TEMA-1.

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Estética Musical

3º Grado en Comunicación Audiovisual

Facultad de Ciencias de la Información

Universidad Complutense de Madrid

Reservados todos los derechos.

No se permite la explotación económica ni la transformación de esta obra. Queda permitida la impresión en su totalidad.
 TEMA 1- LA MÚSICA EN SU ALIANZA CON OTROS LENGUAJES
LA MEJOR ELECCIÓN POSIBLE (QUÉ MÚSICA, POR QUÉ Y PARA QUÉ)

Muchas veces, la elección de piezas musicales no se da de forma casual, tiene que haber “algo más”. Quizás, en
parte, el extraordinario alcance de la música se debe a su particular forma de “significar”:
- En ocasiones permite aludir a conceptos, emociones e imágenes con extraordinaria precisión
- A su vez, hablar en música (y hablar de música) es lidiar con notables cargas de polisemia, subjetividad,
ambigüedad…
La polisemia y la subjetividad son ingredientes cotidianos de cualquier lenguaje artístico, necesitamos destrezas,
herramientas, e incluso instinto, para lidiar con ellas cuando se hace necesario.
De hecho, ya disponemos de un repertorio muy útil de este tipo de destrezas, que ponemos en funcionamiento
casi de forma automática.

Muchos autores se cuestionan si la música es un lenguaje como tal, pero, así como la palabra “casa” tiene un
mismo significado para todos, con la música podemos realizar un proceso de significado parecido. Si un personaje
toca la puerta de una manera determinada, podemos saber el estado emocional de ese personaje, por ejemplo, si
viene enfadado o no

Cadena perpetua- Frank Darabont

- Música diegética
- Música como sinónimo de libertad, apostando por el significado de la misma para los personajes
- Mencionar el hecho de que existe el doblaje para la película, pero la música se mantiene igual en todas
las versiones, podemos interpretar esta idea como la música como lenguaje universal, que no necesita
traducción (este hecho se evidencia en la misma película, pues se trata de un fragmento de ópera en
italiano, idioma que no entienden los presos americanos, pero aún así logran sentir la melodía dentro
de sí)
- Andy es el encargado de subrayar la idea de libertad en la película, demuestra a sus compañeros que
son iguales (“hermanos”)
- Para que surgiera el efecto deseado, tanto en el espectador como en los personajes, era necesario
elegir una música cantada en otro idioma diferente al inglés; el personaje principal debe tener un gran
bagaje cultural, pues debe conocer la pieza mostrada
- Asimismo, debía ser dulce, cariñosa, agradable, suave… para que entrase en contraste con la situación
en la que se encuentran los personajes, es decir, rudeza, crudeza, dolor…
- También es destacable el hecho de que fuera cantado por voces femeninas a las que añoran

¿Por qué Las bodas de Fígaro?

- Es de Mozart
- Esta elección se debe a la propia historia de la obra, puesto que para la época significó una auténtica
revolución, pues Mozart no quería tener dueño, quería ser libre, al igual que los presos
- Una vez explicado esto, se entiende mejor la escena, pues Andy conocía el significado de la ópera y, al
igual que Mozart, estaba iniciando una revolución

Tema musical “Scene d´Amour”

- Escena de una pareja bailando, no sabemos lo que va a pasar, lo que pudo ser pero no fue
- ¿Qué hay?: melancolía, romance, desamor, misterio, extraño, despedida, volver, superar, vaivén… Se
puede relacionar con el cine clásico o cine negro en blanco y negro
- Despertamos en el espectador esa sensación de búsqueda sin resolución, que vamos a alcanzar algo,
pero al final no lo logramos
Esta se usa en dos películas de distinta manera
Vértigo- Hitchcock (música Bernard Herrmann)
- Cuando se nos presenta a la chica, escena del bar

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 The Artist- Michel Hazanavicius (música Ludovic Bource)
- Los instrumentos elegidos van con el tema, tratados como una dulzura dentro de una clave de espectro
muy agudo
- En nuestro imaginario: Blanco y negro, película de cine clásico, una casa y un narrador que hablaba en
inglés con acento americano de los 40s
- Melancolía, una despedida romántica, algo triste, un reencuentro, un amor prohibido, consecuencias de
la guerra, soledad e incluso misterio.
- Es una pareja del hombre con su reflejo en el espejo

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- La música es portadora de significado todo el tiempo al ser una película muda.
- Hace homenaje a Cantando bajo la lluvia y a Hitchcock.

