ÍNDICE
Unidad 4. El Rococó, el Estilo Galante y el Empfindsamer Stil
4.1 El estilo Rococó: denominación y características………………………………pag.2
4.2 El Estilo Galante de Domenico Scarlatti………………………………….........pag.8
4.3 El Empfindsamer Stil de Carl Philipp Emanuel Bach…………………………pag.10
Índice de ilustraciones
Fig. 1 Interior de estilo rococó del palacio de Gatchina, cerca de San Petersburgo, en
Rusia........................................................................................................................................ 2
Fig. 2 Peregrinación a Cythera de Jean-Antoine Watteau (1721, Louvre). ........................ 3
Fig. 3 Jean-Antoine Watteau (1684-1721).............................................................................. 5
Fig. 4 Palacio Solitude (Stuttgart), un exponente de la arquitectura rococó en la
Alemania meridional. ............................................................................................................ 6
Fig. 5 Cupido de Edmé Bouchardon (1750). ........................................................................ 7
Fig. 6 Sonata XVI “Essercizi per gravicemvalo .................................................................. 10
Fig. 7 Clavicordio ................................................................................................................. 11
Fig. 8 Carl P. E. Bach (1714-1788) ........................................................................................ 11
Fig. 9 Fragmento de Versuch über die wahre Art das Clavier zu spielen. ...................... 12
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4.1 El estilo Rococó: denominación y características.
Rococó (del fra., rocaille, “pedregal”, y posiblemente coquille, “concha”). Término
usado para referirse al estilo de arte decorativo y arquitectónico francés de finales del
siglo XVII y el siglo XVIII caracterizado por su delicadeza, elegancia e ingenio, en
contraste con las líneas más severas del Barroco. Por analogía, el término se ha aplicado
vagamente a la música ligera, generalmente íntima y de pequeñas dimensiones del
mismo periodo en Francia, principalmente las obras de François Couperin. El estilo fue
ampliamente imitado, en particular al sur de Alemania y Austria.
El Rococó debe ser considerado como una variante del Barroco y no como un estilo
contrario. Su efecto es el del barroco domesticado, más adaptado a las elegantes casas
urbanas que a las salas de los palacios. Figuras de porcelana, platería y, ante todo, el
mobiliario incorporan la estética del Rococó. Se aprecia el carácter exótico del arte
chino y, en Francia, se imita este estilo en la producción de porcelana y vajilla de mesa.
Fig. 1 Interior de estilo rococó del palacio de Gatchina, cerca de San Petersburgo, en
Rusia.
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Aunque los aristócratas eran los que imponían las modas y eran los árbitros del gusto,
su influencia en las artes se fue debilitando cada vez más; dejando en manos de la
burguesía, no sólo las riquezas con las riendas del mecenazgo, sino la educación,
haciendo que la clase media se expresara cada vez más a través de la música y el arte.
Dicho estilo, está al servicio de la aristocracia y la burguesía que busca reproducir el
sentimiento típico de la vida aristocrática, libre de preocupaciones, o de novela ligera,
más que batallas heroica o figuras religiosa. Las escenas de su pintura recogen este
nuevo estilo de vida.
Fig. 2 Peregrinación a Cythera de Jean-Antoine Watteau (1721, Louvre).
Este estilo es difundido gracias a los artistas franceses, que pasan a trabajar con más
libertad, a las publicaciones de la época y a la expansión del mercado del arte. Siendo
acogido rápidamente en la zona católica de Alemania, Bohemia y Austria, donde se
fusiona con el Barroco germánico. El Rococó germánico fue aplicado con entusiasmo
en la construcción de casas y palacios. Los arquitectos a menudo adornaban los
interiores con «nubes» de estuco blanco.
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En Italia, el estilo tardobarroco de Francesco Borromini y Guarino Guarini evoluciona
hacia el Rococó en Turín, Venecia, Nápoles y Sicilia, mientras que el arte en la Toscana
y en Roma se mantiene todavía fuertemente ligado al Barroco, pero con sus
características básicas muy marcadas.
