MÓDULO III

PROGRAMA | DÍA 01
COLOR
Repaso. Acordes de Color. Comunicación
Visual: color para informar y distinguir, color
para seducir y persuadir.
Significado Psicológico del Color.

TRABAJO PRÁCTICO
Composición (decorativa, vegetativa, formal
lineal) a decisión del alumno.

TÉCNICA
Alambrado en guía: guirnalda decorativa/
simbólica.

OPCIÓN DE TÉCNICAS
Alambrado en guía sobre cordón o manguera/
espuma floral sobre alambre gallinero o
estructura plástica/inserto sobre estructura de
esponja floral.

Formato de Evaluación. Comentarios.

TÉCNICA
Posición de tallos en Paralelo. Ramo de Mano
Formal Lineal. Campo Óptico opcional.

Formato de Evaluación. Comentarios.

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COLOR

El color es el principal instrumento de expresión del artista floral.

No podemos evaluar el color fuera de su entorno, está siempre
relacionado con sus contiguos en un abanico de múltiples y
variados efectos.

Un color recibe influencias que se reflejan en claridad u oscuridad,

brillo o sombra, frialdad o calidez; debido a las condiciones
cambiantes de los colores que lo rodean y a las diferencias de tonos
que presentan.

Analizando atentamente observamos un color influyente o

dominante y otro influido o subordinado. Aunque algunos colores
se resisten a cambiar, otros cambian rápidamente. En este punto
observamos que hay dos influencias modificantes que operan en
distintas direcciones: la luminosidad y la tonalidad.

La tonalidad de una composición floral puede definirse por los

colores que predominan: por ejemplo, tonalidades verdosas o
azuladas; o por su temperatura: colores cálidos o fríos.

El tono hace referencia a la cualidad específica del pigmento,

utilizando “materia” para crear sensación de color, el diseñador
floral incorpora tierra, lanas, arcilla, tintas y diferentes materiales
que le permiten capturar parte del espectro de luz y reflejar sus
infinitos efectos.

Luminosidad indica el grado de claridad u oscuridad como

cualidad intrínseca. Dentro del círculo cromático el amarillo es el
color de mayor luminancia y el violeta el de menor luminosidad.

Mientras que la luminosidad más alta o más baja está definida por
luces o sombras, también se da claridad u oscuridad en variaciones
monocromáticas.

Este conjunto de características le sirven al diseñador floral para

proponer combinaciones que funcionan como portadoras de
sensaciones.

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PSICOLOGÍA Y
SIMBOLOGÍA DEL COLOR

Cada color es un signo que posee su propio significado.

Aspectos psicológicos del color constituyen diferentes

impresiones que emanan de la sensación que provoca: pueden
ser de calma, de recogimiento, de alegría, de plenitud, opresión,
violencia, etc.

Goethe estudió ampliamente el efecto del color sobre las personas.

Su estudio del proceso de la percepción subjetiva del color, se basa
en analizar el efecto del color en la percepción y la conducta del ser
humano. Su estudio del color deviene actualmente en la llamada
Psicología del Color; y destaca su sensibilidad por la naturaleza y la
forma poética de plasmar los conceptos; no podemos olvidar que
Goethe también fue poeta.

Detalle de los atributos que Goethe relacionó con cada color:

AMARILLO: es el color más cercano a la luz. En su máxima pureza

lleva la naturaleza del brillo, sereno, suave y emocionante. Produce
un efecto desagradable cuando se contamina y se oscurece.

AZUL: tiene un efecto estimulante y difícil de explicar. Su aspecto

es una contradicción entre excitación y reposo. Inicio de sombra y
oscuridad.

ROJO: Es gracioso y atractivo en su luminosidad atenuada y

transmite una impresión de dignidad siendo oscuro y profundo.

VIOLETA: es el color de la experiencia y la madurez. Expresa

profundidad, misterio, melancolía. Es el color de la magia y la
intuición. En su tono más oscuro es símbolo de realeza y suntuosidad.

NARANJA: Mezcla de rojo y amarillo posee las cualidades de ambos

pero atenuadas. Es el color de la energía, de los temperamentos
primarios, del entusiasmo y la euforia.

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VERDE: equilibra las sensaciones, libera el espíritu y reconforta.

Resulta agradable al ser observado.

Luego, los estudiosos del color ampliaron estos conceptos e

incorporaron los acromáticos blanco y negro, y el neutro gris.

BLANCO: como el negro se halla en los extremos de la gama de

grises. Tiene un valor límite, extremo de brillo y saturación. Ausencia
de color, potencia los colores vecinos. Expresa paz, felicidad,
actividad, inocencia; crea una impresión luminosa de vacío positivo
y de infinito. Blanco es el fondo universal de comunicación gráfica.

NEGRO: es misterio, silencio, elegancia y también impuro y

maligno.

GRIS: es el centro de todo, neutro y pasivo. Simboliza indecisión y

ausencia de energía. Expresa duda y melancolía. Simbólicamente
el blanco y el negro constituyen el color de la lógica y de lo esencial:
la forma. El blanco y el negro junto con el color oro y el color plata
son los colores del prestigio. Los colores metálicos tienen una
imagen lustrosa y adoptan la fría cualidad del metal pero también
dan sensación de lujo, elegancia y opulencia.

AMARILLO: es el color más luminoso, expansivo y cálido. El color

del sol, del oro y de la luz. Es intenso y agudo, excitante, jovial e
impulsivo.

NARANJA: posee fuerza activa y radiante. Tiene carácter cálido y

estimulante. Y cualidad dinámica, positiva y energética.

ROJO: el color de la sangre, del fuego y la fuerza bruta. Significa

vitalidad y pasión, ligado al principio de la vida, expresa virilidad,
sensualidad y energía. Es exultante y agresivo. Símbolo de la
pasión ardiente y desbordada. De la sexualidad y el erotismo. El
rojo es percibido como osado, excitante y potente. Significa cólera
y agresividad; está relacionado con la guerra, el peligro, la pasión,
la fuerza y la energía. Es un color cálido asociado con el sol y el
calor; por lo tanto podemos sentirnos agobiados en una habitación
pintada de rojo sin que cambie la temperatura ambiente.

