía como un buen ejemplo de
orden y equilibrio. La arquitectura debe de ser ante todo un buen conocimiento de la construcción, reniega de un
sistema en el que primero se piensa y luego se diseña la estructura, le interesa la arquitectura griega porque en
ellos encuentra lo que va buscando, es el resultado de un análisis constructivo, su propuesta nunca será producir
directamente la arquitectura clásica, sino que aprenderá las lecciones del clasicismo, por eso se dice que Mies
es un arquitecto que representa la idea de orden, el orden como exigencia primera de la arquitectura, a Mies le
fascina Schinkel, que ya había realizado una reducción del clasicismo, se realizan operaciones de simplificación
del clasicismo, extraer las lecciones básicas del clasicismo.

• Rascacielos en Friedrichstrasse, Berlín. 1921

También da uso al vidrio, en los rascacielos en Friedrichstrasse en Berlín, donde da una

utilización sincera del material. Mies considera que no tiene sentido que los
rascacielos se cierren con superficies macizas y opacas, cree que la impresión que se
genera es contradictoria. Por lo tanto, utiliza el vidrio, dándose cuenta de que no puede
diseñar edificios de vidrio como si fueran opacos, pues debe de tener en cuenta las
sombras, la luz y los reflejos.

Uno de los rascacielos, tiene una planta formada por tres prismas angulosos, unidos
en el centro, con un patio central, donde se da la concentración de la circulación. La
otra forma que explora es el vidrio en superficies curvas, con formas curvadas,
cóncavas, convexas, que le sirve para explorar la luz en estas formas.

Las características que definen la arquitectura de Mies es su relación con el clasicismo, intentando traducir los
valores a la arquitectura de su tiempo, proporcionando orden y quedándose con lo esencial. El segundo tema, es
la distancia con el funcionalismo puro. Otra tercera idea, es el respeto por las técnicas constructivas, para él es
una aberración pensar en una forma y luego en cómo se construye, para él sus proyectos nacen de cómo se
construyen.

Reflejo de la etapa expresionista, este proyecto no se construye, pero forma parte de su inconsciente, es un
rascacielos visionario de la época al no poder construirse con la técnica constructiva conocida, se convierte en
un proyecto visionario que queda ahí, unos 40 años más tarde reaparece este proyecto en alguno de sus
rascacielos norteamericanos.

• Proyecto para edificio de oficinas de hormigón. 1923

Abandona esa especie de arquitectura, para acercarse a una más

racional, un proyecto no construido que forma esa parte de
edificios de oficinas. Es un edificio de sencillez en el que la técnica
constructiva es muy avanzada, la clave es la propia construcción en
la prolongación del forjado como pretil en las plantas.

78
 • Casa Kröller-Müller, Otterlo. 1912

Un proyecto de 1912 para el que mies realizo una maqueta 1:1

donde se puede ver la idea de los volúmenes, este proyecto no
lo realizó él, pero Van de Velde será el encargado de ejecutarlo,
lo construye en un lugar de Holanda.

• Proyecto para casa campo en ladrillo. 1924

Para el, el ladrillo es un material perfectamente digno, siendo una

volumetría que se extiende en todas las direcciones. Espacio fluido
que anuncia las novedades, arquitectura en alzado que se despliega
en el horizonte.

• Casa Wolf, Guben. 1925-1927

Proyecto construido, donde se ve una planta articulada que se extiende en distintas

alas, y donde se busca disolver el volumen en la parcela, aunque menos radical que los
proyectos teóricos.

Se encuentra en una pendiente ajardinada, siguiendo una estética de fusión con el

entorno. La lógica constructiva viene dada por el uso del ladrillo en paredes y suelos.

• Casa Esters y Lange, Krefeld. 1927-1930

Con una planta articulada con alas que se extienden en diferentes

direcciones, con el ladrillo como material estructural y estético,
introduciendo algunos pilares metálicos, utilizando también el primero
también en las terrazas.

Enmarca vistas del entorno en encuadres, generando un contraste con la naturaleza y una arquitectura
concebida desde la naturaleza con líneas rectas.

• Edificio Weissenhof-Siedlung, Stuttgart. 1925-1927

Fue una exposición celebrada en 1927 cuyo comisario fue Mies Van der Rohe. Invitó a los que consideraron los
arquitectos más modernos de su tiempo para hacer una o varias cosas. El problema era la vivienda, la vivienda
del presente y del futuro, la vivienda de la gente que vivía cómodamente. Se construyeron 21 edificios, 63
viviendas distribuidas aquí, y participaron 16 arquitectos. El conjunto es un barrio totalmente moderno. Fue
visitada la exposición por medio millón de personas y jugó un papel fundamental en la difusión de las ideas del
Movimiento Moderno. Interviene con un bloque de cuatro plantas, es un bloque interesante debido al aspecto
constructivo y compositivo, de estructura metálica que permite que cada planta permite tratarse de manera libre
con respecto a un bloque normal, cada apartamento es un catálogo de soluciones de apartamentos, el edificio
plantea un abanico de posibilidades de organizar espacios en un apartamento.

79
 • Pabellón de Alemania, Exposición Universal de Barcelona con Lilly Reich. 1929

1929 es el año de Mies construye el pabellón alemán en la expo

de Barcelona, y la Casa Tugendath. Las dos obras realizadas casi
simultáneamente, son dos muestras de su tratamiento de la
construcción y comprensión del espacio. Es un pabellón en el
que no se mostraba nada, los productos alemanes estaban en
otro sitio en el que se enseñaban los productos alemanes. El
edificio de Mies se enseña a sí mismo, para mostrar la
arquitectura alemana del momento, Mies resume en él toda su
filosofía de la arquitectura, es un edificio que tiene algo de templo
griego, está levantado sobre un podio, sostenido por columnas,
no se entiende como una traslación, sino como una reinterpretación, un edificio colocado sobre una plataforma,
se plantea además como una idea en la que el arquitecto debe jugar con los materiales de la naturaleza y la
industria, es una meditación sobre el juego de lo natural y lo artificial. En el edificio encontramos la artificialidad
de Hormigón y Acero, elementos no naturales, son el resultado de procesos científicos y frente a estos, está la
naturalidad de los elementos de la naturaleza, el agua en los estanques y la piedra como recuerdo a los
materiales bellísimos, revestimientos de mármol o la serpentina. Mies en este edifico muestra algo esencial,
plantear una diferencia entre la estructura del edificio y la organización del espacio. Los pilares de acero cromado
no se hace nada por ocultarlos en los tabiques, pero sin ocultarlos ni confundirse, una cosa es la estructura y
otra cosa el espacio que creamos. El dentro y el fuera se ve acompañado con los voladizos de hormigón, algo
típico en Frank Lloyd Wright.

• Casa Tugendhat, Brno con Lilly Reich. 1928-1930

En Brno, la ciudad donde nace Adolf Loos es una casa para una familia
acomodada y de altísimo nivel intelectual, una casa pensada para
clientes muy excepcionales, Mies hace una casa en la que vuelcan las
ideas teóricas. La topografía está muy presente en el proyecto, lo que
hace es sacar partido de ésta para hacer una inversión de los modos
tradicionales de acceder a la casa. La planta de acceso está en el nivel
superior, donde se encuentran las habitaciones de servidumbre, bajando
la escalera se accede al espacio vividero en el que encontramos un gran
espacio dividido virtualmente por pseudo tabiques en donde vemos que la estructura de los pilares de aceros es
independiente de los pseudo tabiques. El comedor está dividido en varias partes, un espacio más próximo a la
arquitectura. Esta casa ha sufrido bastante a lo largo de la historia, albergó un destacamento ruso, y ha sido
sometida a un proceso de restauración.

• Proyectos Casas-Patio. 1931

Mies es un arquitecto que está yendo y viniendo del modelo teórico y del proyecto ejecutado. Empieza a
plantearse la traducción a la contemporaneidad de casa con patio, esa tradición antiquísima, trata de resucitarla
para el concepto de casa contemporánea, le da vueltas a cómo enganchar la idea de casa a la idea de patio, un
patio al aire libre con una naturaleza muy controlada, este concepto se ve en su obra posterior.

80
 TEMA 10: Le Corbusier
Es indudablemente el arquitecto que más ha hecho escuela. Fue pintor y sobretodo escribió muchísimo. Tiene
una de las obras más amplias de la historia de la arquitectura, construyó 75 edificios en 12 países. Elaboró 42
proyectos urbanísticos importantes. Dejó a su muerte 8000 dibujos, 400 pinturas, 44 esculturas, 27 cartones de
tapices, escribió 34 libros, que suman 7000 páginas, cientos de artículos y conferencias. Su correspondencia
privada asciende 60000 cartas.

Le Corbusier es un hombre cuadrado en su vida personal, dicen de él que desde 1924 dedicaba las mañanas a
escribir y pintar, y las tardes a la arquitectura. Y en 1952 invirtió la tendencia, por la mañana a la arquitectura y por
la tarde a pintar. Por otra parte, en 1924, abre estudio en París, y por él pasaron más de 200 arquitectos jóvenes,
muchos que fueron brillantes arquitectos. También hay que decir que era un auténtico “dictador” y que se evadió
mucho, tuvo colaboradores y ayudantes, que han quedado oscurecidos y silenciados por la historia. Era una
persona de un trato dificilísimo. Algunas opiniones sobre Le Corbusier: fue un arquitecto que pontificó mucho,
sin embargo, en un momento determinado de su vida, da un giro y cambia totalmente su punto de vista. Una
característica común con Mies: ante todo, renovación formal.

En líneas generales de Le Corbusier la primera idea general y lo más interesante del mismo es su vida tan larga
cuya grandeza le permite renovarse continuamente. La gran pregunta era cómo debía definirse el modo de
habitar del hombre del siglo XX; lo interesante de el mismo no dio una respuesta en 1910 y la fue repitiendo, sino
que fue capaz de dar varias respuestas conforme el mundo giraba a su alrededor. Por tanto, tiene dos o tres
grandes etapas en su vida. Otro punto importante a destacar: La arquitectura de Le Corbusier solo se entiende en
un continuo proceso de hibridación, de traspaso entre dos niveles, un continuo ir y venir entre cultura y
urbanismo; y el trasvase continuo entre lo arquitectónico y lo artístico. También un tercer nivel de trasvase que
encontramos continuamente que resulta entre la obra construida de la arquitectura y la obra escrita. Es el
arquitecto del siglo XX que más escribe, llegando a escribir una docena de libros de arquitectura. Con estos datos
de partida vemos algunas etapas de su obra.

Nace en La Chaux de Fonds en Suiza, aunque posteriormente rechaza su condición suiza. Estudió en una
Escuela de Arte sin formarse como arquitecto. Le Corbusier estaba destinado a ser un grabador de tapas de
relojes. En una etapa muy joven hizo una serie de villas en su pueblo.