En Inglaterra, el nuevo estilo fue considerado como «el gusto francés por el arte». Los
arquitectos ingleses no seguirían el ejemplo de sus colegas continentales, a pesar de que
la platería, la porcelana y las sedas sí estuvieron fuertemente influenciadas por el
Rococó. Thomas Chippendale transformó el diseño del mobiliario inglés mediante el
estudio y la adaptación del nuevo estilo. William Hogarth contribuyó a crear una teoría
sobre la belleza del Rococó; sin referirse intencionadamente al nuevo estilo, afirmaba en
su obra Análisis de la belleza (1753) que la curva en S presente en el Rococó era la base
de la belleza y de la gracia presente en el arte y en la naturaleza.
El fin del Rococó se inicia en torno a 1760, cuando personajes como Voltaire y Jacques-
François Blondel extienden la crítica sobre la superficialidad y la degeneración del arte.
Blondel, en particular, se lamentó de la «increíble mezcla de conchas, dragones, cañas,
palmas y plantas» del arte contemporáneo. En 1780 el Rococó deja de estar de moda en
Francia y es reemplazado por el orden y la seriedad del estilo neoclásico impulsado por
Jacques-Louis David.
El Rococó se mantuvo popular fuera de las grandes capitales y en Italia hasta la segunda
fase del Neoclásico, cuando el llamado estilo Imperio se impone gracias al impulso del
gobierno napoleónico.
La década de 1730 fue el periodo de mayor vitalidad y desarrollo del Rococó en
Francia. El estilo influyó en las grandes formas de arte y en las de índole decorativa:
Pintura
La pintura debe llamarse propiamente como Pintura Galante y no como Pintura Rococó,
pues este término engloba el contexto estético en que se encontraba. Los pintores usaron
colores claros y delicados y las formas curvilíneas. Sus pinturas destacan paisajes con
fiestas galantes y pastorales. Se recuperaron personajes mitológicos que se entremezclan
en las escenas, dotándolas de sensualidad, alegría y frescura.
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Jean-Antoine Watteau (1684-1721), pintor rococó por excelencia, creador de un nuevo
género pictórico: las fêtes galantes (fiestas galantes), con escenas impregnadas con un
erotismo lírico; hace de la concha el motivo predominante, siendo un grabado típico de
la época. Este diseño fue aplicado a los muebles, a los paneles de las paredes (boiseries),
cortinas de estilo teatral, cerámicas, telas y otros materiales. Además opta por realizar
pequeñas pinturas de caballete para salas de recibir, y no murales para una gran galería.
Fig. 3 Jean-Antoine Watteau (1684-1721).
Arquitectura
La presencia del estilo Rococó en la arquitectura y la escultura es menor, puesto que su
ámbito fundamental son los interiores y, en menor grado, las composiciones
monumentales. El interior será un lugar de fantasía y colorido muy recargado, mientras
la fachada se caracterizará por la sencillez y la simplicidad. La forma dominante en las
edificaciones rococó era la circular. Un pabellón central, generalmente entre dos alas
bajas y curvas y, siempre que era posible, rodeado de un jardín o inmerso en un parque
natural. La ventana aumenta progresivamente de medida, hasta la puertaventana o
«ventana francesa». Se descartan los marcos en ángulo recto y se adoptan ventanas
arqueadas. Entre los autores de las obras más destacadas encontramos a artistas
franceses y alemanes como François de Cuvilliés, Johann Balthasar Neumann y Georg
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Wenzeslaus von Knobelsdorff, que realizaron la preparación de Amalienburg cerca de
Múnich y la residencia de Wurzburgo entre otros.
Fig. 4 Palacio Solitude (Stuttgart), un exponente de la arquitectura rococó en la
Alemania meridional.