AZUL: Inmaterial. Frío. Asociado a la profundidad. Expresa

armonía, fidelidad, amistad, serenidad; y crea la ilusión óptica
de retroceder. Se asocia con el mar, el cielo y el aire. El azul claro
sugiere optimismo; cuanto más se aclara pierde atracción y se

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vuelve indiferente y vacío. Cuanto más se oscurece da sensación

de infinito. Es un color reservado, de calma y reposo.

VERDE: tranquilo y sedante. Evoca la naturaleza, la vegetación

y la frescura. Transmite calma indiferente y la esperanza de vida
renovada. Cuando vira al amarillo, es activo y soleado. Si predomina
el azul resulta sofisticado y sobrio.

MARRON: Evoca el otoño, color masculino, severo. Es el color de

la tierra, confortable.

“Cada dimensión del color está relacionada con una

reacción diferente. Por ejemplo, cuanto más se satura
un color, mayor es la impresión de que el objeto se está
moviendo. Cuanto más brillante es el color, mayor es la
impresión de que el objeto está más cerca de lo que en
realidad está. Las tonalidades de la parte alta del espectro:
rojos, anaranjados, amarillos, suelen ser percibidas como
más enérgicas y extravertidas, mientras que las de las
partes bajas (verdes, azules, púrpuras) suelen parecer más
tranquilas e introvertidas. Los verdes y los azules se perciben
calmados, relajados y tranquilizantes. A la vez, los rojos,
naranjas, y amarillos son percibidos como colores cálidos,
mientras que los azules, verdes y violetas son considerados
color es fríos. Las diferentes tonalidades también producen
diferentes impresiones de distancia: un objeto azul o verde
parece más lejano que un rojo, naranja o marrón”. Dice
Ludwik Janiszewski.

Libro de Consulta recomendado: Psicología del Color, Eva Heller.

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GUIRNALDA
DECORATIVA/SIMBÓLICA

INTRODUCCIÓN

La guirnalda es un diseño de acompañamiento, una ondulación,

una cadencia que, colocada en el lugar apropiado y con los
elementos necesarios cobra fuerza especial por la sensación de
movimiento que aporta. Lo que predomina en esta composición es
el efecto, el ritmo que agrega a la decoración, y en algunos casos, el
conjunto de follajes, flores y/o frutos se sustituye con formas afines
como son los paños y drapeados.

En tiempos romanos, aparece la “guirnalda” en los frisos uniendo

dos cabezas de bucráneos (cabezas de buey). También se utilizaban
guirnaldas para ornamentar templos, sepulcros, altares y demás
objetos de culto.

La arquitectura del Quattrocento se distingue por la llamada

“decoración menuda”: guirnaldas de flores o frutos, putti (figuras
de niños, Cupidos o Querubines) y grutesco (combinación de
elementos vegetales: follajes o guirnaldas).

Las guirnaldas dispuestas a ambos lados de un trono cumplían

la misma función que los cortinados: descubrir la nobleza del
personaje entronizado y aportar un espíritu festivo al ambiente. Estas
guirnaldas solían realizarse con hojas de laurel (especie relacionada
con el triunfo) y frutas: (manzanas, uvas, peras) colocadas sin ritmo
ni proporción. Se utilizaban cintas para amarrarlas.

La guirnalda es símbolo de abundancia, de felicidad terrena

y de inmortalidad. No se puede negar su caducidad: las hojas se
marchitan, las frutas se pudren. Sin embargo, la guirnalda es un
elemento evocador, que ayuda a valorar el entorno donde se coloca.

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En Arte Floral es un adorno entretejido con follajes/flores y/o

frutas, que se realiza con diversas técnicas:

• Grupos de elementos atados y sostenidos con alambre

sobre soga o manguera plástica.
• Guía de alambre gallinero de metal o plástico del largo
necesario; donde se sostienen trozos de espuma floral
envuelta en film.
• Guía de espuma floral revestida en malla plástica.
Hay diversos estilos de guirnaldas:

• Las que se utilizaban en los banquetes egipcios, mezcla

de verdes y flores. Generalmente rectas o abombadas que
decoraban el frente de las largas mesas, realizadas con
verdes (laurel) y/o algunas flores o frutas.
• Las que corresponden a la época romana, repetidas hasta el
cansancio en frisos con bajo relieve, más o menos gruesas
con dos caídas laterales.
• Las que responden a los estilos: Barroco (ostentoso,
maximalista), Rococo ( colores pasteles, romántico), Clásico
(equilibrio, proporción), Modernismo (líneas curvas Art Deco,
estilizado, con reglas y normas), Actual (composiciones
libres, vegetativos, lineales, con material seco y elementos
decorativos).
• Se denomina FESTÓN a una guirnalda colocada de un solo
punto en posición vertical.
Artistas nórdicos y mediterráneos realizaron impresionantes
obras de arte donde resaltan guirnaldas coloridas y luminosas;
con flores, tallos y hojas en abundancia. Rosas, claveles, alhelíes,
jazmines, azucenas, malvas, pensamientos, etc. Insectos y
mariposas revoloteando o posados en las flores, son imágenes a
reproducir.

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 PROGRAMA | DÍA 02
FORMA. FORMA Y CREATIVIDAD.
Formas Activas y Pasivas. Forma y Movimiento.

TEXTURA.
Técnica de Composición. Fijación de elementos
iguales y/o diferentes.

COLOR-FORMA-TEXTURA.
Pasos de la Percepción Visual en la Composición
Floral.
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FORMA

La forma es una concepción espacial, capaz de crear una sensación

determinada; es el elemento fundamental del lenguaje visual, va
más allá de su apariencia y se constituye en forma significativa de
contenido.

Equivalente del vocablo alemán GESTALT, que implica un concepto

de totalidad, de íntima correspondencia . La sola alteración de una
parte modifica las características del conjunto formal.

La forma se refiere a las características estructurales de los objetos

sin tener en cuenta su orientación ni ubicación en el espacio, se
refiere también a sus límites que pueden ser lineales, de contornos
o de superficies y a la correspondencia entre interior y exterior.

La Composición Floral se define por su forma. Nos referimos a

formas básicas, simples, formas geométricas pregnantes de la
naturaleza: círculos, cuadrados, triángulos. En todas sus formas,
también óvalos, rectángulos, trapecios. La figura que encierra el
diseño describe alguna de éstas formas, excepto en los diseños
Abstractos.

