Tema 1
Conocimiento Musical
Tema 1. El valor formativo y
de transformación de la
música
Índice
Esquema
Ideas clave
1.1. Introducción y objetivos
1.2. La función formativa de la música
1.3. Tradiciones metodológicas y actualidad pedagógica
para aprender música
1.4. Las competencias musicales en educación
1.5. Las competencias personales y docentes para la
educación musical
1.6. Referencias bibliográficas
A fondo
Asociación Internacional de Educación Musical (ISME)
La educación musical: fundamentos y aportaciones a la
neuroeducación
Test
Esquema
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Tema 1. Esquema
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Ideas clave
1.1. Introducción y objetivos
El pedagogo musical belga Edgar Willems (1994) afirmó que en educación musical
los elementos son considerados no solo desde una perspectiva analítica, sino
también desde un punto de vista humano. Además, señaló que esta es la principal
diferencia con la instrucción musical, entendida como una disciplina elitista y
materialista. A partir de este postulado, este tema trata sobre la función formativa
de la música.
To d o hecho educativo nace de la estimulación de dos acciones que se
retroalimentan: la enseñanza y el aprendizaje. En esencia, el aprendizaje se
produce cuando hay algún tipo de enseñanza y, a la inversa, la enseñanza se da si
el educando aprende algo. Si se extrapola esta reflexión a la educación musical,
puede establecerse un paralelismo entre, por un lado, enseñar y escuchar música, y,
por otro, entre aprender y hacer música (Sanuy y Pliego, 2015). En consecuencia, en
los colegios se trata de escuchar y hacer música para interiorizar, imitar, producir,
transformar y crear. Además, esta debe transmitirse como arte vivo que ayude a
tomar conciencia de uno mismo para conseguir una mejor afirmación de la
personalidad y una mayor adaptación al medio social.
Con lo anterior, la música en la escuela cobra sentido a través de la creación de
experiencias musicales personales de calidad. Desde esta óptica, los objetivos de
este tema son:
▸ Reflexionar sobre el valor formativo de la música.
▸ Identificar las corrientes históricas pedagógico-musicales.
▸ Analizar la dirección de la educación musical actual.
▸ Profundizar sobre la importancia de la música en centros educativos.
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Ideas clave
1.2. La función formativa de la música
La educación musical es mucho más que aprender negras y corcheas. La música,
por su potencial creativo, comunicativo, socializador y estético, sirve para educar y
debe considerarse esencial en los colegios. Esta sitúa a la persona en procesos de
mejora continua de habilidades no solo intelectuales, sino también actitudinales e
interpretativas. La aplicación de este valor formativo de la música en las escuelas
supone el desarrollo de aspectos fundamentales para la vida, como la cultura, el
conocimiento, los valores, las actitudes y las competencias.
Principios elementales de la función formativa de la educación musical
E l hecho educativo musical debe experimentarse a través de la audición y la
acción, especialmente con los niños. En base esta premisa, pueden considerarse los
siguientes principios pedagógicos de la educación musical:
▸ Principio de creatividad: dotar a todas las actividades de un carácter creativo
implica desarrollar la capacidad de aportar algo nuevo y original. También supone
considerar como creativo tanto el producto musical —una canción, por ejemplo—
como el proceso, las herramientas y el método.
▸ Principio de imaginación: relacionado con la creatividad, se pretende desarrollar
ideas y obras individuales o grupales fuera de lo conocido, aportando novedad al
hecho musical.
▸ Principio de percepción: para construir la identidad personal y musical del niño, se
buscan conexiones con su entorno, ya que así se encuentran relaciones
significativas con sus aprendizajes. Además, se contribuye al desarrollo de otros
procesos psicológicos, como el significado, las relaciones afectivas, el juicio y la
experiencia.
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Ideas clave
▸ Principio de participación: los niños deben participar en todos los procesos de
aprendizaje siendo protagonistas y agentes de cambio. El maestro será un
mediador, un guía y un organizador del clima adecuado para que adquieran un
aprendizaje de calidad.
▸ Principio de motivación: la música mueve a las personas y sus conductas. En la
medida en que la motivación es un factor esencial para desarrollar conductas, los
procesos de enseñanza y aprendizaje musical deben ser motivadores para el
alumno.
