TEMA 2.

LA PINTURA BARROCA EN ITALIA

La pintura barroca italiana está determinada por dos figuras que trabajan
principalmente en Roma, Caravaggio y Annibale Carracci. Junto a ellos hay que señalar
a:
- Artemisia Gentileschi
- Andrea Pozzo
2.1 CARAVAGGIO
Su arte superó las fronteras de Italia y se extendió a otros países europeos como España,
Francia y los Países Bajos. Rasgos principales de su estilo:
- El NATURALISMO: el arte de Caravaggio se inspira en la vida real, lo que le lleva
a pintar personajes sencillos, humildes y poco sofisticados desde el punto de
vista psicológico. Los gestos de estas figuras son espontáneos y se expresan
sobre todo en rostros y manos.
- El TENEBRISMO: Caravaggio fue el creador de este modo de aplicar la luz que
después se extenderá a España o Francia, en forma de violentos contrastes de
claroscuro.
- En sus cuadros abundan las escenas de martirios y muertes violentas y recoge
momentos clave de episodios religiosos.
- Solía aplicar una capa de tonos ocres sobre el lienzo que cubría después con la
representación de la escena, de modo que ese fondo rojizo afloraba aportando
calidez.
Obras:
La vocación de San Mateo (h. 1600). Caravaggio
- Está inspirado en el evangelio según san Mateo. Recoge el momento en que
Jesús interrumpe a Mateo, que está en el lugar donde se recaudaban los
impuestos, y le pide que le siga.
- Cristo está señalando a Mateo para que le siga, junto a san Pedro.
- Realismo y ausencia de idealización. Los personajes, salvo Jesús y Pedro, están
vestidos según la moda del XVII.

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 - Tenebrismo evidente: la luz corta violentamente la escena en dos y de la
oscuridad emergen las figuras.
San Jerónimo Penitente. Caravaggio
- El santo aparece en meditación frente a la calavera, elemento habitual en esta
iconografía, representado como un anciano extremadamente delgado como
consecuencia del ayuno.
- Realismo y tenebrismo.
La crucifixión de San Pedro (1601). Caravaggio
- Composición en diagonales que se cruzan en aspa.
- Realismo en rostros y ropas.
- Aplicación de la luz según el tenebrismo.
La flagelación de Cristo (1607). Caravaggio
- Cristo aparece en el centro de la composición: a la derecha, uno de los verdugos
le da una patada mientras el de la izquierda le agarra por el pelo. Es una escena
muy dramática.
- De nuevo apreciamos el tenebrismo en el uso de la luz, que destaca el cuerpo de
Cristo, y el realismo en los diferentes personajes.
- Se aprecia un recurso utilizado para señalar la condición divina de Jesús: su
carnación: su piel es muy clara, en contraste con la morena de sus verdugos.
La decapitación de San Juan Bautista (1608). Caravaggio
- En un ambiente completamente realista, con personajes populares, se recoge un
momento muy emotivo, con mucha violencia.
- La luz tenebrista incide sobre rostros y cuerpos para sacarlos de la penumbra.
La conversión de San Pablo en el camino a Damasco (1604). Caravaggio
- Antes de convertirse al cristianismo Pablo era un soldado llamado Saulo que
perseguía a los cristianos. El cuadro recoge el momento en que es derribado del
caballo por una luz, que representa a Dios, que le pregunta porqué le persigue,
que le deja ciego por un tiempo tras el cual recupera la vista y se convierte.
- La figura de Pablo es muy expresiva, con los brazos abiertos. También las del
caballo y el criado que se inclinan y bajan los ojos en gesto de tristeza por el odio
de Saulo hacia los cristianos. El caballo levanta una de sus patas para evitar
pisarle.

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 - Tenebrismo.
- Fondo neutro.