Diseño Abstracto: utiliza exclusivamente elementos puros: líneas,

colores, despojados de toda imagen figurativa. Diseño no objetivo
ni representativo. Independiente del mundo externo. En 1910,
Wassily Kandinsky crea la primer obra de este tipo.

Forma primaria: Triángulo, cuadrado y círculo.

Forma secundaria: óvalo, trapecio y triángulo abombado.

Forma cerrada: expresa una figura completa, continua en todo

su contorno, aunque a veces contenga pequeños espacios vacíos,
por ejemplo: corona.

Forma abierta: posee marcada semejanza con las formas

orgánicas. Contiene espacios vacíos en toda su construcción que
le otorgan fluidez y libertad de movimiento.

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Dentro del Arte Floral, además de la forma que adquiere la

composición en su estructuración final, debemos considerar las
“formas florales” que describen su figura y condiciona su ubicación
dentro de la composición floral.

Los primeros elementos que se colocan en una composición (eje,

laterales, etc) determinan su forma, marcan los límites.

El dominio de la línea aporta énfasis a la forma.

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CREATIVIDAD

La creatividad indica la capacidad de utilizar en modo original

y constructivo los esquemas, el conocimiento, la imaginación que
poseemos; y también indica la capacidad de elaborar ideas nuevas.

La Psicología nos aporta dos estrategias cognitivas: el

pensamiento convergente y el pensamiento divergente.

El pensamiento convergente es aquello “lógico” con que el

individuo, utilizando la facultad intelectual, trata de dar respuesta
racional a un problema.

El pensamiento divergente o lateral, se caracteriza por una

desviación de la idea en varias direcciones, más libre y no sujeta a
esquemas predefinidos culturales o sociales. Éste es el modo de
pensar que usa frecuentemente el individuo creativo.

Hemisferio izquierdo (lógico), pensamientos convergentes:

respuestas racionales, todos los NO.

Hemisferio derecho, pensamiento divergente: es libre y no está

sujeto a esquemas.

FACTORES QUE BLOQUAN LA CREATIVIDAD

Existen motivaciones de carácter social, como el conformismo

que elige soluciones estereotipadas: el individuo renuncia a pensar
de manera autónoma adecuándose a reglas aceptadas por la
sociedad y a la tradición.

Son factores comunes de bloqueo:

• Educación familiar y escolar,

• Motivos sociales,
• Motivos individuales,

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• Estrés,
• Baja autoestima.

COMPONENTES DE LA CREATIVIDAD

Estudios psicológicos han demostrado que la creatividad tiene

por lo menos cuatro componentes:

• COMPETENCIA. Un profundo conocimiento básico.

• PENSAMIENTO IMAGINATIVO. La habilidad de ver las
cosas de manera diferente, para identificar el modo y la
realización de conexiones; para ser creativo es necesario
primero conocer las características del problema, para
luego redefinirlo en términos nuevos.
• PERSONALIDAD FUERTE (TEMERARIA). Que tolera
el riesgo, que afronta los obstáculos buscando nuevas
experiencias en lugar de lo tradicional y obvio.
• MOTIVACION INTRINSECA. Las personas son más creativas
si son motivadas por el interés, el placer, la satisfacción de
la tarea realizada, el placer intrínseco del propio trabajo y no
de las presiones estériles.

COMO PROYECTAR

El Proyecto
Es una secuencia lógica que prevé pasos interdependientes y
consecutivos, relacionados unos con otros.

La ejecución
Realización práctica del proyecto, sin la cual no se puede realizar
ningún trabajo.

El diagrama de Flujo
Es la representación gráfica del “flujo” de datos a través de un
sistema de información. Es de práctica necesaria para el diseñador
floral ya que estructura un sistema que muestra claramente la

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interacción entre el desarrollo del diseño y las necesidades del

cliente.

Se emplean símbolos gráficos para representar pasos o etapas

del proceso. También describen la secuencia de éstos pasos o
etapas.

El Inicio y el Final se representan con el mismo símbolo: ELIPSE

AMARILLA.

El siguiente paso Datos se representa con un RECTÁNGULO

VIOLETA.

Decisión corresponde ROMBO ROJO.

El cuarto paso corresponde a Elaboración, CUADRADO AZUL.

Cada operación debe ser inserta en la figura geométrica

correspondiente, muestra los pasos a seguir para alcanzar una
solución; es una red de procesos funcionales conectados entre
sí que permiten describir el movimiento de datos a través de un
sistema.

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TEXTURA

DEFINICIÓN

Se denomina así no solo a la apariencia externa de los materiales,

sino al tratamiento que puede darse a una superficie a través de
los materiales.

Es una agrupación de pautas situadas a igual o similar distancia

unas de otras sobre un espacio bidimensional y, en ocasiones,
con algo de relieve. Tiene una naturaleza plástica asociada a las
superficies. Su principal función es la capacidad para sensibilizar
superficies, es decir, aportar la sensación de aspereza, rugosidad,
suavidad, lisura, etc. La textura afecta a dos modalidades sensoriales
diferentes: la visual y la táctil.

Además, permite representar la profundidad en un plano

BIDIMENSIONAL.

La textura, como los otros medios plásticos, es expresiva,

significativa y transmite de por sí reacciones variables en el
observador, que llevan a la materia a un nivel superior del que ella
tiene.

Los objetos que vemos se presentan según tres modalidades

perceptivas fundamentales: color, forma y textura.

La textura constituye un fenómeno visual, que puede modificar

nuestra manera de actuar en el mundo. Se fundamenta en la
existencia de pequeños elementos que yuxtapuestos componen
entidades, la yuxtaposición produce el estímulo retinario necesario
para la percepción de la textura.

La textura presenta tres características: TAMAÑO, ligado a la

dimensión del elemento (mayor o menor), DENSIDAD, se refiere al
aumento o disminución del intervalo que existe entre los elementos,
y DENSIDAD, se refiere al aumento o disminución del intervalo que

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existe entre ambos elementos, la oposición sería ralo/tupido.

Finalmente, la textura posee DIRECCIONALIDAD, de acuerdo al

orden entre los elementos o los intervalos, o ambos en conjunto,
la textura presenta dos posibilidades extremas: con dirección
o carente de ella; las texturas direccionales son activas y las no
direccionales presentan un rol pasivo.

