14.
LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XX
Introducción
La música de principios del siglo XX se caracteriza por la convivencia de diferentes
tendencias que surgen con la intención de actualizar el lenguaje musical y darle nuevas
herramientas de expresión. Después de todas las experiencias llevadas a cabo por Liszt,
Wagner y Debussy con la voluntad de ampliar la tonalidad, entre los años 1910 y 1930,
se llega al punto culminante de una etapa en la cual los compositores se cuestionan los
principios armónicos tradicionales. Paralelamente, a partir de la década de los años
treinta, y sin abandonar del todo la tonalidad, algunos compositores intentarían un retorno
a la música anterior, buscando una síntesis entre los recursos formales de la música vieja
y las innovaciones estilísticas de la música contemporánea. Algunos quieren recuperar
lenguajes o sistemas musicales dentro del movimiento denominado Neoclasicismo.
1. La recuperación de lenguajes anteriores en Francia
Como alternativa al Impresionismo, surgieron otras posturas estéticas más o menos
conservadoras. En general, estas tendencias defendían la transparencia de las melodías,
la construcción de esquemas formales bien definidos y un discurso musical que
favoreciese el lirismo.
Erik Satie: composiciones para piano con títulos decarácter surrealista que esconden un
espíritu irónico e ingenioso, como Tres fragmentos en forma de pera, Embriones
desecados o Genuinos preludios fláccidos). En las partituras de estas obras aparecen
comentarios que tenía Debussy de introducir en sus obras matices y formas de tocar: Satie
tambiénasumió ciertas influencias de la técnica impresionista, como se observa en Trois
gymnopédies para piano y en el drama sinfónico Socrate. El carácter antisentimental y la
marcada tendencia a una escritura sobria y rigurosa son rasgos que anuncian el lenguaje
del Grupo de los Seis, del cual hablaremos más adelante.
Maurice Ravel: visión impresionista, en el sentido del gusto por la expresión musical
exótica, una gran afinidadcon el piano y la utilización de determinadas armonías. posee
un tipo de escritura pianística brillante y virtuosística. experimentaba con el piano
recursos armónicos que después utilizaba en la composiciónde obras sinfónicas. Obras:
Ma mère l’oye, La tumba de Couperin yEl vals. Las obras para piano más vinculadas al
estiloimpresionista son: Pavana para una infanta difunta, Juegos de agua o Gaspar de la
noche. Utilizó técnicas impresionistas, pero con un lenguaje muy personal y tiende a
marcar los perfiles de sus melodías. No era del todo neoclásico.
1
2. La Segunda Escuela de Viena
Segunda Escuela de Viena es el nombre con el que se conoce al grupo de compositores
formado por Arnold Schönberg y sus discípulos Alban Berg y Anton Webern, los tres
vieneses vinculación al expresionismo. El expresionismo fue un movimiento artístico
durante el primer cuarto del siglo XX en Alemania, que buscaba plasmar los propios
sentimientos y emociones.
El compositor expresionista rechaza lasnormas del sistema armónico tradicional y tiende
hacia un lenguaje atonal. El lenguaje atonal no tiene en cuenta las funciones tonales
clásicas, fundamentándose en la emancipación de la disonancia.
Arnold Schönberg
Fue el principal exponente del expresionismo musical. Consideraba que el compositor
tenía que transmitir la experiencia del mundo interior del hombre, angustiado por sus
tensiones y por las ansiedades.
Schönberg quiso continuar esta líneainiciada por el compositor alemán y que conduciría
al desmantelamiento de la tonalidad, a través de un lenguaje expresionista que dio a
conocer con el estreno de Nochetransfigurada para sexteto de cuerda y que consolidaría
con las obras siguientes,el poema sinfónico Peleas y Melisande y el oratorio Canciones
de Gurre, para solistas, narrador, cuatro coros y gran orquesta. Estas primeras obras
tienen todavía unos vínculos con la tonalidad.
La adopción de una atonalidad fundamentada en el cromatismo se evidencia de una
manera clara en el Cuarteto de cuerda nº 2 el ciclo de canciones El libro de los jardines
colgantes y las Cinco piezas para orquesta, op. 31. Dos años después publica su Tratado
de armonía, y un año más tarde, en 1912, escribe su obra Pierrot Lunaire, un ciclo de
canciones para voz y conjunto instrumental, basadas en unospoemas de Albert Giraud,
donde utilizará el atonalismo.