Fase de formación

• Villa Fallet, La Chaux de Fonds, Suiza con René Chapallaz. 1905

Construida cuando Le Corbusier solo tenía 17 años, se ven coletazos del art
Nouveau, con influencias de Owen Jones. En 1907, realiza un primer viaje a
Italia, realizando muchos dibujos, ligados a su formación en la escuela de arte,
pero donde se ve un interés en la arquitectura por encima de la decoración,
siendo transcendental su alojamiento en la cartuja de Ema, en la toscana,
donde se fija en el modo de vida en comunidad que se realiza allí. En su camino,
se encuentra con grandes personajes como Tony Garnier o Josef Hoffmann, con
el cual trabaja. Además, también trabaja para August Perret o con Behrens. Pero
lo que le dio un antes y un después a su formación fue su viaje a oriente,
recorriendo Grecia, Italia, y Turquía, que le permite entrar en contacto con la
arquitectura mediterránea y el arte clásico, quedando prendado de la Acrópolis.

• Casa Dominó. 1914

Que es un proyecto que puede ser el embrión de cualquier arquitectura. Su

nombre procede de Domus – Casa en latín formada por piezas que se
combinan entre sí formando un dominó. Las casas se combinan con otras
casas formando un dominó: su continuo traspase entre arquitectura y
urbanismo. Hace justo un siglo estalla la IGM y Le Corbusier empieza a pensar
en la necesidad de reconstrucción tras la guerra. Este prototipo está pensado

81
en ese horizonte. La particularidad de esta casa es el planteamiento de la planta libre: una estructura con pilares
retranqueados de la línea de fachada lo que permite asegurar la fachada libre: una fachada liberada de las
obligaciones portantes y que se puede componer con la misma libertad con la que se compone un libro. Forjados
de losas de hormigón sostenidas por un entramado de pilares retranqueados de la fachada. Así comienza a hacer
bocetos, de conjuntos de viviendas adosadas, que nos recuerdan a lo que va a hacer Gropius unos años
después. Le Corbusier no solo está dibujando, sino que también está escribiendo.

• Villa Schwob, La Chaux de Fonds

Esta villa, en su localidad de nacimiento, que los vecinos llaman la villa

turca, llamó mucho la atención en su contexto, en su contorno. Es un
edificio marcado por la simetría, en él se han visto influencias tanto de
las casas de Pompeya. También había quedado fascinado por las casas
romanas. Una de las casas que más le habían influido en Estambul es la
Kara Mustafa, en Estambul: cuadratura de grandes ventanales, aleros,
elevación sobre pilares…etc. En el interior todo marcado por paredes
transparentes, la fluidez con que conecta los espacios…etc. Este
edificio es uno de los que entran en sus obras completas, un libro con
sus obras a partir de donde él quiere con ideas publicadas y
difundidas.

Fase de experimentación
Entrando en contacto con artistas de la vanguardia parisina, creando una nueva vanguardia de la pintura llamada
purismo, buscando la depuración máxima de todos los elementos, defendiendo un retorno al orden, con formas
geométricas simples y planos de colores puros. Fundando también una revista llamada L’Esprit Nouveau, donde
firma por primera vez como ‘’Le Corbusier’’.

• Casa Citrohan. 1920

La casa en estos momentos es para Le Corbusier una máquina de vivir. La casa Citrohan tiene de particular un
par de cosas: lo primero es que juega con dobles alturas lo que nos recuerda a Adolf Loos con su RAUMPLAN. Se
articula con un salón a doble altura donde una parte del salón queda en la doble altura y la otra no; se juega con
las alturas. Lo segundo es el uso vividero de la terraza que para Le Corbusier es algo esencial: es la prolongación
de la vivienda. La casa nunca se limita a lo que se cierra en sus cuatro paredes, parte esencial de la misma es la
atmosfera alrededor de la misma. La terraza es por tanto el elemento de unión entre la casa y el ambiente. Es por
ello por lo que la inmensa mayoría de todas las viviendas de Le Corbusier tendrán terraza plana. El tema de la
elevación sobre pilares es un tema muy concurrente en el: la idea de casa como un objeto que no se confunde
con la irregularidad del mundo. Vendrán posteriormente una serie de encargos, algunos triunfos y otros fracasos.
La casa Citrohan es concebida como un rectángulo dividió en dos cubos. El primero es un salón amplio, tanto en
las dimensiones como en altura. En el segundo cubo, que está dividido en dos plantas, coloca el comedor, la
cocina. Después hay un tercer cuerpo en el que también hay dormitorios, y sobre el cubo inicial una acequia. Es
una casa tipo, rápida, pragmática, eficaz…etc. Insiste en que hay un espacio colectivo, diáfano y otros espacios
más íntimos.

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 • Casa-taller Ozenfant, París. 1922

Se trata de un volumen compacto, con una planta irregular debido a la forma de la parcela,
donde los apoyos quedan en los extremos de la planta, pudiendo utilizar la planta con total
libertad. En cuanto a usos, una planta baja con todos los servicios, una segunda vividera, y
la última es un estudio, con una de las preocupaciones principales el brindarle luz, que se
consigue con un ventanal en ángulo y unos lucernarios con diente de sierra.

Se da una belleza purista gracias al uso de las proporciones tomado de la arquitectura

clásica y un uso de elementos geométricos puros. La escalera, inspirada en la escalera de
un barco, se realiza porque así queda mucho más pequeña en planta.

• Ville Contemporain. Ciudad para tres millones de habitantes. 1922

Proyecto teórico donde plantea un centro administrativo con rascacielos de 60

plantas, que sería un centro laico del poder económico. Se traza apoyándose en la
proporción aurea y la geometría pura, perfectamente orientada este-oeste, y con
una planta rectangular en cuyo centro están los rascacielos de 60 plantas
cruciformes, rodeando una plataforma de aparcamiento gigantesca, y entorno a
ese centro económico, barrios residenciales con dos tipologías, una con bloques
en greca, y bloques en
manzana cerrada. En la
corona más exterior, usos industriales, colonias
obreras, y estructurado por grandes viarios rodados
formando una cuadricula con diagonales a 45 grados.
Los problemas que se dan es que la ciudad es muy
clasista, divididos por su estatus económico, además
de la supremacía del vehículo privado, donde la
interacción social era completamente nula. Además, el
urbanismo no atiende al contexto puesto que no tiene
un lugar fijo.

• Inmueble-villa. 1922

Plantea un bloque que es una superposición de viviendas

unifamiliares de tipo citrohan. Viviendas de dos plantas, donde la
baja es un rectángulo que incluye la entrada por un pasillo
colectivo, una banda de servicio a continuación, un vacío que
separa la zona de servicio de la terraza, y un salón-comedor
comunicado con la terraza y que se abre a la calle por un balcón.

La casa tiene su propia escalera, que comunica a los dormitorios, y un vacío sobre el salón, haciéndolo en doble
altura. Con la estructura de pilares, los cerramientos están libres o casi libres, y se puede integrar la vegetación
gracias a las terrazas

• Villa Le Lac, Corseaux. 1923

Vivienda donde dibuja la planta antes de saber dónde se iba a construir la misma. Concebida como una pastilla,
con una cara más cerrada al norte, y una única ventana de 11m en dirección sur, buscando con la ventana dar la
sensación de que la vivienda flota sobre el lago. La cubierta es plana ajardinada, haciendo así un aislamiento
térmico natural.

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 • Barrio moderno de Frugès, Pessac. 1924

Alterna viviendas unifamiliares con viviendas adosadas y pareadas, lo

que pretende es demostrar la versatilidad del esquema citrohan.
Realizando el barrio en hormigón armado, son viviendas de dos plantas
perfectamente moduladas y siguiendo las pautas estéticas del purismo,
con cubiertas planas, ventanas horizontales y superficies lisas.
Incorpora también el color, siendo colores vivos y brillantes en
combinación con el blanco que por lo general domina.

• Pabellón de L´Esprit Nouveau con Pierre Jeanneret. 1925

Vivienda construida en el recinto de las exposiciones, siendo una especie de manifiesto de las nuevas ideas que
debían presidir en la arquitectura. Era una celda fabricada en serie que estéticamente representaba el purismo.
Se da un salón a doble altura. Interiormente, se decora con todo tipo de mobiliario, artesanal, de fabrica…

Junto a él, se presentó un espacio curvo donde expuso un diorama de la ciudad para tres millones de habitantes.
Este proyecto, no se construyó, pero se hizo una propuesta en París, llamado plan Voisin

• Plan Voisin, París. 1925

En 1925 es un plan teórico para París absolutamente provocador para el centro de París. Lo único que buscaba
con este plan no era su realización, sino suscitar el debate. El Plan Voisin planteaba su Plan de tres millones de
habitantes en París. Su propuesta es derribar gran parte del centro y sustituirlo por su entramado de ciudad
contemporánea. Se trata de una propuesta solamente pensado para conmocionar a la opinión pública.

En la primera etapa esta más fascinado por lo tecnológico, esta entre el ir y venir del urbanismo, también apuesta
por la reflexión escrita. No se encasilla en un aspecto concreto.

• Villa Stein-de Monzie, Garches. 1926

Se da una integración buscada de la casa y el coche, una casa para una familia muy adinerada, con la que va a
recibir algunas críticas. A partir de aquí, se empieza a ver la aplicación de los cinco punto.

Se ve el volumen purista, con superficies lisas, rasgado en toda su longitud por ventanas horizontales. La
geometría es sencilla, con una superficie lisa y una planta trazada en base a geometría precisa. Se da una
construcción sobre pilotis, que permiten que la planta baja se libere parcialmente para coger la cochera. Por
último, una gran cubierta ajardinada, que presenta un balcón saliente hacia el alzado del acceso.

• Casa Cook, Boulogne. 1926

Casa donde también se aplican los cinco puntos, con un volumen geométrico sencillo, una superficie lisa, con
estructura de pilotis liberando parcialmente la planta baja, ventanas horizontales, y terraza jardín.

• Villa en la Weissenhof, Stuttgart. 1927

Se le asigna una parcela con gran visibilidad donde construye dos

volúmenes, una vivienda unifamiliar y un edificio bifamiliar que contiene
dos casas adosadas. Siguiendo los mismos cinco puntos.

La vivienda unifamiliar, contiene una viga en ángulo que completa el

volumen purista. El edificio bifamiliar, tiene parte de la planta baja
liberada, creando así una especie de porche y enfatizando la sombra
con el color.

84
 • Villa Savoye, Poissy. 1928

Construida en Poissy, destrozada durante la segunda guerra mundial y restaurada posteriormente, la Villa Saboye
es la ilustración perfecta de "los cinco puntos de la arquitectura contemporánea", los integra en un sistema
cerrado. La elevación sobre pilares, planear de alguna manera sobre el suelo, en segundo lugar, la planta libre, en
tercer lugar, la fachada libre, una consecuencia del retranqueo de pilares y permitir libertad absoluta en la
fachada, la ventana longitudinal, frente al sistema de hueco y macizo, plantea una ventana corrida, el quinto
punto es la terraza jardín, el tejado integra el concepto de jardín. Esta casa es una ilustración de estas ideas, la
villa le causa conflictos con los clientes, todos estos experimentos que hace chocan con la tradición de la
arquitectura, al ser los inicios de nuevas arquitecturas crea conflictos en lo constructivo. Se escalona en tres
plantas, cada planta tiene clara su función. Gran parte de su terreno se alza sobre pilares, construido solo tiene
un núcleo central adentrado. El garaje techado para los tres coches y habitaciones de servicio es lo que se sitúa
en la planta baja, la servidumbres las coloca en la planta baja, esta planta tiene un mobiliario de hormigón,
mobiliario de obra, esto es algo curioso, por el hecho de estar integrado en la propia construcción, cuenta
también con el arranque de dos sistemas verticales de comunicación, la escalera es para el servicio, la rampa es
la comunicación señorial.