2.2 ARTEMISIA GENTILESCHI

Está influida por la pintura de Caravaggio en el uso del tenebrismo y del naturalismo. Va
a representar temas de violencia, personajes femeninos fuertes y temas históricos. De
estos temas, el más característico es el de las representaciones femeninas. Son mujeres
heroicas basadas en personajes del Antiguo Testamento, Judith, Esther, Dalila,… que
salvan al pueblo judío del enemigo haciendo uso de su inteligencia, determinación… Son
mujeres virtuosas. La preferencia por este tema está conectada con su biografía.
Obras:
Judith decapitando a Holofernes (1614-1618). Artemisia Gentileschi
- Recoge el instante clave de máxima violencia en el que Judith, una heroína del
Antiguo Testamento, seduce y decapita al general del ejército enemigo.
- Los personajes se organizan en una composición triangular.
- Luz tenebrista.
- El uso de diagonales en el centro del triángulo, en los brazos.
- La expresión de Judith es de determinación y de odio.
- Hay quienes conectan este cuadro, y los siguientes que vamos a ver, con un
episodio biográfico de Artemisia: la violación de que fue objeto por su tutor. Está
documentado el proceso judicial, con toda la humillación pública que sufrió y los
exámenes ginecológicos que tuvo que soportar Artemisia. En este sentido, se
interpreta como una venganza figurada de su violador.
Autorretrato como mártir (h. 1615). Artemisia Gentileschi
- Puede guardar relación con el episodio anterior, porque se pinta en fechas
parecidas.
Judith y su doncella (1618-1619). Artemisia Gentileschi
- Recoge el momento posterior a la decapitación de Holofernes.
Lucrecia (c. 1619-1621). Artemisia Gentileschi
- Guarda relación con el anterior cuadro porque representa a Lucrecia, esposa de
un cónsul romano, en el momento de suicidarse tras haber sido violada.

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 - Lucrecia tenía fama de ser muy virtuosa y su violador, un noble romano, la
amenazó con humillarla públicamente si se resistía. Ante esto, cedió a ser violada
y con el suicidio mantuvo su honor, no sin antes contar a su esposo lo ocurrido.
Sansón y Dalila (c. 1630-1638). Artemisia Gentileschi
- De nuevo tenemos una mujer decidida, virtuosa, que vence al enemigo.
Cleopatra (1633-1635). Artemisia Gentileschi
- De nuevo, tenemos el suicidio de una mujer.
- Aunque está representada ya muerta, su cuerpo y pose transmiten sensualidad.
- Tenebrismo en el uso de la luz.
Susana y los viejos (1649). Artemisia Gentileschi
- Representa a Susana, una mujer que es espiada mientras se baña y rechaza las
pretensiones sexuales de los viejos, porque es una mujer virtuosa.

2.3 ANNIBALE CARRACCI

Carracci tuvo un estilo muy diferente del anterior:
- Va a pintar paisajes ordenados en los que intenta plasmar una belleza idílica que
transmite felicidad y paz, temas religiosos y mitológicos,
- Su estilo recoge la herencia del Renacimiento y la importancia del dibujo.
- El color es más variado que en Caravaggio y Gentileschi, de herencia veneciana.
Obras:
La huida a Egipto (1603). Annibale Carracci
Domine, quo vadis? (1601-1602). Annibale Carracci
- La escena es muy expresiva: representa la aparición de Cristo, cargado con la
Cruz, a san Pedro, que se retira sobresaltado. Este le pregunta ¿a dónde vas? y
Jesús le responde que a Roma, para que lo crucifiquen otra vez, mientras avanza
y señala Roma con el dedo. En realidad está pidiendo a san Pedro que regrese a
Roma, de donde había huido, para enfrentarse al martirio. Por tanto, este cuadro
recoge el inicio de lo que se conoce como “Pasión de san Pedro”.
- Es una composición con un color muy rico, suntuoso y ordenada.

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 - Jesús está representado en escorzo, es decir, a menor tamaño del natural, e
idealizado en su cara y cuerpo, frente al mayor realismo en los rasgos de san
Pedro.
- El paisaje de fondo también está idealizado, tranquilo, sereno.
- El conjunto recuerda a la pintura del Renacimiento, en concreto a Rafael.
Paisaje fluvial con puente (h. 1600). Annibale Carracci
- El cuadro tiene mucha profundidad gracias al empleo de la perspectiva aérea y
del claroscuro.
Paisaje con río y bañistas. Annibale Carracci
- Como en el cuadro anterior, el pintor hace uso de la perspectiva aérea y del
claroscuro para obtener la profundidad.