En Arte Floral, la textura corresponde a una técnica de

composición. Hay varias posibilidades:

• Textura pura, sin movimiento, todos los elementos a la

misma altura.
• Textura agrupada, poco movimiento, tres alturas de
colocación del material formando grupos con proporción
8-5-3.
Textura con movimiento: pequeñas repeticiones (trianguladas)
de grupos creando el mayor movimiento posible. Utiliza muchos
puntos de vegetación, paralelo/radial (mixto) con cruces de tallos.
Paul Wegener fue el primer florista que evolucionó el desarrollo de
textura en 1970. Se necesitan muchos materiales, debe ser rico en
elementos diferentes trabajados en contraste. La evolución de este
concepto permite trabajar proporción 8-3.

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 PROGRAMA | DÍA 03
ESTILOS ARQUITECTÓNICOS
Románico, Gótico, Renacimiento, Barroco, Rococó,
Clásico, Modernismo, Actual.

ARTE FLORAL PARA NUPCIAS

Estilos. Ornamentación en Armonía/Contraste.
Puntos fundamentales.

RAMO DE NOVIA. TIPOLOGÍA

(Ejercicio: Definición del Ramo de Novia según
foto).

TÉCNICAS
Evolución del Ramo de Novia.
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ESTILO

Estilo es el modo, la manera, las costumbres y la estética de

un período del pasado. El mueble y la decoración expresan un
sentimiento de la arquitectura, el uso de determinados materiales
y la manera de vestir y de vivir de una época, en cada una de éstas
se aprecia la influencia de condiciones sociales, tanto en la línea, en
los colores y en los elementos, como también en el arreglo y en la
disposición de los restantes factores de la decoración.

Los gustos, costumbres y el nivel de bienestar y prosperidad

fueron marcando, en la vida una cualidad personal, visual y emotiva
bien diferenciable.

Los trajes, la arquitectura y la decoración reflejan la vida y los

hábitos de cada pueblo y de su tiempo.

El Estilo es también el carácter propio que da a sus obras el

artista, el hombre mismo que se manifiesta por una idea, por un
mensaje específico de su sensibilidad, por una cualidad distinta
a la de los demás y que revela una individualidad; un artista tiene
personalidad y estilo propio cuando su obra es típica y característica
de su manera, de un modo independiente y sustantivo.

El Estilo de una época está determinado generalmente por

la fusión del esfuerzo creador de los artistas, por la suma de
diferentes creaciones en las que se contienen los rasgos comunes
que caracterizan y dan forma al estilo.

ROMANICO (900- 1250)

Estilo artístico que dominó el siglo IX al XI en Europa y representa
la fusión de elementos latinos, bizantinos y bárbaros.

En arquitectura se caracterizó por el empleo de arcos de medio

punto, bóvedas de cañón y molduras robustas. Se consolidó en
Francia, Italia, Alemania, Inglaterra y España, países donde adoptó
rasgos locales. (En América no existe).

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Surge en los claustros, donde la cultura, la educación elemental,

la música, la literatura y las artes figurativas eran patrimonio de las
órdenes monásticas.

Constituye el momento más puro de religiosidad. Es símbolo de

austeridad y recogimiento. Espacios reducidos donde cabe poca
gente, ventanas pequeñas, sin decoración.

Los arreglos florales se realizaban con flores espontáneas y verdes

rústicos (laurel, boj, olivo) en recipientes de barro, cerámica o en
utensilios del hogar. De forma semiesférica, redonda u ovalada,
compactos y austeros.

GÓTICO (1200-1450)
Este movimiento artístico se desarrolló previo al Renacimiento
y se cree que el nombre obedece a la relación con el estilo del
pueblo Godo, de origen germánico. El estilo godo se inició en
Francia y luego se impuso en toda manifestación de arte europeo:
arquitectura, pintura, música, etc.

(Perteneciente a los godos, pueblo germánico que desde

Escandinavia invadió toda Europa).

La Arquitectura Gótica se caracteriza por sus pilares largos y

delgados, que presentan apariencia misteriosa y desolada. Para
lograr estas características se requiere efectuar trabajos de gran
calidad debido a la complejidad de sus formas.

Estilo arquitectónico caracterizado por la decoración de calados

con adornos disimétricos (defecto de simetría), en clara búsqueda
de la luz, suben las naves, hay color en los vitrales que están ubicados
estratégicamente: la salida del sol real va directamente al sagrario.

El Estilo Gótico es explosión: iglesias altas, estilizadas, más

decoradas. Se introduce el color en los vitrales. Se usan recipientes
metálicos para los arreglos florales clásicos, verticales que deben
ser más altos y decorativos generalmente reproduciendo formas
que terminan en punta; se utilizan las mismas flores y verdes que
en la época anterior.

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RENACIMIENTO (1500-1600)
Movimiento cultural que comenzó en Italia a mediados del Siglo
XV desde donde se extendió a toda Europa. Se caracterizó por el
retorno al clasicismo griego y latino en la literatura, el arte y las
ciencias. Se apartó de lo sobrenatural para volcarse a lo terrenal: el
hombre y la naturaleza. La imprenta y el grabado fueron elementos
importantes en la difusión de este movimiento. El Renacimiento
influyó sobre todo en pintura, escultura y arquitectura. Leonardo
da Vinci, Miguel Angel, Rafael, etc. En letras: Petraca, Garcilazo de
la Vega. En filosofía: Erasmo, Descartes. En ciencias: Copérnico,
Galileo, Kepler, etc.

Se vuelve a la austeridad, carece de fantasía. Las iglesias bajan

y hay un cambio político. Se rescata la simetría y se comienza a
trabajar con proporción 8-5-3 en busca de la armonía. Es más rico y
pesado pero a la vez es elegante.

Los arreglos florales se realizan en recipientes de metal o de cristal,

con flores grandes: hortensias, paeonias; decorativos simétricos
en 3 dimensiones con movimiento. Se realizan decoraciones con
guirnaldas de follajes, flores y frutas.

BARROCO (1600-1750)
Movimiento artístico extendido en Europa en los siglos XVII y XVIII.
Caracterizado por el exceso de ornamentación y el predominio de
líneas curvas, se impuso sobre todo en arquitectura especialmente
en la construcción de templos. La pintura se destacó por el realismo
y el manejo de luz y sombra que los artistas le imprimieron a sus
obras. Los españoles y portugueses lo introdujeron en América,
imponiéndolo en la arquitectura colonial.