Más tarde da a conocer la técnica dodecafónica. Las primeras Cinco piezas para piano,
op. 23 (1. Después vendrían otras creaciones basadas en el mismo método compositivo,
como el Quinteto de viento, op. 26 (1928) y las Variaciones para orquesta,op. 31 (1928)
y la ópera cómica en un acto De hoy para mañana (1930). Entre el año 1931 y 1932,
escribió dos actos de los tres de una ópera que no llegaría a acabar Moisés y Aarón.
2
Schönberg se daba cuenta de la necesidad de renovar el lenguaje musical, pero al
mismotiempo admitió que el reciente y consolidado método dodecafónico no era el
más adecuado, puesto que resultaba demasiado artificioso y racional. De hecho, la
misma evolución artística de Schönberg hace evidente la crisis que el lenguaje musical
experimentaba durante el primer cuarto de siglo, y la desorientación de los
compositores, preocupados por la problemática de la comunicaciónmusical. Después
de otro periodo sin componer, Schönberg sintió la necesidad de recuperar la fuerza
emotiva del lenguaje expresionista, pero tonal, de sus primeras obras con la
composición de la obra Un superviviente de Varsovia.
Berg y Webern
En el periodo en que Schönberg ya había adoptado un lenguaje atonal pero todavía
fundamentado en el cromatismo, conoció a quienes serían sus discípulos, Anton
Webern y Alban Berg. Berg heredó la vertiente expresionista posromántica del
dodecafonismo, mientras que Webern se alejó del espíritu romántico tardío alemán y
desarrolló una escritura rigurosa, austera y de gran dificultad interpretativa.
Alban Berg utilizó el método dodecafónico de una manera muy libre en susobras, y
consiguió conjugar los procedimientos formales de la técnica serial con el lenguaje
expresionista. Berg es quizá el compositor dodecafónico de su época que mejor supo
conectar con el público, su lenguaje no llega a alejarse del todo dela tonalidad clásica
a pesar de emplear procedimientos serialistas. El lenguaje expresionista de Berg está
ya consolidado casi desde sus primeras obras. Algunas de las mejores creaciones del
compositor son la Suite lírica, para cuarteto de cuerda el Concierto para violín (1935)
y las óperas Wozzeck y Lulu. Las dos óperas poseen un grancontenido dramático y un
lirismo muy expresivo. Wozzeck simboliza la tragedia de las clases sociales más
humildes, mientras que Lulu es la tragedia de la alta burguesía.
Anton Webern antes de adoptar definitivamente el método dodecafónico era de
estética posromántica, con influencias brahmasianas y mahlerianas, como se evidencia
en Passacaglia para orquesta, op. 1. A partir de este momento, su escritura fue
experimentando una evolución hacia un atonalismo libre para la composición de obras
de duración corta, con una textura muy densa y sin desarrollo temático. Las Cinco
piezas para cuarteto de cuerda, op. 5 y las Seis piezas para orquesta, op. 6,son
ejemplos de este lenguaje. Utiliza procedimientos serialistas, pero todavía no aplica el
método dodecafónico en la concepción schönbergiana. También utiliza la técnica de la
3
"melodía de timbres", basada en la creación de líneas melódicas apartir de la combinación de
timbres de los instrumentos que van tocando las diferentes notas.
La aplicación por primera vez del método dodecafónico vendría con las Tres canciones,
op. 17. Las principales obras de la última etapa de Webern son la Sinfonía op. 21,,las
Variaciones para piano, op. 27,el Cuarteto de cuerda, op. 28,y las Variaciones para
orquesta, op.30.
3. El Futurismo y el arte de los ruidos
«futuristas» en Italia.
El arte de los ruidos, el compositor futurista Luigi Russolo sostenía que la música tenía
que adaptarse al mundo moderno, defendía que se podía obtener un placer mayor de la
«combinación de los ruidos de los tranvías, los motores de combustión interna, los
automóviles y las hordas de gente que de volver a oír, obras de antes de Beethoven etc.