2.4 ANDREA POZZO

Destacó como pintor de frescos en bóvedas y cúpulas, muy ilusionistas y teatrales.
Obras:
Apoteosis de san Ignacio de Loyola (1685-1694). Iglesia de San Ignacio de Roma.
Andrea Pozzo
- Representa la subida al cielo de san Ignacio.
- Es una obra muy contrarreformista.
- Ilusionismo y teatralidad que rompe la división entre el espacio real, el interior
de la iglesia, y otro exterior, celestial
- Profundidad lograda con perspectiva lineal, a través de las arquitecturas
fingidas, y la aérea.
- Figuras suspendidas, representadas en escorzo.
- Color muy rico y variado.
Frescos en la iglesia de la Compañía de Jesús de Viena (1703). Andrea Pozzo
Apoteosis de Hércules en el palacio de Liechtenstein de Viena (1705). Andrea Pozzo

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 TEMA 3. LA PINTURA BARROCA EN FRANCIA

En el siglo XVII podemos distinguir dos tendencias en la pintura francesa:

- Una, influida por el estilo de Caravaggio, representada por Georges de La Tour,
que se caracteriza por:
• El naturalismo, es decir, la representación de la realidad, pero un poco
idealizada.
• El tenebrismo.
• La captación psicológica de los personajes.
• Formas sencillas.
• Cierto aire místico en las escenas.
- Otra que recoge la herencia clásica de la pintura renacentista, representada por
Poussin y Claudio de Lorena, máximos representantes de la pintura de paisajes.
Presentan los siguientes rasgos:
• El sentido de la medida y la dignidad.
• Atmósfera arcádica, idílica.
• Los paisajes no buscan la representación objetiva de la naturaleza, sino
idealizada, a diferencia de los paisajes holandeses, en los que sí se buscaba
la objetividad.
En el siglo XVIII surge la pintura rococó, también llamada “pintura galante”, derivada de
la pintura barroca pero con cualidades muy diferentes. Sus principales representantes
fueron:
- Watteau
- Fragonard
- Boucher
Esta pintura se caracteriza por:
- Las escenas amables y lúdicas, con temas sentimentales.
- La búsqueda del hedonismo, la sensualidad y el placer.
- Su conexión con el espíritu y mentalidad aristocráticos del Antiguo Régimen.
- El uso de colores suaves y de la técnica del pastel.

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 3.1. GEORGES DE LA TOUR

- Recoge el estilo tenebrista de Caravaggio.

- En sus cuadros la luz es siempre artificial procedente de un punto concreto como
una vela o una antorcha.
- Temas: religiosos y costumbristas, pero los trata con el mismo lenguaje
tenebrista, lo que a veces dificulta discernir si se trata de una escena de género
o religiosa.
- Fondos neutros, carentes de valor.
Obras:
El nacimiento o Recién nacido (h. 1645). Georges de la Tour
- Es un buen ejemplo de la confusión señalada: ¿es el nacimiento de Jesús y, por
tanto, una escena religiosa? ¿O el nacimiento de un niño sin más?
San José carpintero (h. 1642). Georges de la Tour
- Refleja todas las características del estilo del pintor.
Magdalena penitente de la lamparilla (1642-1644). Georges de la Tour
Magdalena penitente del espejo (1640). Georges de la Tour
San Sebastián cuidado por santa Irene (h. 1634-1643). Georges de la Tour
- Es una escena nocturna en la que la antorcha ilumina intensamente los rostros y
el cuerpo de san Sebastián, en un potente tenebrismo.
- El naturalismo se refleja por ejemplo en las ropas y peinados, contemporáneos
del pintor.
- Las figuras se disponen en una diagonal.

3.2 NICOLAS POUSSIN

Sus cuadros son casi siempre temas religiosos y mitológicos y en ellos tiene mucha
importancia el paisaje. Obras:
Et in Arcadia ego (1637-1638). Nicolas Poussin
- Cuadro muy dibujístico realizado sobre un boceto previo.
- La influencia clásica es muy evidente en las figuras.
- Es una imagen de calma y tranquilidad; los personajes están en reposo.
- Hay cierta dosis de idealización.

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Bacanal (h. 1630). Nicolas Poussin
- Como el anterior, se realizó sobre un boceto previo.
- Color muy rico.
- Influencia clásica e idealización.
- Es una escena con movimiento y expresividad, festiva.
- Todas las figuras están conectadas físicamente.
- El fondo de paisaje tiene mucho valor porque enfatiza el carácter idílico de la
escena.