Diálogo Johnny Guitar- Escena “Lie to me” (música Peggy Lee y Victor Young)
- La música ayuda a sostener ese embeleso, “la gota que desbordó el vaso”
- Estas mismas palabras fueron utilizadas en “Mujeres al borde de un ataque de nervios” de Almodóvar
(banda sonora de Bernardo Bonezzi), con la escena del inicio de la película donde el personaje de
Carmen Maura sale doblando esta misma escena, en la cual participa también su expareja, que lo ha
hecho previamente
- Se crea un silencio en esta segunda, subrayando la realidad del personaje: que sigue
enamorada de él

POSIBILIDADES Y GRADIENTES DE SINCRONÍA O EMPATÍA ENTRE EL ENUNCIADO MUSICAL Y EL RESTO

DE CANALES DE SIGNIFICACIÓN

En los ejemplos anteriores, la música ha entendido muy bien lo que sienten los personajes y lo que está
ocurriendo, nos comunica lo que debemos sentir, pero también en lo que no saben, con el misterio y la intriga. De
igual forma, muchas veces será mejor que la música vaya por otro lado, que no sea empática con la situación y los
personajes.

Vemos una reconstrucción de una catedral, se produce en la posguerra. El

edificio que está en primer término, delante de la catedral, está completamente
derruido. Temporalmente lo ubicamos a finales de la segunda guerra mundial,
concretamente en Europa. La ubicamos en la corriente cinematográfica del “cine
negro”. Esta película se estrena en plena posguerra, en plena reconstrucción.
Para ir a ver esta película en la sala de cine hemos tenido que recorrer una
ciudad tan rota como esta, hay mujeres viudas, personas sin miembros…

POSIBILIDADES DE CONTRASTE DISCURSIVO ENTRE EL MUSICAL Y OTROS ENUNCIADOS SIMULTÁNEOS

Encontraremos opciones de distinto gradiente (explícitas, no intencionadas, discretas y sin real vocación de
sobresalir en el conjunto…), y que podrán afectar a distintos niveles de enunciación:
- Factores estéticos o estilísticos
- La localización local o histórica
- El color emocional
- Niveles semánticos más profundos, que pudieran incluso reunir significados opuestos…
Es decir, a veces este contraste permite subrayar, incidir, subtitular, desvelar significados que en una primera capa
de enunciación podrían no estar quedando suficientemente claros, pero en otras ocasiones, este contraste puede
imprimir significados opuestos a los de otros canales de enunciación, maquillándolos, desativándolos, haciéndolos
parecer menos relevantes o incluso desapercibidos. El contraste expresivo es un ingrediente que hay que valorar,
cuestionar y medir con precisión en cada ocasión.

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Estética Musical
Banco de apuntes de la
 Chicago- Rob Marshall (música: John Condon)
- Vemos todo desde los ojos de Roxie (se casó por conveniencia)
- Época donde las mujeres seguían muy sometidas a lo que el hombre dijera (en la escena de música, ella
manejada por él)
- “Él me robó el corazón” y justo vemos sus manos en la espalda de ella, moviéndola como un títere
- Ella mató a su ex pareja
- Al final él manejando hasta a los reporteros

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Try- Pink
- Estribillo: “cuando hay deseo habrá fuego, cuando hay fuego alguien se quemará… pero sólo porque
queme no significa que alguien vaya a morir: ¡Tienes que levantarte e intentarlo, intentarlo, intentarlo!
- Con esta canción se consigue motivar a intentarlo más, te lleva a un pequeño movimiento de cuerpo
siguiendo el ritmo. Se consigue con una estructura rítmica muy estable y enérgica.
- Pink es una representante del empoderamiento, la libertad, por lo que el “quién la canta” es un aspecto
importante para comprender el mensaje
- En las imágenes vemos una pelea entre una pareja, pero la batería y mensaje de la canción va en la
dirección contraria (elemento que llevó a críticas y confusión de parte del público). Han optado por
utilizar más color, los cuales van apareciendo después del golpe, el recurso es estéticamente muy
bonito, pero realmente si nos fijamos son los colores de la violencia (amarillo, azul, rojo…)

Til it happens to you- Lady Gaga

(comparar con Pink)
- Presentación en los Oscar 2016
- La representación está hecha para que las personas que han pasado por ello sepan que no están solos
- No se renuncia a la carga metafórica al iniciar con un marco blanco que puede simbolizar una
publicación en una red social, un espejo, así como también al traer a las víctimas y que la acompañasen
- Lady Gaga se mantiene sentada y no les quita protagonismo
- Ellas llevan palabras distintas escritas en los brazos, y algunas se pueden leer

PRIORIDADES EN LA AMBIENTACIÓN: ¿APARENTE NEUTRALIDAD, RIGOR PRECIOSISTA O ANACRONÍA

EXPRESIVA?

