IES Peña del Águila.
Apuntes Literatura 2º Bach Lola Aguayo Cruz
El teatro anterior a 1939. Tendencias, autores y obras
principales
1. Introducción......................................................................................................................................2
2. El teatro comercial y de éxito...........................................................................................................2
3. El teatro renovador y marginado......................................................................................................2
3.1. Actividades................................................................................................................................3
4. Ramón María del Valle-Inclán..........................................................................................................4
4.1. El esperpento.............................................................................................................................5
5. Federico García Lorca......................................................................................................................6
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1. Introducción
El teatro de comienzos del siglo XX no se hace eco de los aires de renovación que se
extienden por Europa. En nuestro país triunfa un teatro comercial, hecho a gusto de la burguesía,
que es quien paga la entrada, con leves toques de crítica, humor y sentimentalismo. Los textos de
los autores más renovadores no llegaron a estrenarse en la mayoría de los casos.
Sin embargo, dos figuras destacan en todo el siglo: Ramón María del Valle-Inclán, con la
publicación en 1924 de la versión definitiva de Luces de bohemia, obra en la que desarrolla de
forma teórica y práctica el esperpento; y en los años 30, Federico García Lorca, con su trilogía rural,
protagonizada por mujeres.
2. El teatro comercial y de éxito
A finales del siglo XIX aún se representa un tipo de teatro melodramático heredado del
Romanticismo, con José Echegaray (Premio Nobel en 1904) como mayor exponente. Pero es
Jacinto Benavente (Nobel en 1922) quien da con la clave del éxito, con obras con una crítica leve,
problemas poco conflictivos y diálogos elegantes e ingeniosos. Su fórmula la repetirá en dramas
como Señora ama, La malquerida y, sobre todo, en Los intereses creados, su obra más valorada.
La comedia costumbrista consigue el éxito mezclando aspectos de la zarzuela y del género
chico, breves sainetes en un acto que alternaban diálogos con partes musicales. Se caracteriza por
un ambiente y personajes típicos, lenguaje vulgar y humorístico y conservadurismo ideológico.
Destacan Carlos Arniches, con sainetes ambientados en el Madrid castizo (Las señorita de
Trévelez); los hermanos Álvarez Quintero, con sainetes y comedias localizadas en una Andalucía
tópica (Malvaloca); y Pedro Muñoz Seca, quien usó el astracán, mezcla de género chico y
vodevil, que busca la comicidad a toda costa, con juegos de palabras, equívocos y chistes vulgares
(La venganza de don Mendo).
3. El teatro renovador y marginado
Junto al teatro más popular, hubo otro que no gozó de tanto éxito de público, pues buscaba
algo más que la risa fácil o el mero entretenimiento. Se trata de un teatro que pretendía la
renovación escénica o representar sobre las tablas otros problemas. Estas obras, en muchas
ocasiones, se quedaron en mera intención, pues no siempre se estrenaron, de ahí que hablemos de
teatro marginado.
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En la generación del 98, Unamuno utiliza el druma1 para plasmar los temas que le
obsesionaban (Fedra, El otro). Azorín es crítico teatral sobre todo. Sus obras dramáticas, como sus
narraciones, muy estáticas, y en ellas emplea la técnica del montaje cinematográfico (Old Spain,
trilogía Lo invisible).
Los autores del grupo del 27 incorporan al teatro formas de vanguardia e intentan acercarlo
al pueblo. Además de Lorca, cultivan este género Pedro Salinas, sobre todo en el exilio, y Rafael
Alberti, que estrena antes de la guerra obras surrealistas (El hombre deshabitado), pero que
desarrolla su obra teatral más importante en el exilio (El adefesio, Noche de guerra en el Museo del
Prado).
