VALLE-INCLÁN

Ramón María del Valle-Inclán (Vilanova de Arousa, 1866 - Santiago de Compostela, 1936) Empezó su
andadura literaria dentro del Modernismo y cultivó la novela y el teatro. Es una de las más importantes
figuras de la literatura española de todos los tiempos y, junto a García Lorca, supone un hito en el teatro
español contemporáneo.

Su obra es original y revolucionaria. Denostado e incomprendido por sus contemporáneos, solo a finales
del siglo XX se ha reconocido la grandeza de su valor literario. El lenguaje que emplea es muy culto y
brillante. Sus obras son difíciles de representar debido a varios factores:

• Las acotaciones escénicas muy plásticas e irrepresentables.

• La gran cantidad de personajes y la longitud de sus obras.

• Los continuos cambios de espacio escénico requeridos.

La evolución del teatro de Valle-Inclán no es rectilínea: intentó separarse del teatro realista, naturalista,
para abrir caminos distintos que confluyeron en el esperpento. Estos caminos iniciales siguen dos líneas:
la del mito (mitificación de Galicia) y la de la farsa que transfigura los siglos XVIII y XIX, creando un
mundo afectado, ridículo, de muñecos y figurines.

En el teatro de Valle se distinguen tres ciclos:

1.- CICLO MÍTICO: La intención de Valle es hacer ver el complejo malestar de la sociedad española de
fines del XIX. Rechaza la estructura social burguesa liberal y trata de hallar solución volviendo los ojos a
la sociedad tradicional del agro. Cuando se da cuenta de la ineficacia de aquella "clase noble" como
solución para el presente, la condena a muerte. Esta actitud no lejana a la del grupo del 98, hace
despertar a España del sueño de grandeza del pasado.

Las Comedias Bárbaras, trilogía compuesta por Águila de Blasón, Romance de lobos y Cara de plata,
plasman el desplome del mundo feudal gallego, cuyas características sociales y vitales están
concentradas en don Juan Manuel Montenegro, que muere a manos de sus propios hijos.

Divinas palabras es la culminación de este ciclo y se halla a medio camino del esperpento.

2.- CICLO DE LA FARSA: Es un modo distinto: lo grotesco se une a lo poético, lo refinado a lo cursi.
Detrás de este modo de teatro se halla una sátira del poder y de la sociedad: La marquesa Rosalinda

3.- EL ESPERPENTO: Utilizado por primera vez en Luces de Bohemia. Después se asignará también
este nombre a la trilogía Martes de Carnaval. Valle era consciente de que había creado una forma literaria
distinta, inclasificable según los géneros tradicionales.

El esperpento es definido en Luces de bohemia en el conocido episodio de los espejos deformantes del
Callejón del Gato de Madrid, en boca de su protagonista Max Estrella como “deformación sistemática
de la realidad”. Por medio de esta deformación Valle-Inclán critica despiadadamente la situación de
España, la muestra en profundidad resaltando sus aspectos más grotescos y brutales. Se trata pues de
un estilo que deforma sistemáticamente la realidad, transformando en caricatura grotesca lo humano y lo
ibérico, y que surge en determinadas circunstancias históricas (en Goya y Quevedo se encuentran
similares procedimientos). El esperpento es una parodia de la tragedia clásica con sentido crítico, una
tragedia en la que se somete la realidad a lo grotesco, a lo absurdo. El esperpento funciona así como un
instrumento de desenmascaramiento. Valle, comprometido con la transformación social, intenta presentar
una experiencia de lo real que, más allá de la corteza realista, transmita mucho mejor los detalles de un
mundo rebosante de desgracias e injusticias.