Su visión de un «arte de los ruidos»ha tenido un efecto duradero. La idea del ruido de
los futuristas es una consecuencia de la expansión radical de los límites de la armonía
durante aquellos años. Si cualquier combinación de sonidos podía tener potencial
musical, entonces cualquier sonido o ruidopodía ser considerado como música. Los
instrumentos de percusión de sonido indeterminado se han venido usando a lo largo de
toda la historia, y los sonidos del ambiente se han abierto paso en los teatros de ópera
en forma de «efectos especiales» mediante máquinas de viento y de truenos, yunques y
campanas de iglesia. Para Russolo y los futuristas los ruidos del mundo moderno debían
convertirse en el material primario de la música.
Los futuristas presentaron sus obras en una serie de conciertos en Italia y en Londres
en 1914, el movimiento se hizo añicos al estallar la Primer Guerra Mundial. un
fragmento de la partitura de Russolo La ciudad que asciende muestra cómo los
futuristas anticiparon técnicas compositivas que no iban desarrollarse plenamente
hasta después de la Segunda Guerra Mundial. Especialmentellamativa es la notación
gráfica que usó Russolo para indicar un continuo de sonidos.
4. Neoclasicismo
Consistía en la recuperación de formas, sistemas musicales y procedimientos
compositivos anteriores al siglo XIX, sobre todo de la época barroca y clásica. El
compositor neoclásico tendía a la recuperación de lenguajes del pasado, más sencillos
y más cercanos al gran público. Siglo XX, los compositores que hacen esta mirada al
4
pasado son algunos de los integrantes del Grupo de los Seis, Hindemith y Stravinsky.
Destacar a los alemanes compositores Kurt Weill y Karl Orff.
El Grupo de los Seis
Estos compositores formaban parte de un grupo que se conocía con el nombre de (“Los
Nuevos Jóvenes”),impulsado por Erik Satie, fueron muy influidos por Satie y por el poeta
y dramaturgo francés Jean Cocteau quien hizo de mentor de los compositores. Cocteau
proponía una simplificación del lenguaje musical, la utilización de una instrumentación
que favoreciese los timbres puros, el uso de formas breves pero innovadoras y todo
aquello que se alejaradel expresionismo alemán.
Hindemith: se adscribió a latendencia expresionista, pronto optó por crear su propio
método compositivo, fundamentado en la tonalidad clásica. La escritura de
Hindemith evidencia los fundamentos del sistema clásico; y el autor se sintió
vinculado a la tradición europea. Elcompositor se esforzó por crear un método
compositivo propio y por defender la validezde la tonalidad clásica. Expuso sus ideas
en el libro teórico Lecciones de composición.
Kurt Weill: utilizó la ópera y las músicas de cabaret como reacción contra las doctrinas
integrales de Wagner. En colaboración con Bertold Brecht, produjo La óperade los tres
centavos y Surgimiento y caída de la ciudad de Mahagonnery.
Karl Orff; es autor de la conocida cantata Carmina Burana, una versión libre de
canciones alemanas y latinas inspiradas en la figura de los goliardos de la Alemania
medieval. Construida a partir de bloques sonoros densos, ritmos insistentes y
repetitivos y armonías sencillas, Se relaciona mucho con la educación infantil.
5. El eclecticismo de Stravinsky
Igor Stravinsky; habilidad para asimilar estilos y técnicas compositivas, uno de los
creadores más influyentes de la música del siglo XX. Compuso una gran cantidad de
obras en diferentes géneros y adoptó distintos estilos, como el primitivismo (una
tendencia que buscaba expresar lo más instintivo y cercano alos aspectos básicos de la
existencia humana, como la libertad o la espiritualidad), la música tradicional rusa, el
jazz, el neoclasicismo, la atonalidad y el serialismo.
Stravinsky se consagró como músico de fama internacional a partir del estreno en París
de tres ballets representados por la compañía de Diaghilev: El pájaro de fuego,
Petrushka y La consagración de la primavera. Estos tres ballets clásicos, atrevidos e
innovadores para la época, la música es una parte integrante, junto con el teatro, la
danza, la escenificación y los decorados. Stravinsky definió La consagración como
5
unos «cuadrosde la Rusia pagana», obra de las más revolucionarias e importantes de la
historia de la música clásica por sus innovaciones en la armonía, el ritmo y la
orquestación. Su estreno, en París.