Dos autores de esta generación que alcanzan la madurez en el exilio son Alejandro Casona y
Max Aub. Casona combina humor y lirismo en obras como La sirena varada o La dama del alba,
en la que la dama encarna la muerte, que llega a una pequeña aldea para cobrar una presa. Aub fue
pionero en la renovación escénica, con un teatro magistral, tanto en sus piezas breves (Los
trasterrados) como en sus grandes dramas sobre el nazismo, la guerra mundial y sus secuelas: San
Juan, Morir por cerrar los ojos, No, entre otras.
3.1. Actividades
1. Lee el siguiente fragmento y realiza las tareas que hay a continuación.
1 Término que él mimo usa para referirse a sus dramas.
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a) Extrae del texto las citas en las que observes críticas a la religión.
b) ¿Crees que un país puede rechazar a personas que se hayan visto obligadas a huir de su
país? Escribe un texto argumentativo entre 200-250 (yo recomiendo 300) palabras defendiendo tu
postura.
4. Ramón María del Valle-Inclán
El teatro de Valle-Inclán, original y absolutamente renovador, quedó relegado en su época a
teatro para ser leído. La genialidad de Valle hace difícil su adscripción a una escuela o movimiento
determinados. Aunque es contemporáneo del 97, su evolución ideológica es contraria a la del grupo
y su crítica es mucho más radical. Por otro lado, su inquietud artística lo lleva desde el modernismo
hasta la creación de un género propio: el esperpento. En esta evolución teatral se pueden señalar
tres etapas: modernista, ciclo mítico y esperpento.
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El primer teatro de Valle se inscribe, al igual que su novela, en el modernismo. Pero su
búsqueda constante de nuevas formas de expresión artística lo lleva al llamado ciclo mítico, con
obras ambientadas en una Galicia mítica y rural, y personajes que actúan movidos por sus instintos
más primitivos. En este grupo se sitúan Comedias bárbaras y Divinas palabras.
En 1920 publica Farsa italiana de la enamorada del rey, Farsa y licencia de la reina castiza,
Divinas palabras y Luces de bohemia. Las farsas retratan la España de Isabel II de forma satírica y
caricaturesca. Pero es Luces de Bohemia la primera obra a la que Valle-Inclán denomina
esperpento. Este género supone una ácida crítica de la situación del país a través de la deformación
sistemática de la realidad.
Luces de bohemia nos presenta, en quince escenas, la última noche en la vida de Max
Estrella, poeta ciego y miserable, guiado por don Latino, “su perro”, por un Madrid inhóspito,
poblado por más de cincuenta personajes grotescos, la mayoría “enanos o patizambos que juegan
una tragedia”. Too este conjunto compone una parábola trágica de la imposibilidad de vivir en una
España injusta y absurda, “deformación grotesca de la civilización europea”. Otras obras
esperpénticas de Valle son Los cuernos de don Friolera (1921), Las galas del difunto (1926) y La
hija del capitán (1927), recogidas con el título Martes de carnaval.
4.1. El esperpento
La técnica del esperpento es riquísima. Destacamos la deformación de la realidad y
degradación de los personajes (animalización, cosificación), el uso de contrastes, el humor, la
riqueza del lenguaje (variedad de niveles y registros), el diálogo ágil, las acotaciones literarias y
los continuos cambios de espacio y tiempo entre las escenas. A veces, hay incluso técnicas
cinematográficas).
Te dejo un fragmento de Luces de bohemia para que veas esta técnica:
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5. Federico García Lorca
Aunque el interés de Lorca por el teatro arranca desde muy temprano, su dedicación a él será
una tarea absorbente en los últimos años de su vida. Lorca cultiva un teatro poético, no solo por el
uso del verso, sino por el lirismo de su lenguaje y de sus argumentos. Para Lorca, “el teatro es la
poesía que se levanta del libro y se hace humana. Y al hacerse, habla y grita, llora y se desespera. El
teatro necesita que los personajes que aparezcan en la escena lleven un traje de poesía y al mismo
tiempo que se les van los huesos, la sangre”.