Es el resurgimiento de la belleza. Máxima expresión ornamental:

vegetales, animales, flores, elementos de cocina, etc.

Hoy llamado MAXIMALISMO, el Estilo Barroco expresa riqueza,

exageración.

El estilo Barroco fue la exaltación de la vida agitada e intensa, del

movimiento y el color, como si se tratara de una obra de teatro.

Hacia finales del Barroco surge en Francia el Estilo Rococó (sólo

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en Francia). En España surge en la última etapa del arte gótico

(gótico final o tardío) el Flamígero, que constituye una fase de
exaltación barroca dentro de un estilo de por sí barroco.

A partir de esta mezcla de estilos nace sólo en América el ESTILO

COLONIAL.

Los diseños florales se vuelven ostentosos, con muchos elementos.

Colores: dorado, terracota, marrones, rojo borgoña. Se utilizan flores
grandes abiertas (en plenitud). Los arreglos son más altos que en el
Renacimiento, aparece el “Bodegón”.

BODEGON
La palabra “bodegón” es de origen español y hace referencia a
la pintura de alimentos y objetos de cocina. Esto se debe a que los
primeros bodegones españoles representan pucheros, cántaros,
platos, verduras, legumbres o frutas. El campo temático de un
bodegón se ha ido ampliando con el tiempo, de manera que hoy
entendemos por bodegón aquella pintura de objeto que nos
presenta elementos de dimensiones abordables físicamente,
situados en un pequeño escenario, que puede incluir la presencia
de animales y plantas.

En Arte Floral responden a diseños inspirados en la pintura

tradicional, verdaderas puestas en escena. Pueden realizarse sobre
temas varios: la huerta, la caza, la cocina familiar, etc.

Se trata de diseños barrocos nostálgicos y decadentes.

Representan el otoño y su colorida decadencia. Son arreglos donde
la textura de los elementos toma relevancia. Además de flores y
follajes se utilizan frutas, hortalizas, verduras, telas, elementos
de cocina (copas, botellas de vino) y producto de caza (animales,
armas, etc.)

En este período Antony van Leeuwenhoeck (1632-1723) tallador de

lentes holandés, utilizó y perfeccionó el microscopio. Hizo grandes
descubrimientos en diversos campos, estudió diversas arterias,
células seminales y la anatomía de insectos parásitos.

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ROCOCO (1720-1800)
Estilo arquitectónico y decorativo de tipo barroco que imperó
principalmente en Francia bajo el reinado de Luis XV. Constituyó
una resolución artística respecto del estilo clásico y se manifestó
sobre todo en las artes decorativas, plasmándose en los techos
blancos, espejos, paneles pintados en tonos pasteles (gris perla,
rosa, azul suave y amarillo paja). El mobiliario y la ornamentación
de los palacios demandaron hábiles decoradores que hicieron
alarde de recursos. Una elegancia refinada se manifestó en todos
los detalles: las chimeneas, los estucos , las tallas de madera, las
alfombras y tapices. En pintura predomina el color pastel. La
escultura traduce un sentido intenso a la vida. La arquitectura se
ve menos influenciada.

Los diseños florales reducen su altura son igualmente muy

recargados pero a la vez muy refinados. Se usan flores de encaje
en recipientes de porcelana. Composiciones románticas con caída
en cascadas, flores pequeñas y de colores claros.

CLASICO (1800-1900)
Estilo artístico basado en la imitación de la antigüedad grecolatina,
no se aparta de lo tradicional. De conformidad con sus principios,
considerados clásicos en el Renacimiento y posteriormente con
todo aquello equilibrado, elegante y sereno.

Estado del arte correspondiente a una época que se toma como

referencia y norma. Los períodos preclásicos se consideran de
perfección y los posteriores, postclásicos como decadentes. Se
llama español clásico al período del siglo de oro, segunda mitad
del siglo XVI y primera mitad del XVII.

Se caracteriza por una reacción ante el barroco y un retorno a los

cánones de la antigüedad greco romana. En Arte Floral se trabaja
en armonía entre el recipiente y el arreglo. Los diseños mantienen
relación, equilibrio y proporción; son ordenados.

Se realizan decoraciones con plantas y cubre macetas. Aparece

el Bouquet de novia estilo Biedermeier. Es un estilo desarrollado
por alemanes y austríacos quienes reflejaron los gustos de la
burguesía de la época. El nombre Biedermeier fue tomado de un
personaje de ficción y caricaturesco que aparecía en un periódico

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 Módulo III | Manual del Alumno

alemán, donde reflejaba el estilo de vida de la próspera clase media.

Este estilo se caracteriza por su sobriedad y simpleza de líneas; se
basa en los estilos franceses Directorio e Imperio; y por el uso de
elementos nacionales.

El bouquet nupcial austríaco popular es elaborado con una flor

central, distinta de las demás y se confecciona a capas o líneas,
normalmente con los colores de la bandera. Es un bouquet
construido con técnica de alambrado, semiesférico, compacto y
colorido. Desde el extremo del mango caen varias cintas de colores
en cuyos extremos se colocan pequeñas flores.

Hay registros de esta técnica que datan de 1815. Es un ramo

formal, semiesférico ideal para un vestido de falda corta.

Antiguamente este ramo se realizaba en forma de caracol

partiendo de la flor central. Actualmente se trabaja en líneas de un
mismo color y material, cambiando color o material en la siguiente
y así sucesivamente.

Se utiliza la proporción 1 a 1 del período gótico. Aunque

evolucionando el diseño se puede trabajar ½ en altura y 1 y ½
en ancho. Antiguamente se incorporaban hierbas aromáticas en
el armado de este ramo, y se utilizaban encajes o puntillas en la
cobertura de la técnica de armado.

MODERNISMO (1900)
Los términos “modernismo”, “art-noveau” (Bélgica y Francia),
“jugendstil”(Alemania), “liberty”(Italia) y “modern-style”(países
anglosajones), son denominaciones regionales referidas a
producciones de diseño y arquitectura con características similares
ocurridas entre finales del siglo XIX y principios del XX.

Estas denominaciones heredan la visión integradora de todas las

disciplinas que promulgaban los “arts & cafts” es decir “la forma en
que el hombre transmite la alegría de su trabajo”.