Recursos específicos del esperpento son: contrastes violentos (presentación de lo extraordinario como
normal y verosímil); presencia de la muerte como personaje fundamental; degradación de lo humano
(fantoches, peleles, seres insensibles como objetos) y degradación prosopopéyica (animalización,
cosificación); muñequización; mordacidad sarcástica; libertad formal; desgarro lingüístico (lenguaje
violento).
 FEDERICO GARCÍA LORCA

(Granada,1998 - 1936) Supone, con Valle, uno de los hitos indiscutibles del teatro español del siglo XX.
Despreciaba el teatro que se estaba representando en los escenarios españoles de la época, y por ello
acometió una profunda renovación. Se propuso crear un teatro "didáctico", que forme o "reforme" los
gustos del público, con un enfoque social y popular. Colaboró con las misiones pedagógicas del gobierno
de la II República a través de su grupo “La Barraca”, promoviendo las representaciones de teatro por los
pueblos de España (también en Vilagarcía de Arousa). En el repertorio de obras de este grupo se incluyó,
por ejemplo, La vida es sueño, de Pedro Calderón de la Barca.

Sus comienzos están asociados al teatro infantil y lúdico: El maleficio de la mariposa (de influencia
modernista), Amor de don Perlimplín con Belisa en su jardín. Destaca también en la línea de la farsa
trágica sobre amores desgraciados con La zapatera prodigiosa, obra para la que el propio Lorca diseñó
los figurines. Compone además varias piezas breves de teatro de marionetas como Los títeres de
cachiporra, donde desarrolla una de las temáticas lorquianas: el conflicto “autoridad vs. libertad”. Pero
también escribe por entonces obras serias como Mariana Pineda, drama histórico basado en la heroína
ajusticiada por Fernando VII, que se convirtió en su primer gran éxito.

La influencia de las vanguardias produjo un cambio de estética dando como resultado un teatro deudor
del surrealismo: Así que pasen cinco años.

Sin duda, el mejor teatro lorquiano es el constituido por sus tres grandes obras: Yerma, Bodas de
sangre y La casa de Bernarda Alba, dramas de frustración, de temática muy similar a la de su obra
lírica Romancero gitano, y de protagonismo netamente femenino donde se refleja la marginación social a
la que se veían abocadas las mujeres. Estos dramas rurales presentan coincidencia de elementos:
protagonistas femeninas, conflicto latente de índole sexual, enfrentamiento entre el individuo y la
autoridad, ambiente rural andaluz, desenlace trágico, simbolismo y lirismo.

ANTONIO BUERO VALLEJO.

(Guadalajara, 1916 - Madrid, 2000). Su teatro se basa en la naturaleza del hombre, de significado
universal. Se trata de un teatro que, a pesar de las barreras reales del mundo (imposibilidad de alcanzar
la realización plena del individuo), continúa defendiendo la verdad ética del ser humano. La obra
dramática de Buero lleva implícita, además, una crítica de la sociedad española contemporánea. En 1986
recibió el Premio Miguel de Cervantes.

Rasgos característicos:

1. Sus personajes, trágicos, se debaten en un mundo hostil.

2. Búsqueda de la verdad absoluta.
3. Rechazo de soluciones falaces y tranquilizadoras.
4. Soledad radical del hombre.
5. El personaje trata de salvarse por medio de una victoria espiritual, sólo fructífera para él mismo.
6. Personajes enfrentados que representan la propia tensión del ser humano (activo-contemplativo).
7. Teatro serio, sin concesiones a la risa.
8. Presencia simbólica de taras físicas que representan las limitaciones del ser humano para
alcanzar la libertad: ceguera (En la ardiente oscuridad, El concierto de san Ovidio), locura (El
tragaluz, La Fundación), sordera (Hoy es fiesta, El sueño de la razón) ...
9. Renovación de la técnica teatral con altura estética, haciendo un uso muy eficaz de los elementos
escénicos (iluminación, juegos con los decorados o el sonido) y desarrollando los efectos de
inmersión.
ETAPAS

Su debut se produce en 1949 con Historia de una escalera, obra que obtuvo gran éxito de crítica y
público, y consolidó la auténtica renovación de la dramaturgia española tras la Guerra Civil.