▸ Principio de memoria: es un proceso importante para escuchar y aprender. Por
ejemplo, para escuchar cómo varía el tema principal de una obra, se tiene que
recordar el original a partir del cual se ha variado. Las actividades musicales deben
ponerse en relación para conseguir significación dirigida hacia el desarrollo personal
y autónomo.
Una de las tareas del educador de hoy día es aunar esfuerzos para la preparación
de los niños en lo musical. Esto significa que el docente debe despertar en el niño
todo su potencial expresivo, favoreciendo la labor de su imaginación creadora, su
autonomía y su libertad de acción. En este sentido, cabe destacar la improvisación
como elemento para el desarrollo de la imaginación, la percepción, la comunicación y
la memoria.
En el siguiente vídeo, titulado El valor formativo de la música, el profesor Iván Cartas
explica cómo la música funciona como medio para desarrollar las dimensiones
cognitiva, psicomotora y afectiva de las personas. Además, expone cómo se emplea
la música para trabajar contenidos de otras áreas y las distintas competencias
curriculares.
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Ideas clave
Accede al vídeo:
https://unir.cloud.panopto.eu/Panopto/Pages/Embed.aspx?id=6bdc8628-9922-
4d77-8c9d-b0f300c55b3b&start=0
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1.3. Tradiciones metodológicas y actualidad
pedagógica para aprender música
En cierto modo, La pedagogía musical ha experimentado un desarrollo paralelo a la
evolución de la historia de la educación. La educación musical se originó en la Edad
Antigua, donde existió una clara conciencia no solo por difundir la teoría y la práctica
musical en el seno de la sociedad, sino por educar musicalmente. Esta idea
debería estar presente en la educación musical escolar actual.
Durante el siglo XX, diferentes pedagogos, músicos, compositores, musicólogos e
investigadores comenzaron a plantear la necesidad de incorporar la música dentro
de los colegios desde la perspectiva de utilizarla para la formación del desarrollo
integral del ser humano. El interés de esos compositores y pedagogos ha ratificado
la importancia de esa formación humanística, estableciendo los cimientos de una
educación musical como hecho educativo activo, cuyo fin es formar a personas
musicalmente vivas.
Las metodologías históricas pedagógico-musicales
Metodología Dalcroze
El pedagogo suizo Émile Jaques-Dalcroze (1865-1950) en su obra Le rythme, la
musique et l'éducation (1920) expuso la euritmia, la cual propone que el aprendizaje
del sentido musical se fundamenta en el ritmo corporal (Morales, 2017). En esta
metodología son importantes las sensaciones del alumno y la manera de vivenciar
el ritmo a través del movimiento corporal, la improvisación y el solfeo. De este
modo, se favorece el desarrollo motor de los diferentes segmentos corporales, así
como la capacidad para pensar en la propia expresión musical.
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Metodología Willems
El pedagogo belga Edgar Willems (1890-1978) consideró que toda acción musical
tiene su equivalencia en las acciones humanas. De esta forma, establece
relaciones entre los principales elementos del lenguaje musical con los de la
naturaleza humana:
▸ El ritmo con el plano físico o el ámbito motórico.
▸ La melodía con la vida afectiva o el ámbito socioafectivo.
▸ La armonía con la vida intelectual o el ámbito cognitivo.
Estas relaciones las extiende a toda su teoría pedagógica, dando prioridad al
desarrollo de la audición.
Metodología Martenot
El músico e investigador francés Maurice Martenot (1898-1980) realizó un
interesante trabajo de reforma educativa musical en Francia inspirado en el
movimiento de la escuela nueva. Este apeló a una educación activa, tomando como
base las características psicofisiológicas de los niños en la etapa escolar, aspecto
que lo acerca a Willems. Para Martenot, la educación musical sirve para la educar a
la persona en su globalidad, tomando como ejes de acción educativa la relajación,
el silencio y la memoria a través de actividades musicales, como, por ejemplo, la
práctica vocal e instrumental.
Metodología Orff
El compositor y pedagogo alemán Carl Orff (1895-1982) ideó un sistema amplio para
integrar la música como parte de la vida escolar. Defendió que se aprende música
del mismo modo que los niños aprenden a hablar y a expresarse. Para ello basa su
filosofía de trabajo en el trinomio formado por palabra-música-movimiento. Parte
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de la expresión vocal del recitado y la entonación, trabaja el ritmo con el cuerpo
como instrumento —percusión corporal— y lo enlaza con el conjunto instrumental
Orff, de gran repercusión en la educación musical.