La escritura de Stravinsky, etapa que se inicia con el ballet Pulcinella en el que adopta
el lenguaje clásico del siglo XVIII. Esta tendencia a recuperar lenguajes del pasado ya
se aprecia anteriormente en los ballets Historia del soldado y Las Bodas. Esta evolución
utiliza mayoritariamente conjuntos de cámara, piano y coros para la composición de
obras como la Sinfonía de Instrumentos de Viento y la Sinfoníade los Salmos para
coro mixto y orquesta. Se interesaría por los temas clásicos,en especial de la mitología
griega. Su mejor obra de esta etapa es la ópera-oratorio Edipo rey, para solistas,
narrador, coro masculino y orquesta, basada en la obra de Sófocles y escrita con el
lenguaje musical de Haendel. (La carrera del libertino", basada en las pinturas y
grabados de William Hogarth, marca el final de la etapa neoclásica.
A partir de entonces, Stravinsky adoptó una escritura serialista de gran austeridad, por
influencia de las técnicas dodecafonistas de la Escuela de Viena. Algunas de las obras
más destacadas de este periodo son Threni para voces y orquesta, a partir textos de las
Lamentaciones del profeta Jeremías, Mouvements para piano y orquesta, yVariations,
para orquesta.
6. La Rusia postsoviética. Prokofiev y Shostakóvich
A principios del siglo XX, Stravinsky, Scriabin, Prokofiev y Shostakóvich se
caracterizó por innovar procedimientos compositivos. Algunos acabarían emigrando
debido a la Revolución Rusa, pero otros preferirían quedarse en el país y contribuir a la
música soviética. Durante las primeras décadas del siglo, llegaron las músicas de
vanguardia que los compositores utilizarían para componer obras inspiradas en el
espíritu revolucionario de aquel tiempo.
La Revolución de Octubre de 1917 significó el final del viejo imperio ruso y el
nacimiento de las repúblicas socialistas soviéticas , la música se centró en temas
relacionados con el proletariado. Pero a partir de 1930, el Estado y el Partido iniciaron
un control exhaustivo de toda la producción artística soviética, con el fin de nopermitir
la difusión de aquellas obras que no sirvieran los intereses del Estado soviético, de
modo que loscompositores preferirían buscar la fuente de inspiración en las tradiciones
y elementos del folclore musical. En este clima represivo, únicamente figuras como a
Serguei Prokofiev y Dimitri Shostakóvich consiguieron continuar produciendo obras.
6
7. La música nacionalista
Europa oriental:
Bartók fue, junto con su compatriotaZoltán Kodály, uno de los principales precursores
de la etnomusicología. Con la ayuda de Kodály, Bartók se dedicó a ir pueblo por pueblo
recogiendo la música folclórica de supaís con un fonógrafo rudimentario y un papel
pautado como únicas herramientas. No solo le interesaba el folclore húngaro, también el
eslovaco, el rumano o el turco atraían su atención. descubrió que la música folclórica
era una fuente inagotable de inspiración que le permitía desarrollar un lenguaje original,
y desvincularse del legado de la tradición romántica anterior, sobre todo de Liszt,
Brahms y Richard Strauss.
Béla Bartók representa, junto con la del finés Jan Sibelius y la del español Manuel de
Falla, la postura nacionalistamás abstracta, puesto que utiliza el material folclórico con
un lenguaje muy personal, y evita la reproducción literal de una melodía o un ritmo
populares. Los tres, cada uno dentro de su dialecto, consiguieron fusionar la música
folclórica y la escritura moderna de la música culta.
Finlandia: Sibelius
No emplea material folclórico de la música de su país, sí se dejó inspirar por leyendas
de la literatura popularfinesa. Las primeras composiciones evidencian una influencia
wagneriana, sobre todo por el uso del leitmotiv, y que progresivamente irá
desapareciendo, lo que le permitió una mayor libertad para crear melodías evolutivas y
formas musicales orgánicas. Sibelius se alejó de las tendencias musicales europeas del
momento y, de manera progresiva, su música tendió hacia la depuración y la
concentración.
Gran Bretaña
Los primeros compositores que se aventuraron en la tarea de conseguir situar la música
inglesa al mismo nivel que los otros países europeos fueron Edward Elgar yFrederick
Delius A la segunda generación de compositores ingleses pertenecen Vaughan
Williams y Gustav Holst. A la última generación de compositores ingleses pertenece
Benjamin Britten ,