3.3 CLAUDIO DE LORENA

- El paisaje se convierte en protagonista de sus cuadros.

- Su paisaje es idealizado, muy elaborado, e intenta plasmar una naturaleza
perfecta.
- Recrea arquitecturas antiguas y renacentistas en los fondos.
- La luz no tiene nada que ver con la del tenebrismo: se trata de una luz poética,
dulce, que lo envuelve todo suavemente.
El puerto de Ostia con el embarque de santa Paula (h. 1637-1639). Claudio de Lorena
Marina con las troyanas quemando los barcos (1643). Claudio de Lorena
El vado (c. 1644). Claudio de Lorena
Paisaje con Tobías y el arcángel Rafael (1639-1640). Claudio de Lorena
Amanecer (1646-1647). Claudio de Lorena
Paisaje con las tentaciones de san Antonio (1635-1638). Claudio de Lorena

3.4 WATTEAU

La canción de amor (1717). Watteau

Peregrinaje a la isla de Citerea (1717). Watteau
- Representa una fiesta cortesana en un entorno idílico, idealizado, dirigiéndose
a la isla Citerea, que era la isla donde estaba el templo de Afrodita, diosa del
amor. En el cuadro se ven parejas que parten hacia ese lugar.

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Fiesta veneciana (1719). Watteau

3.5 FRAGONARD

El beso furtivo (h. 1788). Fragonard

El columpio (1767). Fragonard
- En su momento este cuadro resultó muy atrevido y se le consideró símbolo de la
pintura rococó.
- Hay tres personajes: la dama en el columpio, que es empujada por un hombre
mayor que queda en la sombra que es su esposo y queda en un papel secundario,
y otro hombre, joven, que es el amante que, recostado, contempla las piernas
de la mujer por debajo de las faldas, y la mujer pierde uno de sus zapatos,
mostrando el pie, parte muy erótica en la época. El primero, el esposo, no
advierte la presencia del segundo.
- Hay dos estatuas que insisten en el carácter amoroso de la escena: a la izquierda
un cupido, dios del amor, y al fondo otra con dos cupidos y un delfín que aluden
al nacimiento de Venus, diosa del amor.
- El cupido de la izquierda se lleva los dedos a la boca simbolizando el silencio, es
decir, el secreto de la relación amorosa.

3.6 BOUCHER

Louise Murphy (1752). Boucher

- Se trata del retrato de la amante de Luis XV, Louise Murphy, de 14 años.
Precisamente la juventud de la joven puede ser el motivo por el que el pintor la
retrató boca abajo, pero sigue siendo un cuadro muy erótico.
- La escena es muy lujosa, se trata de un interior palaciego.
- El cuadro es intencionadamente sexual y lo prueban aspectos como que el centro
de la composición lo ocupen los glúteos de la chica o la postura de las piernas,
que no es elegante.
Madame de Pompadour (1756). Boucher
- Es el retrato de una aristócrata, amante de Luis XV, que destacó por su
inteligencia y su cultura.

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 - Está pintada como una noble, con ropas lujosas, en un interior palaciego, ante
un espejo y flanqueada por cortinajes que delimitan la composición y realzan al
personaje.
- Hay diversos elementos que aluden a su cultura y formación: la palmatoria, la
pluma y el tintero en primer término, a la derecha; el libro que sujeta; y la
biblioteca del fondo.

TEMA 4. LA PINTURA BARROCA EN FLANDES: RUBENS

La pintura barroca en Flandes estuvo completamente dominada por Pieter Paul Rubens,
pintor de los archiduques Isabel Clara Eugenia y Alberto. Su estilo es:
- muy dinámico y vital,
- sirve al espíritu de la Contrarreforma católica,
- representa personajes anatómicamente muy poderosos, potentes,
- tiene un tipo muy definido de iconografía femenina: una mujer muy exuberante,
rubia y de piel muy blanca,
- empleó un colorido muy rico acompañado por dominio del dibujo, y
- sus temas fueron sobre todo religiosos, mitologías y retratos.
Obras:
El duque de Lerma (1603). Rubens
Retrato ecuestre de Giovanni Carlo Doria (1606). Rubens
Lucha de san Jorge y el dragón (1606). Rubens
- Es una exaltación de la lucha entre el Bien y el Mal.
- Las figuras se disponen en dos diagonales que forman un aspa.
- San Jorge aparece vestido como soldado romano y en su anatomía recuerda
obras de la estatuaria clásica y de Miguel Ángel, y muestra el codo como
elemento participativo.
- El caballo blanco por su parte responde al tipo de caballo que pintó Rubens,
como en el retrato del duque de Lerma, aunque en este cuadro está en corbeta,
encabritado. Lo pinta con baba en la boca como expresión de vitalidad.