Metodología Kodaly
El investigador y educador húngaro Zoltan Kodaly (1882-1962) basó su método de
aprendizaje musical desde el patrimonio folclórico musical húngaro. Junto a otro
compositor húngaro, Belá Bartók (1881-1945), desarrolló un completo estudio
etnográfico sobre el folclore húngaro. Estos hicieron una sistematización de sus
estructuras rítmicas y melódicas en función de su dificultad y establecieron una
serie de niveles y gradaciones por edades de los alumnos. De esta forma, su
metodología se basa fundamentalmente en la voz como punto de partida a través
del aprendizaje de canciones populares y los juegos tradicionales.
Metodología Suzuki
El músico japonés Shinichi Suzuki (1898-1998) basa su filosofía educativa en la idea
de que el talento musical es fruto de la influencia de un entorno específico. Su
objetivo es que los niños amen y vivan la música dentro de una educación global,
en la cual el instrumento es el medio para alcanzarla. Para el éxito de estas
enseñanzas, es necesaria la colaboración de los padres, la asistencia a clases
individuales y colectivas, y la participación en conciertos periódicos en los que los
niños aprenden a tocar en público y a escuchar a los demás.
Metodología Schafer
El pedagogo canadiense Raymond Murray Schafer (1933-2021) destaca,
fundamentalmente, por impulsar una sensibilización hacia el mundo sonoro. En su
obra El rinoceronte en el aula (1975), reflexiona y da una serie de normas sobre
cuáles deben ser los objetivos y los planteamientos de una educación musical. Parte
de la experimentación con el sonido y considera necesario dotar a la educación
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musical de un carácter práctico, activo, creador y dinámico. Además, otorga especial
atención al silencio, a la necesidad de escuchar, de saber escuchar y de escuchar
nuestro propio cuerpo.
Metodología Paynter
El compositor y educador musical británico John Paynter (1931-2010), junto con el
director de orquesta británico Peter Aston (1938-2013), publicó Sound and Silence
(1970). Basándose en su experiencia y en los resultados obtenidos, reflejaron la
necesidad de desarrollar procesos creativos en la educación musical. Paynter
defendió que el niño puede crear sus propias composiciones, entendiéndolas como
retos para el alumno. Se trata de una metodología musical que se analiza con el fin
de crear en los niños una actitud motivadora y crítica.
Metodología Wuytack
El pedagogo belga Jos Wuytack (Gante, 1935) fue discípulo de Orff y su filosofía
pedagógica también parte del presupuesto de una educación musical para todos, no
solo para músicos profesionales, profundizando en el estudio del mundo sonoro y
su relación con la persona. Se enfoca en la participación del oyente a través del
juego, de la audición y del gesto. Al mismo tiempo, introduce en la educación musical
el aprendizaje a través del musicograma, una herramienta de visualización gráfica
de los elementos de una obra musical.
Actualidad pedagógica para aprender música
En la actualidad se insiste en el pensamiento pedagógico a través de métodos
centrados en el alumno. Ninguna de las corrientes metodológicas del siglo XX,
aunque sean indiscutibles, puede considerarse perfecta en su aplicación. Estas
dependen del entorno en el que se aplican y hay que tener en cuenta que no todos
los niños son iguales. No obstante, la esencia es que la música forme parte de la
realidad del niño y de la escuela (Aróstegui et al., 2021). De este modo, la educación
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musical escolar puede enfocarse desde una doble perspectiva: una educación
para la música y una educación a través de la música. Encontrar el equilibrio
entre ellas es un buen reto para el educador del siglo XXI.
En consonancia con lo anterior, los campos de aplicación de la música en los
colegios son muy diversos, particularidad desde la que se da la convergencia con
otras metodologías educativas, desembocando en el potencial interdisciplinar de la
educación musical. Así lo reflejan las iniciativas de la Asociación Internacional de
Educación Musical (International Society for Music Education, ISME), a través de las
cuales se desarrollan nuevas pedagogías musicales.
En la sección A fondo, se encuentra disponible el acceso a la web de la
Asociación Internacional de Educación Musical (ISME).
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1.4. Las competencias musicales en educación
La educación musical escolar debe contar con actividades fundamentalmente
musicales. Es importante que estas presenten variedad, así como coherencia en su
secuenciación. Por estas razones, cada maestro deberá organizarse como mejor
considere según su talante, sus competencias y las circunstancias.
