53.

Diversidad de estilos musicales a finales del siglo XIX y principios del siglo
XX (I). Nacionalismo ruso. Grupo de Los Cinco

1. NACIONALISMO MUSICAL

1. 1. Definición del término “nacionalismo”

• Diccionario Harvard: Uso de materiales nacionales o regionales, que pueden
ser auténticos o virtuales.
• También, uso de elementos míticos o de la literatura nacional.

1. 2. Tipos de nacionalismo
• Siglo XIX: connotaciones políticas, búsqueda de una identidad nacional
“romántica”. Individualismo romántico ! individualismo de los pueblos.
Interés por la historia local, etc.
• Siglo XX: auge de la etnomusicología y los registros fonográficos.
Nacionalismo científico e internacional, y no tanto reivindicativo.

1.3. Antecedentes:
Beethoven (canciones europeas), Schumann (evocaciones campesinas), Chopin
(mazurkas y polonesas), Liszt (lo húngaro/zíngaro), Brahms (canciones alemanas)

1.4. Rasgos del nacionalismo de fines del siglo XIX:

• dignidad de la música folklórica
• preferencia de las formas libres sobre las formas convencionales
• introduce giros lingüísticos nuevos, hasta ahora alejados de la
sensibilidad occidental
• colorido instrumental exótico

2. NACIONALISMO RUSO

2.1. Primeras manifestaciones:

• Glinka. Una vida por el zar (1836), Russlan y Ludmilla (1842). Busca
deliberadamente una identidad cultural autóctona. Melodías caucásicas,
árabes, persas... Por fin se crea la ópera nacional rusa
• Dargomijsky. Russalka (1856), El convidado de piedra con declamaciones
y giros arcaicos, modales

2.2. “Los Cinco”