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 - Es una escena con mucho movimiento expresado en el caballo o la capa que
ondea al viento. Este dinamismo contrasta con la quietud de la figura a la
izquierda
Caín matando a Abel (1608-1609). Rubens
- Anatomías portentosas y de diferentes carnaciones: Caín más moreno que Abel,
en alusión a las ideas contrapuestas de maldad versus virtud.
- Figuras compuestas en curvas pronunciadas acompañadas por diagonales en
brazos y piernas.
- Dramatismo e intensidad en el rostro de Abel que, tendido en el suelo y sujeto
por el cuello, no puede hacer nada para librarse de su hermano.
El rapto de las hijas de Leucipo (h. 1617). Rubens
- Recoge un episodio mitológico en el que Cástor y Pólux, dos héroes de la
mitología griega, raptan a las hijas del príncipe Leucipo.
- Es una obra con mucho movimiento en la que los personajes y los caballos,
encabritados, forman diagonales que se cruzan en el centro del cuadro.
- Las mujeres responden al modelo de Rubens: rubias y exuberantes, de piel muy
blanca, en contraposición a la más oscura de los raptores. Esta diferente
carnación sirve para expresar por un lado la virtud, la carnación blanca, y el vicio
o la maldad, carnación morena. Este recurso se emplea mucho en temas
religiosos, como los de la Pasión de Jesús: el cuerpo de Cristo, María, san Juan
etc., con piel clara, y los sayones o ladrones en tonos más oscuros.
Las tres Gracias (1636-1639). Rubens
- El cuadro representa personajes mitológicos, las hijas de Zeus y Eurínome,
exuberantes y blancas, muy luminosas, pudiendo ser retratos de las dos esposas
del pintor.
- Las tres están conectadas: por un lado, por los brazos y, por otro, por la tela que
las envuelve.
Autorretrato con su esposa Isabella Brant (1609-1610). Rubens
- Están vestidos con elegancia y riqueza, indicando el éxito del pintor, delante de
una madreselva, planta que representa el amor conyugal.

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 - El gesto de las manos, la derecha de cada uno, unidas, señala que ya estaban
casados y ocupa el centro de la composición. También son el punto en que se
cruzan las dos diagonales formadas por las manos y piernas de ambos.
Descendimiento de la Cruz (1611-1614). Rubens
- La figura de Cristo destaca con una luz intensa muy fría y blanca y presenta el
brazo izquierdo flexionado, como en el Descendimiento de Van Der Weyden o en
la Piedad de Miguel Ángel.
- De nuevo tenemos una composición en dos diagonales en aspa, que se cruzan
en el cuerpo de Cristo.
- Todos los personajes ayudan a bajar el cuerpo de Jesús. Arriba a la derecha, un
personaje se ayuda de los dientes para sujetar el sudario porque tiene las manos
ocupadas.
- Es evidente el papel del dibujo y la línea, muy evidente en torno al cuerpo de
Jesús.
- Llama la atención que Rubens pintó a algunos personajes según la moda de su
época, María Magdalena y María Cleofás, abajo, a los pies de Cristo, con ropas
ricas; otros, como la Virgen o san Juan, que lleva una gran túnica roja, llevan
vestimentas más cercanas a la época de Jesús.
Adoración de los pastores (ejecutado en 1609; repintado entre 1628 y 1629). Rubens
- En esta representación no hay nada de la humildad con que se representa este
mismo tema en otras ocasiones porque es un marco arquitectónico grandioso,
inspirado en la Antigüedad.
- Hay mucho color en las ropas de los personajes, especialmente los Reyes Magos,
vestidos lujosamente.
- La escena está iluminada por la luz que emana del propio recién nacido, con su
nimbo dorado alusivo a su condición divina.
- Las anatomías, en este caso masculinas, siguen el tipo de Rubens: muy
corpulentas, como las mujeres.
- Rubens se autorretrató en el extremo derecho como un caballero, montado a
caballo y con espada, aludiendo a que había sido ennoblecido por Felipe IV.
- Varias diagonales cruzan el lienzo en sentido descendente desde el extremo
derecho hacia la izquierda.