Escultura
La escultura es otra área en la cual intervinieron los artistas del rococó. Étienne-Maurice
Falconet (1716–1791) es considerado uno de los mejores representantes del Rococó
francés. En general, este estilo fue expresado mejor mediante la delicada escultura de
porcelana, más que con estatuas marmóreas e imponentes. Los motivos amorosos y
alegres son representados en la escultura, así como la naturaleza y la línea curva y
asimétrica. El diseñador Edmé Bouchardon representó a Cupido tallando sus dardos de
amor con el garrote de Hércules, un símbolo excelente del estilo rococó. El mármol es
sustituido por el estuco.
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Fig. 5 Cupido de Edmé Bouchardon (1750).
Música
Las características musicales de este período estuvieron estrechamente relacionadas con
el nuevo pensamiento que estaba floreciendo: la Ilustración. Los pensadores de la
Ilustración rechazaban el artificio y la complejidad, las consideraban antinaturales;
sintiendo una predilección por lo natural. En la música, el público prefería algo más
sencillo en lugar de la complejidad contrapuntística y de la prolongada melodía
instrumental de la música barroca. Elogiaban una música que contuviese una melodía
concebida vocalmente y en pequeñas frases sobre un acompañamiento sobrio. Los
escritores sostenían que el lenguaje musical tenía que ser universal, que fuera entendido
tanto por los eruditos como los profanos. La mejor música debería ser noble y
entretenida; expresiva dentro de los límites del decoro; y “natural”, libre de
complicaciones técnicas y capaces de deleitar inmediatamente a todo oyente sensible.
Estos valores llevaron al desarrollo de un nuevo idioma musical conocido hoy como el
estilo clásico. Algunos escritores aplican el término estilo clásico para referirse a la
música madura de Haydn y Mozart. Mientras que otros utilizan el término período
clásico para referirse a la música que abarca desde 1730 hasta 1815. Usar «música
clásica» (en lugar de «estilo clásico») como término omniabarcador de la música del
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periodo y emplear términos como galante, empfindsam o «el idioma de Haydn» para
identificar diferentes estilos o tendencias al uso en la época.
4.2 El Estilo Galante de Domenico Scarlatti.
El estilo galante, es un término francés que se convirtió en el eslogan de todo lo
moderno, chic, delicado, natural y sofisticado. En la historia de música, dicho estilo,
está situado entre la música barroca y la música clásica. La música rococó se desarrolló
al margen de la música barroca, particularmente en Francia. Puede ser considerada
como una música muy intimista realizada de forma extremadamente refinada. El
primero que reflexiona sobre el término galante es Mattheson en 1713 y, más tarde,
Scheibe, que lo define como un estilo medio entre lo llano y lo elevado. A diferencia
del estilo barroco, que era de estricta escritura contrapuntista, donde el compositor sigue
todas las reglas de la armonía y de la modulación; la música de estilo galante, tiene más
libertad, el compositor no está atado a dichas reglas entre otras cosas. En general, el
estilo “libre” de escritura tiene más expresión y euforia en lugar de tener el arte como su
propósito principal. Este estilo hace énfasis en una melodía formada por gestos de corto
aliento y repetidos a menudo, organizados en frases de dos, tres o cuatro compases.
Estas frases se combinaban en unidades más grandes, con un acompañamiento ligero de
armonía simple y se puntuaban por medio de cadencias frecuentes. A pesar de su
nombre francés, el estilo galante se originó en las óperas y conciertos italianos y paso a
ser el fundamento del idioma musical de mediados y final del siglo XVIII.
Dentro de este estilo se encuentra Domenico Scarlatti (1685-1757), que es considerado
como uno de los compositores más originales y creativos del siglo XVIII. Entra al
servicio del rey de Portugal en 1719 para dar clases a su hija, la princesa Bárbara de
Braganza. En 1729, Scarlatti se traslada a Sevilla con el séquito de la princesa
portuguesa al contraer matrimonio con el príncipe Fernando VI de España. En 1733 se
instala definitivamente en Madrid hasta el día de su muerte.