¿QUÉ CRITERIOS GARANTIZAN QUE UNA REPRESENTACIÓN SE ADECÚE EFICAZMENTE A UN REFERENTE

ORIGINAL, A UNA ÉPOCA, A UN ENTORNO, A UN ESPÍRITU FILOSÓFICO O ESTÉTICO?
Durante muchos siglos, la gran mayoría de escuelas occidentales no consideraron importante ambientar de
acuerdo con los criterios de fidelidad historicista o rigor etnológico, aunque tal opción se mantendrá vigente en
numerosos estilos, a finales del S.XIX nace una nueva pasión por retratar otras épocas y otros entornos de acuerdo
con una creciente fidelidad de ambientación.
El cine nace ya dentro de ese nuevo planteamiento donde la ambientación historicista es un reclamo esencial,
reservándose, no obstante, numerosas ocasiones en las que mantiene la anacronía como recurso de significación,
de sorpresa, o como licencia para garantizar la comprensión, la fluidez, el humor, o ciertos vínculos y guiños de
contemporaneidad con sus públicos.

¿QUÉ CONSTRUYE UNA AMBIENTACIÓN CREÍBLE, EFICAZ, ENVOLVENTE, BRILLANTE?

El realismo, la verosimilitud, la espectacularidad, la sorpresa, el contenido metafórico, la pregnancia… Son
muchas las decisiones que tomar y que poner en equilibrio.
Podemos ser rigurosos desde el punto de vista del arte, tomando en cuenta desde el último dobladillo del
vestuario hasta la música empleada debe ser acorde con el tiempo histórico o el universo que estamos
representando.
La anacronía funciona si utilizas algo muy posterior a la época que estamos representando en nuestra película

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 Harry Potter- Alfonso Cuarón. Escena “riddikulus” armario (música John Williams)
- Criterio de similitud: que te metas en el miedo del personaje y que te alegres cuando lo resuelvas
- El tocadiscos es viejo comparado al momento en el que se grabó la película, pero todo es verosímil
dentro de esta escuela de magia (desgaste del suelo, el armario…)
- Diferencia entre la música del tocadiscos (diegética) y la animada al vencer el miedo (extradiegética)

Dogville- Lars Von Trier (música selección de obras de Antonio Vivaldi)

- Nos encontramos en un mundo que es como un plano arquitectónico y al adentrarnos en ese mundo,
no hay paredes, sino que los espacios solo están delimitados por las líneas dibujadas sobre ese plano

Marie Antoinette- Sofia Coppola (música, las siguientes canciones, del grupo Bow,Wow,Wow)
- “Les Indes Galantes”
- La música y la orquesta son de la época, incluso copiaron las coreografías que realizaban en aquel
entonces
- La ópera era una pieza muy querida por Maria Antonieta, por eso la ponen
- Hacen una reconstrucción histórica verosímil, incluyendo el vestuario
- “I want candy”
- Esta secuencia es muy llamativa que representa el consumo, derroche, superficialidad y desenfreno con
el que María Antonieta actuaba
- Saturación todo el tiempo, mucha información en poco tiempo
- Hay un punto donde una parte del público puede pensar que esto es el momento más importante al
tener tanto poder y fama y que ahora viene el declive
- Para que la anacronía funciones, pone esta canción de rock de los años 80 para que el espectador se dé
cuenta de que no pega, incluso ponen unas Converse en uno de los planos cuando se está probando
tacones de la época

Si reúne otras ventajas, la pretendida neutralidad puede también ser una solución, por ejemplo, parece el mismo
tipo de material musical ha resultado muy eficaz para caracterizar el universo de personajes tan distintos como
Amelie y Alexander (Goodbye Lenin), aunque uno se desarrolle en el París de 1997 y otro en el Berlín de 1989.
Música de Yann Tiersen en ambas.