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 TEMA 5. LA PINTURA BARROCA EN HOLANDA

La pintura barroca holandesa va a aparcar los temas religiosos y las mitologías y se va a

centrar en la representación de la vida cotidiana de sus ciudadanos, de sus paisajes y en
los bodegones. En general se pintan:
- personajes burgueses, bien vestidos y con buena posición, incluso ricos, pero
realistas, porque son retratos de contemporáneos,
- personajes más sencillos que los anteriores pero sin llegar a ser pobres,
- paisajes, pero estos no son los paisajes idealizados e idílicos de la pintura
francesa, sino realistas que muestran por ejemplo la relación de Holanda con un
mar que era fuente de riqueza y que, a la vez, era su enemigo.

5.1 REMBRANDT
- Es el protagonista indiscutible de la pintura del Siglo de Oro holandés.
- En su estilo se observan los efectos de claroscuro, tenebristas, utilizados para
potenciar el sentimiento y la captación psicológica en los personajes.
- Pinta empleando mucha materia pictórica, de modo que su pincelada es muy
gruesa y pastosa. Esto causa que las superficies de sus cuadros no sean lisas y
pulidas, sino irregulares, con volumen.
- Aspecto abocetado en las obras de sus últimos años, en las que el dibujo no tiene
valor y las formas se construyen con pinceladas.
Obras:
La ronda de noche (1642). Rembrandt
- En primer lugar, la ronda se realizaba de día, y no de noche, pero el deterioro del
lienzo hizo pensar durante mucho tiempo que era una escena nocturna.
- Representa la ronda que realizaban los arcabuceros de Amsterdam, encargados
de mantener el orden en la ciudad, y sus personajes pagaron al pintor por
aparecer en el cuadro.
- El conjunto de personajes y elementos, aunque parezca lo contrario, está muy
ordenado:

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 • el pintor trazó una horizontal por encima y por debajo de la cual dispuso a
los personajes,
• una vertical, que divide en dos mitades el lienzo, que discurre entre los dos
protagonistas y, por último,
• dos diagonales marcadas por el estandarte y la lanza.
Estas líneas le ayudaron a componer la escena.
- Son personajes realistas, contemporáneos del pintor, identificados.
- El único personaje femenino, que parece una aparición fantasmal, pudo ser
Saskia, su esposa recientemente fallecida.
- Muchas diagonales: brazos, armas, lanzas…
- Personajes en avance, con movimiento y gestos individuales.
Los síndicos de los pañeros (1662). Rembrandt
- Composición en horizontales: la ocupada por los retratados, la de la mesa y la
cornisa del empanelado de madera en la pared.
- Eran miembros de la comisión o guilda que controlaba la calidad de los paños
producidos. Es posible que el libro sobre la mesa sea el libro de contabilidad de
ese órgano.
- Aparecen serios, expresando la responsabilidad de sus cargos, y sin vitalidad.
Autorretrato con pintura y pinceles (1660). Rembrandt
- Pertenece a su última etapa, en la que la pintura es muy abocetada, de contornos
imprecisos.
- Pintado con mucha materia pictórica, creando volúmenes sobre la superficie del
lienzo.
- Solo se ilumina el rostro, recordando el tenebrismo italiano, pero sin violencia.
Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp (1632). Rembrandt
- Encargo del gremio de los cirujanos de Amsterdam.
- Una vez al año se permitía una disección pública, que debía ser del cadáver de
un criminal, que se convertía en un auténtico espectáculo social.
- Es completamente realista: son retratos de cirujanos cuyas identidades se
conocen, igual que la del criminal cuyo cuerpo está siendo diseccionado.
- Es posible que Rembrandt utilizara un tratado de anatomía para representar
músculos y tendones, por la perfección con que los pintó.