La planta primera, cuenta con la llegada de los sistemas de comunicación vertical,

escalera de servicio es una rampa, en el cuadrilátero se organizan las funciones de
habitación de la casa, el salón y la cocina, y el baño. Un tema interesante es la
organización en forma de U irregular alrededor de una terraza, que es una especie de
híbrido de casa-patio, tiene acceso al paisaje y a la vez esta embutido en la construcción.

Fase de madurez

• Plan Obús, Argel. 1930

En Argel, era una colonia francesa, hace sucesivos planes para Argel, es una larga historia, en este plan destacan
las formas de las viviendas, adquieren forma curva, organiza el territorio de manera orgánica y geométrica, la otra
cuestión es como en la banda de autopista que conecta con el puerto coloca las viviendas debajo de la
autopista, calle cubierta con apilamiento debajo. Admite la posibilidad de la decoración en el interior de las
viviendas, propone la demolición de todos los europeos y pretende conservar la ciudad tradicional de Argel.

Los CIAM fueron foros de debate de los cuales destaca el de 1929 en Frankfurt, y el de 1933 que iba a celebrarse
en Moscú, pero la URSS viajaba hacia un anti-modernismo total, así que se trasladó a un barquito de ruta
Marsella-Atenas. En el transcurso de este viaje a Atenas se debatieron nuevos esquemas de ciudades, nuevos
modos de urbanización de la ciudad…

• Sede de la Sociedad de Naciones, Ginebra. 1927

Organiza el proyecto en dos volúmenes, uno con la secretaria general y ejecutiva, y otro con la asamblea.
Edificios que son casi simétricos, que facilita la distribución de los usos, aunque ambos diseñándose de manera
funcionalista.

• Centro soyus, Moscú. 1929

La URSS se la mira como un lugar donde es posible crear un nuevo tipo de

mundo, se trata de una especie de ministerio donde tiene que trabajar un
gran número de funcionarios, con espacios de reuniones, tienes que
disponer de oficinas y un gran salón de actos, aquí hace la misma
operación de Ginebra, plantea una zona de entrada, crea un edificio que
al igual que Gropius renuncia al a idea de unidad respondiendo a los
diferentes funciones del edificio. Pero vuelve a obtener los mismos
resultados con su idea utópica del doble muro de vidrio y en medio una
cámara de aire, necesidad de realizar aperturas para fomentar la
ventilación cruzada.

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 • Propuesta para el concurso del Palacio de los Soviets, Moscú. 1931

Es el equivalente al Parlamento, la idea básica es que fuese el gran

parlamento soviético, son momentos en los que en la URSS había una
arquitectura de vanguardia y el problema de Le Corbusier es que no están
informados de lo que pasa en la URSS, cuando en la URSS el aire es más
clasicista. Es un palacio representativo en el que la clave es la relación del
dentro y el fuera, es un edificio pensado con la contraposición de dos
autorías, próximo al rio Muscova, toda la zona de entrada se plantea como
una terraza gigantesca organizado por un sistema de rampas, para
representar mucho desfile y manifestación. Frente a un parlamento estático,
plantea algo más espectacular y ceremonial.

• Ciudad de Refugio, París. 1929

Se ve una repetición de células residenciales donde los espacios comunes ganan gran importancia. También se
da el uso de la piedra y colores. También se ven nuevos materiales como los bloques de vidrio.

• Pabellón Suizo, Ciudad Universitaria, París. 1930

Es interesante porque el edificio se levanta sobre pilares, pero cada vez más
escultóricos, matizando la forma geométrica y llegando a formas más artísticas,
pilares donde entra cada vez más lo artístico sobre lo tecnológico, es un edificio que
muestras un estudio fantástico de la idea mínima de habitación. Le Corbusier alterna
materiales industriales puros, hormigón vidrio y acero, con una atención mayor a los
materiales naturales, empieza a plantearse un dialogo entre le materia natural y e
industrial. Por último, la presencia de cada vez más de lo artístico, lo más importante
es que en el comedor hay una de sus obras maestras como artista plástico, muy
admirador de Picasso, posee una gran zona de entrada, luego la zona de habitaciones.

• Plan Macià, Barcelona. 1932

Realiza una propuesta de expansión urbanística de la ciudad, donde plantea un nuevo centro administrativo.
Plantea 3 rascacielos con planta en Y. En las nuevas zonas de viviendas, pretendía yuxtaponer nuevos bloques en
greca con espacios verdes con los bloques de viviendas del Plan Cerdá

• La Carta de Atenas

Texto que condensaba el debate sobre la ciudad. Fue escrita mucho después de los hechos. Establecía la idea de
un urbanismo fundado en cuatro funciones básicas: trabajo, descanso, circulación, y ocio. También consagra un
principio urbanístico que más tarde, tras la II GM, será duramente discutido y criticado: distinta circulación de
tráfico.

• La Ville Raidieuse (La Ciudad Radiante). 1935

Publicado en 1935 y que supone un paso más en los pasos teóricos de ciudad. LA ciudad consta de viviendas,
pulmones como parques, una cabeza como centro de negocios, unos pies como industria y una columna
vertebral como vía de comunicación central. El propio Le Corbusier en sus dibujos se desliza hacia lo orgánico. A
partir de los años 30 es su modelo funcional de ciudad. Son ejemplos Argel y Barcelona donde intenta aplicar esa
teoría. Le Corbusier en Barcelona plantea una manera de su esquema abstracto: PLAN MACIÁ. La primera es
plantear grandes manzanas, más grandes que las del PLAN CERDÁ; además de colocar en el puerto la ciudad de
negocios, rascacielos que adquieren formas más reticulares o con salientes. Le Corbusier se convierte en más
humano y menos obsesionado por lo tecnológico. Le Corbusier enseña a inmigrantes que proceden de un ámbito
rural a convertirse en urbanitas. Le Corbusier durante la II Guerra Mundial, sobrevive como puede y se plantea el
tema de la reconstrucción de esta Europa en ruinas. Aquí aparece su siguiente gran proyecto que concibe como
un prototipo que podía ser reproducido en cientos y en miles de unidades; aunque queda como una obra única.
Es la famosa

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 • Unité d’Habitation, Marsella. 1946-1952

Un grupo de viviendas que no era una obra única sino un

modelo de cómo se debía hacer la reconstrucción de Francia.
ES una mezcla interesante entre bloque de viviendas y una
microciudad: comunidad cerrada sobre este bloque levantado
sobre pilares de hormigón en el que hay el flotamiento y el
planteamiento de las viviendas que son unidades dúplex. En
esas unidades de habitación se plantea esa idea de
apartamento básico con beneficios de la terraza. El espacio
público se distribuye en la calle comercial a media altura del
edificio que se supone que abastece a esta población de los
servicios básicos. En la cubierta plana se coloca la plaza, aprovechando la terraza como zona vividera donde se
plantea oficinas, sala de reuniones, guardería… La calle comercial no fue un gran éxito, aunque si en cabio lo fue
la terraza que sigue funcionando como lugar público. El edificio se copió posteriormente en repetidas ocasiones,
pero retirando las zonas comunes y la azotea, algo que Le Corbusier nunca llegó a admitir como obras suyas. Dos
obras innovadoras en arquitectura religiosas. Gracias a la innovación en arquitectura y a la innovación en religión
aparecen estas obras en 1950.

• Capilla Notre Dame du Haut, Ronchamp. 1950

En Ronchamp. Sustitutye a una capilla muy venerada anteriormente y colocada

donde antes había habido un santuario romano. Era un lugar vinculado a lo sagrado.
Es un edificio que se sale de cualquier planteamiento maquinista y tecnológico. LE
Corbusier trata de plantear un edificio que juega con la idea atemporal de la religión,
un edificio totalmente irreconocible en la tradición de la iglesia. Es un edificio que
parece una montaña con un espectacular tejado de hormigón que fomenta esa idea.
Es un edificio con un sistema de huecos totalmente aleatorio, simulando una
caverna, y donde además aparece una hibridación entre el culto interior y el culto que se realiza fuera. Es una
renuncia total a la geometría clara de la línea recta donde hay espacio principal de la iglesia, capillas como
recortes del muro, y los pozos de luz. SE juega con diferentes maneras de ahondar en el muro, distintos ángulos
de derrame… todo perteneciente a un mundo ancestral. Los campanarios son grandes orejas preparadas para
captar la resonancia del paisaje emitiendo hacia el mismo su sonido propio, el sonido de las campanas. Le
Corbusier plantea una alternativa a la torre de los campanarios. Le Corbusier, como referencia de la India, coloca
un estanque. Le Corbusier hacía unos revocos pulidos y todo totalmente liso; sin embargo, ahora marca el
granulado y la composición del hormigón. Las vidrieras, por su parte, cobran gran importancia en el interior de la
catedral. El tejado pesado sobre el edificio deja una raja de luz que recuerda la idea de luz divina y mágica que
penetra al interior.

• Monasterio de Santa María de la Tourette

Cerca de Lyon. Este convento está en un enclave con una belleza

fantástica donde Le Corbusier se reinventa ese concepto de convento
para este conjunto de dominicos. Mantiene la estructura básica en las
funciones básicas del convento: iglesia, celdas individuales y espacios
de encuentro colectivo. Estos son los elementos básicos del monasterio
que los reinventa y los coloca en este cuadrilátero respetándolos.
Convierte el claustro en el lugar de un claustro claro con una fuente
medieval y con cuatro senderos, en un lugar más complicado como
lugar que da acceso al resto de lugares de la comunidad.

Aparece el Modulor de le Corbusier como un escalonamiento de medidas con el que encuentra la medida de 2,26
con la que construye edificios como las celdas de la Tourette, muy inspiradas en la habitación de Marsella, en
donde se combinan las estanterías, la mesa de trabajo y la cama. En cuanto al lenguaje arquitectónico del
edificio, es el hormigón bruto, se ve la mezcla del aglomerante y se recuerda al elemento pulido. La diferenciación

87
entre las dos plantas de espacios colectivos y las dos plantas de celdas queda muy marcada. Las ventanas por
su parte tienen un sistema muy raro en el que se alternan vidrios muy estrechos con montantes de hormigón, lo
que responde a ritmos musicales de la mano de Xenakis q fue un gran compositor del siglo XX y que también fue
ingeniero y trabajó en el estudio de Le Corbusier. En el bloque de la iglesia cabe destacar la brutalidad del
hormigón y en él se plantea la idea de cómo reflejar la luz en el interior a lo que se llamó: metralletas de luz lo que
revela esa idea fuerte de magia. Ocurre lo mismo que en Ronchamps, se introduce la luz en una zona lateral que
rodea al altar. La cripta de la iglesia está formada por varios altares para brindar varias misas a la vez, todo
decorado con colores azules y rojos como símbolos de la luna y del sol, y de la tierra y el agua.