Con Alejandro II ! período de optimismo y florecimiento de las artes/letras:
Turgéniev, Dostoievski, Tolstoi. Conservatorio de San Petersburgo, 1861.
El teórico Nikolái Chernyshevski publica en 1855 su obra Relaciones estéticas del
arte con la realidad, en que defiende la canción popular, natural, como algo ligado a
lo real, al contrario que la ópera italiana, “artificial, calculada, adornada”…
Músicos occidentalistas (Anton y Nikolai Rubinstein, Chaikovski) y nacionalistas (los
Cinco), seguidores de Glinka y del ideólogo Vladimir Stassov. Stassov propugnaba
cuatro líneas a seguir por la nueva música:
1. No tener ideas academicistas preconcebidas
2. Meter elementos orientalistas
3. Más música programática (porque está ligada a “lo real”) que “música
absoluta”
4. Buscar un “carácter nacional”
(A Stassov o Stassoff su mujer le llamaba y él decía: “No, querida, estoy ‘in’”)…
Perdón, seguimos. Los compositores de Los Cinco:
• Mili Balákirev. Director del grupo, aunque más que rusófilo exacerbado era
seguidor de Meyerbeer y Berlioz. No obstante, fue recopilador de canciones
folklóricas rusas y de otros pueblos. Empatizó con España: Obertura sobre el
tema de una marcha española (1857) sobre la Marcha Real (o sea, el himno
actual). Fue maestro de Rimsky, Mussorgski y Borodin. Compuso dos sinfonías,
y los poemas sinfónicos Tamara y Rusia. Su obra más conocida es Islamey:
fantasía oriental para piano
• Cesar Cui. Llegó a ser general del ejército ruso y experto en fortificaciones.
Articulista y propagandista de Los Cinco sobre todo. En sus artículos se
oponía al germanismo de Max Reger y Richard Strauss y defendía un “idioma
musical” propio de Rusia. Óperas: El prisionero del Cáucaso (1857), La hija del
capitán (1911, en esta barría para casa…) y El gato con botas (1913, ópera
para niños sobre el cuento del Perrault). Su obra más difundida es una serie de
24 piezas para violín y piano: Kaleidoscope, con la famosa Orientale
• Alexander Borodin. Fue médico, pero más reconocido como químico
(descubridor de la reacción aldólica, en el campo de la química orgánica, en
1872, que abriría el camino para que la farmacéutica Pfizer sintetizase el lipitor
en 1996, contra el colesterol). Autodidacta, no empezó a estudiar composición
hasta los 30 años (1863, así que no os desaniméis) con Balakirev, que influyó
en su pensamiento estético. Principales obras:
o Sinfonía nº2 (1869), que emplea cromatismo lisztiano
o El príncipe Igor (1869-muerte), ópera llena de exotismo y ritmos
salvajes. Queda incompleta y la terminan Rimsky y Glazunov
o En las estepas de Asia Central (1880), poema sinfónico que combina
una melodía rusa con una melodía oriental asiática, que canta el corno
inglés. Al final ambas melodías se superponen
o Cuarteto nº2, con el famoso Nocturno
• Modest Mussorgski. Llegó a ser teniente del ejército ruso con 18 años, pero
lo dejó todo a los 19 para dedicarse a la música. Como no podía ganarse la
vida con la música, trabajó como funcionario en San Petersburgo, pero fue
cambiando de plaza por motivo de su alcoholismo moderado e inmoderado
(cosa que no sucede en Atocha). Es quizá el más revolucionario armónica y
melódicamente de Los Cinco. Su música vocal quiere ajustarse al habla y las
inflexiones de la lengua rusa. No practica apenas el desarrollo germano
sonatístico, sino la repetición y la yuxtaposición de ideas. Muere de lo
susodicho (de hecho en el último retrato que le hace Repin, en 1881, tiene
 cara de delirium tremens) sin completar algunas de sus mejores obras.
Principales obras:
o Cantos y danzas de la muerte (1870), 4 canciones para bajo/barítono y
piano, que hablan de desdichas comunes en aquel entorno: mortalidad
infantil, la guerra, el exceso de alcoholismo. Luego las orquestaron
Rimsky y Glazunov
o La Khovánshchina (1872-muerte), ópera sobre una triple guerra civil en
la Rusia del XVII: el zar Pedro I el Grande contra dos facciones que se
odian entre sí (los Streltsí y los viejos creyentes), cada cual con su idea
de Rusia. Es famoso su Preludio (“Amanecer sobre el río Moscova”). La
terminó Rimsky
o La feria de Soróchinets (1874-muerte), ópera cómica con una famosa
obertura y un famoso Gopak
o Boris Godunov (1869-72), basado en la novela de Pushkin sobre las
intrigas sucesorias de Iván el Terrible, cuyo hijo Fedor deja el gobierno
en manos de su cuñado Boris Godunov, sediento de poder. Hay un
hondo nacionalismo representado por el pueblo, que actúa todo el
rato como “de fondo”, como si fuese un coro griego. Pushkin
detestaba el absolutismo ruso de principios del XIX, y Mussorgski va
varios pasos más allá en su vindicación de la libertad popular.
Famosísima su Escena de la Coronación y el monólogo del monje
Pimen
o Una noche en Monte Pelado (1867), poema sinfónico sobre un