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 - Todos los personajes se organizan en una pirámide, en torno al cadáver sobre el
que incide la luz. El libro en primer término es un tratado de anatomía.
El retorno del hijo pródigo (h. 1662). Rembrandt
- Recoge la parábola del hijo pródigo del evangelio de Lucas y representa las ideas
de la compasión y misericordia cristianas.
- El hijo está vestido pobremente y lleva la cabeza afeitada en señal de
arrepentimiento, mientras su padre le abraza. Lo curioso son los brazos del
padre, que en realidad son el de un hombre y el de una mujer, para representar
la idea de que Dios es padre y madre a la vez.
- Pintura muy abocetada, de su última etapa, con una luz muy suave, como en
otras obras, y colores cálidos.

5.2 VERMEER
- Vermeer va a dedicarse a pintar lo cotidiano, la vida burguesa y próspera, de un
modo realista.
- Los interiores domésticos aparecen limpios y ordenados.
- La profundidad de sus escenas la logra con la perspectiva lineal a través de las
líneas de muebles o pavimentos.
- Utiliza tres colores característicos: el amarillo limón, el azul derivado del
lapislázuli y el magenta en diferentes tonos.
- Pinta escenas en las que reinan la calma, la serenidad, muy claras.
- Sus personajes son muy dignos y están absortos en sus pensamientos, en
silencio, mientras leen, escriben o bordan, o conversan.
- Los interiores están suavemente iluminados por la luz que penetra por ventanas.
Obras:
Muchacha dormida (h 1657). Vermeer
La encajera (1665). Vermeer
Mujer leyendo una carta (h. 1662-1663). Vermeer
La lechera (1658-1660). Vermeer
Militar y muchacha riendo (1658). Vermeer
Dama con dos caballeros (h. 1659-1660). Vermeer
Mujer con una jarra de agua (h. 1662). Vermeer

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La muchacha del collar de perlas (1662-1666). Vermeer
La joven de la perla (h. 1665). Vermeer
La callejuela (h. 1657-1658). Vermeer

5.3 FRANS HALS

- Pintó escenas festivas, con personajes joviales, llenos de vitalidad y alegría,
orondos y muy expresivos, junto a temas muy sobrios que captan la seriedad, el
pesimismo y la melancolía de los retratados.
- Se especializó en retratos, tanto individuales como colectivos, con personajes
burgueses y otros populares.
Obras:
Banquete de los oficiales de san Jorge (1627). Hals
- Realismo: todos los personajes están identificados.
- Aparecen sentados en torno a una mesa cubierta por un lujoso mantel y con
buena vajilla, cubiertos y copas de cristal, como un bodegón.
- Sus actitudes son afables, incluso simpáticas, expresivas. Varios de ellos con el
brazo en jarras, mostrando el codo al espectador, proyectándose hacia el
exterior del lienzo.
- Vemos a la izquierda el reiterado cortinaje, de una tela lujosa, como las ropas y
cuellos de los retratados, o los cojines sobre los que están sentados. Todo ello
alude a una sociedad burguesa y próspera, que disfruta de su bienestar y lo
muestra.
- Composición en diagonales.
El alegre bebedor (1627-1628). Hals
- No se trata de un retrato burgués, sino de un personaje popular, pero no pobre.
- Mira de frente y ofrece una copa de vino blanco al espectador en un gesto
espontáneo.
- Es un personaje lleno de alegría, muy cercano, con un rostro lleno de vida.
Retrato de Willem van Heythuysen (h. 1625-1630). Hals
- Es el retrato de un burgués adinerado, completamente distinto del cuadro
anterior. Aquí desaparecen la jovialidad y alegría del Alegre bebedor.

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 - Se trata de un comerciante muy rico que quiso ser retratado como un noble. El
personaje posa de un modo muy artificioso ante un telón o cortinaje, envarado,
con un brazo en jarras y mostrando el codo, los pies en ángulo y portando una
espada que parece clavar en el suelo. Va vestido de un modo lujoso, con cuello
y puños muy ricos.
- Hay elementos que recuerdan las vánitas españolas: al fondo aparece una pareja
de amantes y delante un rosal, una hoja de parra y unas rosas, que aluden a lo
efímero de la vida y de los placeres.
Las regentes del asilo de ancianos de Haarlem (1664). Hals
Rectores del asilo de ancianos de Haarlem (1664). Hals