¿DÓNDE ESTÁ ENTONCES LA FRONTERA ENTRE UNA LICENCIA EXPRESIVA EFICAZ Y EL DESCUIDO?
Probablemente en la falta de reflexión, de investigación y de respeto por el referente, el tema y el entorno
retratados. Sea cual sea la opción escogida, la solución nunca debería ser no haber pensado en qué música podría
haber sido la mejor.

El piano- Jane Champion (música de Michael Nyman)

- La gente no se da cuenta de que no es una pieza del S.XIX, a pesar de ser la pieza central, pasa
desapercibida, es muy discreta.
- El límite de poner música de otra época en nuestra película es que no genere confusión ni que desvíe el
mensaje o que se entienda algo que no es.

Rick Steves´ Europe

- La música que escoge para presentar el programa del País Vasco es muy alegre con respecto a lo que se
va a hablar en el programa
- Podemos partir de un cliché local de donde se desenvuelve la historia que nos permita introducir el
tema y ya después cambiarlo a lo que necesitemos que sea.

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 NIVELES DE PRESENCIA

MÚSICA PROTAGONISTA, MÚSICA CÓMPLICE Y MÚSICA ESCONDIDA

En el caso de la música protagonista, podemos utilizar canciones que deben tomar gran relevancia en el
espectador.
La música cómplice, puede ser un preaviso de algo que va a ocurrir, nos dirige en el relato.
Pero la música también puede pasar desapercibida, como con la música escondida

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DIEGÉTICA O NO DIEGÉTICA
Por un lado, la música no diegética dota a nuestro gremio de eficaces recetas con las que conseguir efectos
emocionales contenidos semánticos, extraordinariamente rápidos y claros desde el punto de vista de la lectura del
receptor, aún de forma inconsciente. El espectador la toma como propia muy rápido.
En los inicios del cine, se utilizaban orquestas dentro de las salas para que tocaran la música que iría con
determinadas escenas, pero esto le resultaba confuso a los espectadores. Solían emplearse en las escenas
románticas, sobre todo en las escenas de besos y de diálogos de cortejo.

Vértigo- Alfred Hitchcock

- Momento del beso entre el protagonista y la chica a la que quiso convertir en su antigua amada.
- La partitura suena todo el tiempo, a veces muy discreta y a veces en un primer plano
- Cuando va a ocurrir el encuentro, entre el fantasma y su amado, los diálogos cesan y la música es la
protagonista.
- La espera es la clave de esta escena.

Bananas- Woody Allen

- La música pasa de extradiegética a diegética a través de diversas bromas
- Facilita un canal de enunciación muy rápido con el que transmitir el estado emocional o los
pensamientos de nuestros personajes. Puede que la música extradiegética no sea escuchada por los
personajes directamente, pero puede representar lo que piensan o lo que sienten, su interioridad.

Por su parte, la música diegética brinda importantes soluciones, como construir el espacio de acción, potenciar las
posibilidades expresivas del fuera de campo, añadir nuevos significados, jugar con el universo del personaje,
incorporar contradicciones emocionales…

La lista de Schindler- Steven Spielberg (música de John Williams, aunque la original es un tango polaco)
- La música construye el ambiente a través de dos herramientas: el contrapunto emocional del tango
polaco que suena, el cual ayuda a acompañar el delirio momentáneo del monstruo, agudiza el terror de
ella y también el hecho de que la música sea diegética agudiza el terror de ella
- Se separa entre la diversión de arriba vs la soledad del sótano en el que se encuentra Helen, la cual está
mojada y temblando de miedo, pero pudo haber tenido la posibilidad de darle con una botella en la
cabeza que se encuentran en el sótano, pero, así como ellos pueden escuchar el tango, la manada de
arriba podría escuchar la botella y bajarían a ver lo que está ocurriendo
- La música diegética le sirve para resolver la situación.

Anna Karenina- Joe Wright (música Dario Marianelli)

- Casi todo transcurre en un teatro, el cual marca la forma en la que se desarrollará el relato
- La protagonista tiene la opción de elegir hacer las cosas bien y decide tomar otro camino complicado, el
mal camino.
- Los personajes siempre estaban en la vitrina, muy expuesta a la sociedad, por eso el director lo plantea
todo desde un escenario. Cada una de las decisiones era muy vigilada y criticada por todos