Víctor Horta en Bruselas, Charles R. Mackintosh en Glasgow,

Lluis Domenech i Montaner y Antonio Gaudi en Barcelona son
los principales referentes. Todos se encontraron con factores de
características similares: culturas diversas que se contactaban de
manera global, revolución industrial, alta calidad y disponibilidad

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de trabajo artesanal; y el principal motor de cambio: voluntad de

búsqueda de un futuro propio.

A la economía y los recursos se sumó la libertad de creación y

los artistas se convirtieron en verdaderos directores de arte de
sus proyectos. Las estructuras de Gaudi, los espacios de Horta, el
esquema racional de Mackintosh, las fachadas libres de Domenech
i Montaner son avances del eclecticismo dominante.

• Características del período:

• Inspiración en la naturaleza,
• Uso de la línea curva y la asimetría,
• Tendencia a la estilización de los motivos,
• Elementos destacados de tipo orgánico, etc.
Se fijan normas y reglas de Arte Floral. Máxima libertad en los
diseños utilizando todo tipo de recipientes. Diseños lineales,
estilizados, con menos material que en el período anterior.

ACTUAL
La arquitectura moderna o contemporánea se caracteriza por la
simplificación de las formas, la ausencia de ornamento y el rechazo
a la composición clásica.

En la segunda mitad del Siglo XX se fueron desarrollando

las tendencias del denominado “arte moderno”: cubismo,
expresionismo, futurismo.

Los pintores cubistas rechazaron el concepto heredado de

que el arte debe copiar la naturaleza, o que debían adoptar las
técnicas tradicionales de la perspectiva, el modelado y el escorzo.
Querían hacer hincapié en la bidimensionalidad del lienzo. Así que
redujeron y fracturaron los objetos en formas geométricas, y luego
reajustaron estos dentro de un espacio poco profundo. También
utilizaron múltiples y opuestos puntos de vista.

«Los objetos en movimiento se multiplican y se distorsionan como

vibraciones a través del espacio.» expresan los pintores futuristas,
cuyas características son:

• Utilización de formas y colores para generar ritmos,

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• Transparencias,
• Multiplicación de líneas y detalles,
• Colores resplandecientes, etc.
En Arte Floral las composiciones son libres, creadas para cada
ocasión. Se utiliza poca flor, material seco, diseños con técnica de
Paralelos (vertical, horizontal, diagonal, con cruces).

Composiciones Vegetativas y diseños con reminiscencias

cubistas, con la incorporación de grafismos y como valor agregado
“materia”.

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ARTE FLORAL PARA

NUPCIAS

Cada estilo arquitectónico tiene determinadas características que

lo define; y están dadas por las formas, los colores, las proporciones
y los materiales utilizados en cada época.

Esto condiciona la elección de los diseños a realizar.

GÓTICO:
Estilizado y elegante, grandes espacios, muy altos y luminosos,
arcos ojivales. Flores espiga en colores claros y alegres.
Composiciones Clásicas: Verticales, Imperios.

RENACIMIENTO:
Austero, simétrico. Formas geométricas con proporción 8-5-3.
Colores claros y suaves. Decorativos Simples.

BARROCO:
Abundante, rico. Pesado. Rojo rubí, dorados, colores oscuros.
Elementos de gran tamaño. Composiciones clásicas: bodegones,
cascadas, guirnaldas. Formas onduladas.

NEOCLASICO:
Combinación de estilos. Más depurado que el Barroco. Colores
claros (pasteles).

Composiciones Clásicas.

MODERNISMO:
Formas que imitan a la naturaleza. Estilo rico en variedad de
materiales y colores.

Composiciones Clásicas: Biedermeier, Hoggart, decoración con

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plantas.

ACTUAL:
Estilo Funcional, enriquecido con variedad de materiales. Líneas
depuradas.

Composiciones decorativas de vanguardia: formal lineal,

paralelos, vegetativos.

Colores complementarios y Contraste de Color.

Dentro del Proceso Creativo el punto de partida; la idea, nos da la

posibilidad de desarrollar un concepto armónico para decorar.

Ese punto de partida nos provee el hilo conductor para iniciar el

proceso y puede estar dado por:

• La época del año,

• El lugar del evento,
• El Estilo Arquitectónico,
• La personalidad de la novia.
La época del año nos ayuda a definir material floral de estación,
colores y características de la decoración:

• Otoño: Formas curvas, colores amarillo/naranja/rojo. Frutas,

hojas.
• Invierno: Austeridad. Poco color.
• Primavera: Brotes, verdes claros, colores pasteles. Flores
pequeñas. Formas sinuosas.
• Verano: colores impactantes. Flores grandes. Formas rectas.

El lugar del evento, la situación geográfica nos aporta la posibilidad

de encontrar el hilo conductor relacionado con los elementos del
espacio:

• Playa,
• Campo,
• Ciudad,
• Montaña.

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La personalidad del cliente, su profesión, sus gustos, historia,

cultura, etc. pueden constituir una fuente de inspiración o una
gran limitación.

PUNTO ÓPTIMO EN LA ORNAMENTACIÓN

El Presbiterio del Altar Mayor es la zona de máxima importancia,

el área circundante.

El Altar Mayor sobre elevado por uno o dos escalones, puede estar
delimitada por una balaustrada, y reservada para el clero oficiante.
En esta zona se coloca la máxima concentración floral, en segundo
lugar pueden utilizarse los escalones y la balaustrada.

Una composición de pequeñas dimensiones colocada sobre la

mesa del Altar Mayor (si es aceptada) y otra composición puede
colocarse en el piso al centro del Altar.

Si el Presbiterio no posee balaustrada acondicionar una

construcción o utilizar elementos que permitan ver desde lejos la
decoración floral.

En el Ambón, donde se desarrolla la homilía también se coloca

una pequeña decoración.

DISTRIBUCIÓN PROPORCIONAL DE LOS

ARREGLOS

Como se trata de edificios o recintos de grandes dimensiones,

debemos colocar y concentrar los diseños en puntos específicos
para lograr la atención de los observadores. Los espacios más
significativos en una iglesia son: la entrada, el pasillo y el presbiterio.

Proporción 5 para la entrada, es el lugar donde se da la bienvenida

a las personas que concurren a la ceremonia.