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Durante su estancia en Madrid, Scarlatti compuso alrededor de 555 sonatas bipartitas
para teclado. En 1738 se publica una colección de 30 sonatas para clave con el título de
Essercizi per gravicemvalo. Sus sonatas poseen una estructura idéntica, que responde a
una forma binaria compuesta por dos partes sensiblemente iguales, que está prevista que
se repitan. La primera parte finaliza a menudo en la nota dominante y la segunda
siempre en la tónica. Las cadencias con que se concluyen cada una de las dos partes son
similares. Uno de los rasgos más sorprendentes del arte de Scarlatti, es su extraordinaria
habilidad para la modulación. Es capaz de recorrer con ella todas las tonalidades dentro
de una obra. Scarlatti estuvo muy influido por la música folclórica española, tanto en
ritmo como el uso del modo frigio y otras inflexiones tonales no muy común en la
técnica musical europea, así como el cúmulo de acordes extremadamente disonantes y
otras técnicas que parece imitan la guitarra. La claridad de su pentagrama esconde
terribles dificultades para el músico que las interpreta. Algunas contienen cambios de
mano, saltos de octavas, complicados arpegios y escalas.
Fig. 7 Domenico Scarlatti (1685-1757)
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Fig. 6 Sonata XVI “Essercizi per gravicemvalo
4.3 El Empfindsamer Stil de Carl Philipp Emanuel Bach.
Empfindsamer Stil (en alemán, «estilo sentimental») o estilo empfindsam, se
caracteriza por giros sorprendentes en la armonía, el cromatismo, los ritmos nervioso y
una melodía rapsódica, libre y cercana al discurso. Muy similar al estilo galante, el
estilo sensible se caracteriza por emplear una textura homófona, que consistía en una
línea melódica bastante clara y delimitada, con un acompañamiento por acordes
subordinados a esta. Es importante señalar que a pesar de su paralelismo con el estilo
galante, el estilo sensible evitaba el uso desmedido de ornamentos El estilo empfindsam
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se asocia sobre todo con los movimientos lentos de Carl Philipp Emanuel Bach (1714-
1788), pero éste, asimismo, se originó en Italia y es evidente en algunos de los últimos
conciertos de Vívaldi.
Carl Philipp Emanuel Bach será el mayor exponente, quien enfatizó en su Versuch über
die wahre Art das Clavier zu spielen
(Ensayo sobre el verdadero arte de tocar
los instrumentos de tecla, en 1753) que la
meta más elevada de la música era
conmover los corazones y los
sentimientos. Su instrumento favorito era
el clavicordio, y son precisamente sus
Fig. 7 Clavicordio
piezas para clavicordio las que mejor
ejemplifican el empfindsamer Stil, por ejemplo sus seis Sonatas “Prusianas” (1740-
1742) y la Fantasia en fa sostenido menor (1787). Llegará a componer unas 170 sonatas
para clavicordio-clavicémbalo-fortepiano. La sonata de dicho autor, adopta el esquema
de tres movimientos sin minueto, el primer movimiento es en forma-sonata. Su escritura
es, como suele ser habitual en los alemanes, osservata (observada) más que galante: el
bajo Alberti no aparece nunca. La base de la tesitura es una transposición de la sonata a
tres: dos partes en la mano derecha de carácter imitativo y una parte en la mano
izquierda. Muchas de sus obras ejemplifican el estilo empfindsam, confiriendo a la
música una mayor intensidad emocional.
Fig. 8 Carl P. E. Bach (1714-1788)
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Fig. 9 Fragmento de Versuch über die wahre Art das Clavier zu spielen.
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Bibliografía
blogspot, u. p. (11 de Julio de 2017). Estilo Galante. Obtenido de Un poco de todo:
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Fleming, W. (s.f.). Parte IV: Los estilos del siglo XVIII. En W. Fleming, Arte, Música e
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J. Peter Burkholder, D. J. (2008). En D. J. J. Peter Burkholder, Historia de la Música
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Latham, A. (2008). DICCIONARIO ENCICLOPÉDICO DE LA MÚSICA. México, D. F.:
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Hispana Mú[Link]: [Link]
domenico-scarlatti-1685-1757/
Wikipedia. (19 de Mayo de 2019). Rococó. Obtenido de [Link]:
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