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 - Es ambiguo determinar si la música es diegética o no, parece que los personajes no escuchan la música,
no la perciben, de igual forma, nosotros como espectadores si podemos ver a los músicos
- Actores distintos que apuntan a una misma dirección porque comparten una misma melodía.
- Lo podemos ver como un pedazo del estilo de películas musicales, lo cual podría justificar el hecho de
que los personajes van al ritmo de la música, es un momento clave para la película.
- Creación de una nueva convención narrativa, donde a priori no le corresponde, nosotros como
narradores nos saltamos esas convenciones, así como también lo va a hacer el protagonista.
- Moscú es un decorado o todo es un decorado, es una secuencia colocada entre las escenas

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importantes, por lo que podemos asumir que la ciudad es un decorado ¿si todo es un decorado
entonces nada es real?
- Todo está muy bien orquestado, parece que lo hace el personaje histriónico.

Entre una y otra opción disponemos, además, de un infinito repertorio de posibilidades expresivas. Muchas veces
resulta más eficaz reforzar la música diegética con algún tipo de potenciador no diegético, como es el caso de El
puente sobre el río Kwai, pero otras veces será interesante mezclar ambos niveles de enunciación, como en una de
las escenas de Harry Potter y el Prisionero de Azkaban

El puente sobre el río kwai- David Lean (música de Malcolm Arnold)

- Se empieza con la música diegética con el silbido de los personajes y en un punto introducen la música
extradiegética, la cual podría ser que está fuera de la historia o se le imaginan los personajes en su
cabeza.
- Ventajas: Los personajes forman un conjunto.
- Nos maquillan la realidad al introducir la música, no hacen ver “menos mal” que están los soldados con
ropajes rotos, bajo el sol. Sin esa música, la secuencia se haría demasiado larga. Es realista que los
silbidos no estén completamente afinados y en ritmo.
- La música extradiegética simboliza la llegada del resto de los soldados, “somos más voces”, es una
representación de la unión de la gente.
- Los propios guionistas eran perseguidos durante la época, no tenían cabida dentro de la “oficialidad”,
por lo que mandan ese mensaje a todos aquellos que no pueden formar parte del cine legítimamente
- Música que se puede tomar como un himno feliz y épico, pero irónico al mismo tiempo, ya que el
pelotón está al borde de la muerte y de igual forma silban esta melodía. Esa alegría puede ir más allá en
el camino de la esperanza.
- Los soldados son británicos, los podemos describir como estirados, serios, fríos, orgullosos, elegantes,
distantes, educados, podrán ser soldados, pero siguen siendo caballeros ingleses. No se van a desgarrar
ni a inmutar, tienen la piel destrozada por el sol y las ropas rotas, pero se demuestra que todavía tienen
aliento para continuar porque están silbando. Un montón de hombres hechos polvo que van silbando
tranquilamente.
- Son un ejército como una orquesta o viceversa.

Harry Potter y el Prisionero de Azkaban

- La música extradiegética es una puntuación mientras se colocan todos en fila. También se utiliza cada
vez que uno de los niños tenga que enfrentarse con el miedo, donde al principio se tensa, pero torna en
cómica cuando vencen al miedo.
- Además, el tocadiscos está sonando todo el tiempo.
- Sobre la música diegética se engarza con la extradiegética, se superponen las melodías.
- El tema de la depresión no le parece poca cosa al profesor, por lo que intercede por Harry Potter y
muestra su miedo.
- La secuencia termina con un sonido simulado, donde escuchamos todavía el tocadiscos, pero mucho
más tenue que al inicio.
- Nos quedamos con la incógnita de Harry y del profesor
Podemos abordar incluso enunciados más ambiciosos que intriguen a parte del público y le invitan a prolongar su
reflexión sobre nuestra película, como el caso de Birdman

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 ¿CUÁNDO Y CÓMO ENTRA Y SALE EL DISCURSO MUSICAL?
Sólo utilizar la música cuando hace falta, cuando aporta algo.
El discurso musical debe incorporarse (sólo) cuando es necesario y del modo en que mejor ayude a construir
significados: dar entrada, crear expectación, sostener la atención, mover el aplauso…

Programa televisivo
No es para niños, pero hay una niña, por lo que debe quedar claro que es sólo un juego, que se lo está pasando
bien y que no está sufriendo. Uno de los problemas que hay con grabar con niños es retener su atención, sobre
todo en televisión, ya que cada segundo cuenta y no se puede perder tiempo, la espontaneidad de la niña va en
contra del realizador.
¿Qué función gramatical tienen los materiales musicales?
- Al inicio está la música de entrada de la niña: “empezamos”
- Hay un acento musical de “atención a lo que viene”
- Cuando entran otros participantes
- Tensión cuando se explica lo que debe hacer la niña, ¿lo conseguirá o no?
- De nuevo el “atención”
- Puntos suspensivos con campanitas y ambientar por si se queda callada.
- “Exclamación” cuando tiene una respuesta correcta
- Interacción con la persona que habla español – quitan la música para que la niña cante la canción y
luego la vuelven a poner