• El plan de Chandigarh

Es un símbolo de la India moderna que se liberaba de las manos

británicas y que no venía a reproducir una ciudad historia, sino venía a
reproducir esta nueva ciudad moderna. Aquí es donde plantea el modelo
de la CIUDAD RADIANTE. LE Corbusier plantea una separación entre
una zona directora: el capitolio donde están los edificios representativos
del gobierno y luego un cuerpo de la ciudad dividido en varios sectores
que a su vez aparecen subdivididos en la trama viaria. Dos grandes ejes
aparecen como conexión con el territorio y son los que centran el
conjunto. Aparecen calles paisajísticas y arboladas y además en los
centros de cada sector calles dedicadas al comercio. Así aparecen distintas calles hasta llegar a las viviendas. El
capitolio, gran explanada, donde se distribuyen los edificios representativos del gobierno y sobre todo tres
edificios de los que se encarga el mismo: el edificio del tribunal supremo, la asamblea y el edificio del
secretariado: poder legislativo, ejecutivo y judicial. La asamblea recupera el lenguaje clásico de Le Corbusier, un
lenguaje de hormigón. Aparecen conos truncados que vienen a marcar las dos grandes salas: la sala plenaria y la
sala menor de comisiones. En este parlamento Le Corbusier hace una gran pintura en la puerta de esmalte de la
Asamblea haciendo referencia al sol como origen de la arquitectura. El secretariado como suma de cinco
edificios diferentes adosando cinco bloques diferentes de oficinas aplicando en cada uno de ellos un sistema
diferente de pantallas de hormigón.

El Tribunal Supremo es un edificio que viene a simbolizar la transparencia del poder judicial con esa puerta triple
con juego cromático donde está la sala de plenos del tribunal, las diferentes salas, y los recorridos interiores con
un detalle plástico en las pantallas de hormigón y con el elemento del tejado como canalón gigante.

• Monumento mano Abierta

Una mano abierta que bien parece una paloma de la paz: una mano que recibe los
beneficios del mundo y los redistribuye. Todo esto lo expresa en su obra plástica de 1955 LE
POEME DE L’ANGLE DROIT, una gran carpeta con tipografías y textos con la idea del ángulo
recto. Según el mucho más interesantes que las geometrías abstractas creadas por el
hombre, son más interesantes las creadas por la naturaleza.

En este recorrido de un Le Corbusier al final de sus días aparece una de sus últimas obras
en la playa de Cap-Martín cerca de Niza en Francia donde se hace una obra para sí mismo,
una cabaña de troncos en pleno contacto con la naturaleza dimensionada según el
Modulor: Cabanon. Le Corbusier pasa aquí los veranos y en donde vive como un salvaje.

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 TEMA 11: Los Países Nórdicos: Asplund y Aalto. Estados Unidos en la primera mitad del
siglo XX
Eliel Saarinen (1873-1950)

Los escandinavos no eran ajenos a los avatares del resto de Europa, como Alemania o Francia, pero por eso se
despertó desde el siglo 19 el interés por el clasicismo y la antigüedad. A los países nórdicos le llega mucho la
influencia de Shinkel, por la llegada de ese clasicismo Saarinen busca una independencia de esa influencia
clasicista, proyecto obras que reflejan esta tendencia.

• Estación de Helsinki

Finlandia estaba recién independizada de Rusia, de modo que Helsinki se

quería ver como una nueva capital abierta a las corrientes y moderna. El
arquitecto más moderno de este momento fue ELIEL SAARINEN que hizo
esta estación, con una tipología moderna y que se convirtió en un hito
urbano. Está formado por unos volúmenes sencillos y depurados
cubiertos con cobre. El acceso se hace bajo ese gran arco de medio punto
como una puerta a la ciudad. Ese arco está más definido por la
marquesina de cobre que tiene debajo y por el ribete de cobre que lo cubría. El resto de las fachadas es piedra sin
ornamentación. Está custodiada por cuatro elementos que sujetan las lámparas.

• Propuesta para el concurso del Chicago Tribune

Quedó segundo en el concurso. Su idea consiste en un rascacielos que en la parte superior plantea unos
volúmenes ascendentes, rompiendo con el lenguaje historicista de la época. En este concurso se presentó
Gropius, Taut y Loos. La propuesta ganadora es la de Howells y Hood que presentan en la parte superior un
cuerpo gótico.

• Gulf Building, Houston

En Houston, mantiene la idea de Chicago Tribune, el estilo en este caso es Art

Decó, sobre todo en el remate de la parte superior del edificio, tras su éxito en el
concurso se traslada a EEUU, diseñó algunos edificios más de una academia de
arte en la que diseñó algunas equitaciones, Academia de Arte Cranbrook,
buscaba una integración de las artes, como la Bauhaus alemana, Saarinen se
convirtió en director de la escuela y recibió prestigiosos galardones.

Erik Gunnar Asplund (1885-1940)

Poco conocido popularmente, es el máximo exponente de la síntesis entre la tradición y la modernidad en los
países nórdicos, experimento a lo largo de su carrera una evolución, una de las grandes figuras de clasicismo
nórdico hasta llegar a los postulados de clasicismo moderno. Hizo viajes a Italia y a Túnez y se fijó en las formas
clásicas, aunque luego evoluciono hasta fusionarse con los valores de la arquitectura tradicional nórdica.

• Con Sigurd Lewerentz, Cementerio Sur de Estocolmo

En colaboración con Lewerentz, en la zona sur de Estocolmo, para descargar el uso del cementerio de la zona
norte, se prolongó 25 años desde la convocatoria, las primeras propuestas estaban inspiradas en las
arquitecturas románticos, luego se guiaron por propuestas místicas y religiosas, como la muerte como un
tránsito y el recorrido de Cristo hacia el Calvario, las procesiones, temas que potenciaban la dimensión practica
del paisaje. Le otorgaron misticismo a todo el proyecto, de las 53 propuestas valoró de esta propuesta la
preservación de la belleza natural del paisaje, concentraron la mayor parte de las construcciones junto a la
entrada de cementerio, en una zona despoblada de vegetación y el resto se quedó el bosque con algunas
construcciones, este cementerio es patrimonio de la Humanidad.

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Capilla: Proyectada por Asplund, mientras el otro era el paisajista,
la capilla estaba al fondo de un sendero entre coníferas, así parce
que casi la capilla es una de las coníferas, ese amplio vuelo impide
que se vean los capiteles dóricos de las columnas, por tanto parece
que la cubierta es sostenida por unos cilindros que se asemejan a
los troncos del interior. La pendiente se debe a la de las coníferas,
se confunde con los árboles. Es una versión rustica y en miniatura
del Panteón. Un pórtico de acceso hacia un tolos que está cubierto
por una cúpula horadada en la zona central, per ose cubre por una
cubierta a cuatro aguas que oculta lo que ocurre en el interior, la capilla es una combinación de arquitectura
clásica y la arquitectura de una cabaña nórdica. Realiza un juego de compresión en la entrada y luego de
dilatación espacial en el interior de la cúpula, juega con las sensaciones de los individuos al entrar al edificio. Ya
que el que entra está en una situación sensible. Asplund se caracteriza por las arquitecturas pequeñas y
concentradas. El interior es blanco liso y luminoso debido a la linterna que es como un cilindro de luz, conexión
entre lo terrenal y lo celestial, la referencia a lo místico de esta construcción en general.

Crematorio: Se compone de tres capillas independientes, la de la Fé, la

de la Esperanza y la de la Sana Cruz, Asplund había avanzado hacia el
funcionalismo, la forma responde a la función, así es como aparece en
el crematorio, un conjunto de módulos prismáticos muy simplificados,
tiene una parte redondeada, son módulos articulados entre sí, que no
tienen referencias anteriores, es un edificios funcionalista, moderno
pero Asplund sigue teniendo en cuenta quienes eran los usuarios, todo
el edificio está plagado de detalles en esa arquitectura que resulta fría.
Para que las capillas puedan usarse todas a la vez y que garanticen la
intimidad, tienen un espacio delantero, un pequeño patio, la capilla de la Santa Cruz tiene un amplio pórtico,
todo revestido de piedra que le da una imagen atemporal, el edifico no tiene edad y es bello en cualquier época.
Cada detalles esta cuidado y elaborado.

• Biblioteca municipal de Estocolmo

Es uno de los edificios principales de Estocolmo, se trata de un

edificio monumental, tiene un programa novedoso en su época,
lo que hace es resolver el programa con una composición
rotunda y volúmenes simples, es un paralelepípedo y un cilindro
en el centro, tiene aire neoclásico que remite a las formas de
Durand. Proyecta el edificio próximo a un parque para resolver la
transición entre la ciudad y el parque resuelve el espacio de
transición. En planta se ve el volumen central claramente
definido. Es curioso ver el recorrido en ascenso que simboliza la
elevación hacia el plano del conocimiento. El acceso es
monumental en una puerta de referencias egipcias, la llegada al pórtico de acceso es por una escalinata. Los
relieves son visibles en los laterales, se llega a un espacio místico iluminado cenitalmente y más relacionado con
el saber. Definió el interior, cada mueble que contribuye a enriquecer el espacio, se trata de la primera biblioteca
en la que el lector elige el libro de manera individual. Las ventanas que iluminan cenitalmente está en la parte
superior y los libros se encargan de forrar los paramentos.

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 • Villa en Stennas

Una vivienda de fin de semana que hace para su familia se sitúa en una isla
del archipiélago de Estocolmo, estaba a orientada a suroeste, a los pies de
una montaña escarpada, le quedaba al fondo la vista de mar, es un paisaje
muy pintoresco, esa arquitectura que se integra en el paisaje sin afán
protagonista, esta es una característica. Asplund vuelve a lo humilde y a lo
vernáculo, alejándose del estilo de la Exposición universal, la casa tiene
más que ver con una casa rural autóctona y no con la vanguardia del
momento. Toda la vivienda se desarrolla en una planta, pero con cuatro
niveles distintos adaptándose a la topografía, se compone de dos volúmenes, uno principal y otro girado más de
90 grados buscando las vistas. El volumen mayor alberga los espacios de dormitorio cocina... y el que esta girado
alberga el salón para encuadrar la vista mediante le giro, usa como charnela una chimenea, en el punto de
contacto de los volúmenes es por donde se realiza el acceso. En el exterior hay otra chimenea para darle un
carácter de jardín y más privado a esa zona. El baño estaba situado fuera de la vivienda, a 40 metros. Los suecos
tiene un concepto de que determinadas acciones supone una vuelta a la naturaleza, por eso esos espacios
deben de situarlos lo más fuera posible de la residencia habitual. Existían barriles para la recogida de agua de la
cubierta y destinarla a regar el huerto.