Proporción 3 para el camino que guía a la novia hasta el Altar

y será luego recorrido por el matrimonio. Es la conexión entre la
entrada y el Altar donde se desarrolla la ceremonia.

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Proporción 8 para el espacio más importante. Allí se concentran

los protagonistas: novios, padrinos, cortejo. Toda la atención está
concentrada ahí por el período de tiempo más largo.

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NOVIAS TIPOLOGIA

TIPOLOGIA

El ramo de novia, más que cualquier otro trabajo floral debe ser
realizado con mucho detenimiento y debe ser además adaptado
a la persona. Por lo tanto es imprescindible colocar a la novia
en primer lugar, conocer su tipo, sus movimientos, que color de
ojos tiene, cual es su corte de pelo. Interesarse por el avance y el
desarrollo de la moda, ya que es especial fuente de inspiración.
También el color del vestido es muy importante: hay muchos tonos
diferentes de un mismo color.

El ramo es el toque final de la novia, acentúa su personalidad.

Una novia sin flores no es realmente una novia. Debe ser cómodo
de llevar; las evoluciones de las formas tradicionales (redondo,
gota, cascada) son atractivas, sin embargo deben ser llevadas
correctamente, esto es muy difícil en un día tan importante; y
pueden hacer fracasar el diseño. El ramo de novia tiene protocolo,
simbología, ritual; habla sobre el amor, y debe ser realizado con
amor.

La definición del ramo de novia tiene puntos de especial atención:

1. Observar detenidamente a la persona, cual es su estilo, su

tipo. Como se mueve, habla y se relaciona. Si es introvertida,
callada, simpática, seria. Esto es muy importante al momento
de portar el ramo.

2. La moda, su evolución y su tendencia. Están íntimamente

relacionadas en la definición del diseño. Conocer que línea
llevará el vestido, que corte, con que tela se realizará, donde y
con que elementos se localizarán los bordados, si tiene algún
punto de atracción (por ejemplo, un hombro descubierto,
una flor en la cadera, el bordado de color, etc.); esto nos
permite decidir si trabajamos en el concepto de armonía o de
contraste. Cuando decidimos un diseño armonizado con el

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vestido sabemos que será fácilmente aceptado por la gente.

El manejo del contraste debe estudiarse mucho más. Si es
intencional combinar un ramo de tendencia con un vestido
barroco, el primer paso a tener en cuenta es considerar si la
novia puede asimilarlo con total naturalidad. En ese caso es
viable el proyecto. Muchas veces las novias se entusiasman
con un diseño de ramo que no es el indicado para su físico o
para armonizar el conjunto, debemos fundamentar nuestros
conceptos para que pueda entender el punto en cuestión. No
podemos olvidar que nuestro prestigio está de por medio.

3. El ramo es una integración de diseño y técnica, tanto una

como otra han evolucionado. Se conserva la forma original de
los clásicos: circulares, gota, media luna, etc. pero la evolución
de la moda y las costumbres las ha llevado a versiones
actuales, técnica y estilísticamente adaptadas a los adelantos
de vanguardia.

4. Qué técnica utilizaremos para construir el ramo. Todas

son buenas si cumplen con los requerimientos de lozanía,
durabilidad, buena forma, manejo del color.

5. La emoción que transmite la flor es el punto de partida para la

elección del material, del color y de la expresión. Se introducen
en los nuevos diseños diferentes variedades florales, pequeños
frutos, elementos decorativos, follajes específicos, sin embargo
el gran desafío es la utilización del color. Y en este punto otra
vez debemos decidir si la elaboración será en armonía de color
o bien en contraste.

La utilización de colores adyacentes, sobre todo en la gama

del naranja, siempre resulta cálida y atractiva. Los colores
opuestos en la rueda, siempre son impactantes: amarillo-
violeta, naranja-azul, rojo-verde. Un solo color en diferentes
tonalidades es siempre muy atractivo. El blanco combinado
con el color verde siempre resulta elegante.
Debemos recordar que hay un verde ideal para cada color,
basta con observar atentamente la flor completa, (sus hojas,
tallos, pimpollos, etc.) para darnos cuenta cual es el verde
indicado para incorporar en el trabajo.
Cuando hablamos de contraste de color, hablamos de color
claro trabajado con color oscuro (contraste polar), de mucho
de un color y poco de otro (contraste de cantidad), de cálidos
y fríos (contraste de temperatura), contraste de los opuestos,
etc.

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6. La elección del material debe responder a un elemento

dominante, y el otro subordinado, un tercer elemento puede
ser flor de complemento (gypsophila, limonium, solidago,
etc.) El dominio deberá ser por cantidad, color, importancia
de flor, tamaño, etc. Nunca se debe trabajar 50% a 50%, no hay
definición, no hay decisión.

“Cual es el color que mejor sienta?

Según antiguas reglas el color de la vestimenta depende del

color del pelo:

• a las pelirrojas les conviene el verde,

• a las rubias los colores pastel,
• a las morenas los colores intensos.

Goethe formuló estas reglas en su teoría de los colores. En

aquellos tiempos, los cabellos rojos eran poco decorosos para las
mujeres, pues llamaban la atención, por eso se aconsejaba a las
pelirrojas vestir de verde, puesto que con este color el cabello rojizo
parece más amarillo-castaño. El pelo rojo nunca es completamente
rojo, sino que contiene amarillo que es reforzado por el verde que
contiene también amarillo.

Porque a las rubias les convenían los tonos pastel? En esa época,
en la que no era fácil teñir el cabello de rubio, el pelo rubio era signo
de juventud, y en la moda de entonces los suaves tonos pastel eran
los propios de la juventud.

¿Y a las mujeres de cabello oscuro? En aquella época, la moral

dictaba que las muchachas decentes no debían pintarse, y las
esposas honradas se suponia que no lo hacían, por eso las mujeres
de piel y cabellos claros generalmente rechazaban los colores
intensos, que además las hacían invisibles. Sólo a las mujeres de
cabellos oscuros que a menudo son también de piel oscura parecía
sentarles bien los colores fuertes.

Hace tiempo que todo esto ha cambiado, hoy hay una teoría más
moderna desarrollada por Carole Jackson conocida como “tipología

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estacional”, según esta teoría, el tono de piel es fundamental para

encontrar los colores que mejor sientan a las personas.