● 1ª ETAPA hasta 1957: caracterizada por un enfoque existencial y una estética realista de
“construcción cerrada” (espacio escénico tradicional y progresión clásica de la acción).
● 2ª ETAPA en la que predomina el enfoque social e histórico, se inicia en 1958 con Un soñador
para un pueblo.
● 3ª ETAPA, desde 1970 se hace manifiesta la voluntad del autor por no permanecer al margen de
las innovaciones experimentales del momento y, así, desde la escena se le impone al público la
necesidad de identificarse con los personajes para compartir el modo en que ellos ven las
situaciones que el drama desarrolla.

OBRA

La obra de Buero puede ser estudiada a partir de estos ejes:

a) Proceso crítico de la sociedad española. - Supone una renovación teatral porque introduce en
escena la cruda realidad que era negada por el resto de los dramaturgos: Historia de una escalera
(1949), Hoy es fiesta (1956), El tragaluz (1967).

b) Neosimbolismo. - De temática existencial, se trata de un teatro moral o ético que destierra todo
humorismo. Se aleja del nihilismo existencialista porque en sus obras siempre plantea una solución ética
por la que luchan sus personajes más ejemplares: El sueño de la razón (1969), La Fundación (1973),
Llegada de los dioses (1971).

c) Proceso crítico de la historia de España. Escoge situaciones o personajes históricos con los que
construye cuadros aislados a través de los cuales muestra una lucha ética del individuo, y además
consigue un distanciamiento temporal que protege este teatro histórico de Buero de la censura: Un
soñador para un pueblo (1958), Las Meninas (1960), El concierto de San Ovidio (1962).

d) Teatro último: Lázaro en el laberinto (1988), Música cercana (1990).

Fundación

1. Contexto histórico y biografía de Buero Vallejo

Antonio Buero Vallejo (1916-2000) es una figura destacada del teatro español. Nacido en Guadalajara, su
vida y obra estuvieron profundamente marcadas por los acontecimientos de la Guerra Civil española y
sus consecuencias. Tras la guerra, Buero fue detenido por sus ideas republicanas y condenado a muerte,
pena que más tarde se conmutó por prisión. Durante su encarcelamiento, vivió experiencias que
inspirarían varias de sus obras, como La Fundación.

Tras obtener la libertad condicional en 1946, Buero se dedicó a la escritura teatral, ganando el Premio
Lope de Vega en 1949 por Historia de una escalera. Sus obras se caracterizan por la profundidad
psicológica, la crítica social y el simbolismo. Fue miembro de la Real Academia Española y recibió el
Premio Cervantes en 1986.

La Fundación (1974), subtitulada como “fábula en dos partes”, combina un enfoque existencial y político,
reflexionando sobre la alienación, la lucha por la verdad y la resistencia frente a la opresión, temas
relacionados con la España franquista.
2. Argumento de La Fundación

La obra se centra en Tomás, un preso político condenado a muerte que, abrumado por el remordimiento
tras delatar a sus compañeros bajo tortura, desarrolla una esquizofrenia que lo lleva a percibir su prisión
como una Fundación científica. Comparte la celda con otros cuatro presos: Asel, Tulio, Lino y Max,
quienes juegan el papel de investigadores en su delirio.

En esta alucinación, Tomás imagina un mundo idealizado en el que la Fundación les proporciona todos
los recursos necesarios para realizar investigaciones. Sin embargo, a medida que avanza la obra, los
elementos discordantes se hacen evidentes: el hambre, los olores desagradables y la creciente tensión
entre los personajes revelan la cruda realidad de la cárcel.

El objetivo de sus compañeros es traer a Tomás de vuelta a la realidad, ya que su colaboración es

esencial para ejecutar un plan de fuga. La trama culmina con un desenlace abierto: Asel se suicida para
proteger el plan y salvar a los demás, mientras que Tomás y Lino son sacados de la celda sin que se
esclarezca si serán ejecutados o trasladados.

3. Temas principales

3.1 Existenciales

1. Realidad engañosa: La obra reflexiona sobre la dificultad de distinguir lo real de lo ilusorio. La

alucinación de Tomás simboliza la tendencia humana a construir ficciones para escapar de la realidad.

2. Alienación como huida: La esquizofrenia de Tomás se plantea como una defensa psicológica frente
al horror, pero también como un obstáculo para enfrentar la verdad y la responsabilidad.