Alvar Aalto (1898-1976)

El arquitecto finlandés más importante de todos los tiempos. Estudia arquitectura en la universidad de Helsinki,
su arquitectura fue madurando a lo largo de su carrera, desde el neoclasicismo hasta le movimiento moderno,
sus obras se diferencian y cobran personalidad respecto al estilo internacional, sobre unas estructuras o
volúmenes geométricos disponía unas superficies más blandas, le daba rigidez al conjunto, estando más en
sintonía con la vida cotidiana del hombre y la naturaleza. Los interiores de sus obras son cálidos prestando
atención hasta en el último detalle, creo una línea de mobiliario con madera ligera y fue distribuido por una
compañía de la que él era socio. Era hijo de un ingeniero y una maestra, de ellos heredera la ideología liberar y
amor a la naturaleza, cuando era joven se muda a Jyvaskyla, y posteriormente se va a Helsinki a estudiar, fue
alumno de A.LIMGREN, eso le influyo mucho en sus inicios del romanticismo nacional, su carrera se ve
interrumpida a participar en la Guerra de Independencia de Finlandia en 1917, en 1921 se convierte en arquitecto
y se asocia a la asociación de arquitectos finlandeses, realizo viajes por la Escandinavia para aprender e integrar
elementos tradicionales en su obra. Tras casarse con su mujer Aino, viaja por Italia y Túnez, algo que le va a influir
bastante, en Suecia conoció a Asplund, con quien le unirá una amistad hasta su muerte.

• Características fundamentales

Amplitud y variedad de obras; arquitectura al servicio del ser humano, conciliando lo intelectual y lo sensorial;
importancia de las referencias clásicas o métodos artesanales, pero sin caer en un neotradicionalismo; aprecio
por las cualidades de los materiales tradicionales; importancia de la luz en combinación con los materiales;
identidad de cada parte del edificio; preocupación por los aspectos económicos, la durabilidad y el
envejecimiento de la arquitectura.

• Biblioteca de Viipuri

En un territorio ruso, gana el concurso con una propuesta clasicista, pero

como las obras tardaron tiempo en comenzar, Aalto hizo diferentes
revisiones, construyéndose el cuarto de los propuestos por él. La biblioteca
se construye en un parque próximo a una iglesia, se compone de dos piezas
desplazadas entre sí, una de ellas es la sala de lectura y la otra la sala de
conferencias y donde se juntan las dos es donde se realiza el acceso, punto
de encuentro de las dos piezas principales, había una planta semienterrada
con una planta más libre, en esa planta baja se alojaba el depósito de libros.
Al final lo que hizo fue colocar un basamento, adaptado a la topografía, sobre el cual se adaptan los usos del
edificio, un basamento que se adapta al terreno para colocar un volumen que acoge los espacios principales.

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En la sala de conferencias destaca el techo acústico, que pretende mejorar las condiciones acústicas de la sala y
convertirla en un espacio más dinámico porque la sala era muy alargada, para empujar al usuario a acercarse a la
escena, de esa forma algo que puede ser negativo, se convierte en algo positivo, además esa especie de llamada
que hacía con el mobiliario usa tres tipos diferentes de asientos, sillones, sillas y taburetes, los más cómodos
estaban cerca del escenario. En la sala de lectura destaca el ilusionismo de los lucernarios ordenados, que son
como soles, la luz cenital es buena para las bibliotecas porque cuida de los libros y las sombras no son molestas
para el lector. Los lucernarios tenían 2 m de diámetro, con este edificio Aalto termina de consolidar su imagen
como arquitecto del movimiento moderno, y además se traslada a Helsinki donde allí recibe encargos con
temáticas diferentes.

• Con Aino Aalto, Sanatorio antituberculoso, Paimio.

Se une al funcionalismo, este fue el que definitivamente lo

confirma en el grupo de arquitectos modernos, y le aporto fama
a nivel internacional, fue el ganador del concurso convocado. El
equipamiento se sitúa en mitad de un bosque alejado de las
ciudades y pueblos, eso influye en la composición abierta que
le da a la fachada, para favorecer la ventilación y soleamiento
de las fachadas, el programa del edificio se desarrolla por
partes, con diferentes piezas lineales y diferentes dimensiones y
diferentes funciones.

Todo formando un entorno coherente en el paisaje, las piezas de las fachadas no eran iguales entre sí, pero si
unificadas en la estética funcionalista. Las piezas alojan, la principal estancias de reposo. Detrás había salas
complementarias y zona administrativa, otros servicios y central térmica. Plantea soluciones en los cuerpos de
cómo deben de acabar para evitar que las fachadas tengan carácter residual, es un buen ejemplo del tratamiento
de las fachadas. En altura también tiene en cuenta la manera de terminar el edificio, la terraza en la parte
superior hace que la terraza no sea continua, otro de los principios proyectuales del sanatorio es el papel
instrumental de la estructura, mientras en el resto del edifico principal se repiten los pórticos, en el solárium se
convierten en soportes alargados, casi como unas pantallas y los forjados son losas continuas de hormigón, los
pilares adquieren otra dimensión. En el interior diseña cada detalle del edificio, colores, aparatos, los gráficos
para orientarse.

En esa época se celebra una exposición de sus muebles en Londres, a partir de este momento las exposiciones
de sus obras se hacen más frecuentes, fundo una empresa para la producción en serie de sus diseños.

• Villa Mairea, Noormarkku

En Noormaku, fue uno de los proyectos más conocidos de Aalto, la construye para sus amigos millonarios, los
Gullichsen. Esta villa se trata de una villa rural y de retiro, en la casa se mezcla la modernidad y la tradición como
si fuera un experimento. La composición en planta baja es un cuerpo central alargado que tiene el acceso y al
fondo un comedor, a este cuerpo se le yuxtapone el pabellón de servicios y luego se le añade otro de forma
cuadrada de salón., Cada una de esas partes se materializa de manera diferente, El pabellón de servicios emplea
muros de carga, como el del comedor, es un recinto más opaco para mantener la tradicionalidad, los espacios de
estancia no tienen muros de carga, son soportes y es un espacio más moderno, cerrado con grandes cristaleras
de vidrio.

La planta de arriba es una planta más regular, con forma de L, se sitúan los
dormitorios, aseos y cuarto de juegos, también unas terrazas sobre las
cubiertas de la planta baja. La zona de estar esta elevada unos cuatro
peldaños sobre el vestíbulo, segrega las esquinas para no ver que el espacio
es cuadrangular, primero coloca el despacho, con estanterías oblicuas que
no tocan el techo, la otra esquina la segrega con el porche mediante un muro
de ladrillo y la chimenea. La escalera y los soportes son muy peculiares.

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El verdadero centro era el espacio exterior del jardín sobre el que además ahí no trabajó mucho su mujer Aino. Al
quedar la casa configurada como una C, se añade la cubierta hasta la zona de la sauna, por lo cual al cambiar la
forma de L a C el porche queda más definido. Abajo coloca un muro de piedra y mampostería y ayudándose de la
vegetación, La piscina alude a un lago finlandés es lo que se convierte en el corazón de la vivienda. La cubierta
que se prolonga hasta la sauna se vuelve hacia la arquitectura tradicional, es como si fuese una cabaña primitiva,
con esos pilares unidos por cuerdas, viguetas y entrevigado de madera, incluso el mundo de tradición se anuncia
en la entrada con la marquesina de forma ondulada sujeta por esos palos y troncos, atados con lianas. Se
contempla la vivienda moderna, contemplada desde la cabaña primitiva, y la vivienda primitiva, contemplada
desde la vivienda moderna.

• Pabellón de Finlandia en la Exposición Universal de Nueva York

Aalto logró combinar formas modernas con rasgos tradicionales de Finlandia, creando un espacio interior
brillante e innovador. El pabellón, con sus paredes curvas y escultóricas, refleja la esencia del paisaje finlandés,
inspirado en bosques, lagos y montañas. Aunque inicialmente se le asignó un espacio diferente, su diseño único
lo convirtió en un hito de la exposición.

Frank Lloyd Wright (1869-1959)

Wright nació en una localidad del estado de Winconsin y recibió una buena educación, cuando sus padres se
separaron trató de trabajar en el estudio de un ingeniero, su deseo era estudiar arquitectura, pero por su
economía tuvo que optar por hacer estudios de ingeniería. Acaba marchándose a Chicago, la ciudad donde
según él se labraba el futuro de América, y allí empezará a trabajar en el estudio de Sullivan, donde demostró ser
un excelente discípulo. También labró buena relación con Burhnam, quien le aconsejó que se fuera a estudiar a
París costeándole el viaje, sin embargo, rechazó la oferta quedándose en EEUU. Era una persona bastante culta y
tenía muy claras sus ideas. En el estudio se dio cuenta de que siempre daban la espalda a los burgueses, por lo
que se dedicó a diseñar casas a los burgueses, lo que le costó el puesto de trabajo junto a Sullivan, aunque
después se reconciliaría con él.

Considerado junto con Alvar Aalto como uno de los modernos más relacionados con la naturaleza, vinculado a
una arquitectura ecologista, gracias a su autobiografía podemos acercarnos aún más a él. Pese a esto es un
personaje rodeado de leyendas, comparable a Gaudí. Durante su infancia jugó con los juegos Fröbel, a él desde
pequeño se le inculca la labor de ser arquitecto. Su arquitectura se entiende entre el mito agrario hasta el avance
moderno de la ciudad. Se forma en el estudio de Sullivan. Tiene que salir del estudio cuando éste empieza a
ganarle clientes.

• Charnley House, Chicago

Contribuyó significativamente al diseño de la casa. Ubicada en el prestigioso vecindario Gold Coast, la residencia
se caracteriza por sus formas rectilíneas y su imponente monumentalidad. El exterior muestra un manejo
sensible de los materiales, que se convertiría en una característica distintiva del trabajo posterior de Wright. La
base está hecha de piedra caliza, mientras que el cuerpo principal está revestido de ladrillo romano de color
beige. Wright también utilizó piedra caliza para enmarcar la puerta principal y las ventanas laterales, una técnica
que refleja en su trabajo posterior en la residencia Winslow y los apartamentos Francis.

• Casa-estudio en Oak Park, Illinois

Su propia casa estudio, se hace en Chicago. Oak Park es un suburbio de Chicago, esta casa es una de las
primeras de las que Frank Lloyd Wright, es fruto de un proceso urbano contrario a la expansión urbana típica en el
Paris de Haussman, los suburbios hasta entonces eran de pobres.

Esta casa es interesante porque se ven una serie de características, como que una persona recién echado de un
estudio, se construye una casa en la que se ven rasgos de sus viviendas unifamiliares, se concibe como un anti
Loos, vemos la interconexión del dentro y el fuera de la vivienda, lo hace creando pórticos, terrazas y aleros
cubiertos, cuestionando siempre la diferenciación de interior y exterior

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Segunda cuestión que vemos es la horizontalidad, casas que se apegan al suelo de manera importante, tienden a
ocupar la máxima extensión del solar, lanzan prolongaciones en forma de aleros y terrazas, esto lo explica como
un apego a la tierra madre, arquitectura sustentada en el propio suelo, es casi un anti-Le Corbusier.