5. 4 PIETER DE HOOCH
Muy representativo de esa temática de la vida cotidiana y los interiores domésticos, en
los que siempre hay mucha profundidad gracias al uso de la perspectiva lineal. Son
escenas que muestran una sociedad ordenada y tranquila.
Obras:
La despensa (h. 1658), de Pieter de Hooch
El armario de la ropa limpia (1663). Pieter de Hooch
Mujer con una niña en la despensa (h. 1660). Pieter de Hooch
La pesadora de oro (h. 1664). Pieter de Hooch
El dormitorio (1658-1660)

5. 5 BODEGONES HOLANDESES
Los bodegones holandeses son muy suntuosos y tienen un gran número de objetos y
elementos, muy distintos por tanto de los españoles. Se disponen sobre mantelerías de
telas finas y lujosas y las vajillas, cubiertos y cristalerías representados solo estaban al
alcance de los ricos, igual que muchos de los alimentos pintados. Se representan muchos
alimentos importados del Mediterráneo y Asia, y menaje de porcelana china.
Obras:
Mesa con desayuno (1631), de Willem Claesz Heda

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Bodegón con jarra de cerveza, limón y cangrejo (1633), de Willem Claesz Heda
Bodegón con cuenco chino, copa nautilo y otros objetos (1662), de Willem Kalf
Naturaleza muerta de un banquete con un ratón (1667). Abraham van Beyeren
Mesa (1611). Clara Peeters

5. 6 PAISAJES

- Son paisajes muy realistas en los que la naturaleza no está idealizada.

- El cielo tiene mucho protagonismo porque ocupa mucho espacio. Esto se debe a
que la línea del horizonte es muy baja.

- Abundan las marinas porque el mar fue esencial para Holanda porque gran parte
de la riqueza de la Holanda del XVII procedía del comercio marítimo.
Obras:
La playa de Scheveningen (1658). Adriaen van de Velde
Mar tormentoso con barcos de vela (h. 1668). Jacob van Ruysdael
Vista de Haarlem con campos de blanqueo (h. 1665). Jacob van Ruysdael
El molino de Wijk (h. 1670). Jacob van Ruysdael
- Permite conocer los diques que se utilizaban en la época para contener al mar.

TEMA 6. LA PINTURA BARROCA EN INGLATERRA: VAN DYCK

Anton van Dyck era de origen flamenco pero se estableció en Londres donde fue
nombrado pintor de Carlos I de Inglaterra. Fue ante todo retratista de la realeza y la
aristocracia. Sus retratos eran:
- muy elegantes y refinados,
- gestos distantes,
- daba a sus personajes una distinción idealizada que era muy superior a la que
realmente tenían,
- empleó un color muy rico y brillante, y
- con un movimiento contenido.

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Obras:
Retrato de Emanuel Filiberto, príncipe de Saboya (1624). Van Dyck
- Retrato de aparato que muestra los atributos de poder habituales: casco,
armadura, espada y bastón de mando.
- Mirada directa y distante.
- Tratamiento exquisito y detallado de armadura, cuello y puños.
El príncipe Tomás Francisco de Saboya-Carignano (1634). Van Dyck
- Retrato de aparato ecuestre que recuerda a las obras españolas que hemos visto.
- Reproduce todo el “aparato” habitual en esta iconografía, acompañada por el
cortinaje barroco.
Triple retrato de Carlos I (1635). Van Dyck
- El rey aparece en tres posiciones: de frente, perfil derecho y perfil izquierdo,
vestido de modo distinto en las tres, pero siempre con la banda azul de la Orden
de la Jarretera.
- Resulta un modo curioso de representación. La razón estriba en que el retrato
se realizó para ser enviado a Bernini, en Roma, que iba a labrar un busto del rey
a partir de este retrato y el escultor necesitaba los tres ángulos.
- Se inspira en el retrato del veneciano Lorenzo Lotto, Orfebre visto desde tres
posiciones (1530) y fue a su vez fuente de inspiración para el Triple retrato del
cardenal Richelieu de Champaigne (1640).
Retrato de Guillermo de Orange-Nassau y la princesa María (1641). Van Dyck
Carlos Ludovico y Rupert, príncipes palatinos (1637). Van Dyck
Lord John Stuart y su hermano lord Bernard Stuart (h. 1638). Van Dyck

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