3. Libertad y prisión: Más allá de la cárcel física, la obra explora la prisión metafórica de la existencia
humana, donde la libertad siempre está condicionada.

4. La acción como necesidad vital: Frente a la desesperanza, la obra defiende la acción como un
medio para transformar la realidad.

3.2 Sociopolíticos

1. Crítica al franquismo: Aunque ambientada en un “país desconocido”, la obra denuncia las

condiciones de opresión y falta de libertad que caracterizaban la España franquista.

2. Oposición al sistema opresor: Representada por los presos políticos, la obra aboga por la resistencia
frente a la tiranía.

3. La tortura y la delación: Reflexiona sobre las consecuencias psicológicas de la tortura y las diferentes
motivaciones detrás de la delación, distinguiendo entre la causada por debilidad (Tomás y Asel) y la vil e
interesada (Max).

4. La pena de muerte: Todos los personajes están condenados por sus ideas políticas, lo que evidencia
la brutalidad del régimen.

4. Técnicas y recursos dramáticos

4.1 Estructura

- Dividida en dos partes con dos cuadros cada una:

● Primera parte: Se desarrolla principalmente en la Fundación (alucinación de Tomás).

● Segunda parte: Centrada en la cárcel y el retorno de Tomás a la realidad.

- Tiene una estructura circular, iniciando y concluyendo con elementos similares: la música de Rossini y la
“Fundación” reaparecen al final.

- La obra comienza in medias res y utiliza el factor sorpresa para involucrar al espectador.
4.2 Simbolismo

1. El ratón y la jaula: Representan la prisión de los personajes y la fragilidad de la libertad.

2. Hologramas: Simbolizan la irrealidad de la existencia humana y la percepción subjetiva de la
realidad.
3. Luz/oscuridad: Asociadas a la vida y la muerte, respectivamente, subrayan los momentos más
dramáticos.
4. El paisaje idílico: Metáfora de la esperanza y el anhelo de un futuro mejor.
5. La música de Rossini: Estructura la obra y simboliza la libertad.

4.3 Efectos de inmersión

El público comparte la perspectiva de Tomás, creyendo inicialmente en la Fundación como un lugar real,
lo que refuerza el impacto del descubrimiento de la cárcel.

5. Espacio, tiempo y acción

5.1 Espacio

La obra transcurre en un único espacio escénico que se transforma de la Fundación idílica a la celda de
prisión, reflejando el estado mental de Tomás y el desmoronamiento de su fantasía.

5.2 Tiempo

La acción se desarrolla en aproximadamente cuatro días, con una estructura lineal y algunas elipsis.

5.3 Acción

La obra es un drama de situación más que de peripecias, centrado en:

1. La progresiva recuperación de la lucidez de Tomás.

2. La ejecución del plan de fuga, que se mantiene en secreto hasta el final.
3. La tensión entre los presos, exacerbada por la presencia de un traidor.

6. Personajes principales

1. Tomás: Protagonista que evoluciona de un estado de alienación a la lucidez, convirtiéndose en un líder

dispuesto a luchar por la libertad.

2. Asel: Mentor de Tomás, representa la reflexión, la esperanza y la acción ética. Su suicidio final es un
acto de sacrificio.

3. Tulio: Inicialmente frío, se humaniza y representa la importancia de soñar, aunque sea en situaciones
extremas.

4. Lino: Joven impulsivo que actúa sin pensar, pero aprende a asumir responsabilidades.

5. Max: El traidor, motivado por el egoísmo y su alianza con el poder.

6. Berta: Proyección idealizada de Tomás, simboliza su conciencia y la dualidad entre la fantasía y la

realidad.

7. Conclusión

La Fundación es una obra profundamente simbólica y crítica que trasciende su contexto histórico.
Combina una reflexión filosófica sobre la condición humana con una denuncia de las condiciones
sociopolíticas de su tiempo. Buero Vallejo utiliza elementos dramáticos y simbólicos para involucrar al
espectador en una experiencia que cuestiona la verdad, la libertad y la responsabilidad individual frente a
la opresión.