El quinto elemento- Luc Besson) (música Éric Serra)

Aquí es todo música, esta es la que nos transmite las emociones y sentimientos
- Finura en voz, notas tan altas (extraterrestres)
- Comienzo de la música más rápida (extradiegética) que combina con lo que ella canta (intradiegética)
- Lucha es la música extradiegética
- Aquí es cuando comienzan las notas más altas
Polisse- Maïwenn (música Stephen Warbeck)
La directora es la actriz de la anterior, pero en este caso no usa nada de música, no es necesario
- Él no quiere hablar con ella (es mujer), él quiere casar a su hija
- Hablan del Corán (“¿Dónde dice que una mujer no puede trabajar?”)
- Hablan en marroquí
- Cierta comicidad aún así: todos dicen “shhh” y hacen el gesto con la mano para que se siente, y al final
“¿Quieres algo? Un vaso de agua” lo dice ella gritando

Happy- Pharrel Williams

- Primeros segundos en silencio
(Opresión en otros países: ejemplos de vídeos con gente cantando, salen hombres, mujeres… y la condena por
hacerlo)

Utilizar la música como andamio permanente fue una de las primeras soluciones de la narración audiovisual…
Pleasantville- Gary Ross (música Randy Newman)
- El rostro del personaje no es de alivio, sino más bien de amargura
- La música se retira de una manera muy sutil, durante todo el tiempo que se ha usado la música ha sido
de manera muy delicada

El hada de las coles- Alice Guy

- Primera cineasta en dirigir una película de ficción
- Cuando vio el invento de los Lumiére quiso conseguirlo
- Solo viendo los movimientos de la actriz, el espectador sabe que se tuvo que acompañar de música

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 Viaje a la luna- Melies
- Sus imágenes también invitan a la música
- La música permite dar ritmo, canalizar la lectura de los espectadores, además de tapar el ruido del
proyector.
- Se intentaba evitar que la música no coincidiese con la palabra

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…mantenida después por importantes escuelas y formatos, de muy variada vocación y anclaje estético

Casablanca (el sinfonismo hollywoodiense)- Michael Curtiz (música Max Steiner)

- El sinfonismo hollywoodiense era música que sonaba prácticamente durante la película, con grandes
orquestas, utilizaban la música extradiegética y el leitmotiv.
- La música se asentó en este tipo de escritura, se usaba para cualquier diálogo y para acompañar las
imágenes
- También incluyeron el “underscoring” que es como añadir un subtitulado en segundo plano
Cristal (las recetas sonoras de las telenovelas)- Delia Fiallo
- Estas partituras río las encontramos también en los videojuegos.
- Este lenguaje permanente que acompaña al diálogo lo encontramos también en la narrativa televisiva.
- Frente a esas opciones, otros planteamientos recurren a la ausencia de música como herramienta de
impacto y significación

Frente a esas opciones, otros planteamientos recurren a la ausencia de música como herramienta de impacto y
significación.

M, el vampiro de Düsseldorf- Fritz Lang

- Trata sobre un asesino de niños que finalmente es capturado y enjuiciado, pero no nos muestran el
veredicto, sino que terminamos con un plano de las madres llorando por sus hijos que ya no están.
- El director lo hace para que nosotros, como sociedad democrática, decidamos si es culpable o no
- Si hubiera utilizado alguna música que arropara la situación, tendríamos una visión diferente de lo que
ocurre y no tendría el mismo impacto
- Aquí no vemos música, sino al asesino silbando

Nike, Just Do It
- Conferencia
- Cáncer de testículos de Lance Armstrong (ciclista)
- Además también se dopaba
- Asocia un producto con una persona famosa, una estrella
- El silencio es la materia prima sonora, haciendo que el anuncio sea todavía más cruel

LA IMPORTANCIA DE LA AUTORÍA: LOS CRÉDITOS MUSICALES

Hoy en día hay una serie de consensos para que la autoría de la música se reconozca en los títulos de crédito.

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