Los temas de su teatro son los mismos que los de su poesía: el deseo imposible y la
frustración. Lorca lleva a escena destinos trágicos, casi siempre encarnados en mujeres, que
representan la tragedia de la persona condenada a una vida estéril, a la frustración vital por causas
como la muerte o las convenciones sociales.
Lorca produce toda clase de géneros teatrales (farsa, teatro de guiñol, teatro surrealista,
tragedia, drama urbano o rural) en los que conviven el verso y la prosa, la poesía y la realidad, lo
popular y lo lírico. Su evolución teatral puede dividirse en tres momentos: tanteos o experiencias en
los años 20, la experiencia vanguardista de los años 30 y la etapa de plenitud de sus últimos años.
Sus primeras obras, inspiradas en piezas breves de guiñol, abordan ya el tema del amor
imposible. Pero su primer éxito llega con un drama de amor trágico en verso, Mariana Pineda, al
que le siguen dos pequeñas piezas que tratan el tema de la insatisfacción y el amor desigual: La
zapatera prodigiosa y Amor de don Perlimplín con Belisa en su jardín.
Tras el éxito del Romancero gitano2 y su estancia en Nueva York, Lorca vive una crisis vital
y estética que lo lleva a buscar un nuevo lenguaje, que en teatro se plasmará en sus “comedias
imposibles” e carácter vanguardista: El público, donde proclama la licitud de toda forma de amor y
critica a la sociedad que lo impide, y Así que pasen cinco años, que muestra la frustración en un
joven con ansia de paternidad imposible y que lucha por realizarse. El carácter audaz e innovador
de estas obras hizo que tardaran mucho en ser representadas.
Lorca alcanza la plenitud aunando rigor estético y llegando a más gente, algo que también
logra con La Barraca, compañía con la que representaba a los clásicos por los pueblos de España. A
esta etapa corresponden dos tragedias, dos dramas y una comedia inacabada. En casi toas, las
mujeres, criaturas marginadas como los niños, los gitanos o los negros, ocupan un lugar central. De
la producción de esta etapa, la trilogía rural (Bodas de sangre, Yerma y La casa de Bernarda Alba)
reúne, sin duda, las obras más logradas del autor.
Bodas de sangre parte de un hecho real, una novia que huye con su amante el día de la boda,
pero trasciende hasta convertirse en una tragedia donde la pasión, aunque desemboca en la muerte,
2 Recuerda que esta obra no es teatro, sino poesía.
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desborda barreras sociales y morales; en ella, Andalucía cobra valor universal, y se mezclan verso y
prosa, personajes simbólicos con reales, individuales con coros.
Yerma es el drama de la mujer condenada a la infecundidad porque el marido no le da hijos y
ella debe serle fiel, por su educación y por su honra. De ese choque nace la tragedia.
La casa de Bernarda Alba es la culminación del teatro lorquiano. Es un “drama trágico”
cargado de simbolismo que muestra el enfrentamiento entre realidad y deseo; por un lado, la
autoridad de Bernarda Alba y, por otro, la libertad, encarnada en Adela, su hija menor. La obra
comienza con el entierro del segundo marido de Bernarda, motivo de un luto de ocho años durante
el que las hijas no podrán salir de casa. Este echo, unido a la aparición en la obra (nunca en escena)
de Pepe el Romano, prometido de la hija mayor, pero que se ve a escondidas con la pequeña,
provoca le enfrentamiento entra las hermanas y, finalmente la tragedia.
Estas obras poseen rasgos comunes: mujeres protagonistas, con problemas de índole sexual,
final trágico, ambientación en el campo andaluz, clima denso y trágico, mezcla de prosa y verso,
realismo y poesía. Otras obras de la etapa son Doña Rosita la soltera o el lenguaje de las flores,
drama sobre la espera inútil de amor, y el borrador del acto I de una Comedia sin título.
Aquí tienes un fragmento del final de La casa de Bernarda Alba3 para localizar algunas de las
características del teatro de Lorca:
3 Ya sabes que me encanta hacerte spoiler.
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