El tercer rasgo es que son casas en las cuales las unidades espaciales adquieren un carácter unificado cada uno
de manera individual, las piezas que lo compone son perceptibles, los espacios son centrífugos, parecen
separarse de todo el conjunto.

La importancia simbólica de la chimenea como clave del proyecto, para él

es mucho más que un asunto de instalaciones, es el recuerdo de la hoguera
primitiva de la que surgió la primera arquitectura, de la reunión de hombres
alrededor de la hoguera, así recupera su sentido mítico. La chimenea es el
elemento que mantiene unido a las piezas espaciales que parecen querer
separarse, muchas de sus chimeneas se abren a los dos lados. Los
espacios de la casa tienen sentido de continuidad y fluidez, continuidad de
pavimentos y rodapiés, espacios concadenados entre si y siendo más
comparable a Loos es en la riqueza de materiales, usados en sus propias
texturas, el diseño del mobiliario forma parte de la propia arquitectura.

• Casa Winslow, River Forest, Illinois

El primer encargo particular, es encargado por un burgués y en ella se

mantienen los parámetros de la villa paladiana, aunque el tratamiento de
las fachadas era demasiado heterodoxo. .Él era un dibujante excepcional,
en la planta se ve el papel centrador de la chimenea, ordena las piezas,
los aleros son más pronunciados para enfatizar el carácter horizontal. En
esta casa vemos el trabajo de la vidriera, se le puede considerar un
heredero del art nouveau. Fran Lloyd Wright es uno de los viedreristas del
movimiento moderno para crear así cajas mágicas.

Casas de la pradera

Es un proyecto que le da nombre a todas las casas de su tipo. Estas casas con casas de ricos en suburbios de
grandes metrópolis. La publica en el Ladies´ Home Journal. De este proyecto teórico derivan una gran serie de
casas. Frank Lloyd Wrigth desprecia el historicismo que se pone de moda en 1893 a raíz de la exposición de
Chicago. Según él lo que más le sorprendió fue el pabellón japonés y tendrá un gran intestes por Japón que le
lleva a viajar a él y posteriormente construirá un hotel allí. Está influido por las teorías de la des-urbanización
(rechazo hacia la ciudad densa y alejada de la naturaleza y que reivindican el contacto con ella, básicamente la
ciudad jardín).

• Frank Lloyd Wright, Casa Willits, Highlands Park, Illinois

Es un ejemplo de la chimenea entendida como musculo en tención que une las

piezas. Tiene una zona de entrada y recepción, una zona de cocina y despensa y
luego las salas de comedor y salón. Otro aspecto interesante es la influencia del
Japón, el estilo japonés sugiere horizontalidad, tabiquería ligera y espacios muy
amplios. En la expo de Chicago vio un templo japonés y quedo fascinado por
ésta. Planta cruciforme que se integra en el jardín, aunque aún se aprecia en ella
una simetría de los brazos y se observa como el hogar es la estructura central en
torno a la cual se distribuyen las demás dependencias. La casa es muy
horizontal y está especializado el espacio haciendo distinción de zona de servicio, salón de estar y habitaciones
que se disponen en otro nivel (cada estancia en un ala de la cruz). Por la fluidez de la conexión de los distintos
ámbitos se suprimen en algunos casos las puertas. Influencia de la arquitectura japonesa, horizontalidad de
líneas muy marcadas que se integran en el jardín y que en su interior evoca a Makintosh por las sillas y los
diseños de muebles de este. Las ventanas están tamizadas a su vez por vidrieras de un diseño art nouveau en el
sentido de Makintosh. Empezó a diseñar muebles a medida que no pudieran suprimirse de la vivienda.

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 • FLW, Casa Susan L. Dana, Springfields

En Springfields. Vuelve a manifestar el japonesismo y todo lo

anterior, se individualiza porque la habitante es una coleccionista
de arte, por eso la casa alberga un pequeño museo para su
colección privada. La idea de la casa de la pradera es la que le
implanta en los encargos pero va modificando.

• FLW, CASA FREDERICK ROBIE, Chicago

Se la encarga un hombre muy obsesionado con los

incendios de ahí que las condiciones de la obra pidieran
que no hubiese espacios cerrados, cortinas u otros
elementos superfluos e inflamables.

En la primera planta colocó el lavadero y los servicios, en

la intermedia la zona de estar y en la superior las
habitaciones. Los aleros se convierten en un elemento
expresivo que crea porches y ámbitos que protegen las
ventanas de la insolación que crean un juego de planos superpuestos. En el interior encontramos una vez más
muebles que recuerdan a Makintosh y con diseños propios de éste. Es donde mejor se ve la tendencia centrífuga
de captar toda la superficie de la parcela con espacios techados para relacionar el dentro y el fuera, son casas
con voladizos por todas partes, son casas en las que la energía no se plantea como un problema por tanto son
casas planteadas para esa época. Se produce en la planta una especie planta con dos rectángulos deslizados en
sentido contrario.

Su concepto de la arquitectura publica es totalmente opuesto, el edifico público es entendido siempre como un
elemento monolítico y cerrado de cara a la ciudad, en él se realizan una serie de funciones, y esas funciones se
realizan en espacios destinados a la no distracción.

• FLW, Larkin Co Building, Nueva York

Es un edificio macizo, en el que la pieza principal es el gran patio de operaciones. Los

empleados básicos se colocaban en ese patio y las personas de más responsabilidad se
colocan en los espacios continuos en sus propios despachos, Frank diseña hasta los
muebles del edificio.

• FLW, Unity Temple, Oak Park.

En Oak Park, se trata de una iglesia protestante para la que se diseña huyendo de la simetría puesto que el
edificio estará acompañado de salas para reuniones, etc. tiene un lenguaje monolítico, un lenguaje tomado de la
arquitectura maya y egipcia, marcada por su peso macizo. Plantea dos bloques diferenciados, la vivienda del
párroco y áreas administrativas y luego el bloque de la iglesia en sí. En el interior sucede un estallido de
materiales, se convierte en un espacio mágico. El exterior tiene un aspecto bastante macizo y la iluminación se
sitúa en la parte superior apoyándose en un muro liso y compacto. Esto lo hace para evitar el ruido. Cuida los
detalles diseñando todo el mobiliario y apostando por la línea recta. Más allá del mobiliario destacamos que la
iluminación del techo dada por unos casetones que la filtran con unos cristales de ámbar que generan una luz
amarillenta obteniéndose una sensación de un día soleado.

En 1910 se escapa a Europa con la mujer de un cliente y en Europa se

produce como un viaje de ida y vuelta, Wright toma muchas cosas de las
ciudades de Europa, el sentido del espacio público en la ciudad tradicional
europea, pero a la vez aporta mucho. El álbum Wasmuth, dibujos en Berlín,
hace que sus ideas se expandan, sobre todo en Holanda, como el
ayuntamiento de Hilversum.

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 • FLW, Taliesin, Spring Green, Wisconsin

Construido en Wisconsin. Empieza a construirse sus estudios con las influencias que ha recibido en Europa,
posteriormente los traslada a Arizona sus estudios de arquitectura.

En este caso, el de Spring Green es un conjunto de edificios que

componen un estudio de arquitectura. En este estudio se
comporta como un sacerdote con sus discípulos. Se plantea
como un lugar en el que una serie de aprendices admiren a su
maestro. Llegan a incluir huertas de autoabastecimiento para
crear esa tensión entre la sociedad moderna y el comportamiento
casi primitivo. En todos los espacios de esta escuela se van
desarrollando los diferentes proyectos, de todos los modernos es
el que más construyó a lo largo de su carrera realizo entorno 300
proyectos. Aquí surge la manera de organizarse en un estudio de
arquitectura.

• FLW, Hotel Imperial, Tokio

En 1924, realiza su sueño, construir en Japón una arquitectura

japonesista para hibridar lo oriental y lo occidental. Se convierte en el
primer hotel de Tokio, el presupuesto era amplio. Plantea una cosa
interesante en la historia de los Hoteles, el hotel les una cosa difícil de
definir pues no es ni lo estable ni el movimiento, se entiende como
lugar de transición en la ciudad, frente a la idea de otorgar imagen de
palacio, como en Europa, Inventa un hotel muy horizontal con
presencia de patios ajardinados en los que las habitaciones se
plantean a su alrededor. Un hotel innovador en este sentido, y muy imitado posteriormente, como el de las
Colonias Perfumadas, considerado heredero directo de este hotel de Tokio.

El diseño de la estructura y construcción es ideado por él, es muy ligera, diseño una estructura en el que la
imagen de la estructura es la de un camarero sosteniendo una bandeja con tres dedos, esto es debido al tema del
sismo, que quedo en pie en un fuerte terremoto.

• FLW, Casa John Storer, Hollywood

Esta residencia es una de las casa hechas de bloques

prefabricados de hormigón que Wright construyó en el Sur de
California. Los bloques utilizan granito local como material
principal. La vivienda se sitúa encima del nivel de la calle y se
accede al patio principal a través de dos tramos de escaleras junto
a una fuente que desemboca en una pequeña piscina. En la
fachada, cinco puertas acristaladas alternan con columnas de
bloques de piedra decoradas con motivos geométricos. Estas
puertas conducen directamente al comedor, que junto con el salón del segundo piso conforma el eje central de
la casa. La residencia disfruta de orientación norte-sur y luz que penetra a través de ventanas y puertas
acristaladas, aligerando el efecto sólido de la piedra. La distribución de la vivienda permite una fluida circulación
entre los diferentes pisos, y todas las habitaciones se conectan entre terrazas y jardines circundantes.

• FLW, Casa Ennis, Hollywood

Inspirada en los templos mayas y aztecas, esta mansión de hormigón es

majestuosa y atemporal. Su estructura, ornamentación y luz la han convertido en
un espacio icónico. Entre sus características, cuenta con una gran terraza con
vistas panorámicas, 3 dormitorios, 3 baños, 1 aseo y dependencias de servicio.

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 • FLW, Broadacre Cit

Promovía la concentración de población en las ciudades, imaginó una ciudad ideal donde cada familia tendría
una porción amplia de suelo, alrededor de un acre. Las ciudades se disolverían en un territorio igualitario cruzado
por inmensas vías sin intersecciones a nivel, donde circularían numerosos vehículos a motor.

• FLW, Casa Herbert Jacobs, Wisconsin Usonian

Es una vivienda familiar, considerada la primera de sus casas

usonianas, siendo una unidad de estructura, cerramiento,
instalaciones, forma y ornamentación en un único sistema
constructivo. Se eliminan barreras innecesarias, se utiliza un solo
tipo de apertura de suelo a techo y se prolonga el pavimento interior
en las terrazas exteriores. Son casas de una sola planta, con base
eliminada, calefacción integrada en el pavimento radiante, cubierta
plana y paredes de tablones de madera.

• FLW, Casa Kaufman, Pennsylvania (la casa de la cascada)

Construida en Pensilvania. La casa de la cascada, es un reflejo de como él

amaba la naturaleza, lo interesante es como con una serie de bandejas de
hormigón ancladas en la roca madre, Frank Lloyd Wright marca la tensión de lo
artificial del hombre y las condiciones primigenias de la naturaleza.