aquelarre en un cuento de Gógol. Mussorgski anotó estas indicaciones:
“Rumores subterráneos de voces sobrenaturales”, “Aparición de los
espíritus de las tinieblas y de Chernabog”, “Glorificación de
Chernabog y misa negra”, “Aquelarre de brujas”, “Las ve un
campesino y se dispersan los espíritus de las tinieblas”, “Amanecer”
o Cuadros de una Exposición (1874), para piano, en honor de su amigo
fallecido el pintor Viktor Hartmann. Hay modalismo (frigio, lidio,
eólico), irrupciones tonales inesperadas, empatía popular (por ejemplo
en el Bydlo, la trabajosa carreta polaca) y mirada a lo infantil (los grititos
lidios de los niños en Tullerías y la legendaria Baba-Yaga), para acabar
en grandioso, con la Puerta de Kiev como pórtico hacia una gran Rusia
trascendental. En las Catacumbas y Cum mortuis in lingua morta parece
encontrarse con el espíritu de su amigo
• Nikolái Rimsky-Kórsakov. Muy orientalista. Uno de los mejores
orquestadores de la historia (autor además de un Tratado de Orquestación y
un Tratado de Armonía). Fue oficial de la Armada rusa, y su conocimiento de
los instrumentos de viento quizá le vino de sus años como inspector de bandas
navales (como los que os van a examinar). Fue catedrático de Composición en
el Conservatorio de San Petersburgo, y el más prestigioso como académico de
Los Cinco. Llegó a ser incluso muy amigo de Chaikovski, que los demás veían
como un cipayo musical de Occidente, y llegó a admirar mucho a Wagner, al
contrario que los otros. Cuando ocurrió la Revolución de 1905 (la pre-
Revolución Rusa), Rimsky se puso del lado de los estudiantes y fue acusado de
participar en las protestas. Así que renunció como director del Conservatorio
de San Petersburgo. Glazunov y Liadov también acabaron renunciando como
profesores, y 300 estudiantes, todos en solidaridad con Rimsky
o La doncella de nieve (1881), ópera sobre la oposición entre las fuerzas
eternas de la naturaleza, con personajes como La Helada, La Primavera,
El Espíritu del Bosque, mezclados con gente normal como Kupava,
Mizgir… estando la Doncella de Nieve entre los dos mundos. Usa la
técnica del leitmotiv, y los ciudadanos tienen melodías folklóricas
o Capricho Español (1887), dividido en Alborada, Variaciones, Alborada,
Escena y canción gitana, Fandango de Asturias. Rimsky había estado en
Asturias en una parada de tres días cuando era oficial naval (1865). Más
tarde se puso en contacto con el folklorista español González del
Valle, quien le dio a conocer el cancionero Ecos de España de José
Inzenga (1878), porque la “Escena y canción gitana” se basa en una de
esas canciones andaluzas del cancionero
o Scheherezade (1888), suite sinfónica dividida en 1) “El mar y el barco
de Simbad”, 2) “La historia del Príncipe Kalender”, 3) “El joven príncipe
y la princesa”, 4) “Festival en Bagdad – El mar – El barco se estrella
contra un acantilado coronado por un guerrero de bronce”. Parece
representar una contraposición entre el autoritario tema del sultán
Shahriar (lo que suena al inicio) y la voz etérea de Scheherezade en el
violín solista. Hay un homenaje al comienzo de la Obertura de El sueño
de una noche de verano de Mendelssohn. Pero Rimsky negó que
hubiese leitmotifs determinados en la obra, y que eran temas musicales
que aparecían y se desarrollaban bajo diferentes entornos puramente
musicales. No obstante, la contraposición temática existe e interactúa,
aunque no se llamen Scheherezade y Shariar…
o Obertura de la Gran Pascua Rusa (1888) sobre temas litúrgicos rusos.
Quiso reproducir, en sus propias palabras, el «aspecto legendario y
pagano de la fiesta, y la transición de la solemnidad y el misterio de la
noche de la Pasión del sábado a las desenfrenadas celebraciones
pagano-religiosas de la mañana del domingo de Pascua»
o Sadkó (1896), ópera nacionalista. Es famosa su “Canción india”
o El cuento del zar Saltán (1900), ópera colorista, de esos temas medio
mágicos medio infantiles y medio coherentes que gustaban a finales
del XIX, con tres hermanas que quieren casarse con el zar, una princesa
cisne y un niño, Guidon, que crece acunado por la malvada Barbarika y
se transforma en moscardón. En el 3er acto está el famoso “Vuelo del
moscardón”
o Leyenda de la ciudad invisible de Kítezh (1905), ópera basada en la
leyenda de que, cuando la ciudad de Kítezh iba a ser atacada por los
mongoles en el siglo XIII, la oración de Santa Fevronia hizo que se
volviese invisible (la ciudad). Es considerada el Parsifal ruso, porque
Kítezh se convierte en una especie de paraíso para almas puras, y
porque aúna elementos cristianos con paganos
 o El gallo de oro (1906), ópera/protesta contra el absolutismo zarista y el
imperialismo ruso. No pasó la censura, claro. Es famoso su “Himno al
Sol”