En las personas de raza blanca, la piel no es propiamente blanca,

ni propiamente rosa, es una mezcla de blanco, rojo, amarillo y azul,
esto es de todos los colores. Lo importante es que color domina en
el tono de la piel.

Estos tipos de piel se clasifican según Jackson en:

Tipo Verano:

El tono de la piel es beige, no muy rosado y mas bien azulado. Los

colores con que mejor armoniza esta piel son los apagados, que
contienen algo de blanco y una pizca de azul: azul agrisado, azul
pastel, verde azulado, rosa mate, rojo vino, azul oscuro casi negro,
blanco de lana azulado. Estos colores no compiten con la piel sino
que la destacan.

Tipo invierno:

Piel ligeramente azulada y amarillenta, pero no rosada. Los

colores que mejor armonizan son los tonos claros y sobre todo fríos:
el blanco puro, negro puro, azul real, rosa Pink, y rojo luminoso. Es
importante que los colores no sean amarillentos, pues los tonos
amarillentos destacarían la parte amarilla de la piel que adquiriría
un aspecto avejentado y enfermo.

Tipo primavera:

La piel es rosada-amarillenta. Como la piel es rosada, puede

acentuarse la parte amarillenta, por lo cual los colores que mejor
sientan a esta piel contienen amarillo: blanco cáscara de huevo,
beige amarillento, miel, verde amarillento, rosa salmón y rojo coral.
Tonos cálidos.

Tipo otoño:

Piel anaranjado-amarillento. Aliados de esta piel son los tonos

castaños y anaranjados, el rojo tomate con toque de amarillo y los
verdes intensos con toque de amarillo como el verde musgo y el
verde oliva.

Dentro de éstos conceptos es importante entender que existen

tonos fríos del rojo (como los que contienen azul), y variaciones

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en los diferentes tonos del color, lo importante será saber de que

colores se compone cada color: no todo azul claro contiene blanco,
también puede tener rastros de amarillo o rosa.”

“Tomado del libro de C. Jackson”

Para realizar una óptima entrevista, es importante para el florista

conocer el tipo al que pertenece la novia, como así también que
características y a que estilo corresponde su vestido. Estos puntos
nos ayudarán a reconocer el “tipo de novia” basado en su apariencia
y así poder recomendar el ramo de novia más apropiado.

1. Novia joven, aniñada. Figura frágil, delicada de rostro

agradable, joven. Vestido sencillo, no muy ancho. Cabello
largo, castaño claro o rubio. Flores pequeñas, colores claros,
ramo redondo con caída leve de cintas transparentes.

2. Novia deportiva. Alta, delgada. Vestido sin accesorios

ni detalles románticos. Cabello corto, castaño. Flores con
personalidad, colores definidos, formas asimétricas con
diferentes líneas.

3. Novia elegante. Alta, delgada, de cabello largo, castaño/

castaño claro. Ropa de diseño, con accesorios. De elegancia
natural. Ramo en composición con el diseño del vestido, con
caída si hubiere cola larga. Generalmente flores blancas, o de
colores suaves e importantes.

4. Novia romántica. Vestido ancho y con muchas capas de tul.

Velo de arrastre. Peinado semi recogido o recogido completo.
Flores de colores suaves, o blancas, ramos con forma de gota o
caída compacta, muy elaborados.

5. Novia clásica. Va desde el Barroco hasta el tradicional. Vestido

semi ancho/super ancho. Se caracteriza por una confección
esmerada y de buena calidad. Los ramos serán de formas
clásicas: redondo, gota, cascada según el diseño del vestido,
compactos y muy elaborados.

6. Novia extravagante. Diseños llamativos, entallados, grandes

escotes. Peinados elaborados con tocados de piedras y brillos.
El ramo acompañará el diseño exclusivo del vestido con flores
importantes y accesorios combinados con el tocado.

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 Módulo III | Manual del Alumno

7. Novia madura. Vestido elegante y clásico, de diseño,

posiblemente corto y de color. El ramo deberá ser simple, no
demasiado grande y muy elegante.

8. Novia ejecutiva. Sabe exactamente que quiere y no acepta

errores. Vestido de diseño, refinado, de telas exclusivas. El ramo
deberá acompañar exactamente este concepto, flores de
primera calidad, colores fuertes, buen diseño, con estructura y
definición de vanguardia.

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 PROGRAMA | DÍA 04
MAPA ESTRUCTURAL.
Grandes Dimensiones. Desarrollo de Ambientación.

TRABAJO EN EQUIPO.
Presupuesto. Memoria Descriptiva.
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 Módulo III | Manual del Alumno

AMBIENTACIÓN

Ambientar es mucho más que embellecer un espacio. Cada

evento es una posibilidad de desarrollar el ingenio, poner a prueba
la capacidad de interpretar el sentir de cada cliente; trabajando en
forma personal y directa, desarrollando proyectos particulares que
se adapten a sus requerimientos, teniendo en cuenta los criterios
de funcionalidad y conceptos estéticos en cada caso.

Puntos importantes a considerar:

1. Requerimiento, expectativa y necesidad del cliente.

2. Presupuesto disponible.

3. Composición de los invitados.

4. Evaluación del espacio disponible.

5. Certificación de las condiciones reglamentarias.

6. Servicios que ofrece el lugar escogido.

7. Sectorización de los ambientes de acuerdo al desarrollo del

evento.

8. Circulación y desplazamiento de los invitados.

9. Estilo arquitectónico del lugar.

10. Mobiliario existente y requerido para el evento.

11. Color y materiales predominantes, forma y estética.

12. Acceso, horario y disponibilidad de montaje.

13. Formas y medios de pago.

Los honorarios del profesional varían según su trayectoria y

renombre, como así también, del tipo de evento y las características
del proyecto a llevar a cabo; pero como parámetro general puede
tomarse como base un porcentaje que va desde el 10 al 20% sobre
el costo total de la ambientación.

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 Módulo III | Manual del Alumno

La forma de pago en términos generales es: 50% del importe al

aceptarse el presupuesto y el resto en pagos parciales finalizando
una semana antes de la fecha del evento.

Es conveniente firmar un acuerdo entre partes donde queden

asentados todos los detalles del acuerdo: memoria descriptiva del
diseño, planos, bocetos, fechas de entrega, plazos de pago, etc.

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