En el salón predomina la gran chimenea y un elemento de preexistencia de la

gran roca madre, siempre produce el contraste entre materiales en el que
suceden encuentros entre naturaleza y lo que el hombre le proporciona. El salón
de suelo de roca no pulida del todo, esta aflora del suelo para recordar el zócalo
natural en el que se ancla la casa, se ha convertido en imagen pública de la
arquitectura contemporánea.

• FLW, Taliesin West, Arizona

Fue la casa de invierna y la escuela y de FLW en el desierto de Arizona. La

arquitectura se integra armoniosamente con el contorno desértico, utilizando
materiales locales como rocas y arena en su estructura.

Richard Neutra (1892-1970)

Fue un arquitecto Austriaco y considerado uno de los más importantes del Movimiento Moderno. Fusionó la
arquitectura con la naturaleza y creó espacios habitables que reflejaban la vida moderna.

• Casa Lovell

Residencia de estilo racionalista moderno, considerada una de las casas más importantes del
siglo XX y se destaca por ser la primera residencia estadounidense con estructura de acero.
Neutra se inspiró en la tecnología de los rascacielos. Presenta bandas blancas de gunita que
interrumpen la retícula de la estructura, creando una armonía entre muros y verjas de balcón.

• Casa Miller, Palm Springs

Se destaca por su permanente actualidad y su inspiración atemporal. Una habitación principal flexible que puede
transformarse según las circunstancias en dormitorio, salón o lugar de entretenimiento, pareciéndose al
concepto japonés de zashiki. Estructurada en una sola planta, la casa se organiza en torno a un gran salón
común que mantiene contacto visual con el exterior. Los espacios permanecen conectados entre sí, creando una
sucesión de estancias que no resta privacidad a las áreas más personales, como los dormitorios.

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 Rudolf Schindler (1887-1953)

Fue un arquitecto estadounidense de origen austríaco que trabajó principalmente en los Angeles. Aunque se le
asocia con los principios del Movimiento Moderno, su enfoque original y su uso de complejidad espacial,
materiales cálidos y contrastes cromáticos lo distancian de la ortodoxia del estilo internacional.

• Lovell Beach House, Newport Beach

Ubicada frente al mar en un vecindario densamente poblado. La casa se protege de la calle en el lado oeste al
elevar las áreas habitables por encima del nivel del suelo. El espacio abierto debajo revela los marcos de
hormigón armado que tienen forma de un número 8.

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 TEMA 12: Arquitectura y ciudad en España
En 1898 sucede el Desastre del 98, España pierde a Cuba y Filipinas, esta pérdida tiene el valor de ser como un
impacto sobre los españoles, más que consecuencias reales del asunto, tuvo un impacto mental. La Generación
del 98 es un grupo que surge a partir de este Desastre, es un contexto de efervescencia intelectual en España,
destaca en Granada la figura de Ganivet.

En este momento la imagen de España está cuestionada por todo el mundo, la cuestión era saber que
arquitectura correspondía a la esencia del pueblo español, una de las respuestas que más impacto tiene es la
respuesta de los Regionalismos, la idea de acudir a la arquitectura popular de los diferentes puntos de España,
surge la idea de muchos políticos de unidad regional para formar lo español. Muchos arquitectos van a realzar los
valores de cada región.

Leonardo Rucabado
Es un arquitecto santanderino que se fija en las grandes mansiones del norte, conocido más popularmente por la
casona, en esta arquitectura encuentra un estilo conocido como estilo montañés, con las peculiaridades de la
casa montañesa del note. Otro polo del regionalismo es Sevilla

Aníbal González
Sevilla posee personajes que proponen la incorporación a la arquitectura contemporánea andaluza elementos
tomados de la arquitectura mudéjar, destaca la figura de Aníbal González, el gran arquitecto del regionalismo
sevillano, en Sevilla el regionalismo encuentra una de sus muestras más conocidas. Los edificios para la
exposición Iberoamericana del 29. Sevilla queda marcada por los edificios con un regionalismo de formas árabes
y mudéjares. La huella más clara es la Plaza de España

• Plaza de España y Plaza de América, Sevilla

Creándose numerosos espacios como la plaza de España y la plaza de América.

La plaza de España es un palacio en forma de medialuna, abrazada por un canal de agua con cuatro puentes. En
el palacio, destaca el volumen central y las dos torres de los extremos, que son una reinterpretación de la giralda.

Entre esos volúmenes, se dan columnatas que forman un paseo porticado con columnas nazaríes de mármol
que remiten directamente a la alhambra. Toda la ejecución, se reviste de ladrillo visto y cerámica vidriada,
materiales autóctonos andaluces.

En la plaza de América se disponen tres pabellones entorno a una lámina de agua en

el centro, son el palacio de industrias y artes decorativas, diseñado en estilo
mudéjar, un pabellón real en estilo gótico tratando de conectar con el gótico de los
reyes católicos. Por último, un palacio de las artes realizado en renacimiento
andaluz. Pudiendo entenderse así la plaza como un muestrario de arquitecturas
españolas.

Antonio Palacios (1874-1945)

Conocido por su papel en la transformación de Madrid a principios del siglo XX. Su estilo combinó elementos del
modernismo y el eclecticismo. Construye elementos monumentales, innovadores con soluciones técnicas y
estética, e integra elementos tradicionales españoles con las nuevas corrientes arquitectónicas de su tiempo.

• Edificio Central de Correos y Telecomunicaciones, Madrid. 1903-1918

La aparición de una arquitectura monumental emparentada con el Art

Decó, arquitecturas clasicistas, pero sin poder asociarlas a un orden
clásico, el principal representante es Antonio Palacios, fue objeto de la
burla de Lorca al no apostar éste por el mismo tipo de arquitectura.

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 • Círculo de Bellas Artes, Madrid. 1919-1926

El círculo de bellas artes es una institución cultural de primer

orden en Madrid, hay espacios culturales, talleres, exposiciones,
seleccionan a la mejor gente para intervenir. Es un lugar
importante de cultura, crea un edificio que plantea una alusión a
clasicismo, pero con lenguaje moderna. Una arquitectura
monumental que recupera algunos valores del clasicismo. Es un
edificio cuya escalera es inmensa y luego la terraza es
espectacular donde se hacen continuamente anuncios y
publicidad

Antonio Flórez (1877-1941)

Famoso por su enfoque funcional y racionalista, integrando conceptos de higiene y bienestar en sus diseños. Fue
un innovador en la arquitectura institucional, con un enfoque en la funcionalidad y el bienestar de los usuarios,
dejando un legado significativo en la arquitectura española.

• Pabellones en la Residencia de Estudiantes, Madrid. 1913-1915

Se convierte un uno de los focos intelectuales de España en los años 20,

estaba ligada al institución libre de enseñanza, es un foco importantísimo
que recibió prestigiosas visitas. Pasó durante todo el franquismo una etapa
de abandono, Aquí estudio Federico García Lorca, participaba en este
movimiento a favor de una verdadera tradición, se preocupó por arquitectura,
esto lo plasma en sus dibujos de aspecto infantil. Nos interesa el Lorca que
se preocupa de Arquitectura, para él la arquitectura popular, hablaba
refiriéndose a estas cosas llamándolas arquitectura zarzuelizada. En 1922
Manuel de Falla y él se inventa el concurso de Cante Jondo.

• Escuela Normal de Granada. 1928

Viéndose la reinterpretación de elementos mudéjar

Teodoro Anasagasti, Cementerio ideal

Plantea un cementerio vertical, con múltiples niveles, que ahorra espacio y está diseñado con criterios higiénicos
y estéticos. Su diseño incluye áreas verdes, espacios para la meditación y estructuras que permiten un
mantenimiento eficiente. Este concepto busca resolver los problemas de saturación de los cementerios
tradicionales y ofrecer un entorno más sereno y respetuoso para el descanso final.

• Carmen del pintor Rodríguez-Acosta, Granada

Es un edificio complicado en cuanto a su autoría, es un proyecto que se va modificando, posee una historia
complicada. Lo interesante es primero el personaje del pintor, un personaje muy particular, muy rico y culto que
interviene en el proyecto. Posee un jardín clasicista, se ve como se dan la mano la tradición mediterránea de
volúmenes puros y blancos, la idea de la arquitectura como juego de volúmenes bajo la luz, la fuerte influencia
de la Secesion, es la contemporaneidad más absoluta.

El primer proyecto, lo diseña Ricardo Santa Cruz, planteando una propuesta

neoárabe, pero de aquí, se coge el espacio en planta que se va a utilizar. El
proyecto de Teodoro Anasagasti, continua con el regionalismo, introduciendo
elementos que se asemejan al renacentismo. Finalmente, se acude a José Felipe
Giménez Lacal, arquitecto local, que limpia y fusiona los diseños anteriores,
donde, además, se sigue viendo la esencia del Carmen granadino.

100
 Secundino Zuazo
Es un personaje más importante en la recuperación de ese clasicismo, es muy importante por muchos
conceptos, es uno de los grandes de la primera mitad del siglo XX, Suazo es uno de los que más contribuye a dar
forma al ocio urbano, el gran edificio cinematográfico. No es un moderno radical, es representante de una
modernidad tímida que se queda con un paso atrás respecto a los grandes alemanes, atrasado respecto a lo
internacional.

• Edificio de Correos de Bilbao. 1927

Se da una entrada neobarroca, con un frontón partido, pero, por lo demás, el

edificio es un prisma limpio, con caras rectas y ventanas de grandes
dimensiones además de una composición depurada.

Además, construye bancos por España, como el banco de España en

Granada, con una entrada neobarroca y una facha estructurada por un orden
de pilastras corintias gigantes que abarcan los tres niveles de ese alzado.

Su planta es en U, donde no coinciden el eje de simetría con el eje de acceso, siendo perpendicular al de
simetría. En el lado más largo, sitúa el patio de operaciones.

• Casa de las Flores, Madrid. 1928-1932

Realiza aquí una de las obras más importantes de la arquitectura

española en el siglo XX, es el modo en el que afronta el tipo de vivienda.
Tiene un par de cosas interesantes, el lenguaje descarnado del ladrillo, se
deja influir en las teorías del valor expresivo de ladrillo, sin revestir, se
deja influir por esos conceptos. Por otra parte, la atención que le presta al
balcón corrido, e del piso burgués, con una terraza más a lo Le Corbusier.
La otra parte importante es la creación de los patios de manzana que
actúan como lugar de encuentro, funcionan como plazas, conoce lo que
se está haciendo en Viena y en Holanda, está enterado de lo que se está
haciendo respecto al tema de Manzana.

• Frontón Recoletos, con Eduardo Torroja, Madrid. 1935

Obra en colaboración de los dos anteriores. Torroja le da forma a la idea de Suazo en las
bóvedas que parecen una bóveda de las basílicas romanas, se abren para crear esos
lucernarios, es una buena relación entre proyecto y construcción

Eduardo Torroja
Su enfoque combinó la creatividad arquitectónica con la precisión ingenieril, destacándose en el diseño de
formas estructurales eficientes y estéticamente atractivas. Fue un académico influyente y un prolífico escritor,
contribuyendo significativamente a la teoría y la práctica de la ingeniería estructural. Su legado perdura en su
capacidad para desafiar los límites técnicos y estéticos de su época, dejando una huella indeleble en la
arquitectura y la ingeniería moderna.