Según Giráldez Hayes (2014), a mayor competencia musical del maestro, mayor
será su capacidad para diseñar actividades musicales enriquecedoras y formativas
para sus estudiantes.
Siguiendo la propuesta de Vernia Carrasco (2019), las competencias musicales
específicas de los educadores son:
1.Competencia auditivo-perceptiva: abarca toda la percepción auditiva, así como la
capacidad de crear imágenes sonoras o auditivas. También consiste en relacionar la
audición con su representación gráfica para reconocer timbres, estructuras formales,
indicaciones dinámicas, expresivas y temporales.
2.Competencia rítmica: trata los aspectos relacionados con la métrica. Significa tener
el control de unas habilidades que permiten la comprensión y la ejecución de los
contenidos rítmicos de un determinado nivel musical.
3.Competencia vocal: es la habilidad para reproducir aquellos fragmentos o piezas
musicales escritas o escuchadas a través de la voz con afinación absoluta si se
escuchan y con afinación relativa si se leen, implementando las vocalizaciones de
manera significativa en el instrumento o voz.
4.Competencia interpretativa y comunicativa: consiste en interpretar de memoria
melodías y canciones que conduzcan a una mejor comprensión de los diferentes
parámetros musicales.
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5.Competencia en comprensión lectora y de escritura : se basa en comprender los
principios teórico-prácticos que contribuyen a la formación del lenguaje musical, así
como comprender las bases teóricas sobre la grafía y los conceptos fundamentales
de la música.
6.Competencia en expresión corporal: se asienta en la coordinación motriz
necesaria que permite la interiorización del pulso, la sistematización e interpretación
de los elementos rítmicos y la correcta interpretación del ritmo, utilizando las
destrezas de asociación y disociación correspondientes.
El conocimiento de estas competencias musicales específicas por parte de los
educadores (musicales o no) permite tomar conciencia de que la educación musical
actúa en la persona desarrollándola de forma global, ya que se ensancha el sentido
auditivo, motriz y de expresión. Además, este conjunto de competencias contribuye a
u n cambio en los procesos de aprendizaje musical, el cual ayuda al docente a
reformular y actualizar continuamente sus procedimientos metodológicos.
Paralelamente, la música en los centros educativos es un elemento a través del
cual se trabajan las diferentes competencias curriculares. Por tanto, se presenta
como un interesante recurso para el desarrollo de estas. En este sentido, el trabajo
de Oriola Requena et al. (2021) expone una firme convicción de la educación
musical para el desarrollo competencial.
Para profundizar la información, se encuentra disponible el texto La educación
musical: fundamentos y aportaciones a la neuroeducación en la sección A
fondo.
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1.5. Las competencias personales y docentes para
la educación musical
La cultura del educador se origina en la estima por el conocimiento y la curiosidad
por aprender más acerca de cuestiones no solo relacionadas con su especialidad. El
maestro que eduque con y a través de la música debe estar preparado para
responder a preguntas sobre las relaciones entre la música, otras ciencias y las
manifestaciones artísticas.
Una estructura educativa basada en competencias contribuye a cambios en los
procesos de aprendizaje, en las herramientas de trabajo y en la evaluación. Se
considera que a través del enfoque competencial se obtiene un mejor rendimiento
en situaciones concretas de aprendizaje. De cada competencia se espera la
consecución de capacidades y habilidades para resolver problemas tanto de la vida
cotidiana como de la vida profesional. En este sentido, para el educador es de suma
importancia conocer y trabajar las competencias intrapersonales y las
interpersonales.
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Competencias intrapersonales
Tabla 1. Competencias intrapersonales de los maestros. Fuente: basado en Vaello Orts, 2009.
Competencias interpersonales
L a adaptación de la praxis de los maestros a las circunstancias de su aula
(integrando en el proceso de aprendizaje todas las dimensiones individuales y
sociales de los niños) pone de manifiesto la importancia de las siguientes
competencias interpersonales:
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Tabla 2. Competencias interpersonales de los maestros. Fuente: basado en Vaello Orts, 2009.
A través de este conjunto de competencias, se desarrollan aspectos fundamentales,
como la transmisión de conocimiento, cultura, valores y actitudes, fruto de la puesta
en práctica de la función formativa de la música.
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