2.3. El caso de Chaikovski (1840-1893)

Occidentalista en la instrumentación y en las formas sinfónicas y camerísticas (6
sinfonías, 3 conciertos para piano, un concierto para violín…), pero también
nacionalista en la introducción de giros auténticamente rusos. 10 óperas: Eugenio
Oneguin (1878), La dama de picas (1890). 3 ballets: El lago de los cisnes (1876), La
bella durmiente (1889), Cascanueces (1892). Transformó en internacional,
artísticamente, el idioma popular ruso.

2.4. Los alumnos de Rimsky-Korsakov

" 2.4.1. Glazunov (1865-1936)
" 2.4.2. Stravinsky (1882-1971). Obras del “período ruso” para los ballets de
Diaghilev: El pájaro de fuego (1910), Petrushka (1911), La Consagración de la
Primavera (1913), con polirritmia, uso percusivo de la disonancia,
politonalidad, primitivismo y ruptura con el siglo XIX. Durante la Gran Guerra:
Las Bodas y La Historia del Soldado, sobre cuentos populares rusos. No
contiene material ruso original, pero sí sabor melódico ruso.

3. NACIONALISMO MUSICAL CENTROEUROPEO

3.1. Checoslovaquia
• Smetana (1824-1884). Primero que refleja sentimientos nacionales del pueblo
bohemio. 1862, en Praga para crear una cultura nacional. 6 poemas sinfónicos
(Mi patria: El Moldava, etc. con melodías checas sublimadas)
• Dvorák (1841-1904). Vestigios de danzas populares, presencia de lo eslavo en
toda su música sinfónica. Danzas Eslavas, Stabat Mater, Sinfonías 7, 8 y 9.
Concierto para violonchelo y orquesta.
• Janácek (1854-1928). Se anticipa a Bartók en recoger científicamente música
de su país. Jenufa (1903), con melodía-discurso de corte naturalista.
Sinfonietta, Taras Bulba.

3.2. Hungría
• Kodály (1882-1967). Investigador exhaustivo de lo húngaro. Cuarteto nº1
nacionalismo cruzado con técnicas vanguardistas. Háry János (1926) ópera con
énfasis en lo folklórico. Creador del famoso “método Kodály”.
• Bela Bartók (1881-1945). Estudia rigurosamente en folklore de toda Europa
Central, Turquía, el norte de África. Utiliza y rearmoniza canciones autóctonas,
pero también inventa el “folklore virtual”, basado en los supuestos armónicos,
rítmicos y melódicos reales. La importancia del tritono y del acorde mayor-
menor, en los lindes de la tonalidad clásica. Mikrokosmos, Allegro Barbaro, El
castillo de Barba Azul.
 4. ESCANDINAVIA

4.1. Edvard Grieg (1843-1907). Contacto con Rikard Nordraak. Melodías y danzas
populares noruegas (la Canción de Solvejg usa una melodía auténtica). Modalismo
elegante. Peer Gynt.

4.2. Jean Sibelius (1865-1957). 7 sinfonías, Concierto para violín. Más que citas
literales, “pinta” paisajes nórdicos y evoca melodismos originales. Finlandia.

5. ESPAÑA

Inestabilidad política y aislamiento: colonizada por la música italiana. Segunda mitad

del XIX: auge de la zarzuela, que no consigue “internacionalizar” lo español.
Felipe Pedrell (1841-1922) se propone recuperar la grandeza de lo español. Padre de
la musicología española. Investigador (junto con Barbieri) de la música antigua
española.
• Albéniz (1860-1909), Suite Iberia, lo español en términos
vanguardistas/impresionistas
• Granados (1867-1916), Goyescas, romántico tardío
• Falla (1876-1946), internacionalización definitiva de lo español

6. INGLATERRA

• Vaugham Williams (1872-1958), folklore como elemento de estudio, y luego

para enriquecer su lenguaje. Modalismo y ritmos libres. Música eclesiástica
inglesa. 9 sinfonías. Fantasía sobre un tema de Thomas Thallis.
• Otros compositores con tintes nacionalistas: Elgar, Holst, Delius

7. AMÉRICA

7.1. Estados Unidos (América first)

• Charles Ives (1874-1954): espirituales, folklore indio, ragtime, ritmos
afrocubanos, música de iglesia, tradición bandística, en asombrosos collages
instrumentales o sinfónicos.
• Gershwin (1898-1937): jazz, espirituales, blues, impresionismo.
• Copland (1900-1990): estilo estadounidense en Billy the Kid, Rodeo,
Appalacchian Spring. Tras la II Guerra, influencia de Stravinsky y música más
abstracta.
7.2. América Latina
• Argentina. Alberto Williams, discípulo de Cesar Franck. “Grupo Renovación”
(1929) fundado por Juan Carlos Paz ! Alberto Ginastera (1916-1983)
• Brasil. Fusión de la saudade, la música portuguesa, la música latina y la música
negra. Heitor Villalobos (1897-1959) además une su admiración por Bach.
Chôros y Bachianas Brasileiras.
• México. Carlos Chávez (1899-1978), lo folklórico, lo experimental, lo
concreto.