• Hipódromo de la Zarzuela, Madrid, con Carlos Arniches, Martín Domínguez. 1936

Siendo una cubierta realizada por bóvedas de cañón de hormigón armado y voladas. Abajo, se da una arcada.

101
 • Mercado de Algeciras, con Manuel Sánchez Arca. 1934-1935

Con una planta octogonal, se realiza una cúpula circular, cuyos lados del
octógono se resuelven con bóvedas de casquete de esfera que cubren en
voladizo esos accesos. Además, se da en el centro una celosía para dejar
pasar la luz.

Fernando García Mercadal

Conocido por ser el primer arquitecto en introducir el racionalismo arquitectónico en España. Refleja su interés
por la funcionalidad y la simplicidad, principios fundamentales del movimiento moderno.

• Rincón de Goya, Zaragoza. 1928

Pabellón diseñado para conmemorar el centenario de la muerte del pintor Francisco de Goya. Destaca por su
sencillez y elegancia, características del neoclasicismo, con elementos como columnas dóricas y una simetría
equilibrada. El edificio ha sido restaurado varias veces.

Castro Fernández-Shaw
Es un personaje provocador, publicaba una revista él solo, tenía el título de Cortijos y Rascacielos, es sobre todo
el más influido por el lenguaje del expresionismo, por las formas fluidas y espectaculares, lo demuestra en sus
obras.

• Gasolinera Porto Pi, Madrid. 1927

Destruida y reconstruida por su interés, es un edificio muy moderno para los tiempos,
tiene una visera horizontal y una torre para publicidad, es símbolo de modernismo
madrileño

• Salto de Jándula, Andújar, Jaén. 1925-1933

Es una obra muy interesante, es una hibridación de ingeniería y arquitectura

• Concurso del Aeropuerto de Barajas

Es un proceso imparable de modernidad en España, un concurso que no gana, pero tiene una enorme influencia
de otros proyectos

• Joaquín Manuel Aizpurúa y Joaquín Labayen, Club Náutico de San Sebastián. 1929-1930

Es una tipología de edificio mítica de la época, es un edificio que se

ancla en la orilla, se convierte en una alusión a un barco varado en ese
muelle que recrea. Es una ampliación del antiguo Real Club Náutico.
Sigue el estilo barco de Le Corbusier. Distribuyen racionalmente las
diferentes dependencias (cuartos de bañistas, vestíbulo, restaurante,
terraza, biblioteca) sobre pilotes y organizan el espacio libremente
abriendo amplias ventanas continuas por donde se divisa el mar.

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 Luis Gutiérrez Soto
Conocido por su versatilidad y adaptación a diferentes estilos arquitectónicos a lo largo de su carrera. Se le
considera una figura clave en la transición de la arquitectura española desde el historicismo hacia el
racionalismo y el movimiento moderno.

• Cine Barceló, Madrid. 1930

De lenguaje moderno, sigue la tipología de los cines de la época, pero este es más
moderno que el cine de Suazo.

• Piscina La Isla, Madrid. 1931

Estaba en una isla del rio Manzanares, se idealiza una piscina para las masas
debido a la preocupación por la salud pública, la vida al aire libre que proporciona al
pueblo aspectos saludables. Es un proyecto muy moderno, aunque posee formas
racionalistas parecidas a las piscinas holandesas.

Josep Lluís Sert (1902-1983)

Es un arquitecto que llega a conocer a la vanguardia europea, incluso a participar en ella, llegó a trabajar en el
estudio de Le Corbusier, con el que mantuvo una buena relación. Llegó a participar en los CIAM.

• Casa Duclós, Sevilla. 1930

Se convierte en la primera vivienda del movimiento moderno en

Andalucía, es una casa que se ve muy influida por Loos, pero en ella
existen características de Le Corbusier.

• Edificio Calle Muntaner, Barcelona. 1931

Es un edificio dúplex financiado por un familiar, aparecen acristalamientos y tratamientos del acero, el
tratamiento de los balcones y terrazas es volada y en algunos casos rehundidas

• Plan Macía, Barcelona

Le Corbusier recibe el encargo del plan de la ciudad radial para Barcelona, frente al casco histórico y al plano de
Cerdá, él promovía un plan ordenado en manzanas más grandes con un centro de negocios formados por
rascacielos, quedando a las afueras las zonas de las industrias, pero finalmente no se llevó a cabo.

• GATEPAC (Grupo de Artistas y Técnicos Españoles para el Progreso de la Arquitectura

Contemporánea)
Responde un poco a la llamada que habían hecho los CIAM. Se publica durante los años que duró la República la
revista AC (Actividad Contemporánea), eran diferentes números con monográficos que sirvió como medio de
consolidación para el movimiento moderno, existen números que han sido dedicados a la arquitectura popular y
a los bulevares, como encuentro de la arquitectura popular y la moderna. El grupo llegó establecer contactos con
el gobierno durante la Segunda República Española y colaborar en algunos proyectos arquitectónicos
gubernamentales, si bien no a gran escala. El GATEPAC no tuvo legado en España hasta la década de 1950,
cuando sus publicaciones dejaron de ser censuradas por el régimen de Franco y su obra fue recogida por una
nueva generación de arquitectos modernos españoles como Oriol Bohigas

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 • Ciudad de Repòs i Vacances

La llevan a cabo Sert y GATAPAC, se sitúa en un lugar para el ocio para las masas trabajadoras de la ciudad, se
situaría dónde está hoy el aeropuerto de Barcelona. Representan la unión de arquitectura y urbanismo social,
para esta clase social, se desarrollan espacios públicos, baños comunes, un lugar para pasar el fin de semana.
Es uno de los proyectos más ambiciosos del GATCPAC a realizar en una franja costera. Se concibe como una
zona ordenada de descanso y de vacaciones. Integra todas las ideas que el grupo tenía acerca del nuevo
urbanismo y la arquitectura. Se pensaba en el bienestar de las personas y en la creación de puestos de trabajo.

Para evitar crear una simple playa más de moda, ordenaron en zonas los
diferentes servicios: zona de baño con piscinas, tiendas, espectáculos al aire
libre; zona de fin de semana, con espacios para casas desmontables y camping;
zona de residencia, con hoteles funcionales carentes de todo lujo, casas para
alquilar, campos de deporte y parques, etc. También se proyectó un plan de
saneamiento y una red viaria.

Lo que destaca de esta ciudad es la autoconstrucción, llegan a respetar el litoral y conservar el medio natural,
son unas construcciones baratas, se trata de construcciones prefabricadas y arquitecturas ligeras y efímeras.

Josep Luis Sert y Josep Torres

• Casas de Fin de Semana, Garraf. 1935

Manifiesta la idea de aproximación entre arquitectura contemporánea y arquitectura tradicional, el basamento

apuesta por la piedra natural, el material del lugar, sin embargo, la vivienda es puramente moderna, es una
vivienda que responde al ocio de masas y al manifiesto de encuentro entre las dos arquitecturas, en el mobiliario
las sillas son de materiales tradicionales. Una cosa que llama la atención es la ducha fuera de la casa, la ducha
al aire libre es algo típico moderno.

• Con Joan Baptista Subirana, Casa Bloc, Barcelona. 1934-1936

Es el edificio estrella de toda esta arquitectura, forma parte de las

infraestructuras públicas, es un edificio que pretendía ser un edificio de
viviendas populares y que en definitiva no es más que una plasmación del
sistema del Mueble Villa de Le Corbusier, un bloque que describe zigzag que
deja en medio espacios públicos y abiertos, son plazas semicerradas. Los
pisos son dúplex con los espacios mínimos, poseen balcón y zona de estar, es
una idea muy de Le Corbusier, los arquitectos soviéticos ya habían empezado
a tratar este tema, pero aplicándole temas típicos de la vivienda burguesa. La
casa Bloc tuvo un destino significativo, es un símbolo de lo que ocurre en
España en esos años, se acabó de construir después de la guerra. Franco se hace con el poder y se termina la
casa, pero lo que iba a estar destinado a casas de gente normal, se destinaron a civiles mutilados durante la
Guerra, por sus servicios militares se les daba una vivienda de esta casa. Esta casa ha tenido varias
transformaciones. Tras el gobierno de la Generalitat, este edificio se convierte en un hito cultural. Es un ejemplo
interesante de como la arquitectura va por un sitio.

• Con Joan Baptista Subirana, Dispensario Antituberculoso, Barcelona. 1935

Lo llevan a cabo Sert y Subirana, Cataluña logra la inspiración del gobierno autonómico y los arquitectos
modernos, se podrán a trabajar en los equipamientos públicos, de esta manera se disponen a realizar este
dispensario, la tuberculosis era una enfermedad que era síntoma del atraso en sanidad en la población. El
hospital posee un gran patio ajardinado, con grandes ventanas y cristaleras para favorecer la ventilación y la
iluminación. Siguen un modelo de arquitectura higiénica y soleada, racional y funcional. Son tres bloques en un
solo cuerpo de cuatro plantas, cada una con una función: portería, dispensario, administración y sala de
conferencias. Este monumento a la sanidad pública, realmente se llegó a realizar con un escaso presupuesto.

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 • Josep Lluís Sert y Luis Lacasa, Pabellón Español en la Exposición Internacional de París

España está en plena guerra, en esta exposición algunos intelectuales republicanos convencen al Gobierno de
que España debe de dar la imagen de la España republicana acosada por militares fascistas, la rentabilidad de
imagen política es mucho mayor. Es un pabellón encargado a Sert y Luis Lacasa. Se basa mucho más que en lo
estáticos, en los flujos de los visitantes, se impone el criterio de Sert, es un pabellón de bajo costo porque se
usan materiales de los que se ofertan en catalogo las empresas del momento, es un edificio pionero en el empleo
de fibrocemento, tiene la virtud de lo económico y ese aspecto de modernidad, todo se confía al aspecto
propagandístico. La planta baja tiene un anfiteatro para representaciones de la imagen de España. En las plantas
superiores hay tabiques móviles que modifican espacios según interese. No muy lejos de este pabellón, se sitúa
próximo el pabellón de Le Corbusier que estaba hecho de elementos textiles, tol dos y cables que lo mantenía, el
modelo era la tienda del nómada. En ese momento esos dos pabellones se plantean como dos elementos de
modernidad ligera alado estaba también los pabellones de la URSS y de la Alemania nazi, otra parte interesante
del pabellón, es que recuerda bastante al de 1925 de Mecniklov. Un aspecto inseparable son los elementos que
se recogieron en él, por ejemplo, el Guernica de Picasso, o alguna escultura de Kalder y obras de Miró. Con este
pabellón ha pasado lo mismo que con el de Mies, que se ha reconstruido, se desmonto y las obras volvieron a su
sitio, en 1992, se decide construir en Barcelona, es una reconstrucción bastante bien hecha pero que plantea el
debate de hasta qué punto es justificable reconstruir una arquitectura efímera.

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