Datos técnicos
• Nombre de autor/a: Anónimo
• Título de la obra: Kouros de Ática
• Datación: 590 – 580 a.C.
• Materiales: Mármol tallado
• Técnicas: Tallado en bulto redondo
• Dimensiones: 1,956 m.
• Procedencia: Ática
• Ubicación actual: Museo Metropolitano, Nueva York
Análisis formal
• Textura táctil: Superficie pulida, líneas marcadas
• Direcciones, ritmos, ejes, Eje vertical predominante, simetría frontal con tensiones
tensiones: moderadas en los músculos.
• Expresividad: Expresión serena y estática, con sonrisa arcaica. Barbilla
lampiña.
• Proporciones/tratamiento Proporciones idealizadas según el canon de la época,
anatómico: detalles anatómicos simplificados y líneas geométricas
marcadas, no naturalista.
• Posiciones y disposición de Postura rígida y frontal, una pierna adelantada
las figuras: (izquierda), brazos pegados al cuerpo.
• Simetría: Bilateral relativa
• Convenciones/Naturalismo: Uso de convenciones estilísticas arcaicas (ej., sonrisa
arcaica, cabello decorativista); naturalismo incipiente en
el tratamiento.
• Canon de proporción: Canon Arcaico
• Movimiento: Movimiento sugerido por la pierna adelantada, aunque la
figura permanece esencialmente estática.
• Giros/torsiones: Ausencia, cuerpo rígido y frontal.
• Frontalidad/Multifacialidad: Predomina la frontalidad
• Contrapposto: Ausencia de contrapposto.
• Relación con el espectador: Distancia formal, mirada directa y serena que no
establece una interacción activa con el espectador.
• Unidad del bloque/Grupo La escultura está concebida como un bloque unitario, sin
escultórico: elementos añadidos o fragmentados.
Descripción iconográfica
• Motivos o atributos: Sin atributos específicos, representa un joven desnudo.
objetos, símbolos:
• Personajes representados: Figura humana idealizada de un joven (kouros).
• Temas, escenas, ciclos Representación de la juventud masculina idealizada.
representados:
Datos técnicos
• Nombre de autor/a: Atribuido a Critio y Nesiotes
• Título de la obra: Estatua del Efebo de Critio
• Datación: 1° cuarto del siglo V
• Materiales: Mármol tallado
• Técnicas: Tallado en bulto redondo
• Dimensiones: 0,86 m.
• Procedencia: Atenas
• Ubicación actual: Museo de la acrópolis, Atenas, Grecia
Análisis formal
• Textura táctil: Superficie pulida con detalles anatómicos más realistas y
suavizados en comparación al Kurós
• Direcciones, ritmos, ejes, Introducción del contrapposto, con un eje diagonal que
tensiones: sugiere movimiento y tensiones naturales en el cuerpo.
• Expresividad: Expresión más natural y relajada en comparación, pero
aún sin expresividad.
• Proporciones/tratamiento Proporciones más naturales y realistas, con una
anatómico: representación anatómica precisa que refleja un avance en
la observación del cuerpo humano.
• Posiciones y disposición de Postura natural con un pie adelantado y cadera
las figuras: ligeramente desplazada.
• Simetría: Menos simétrica que las esculturas arcaicas.
• Convenciones/Naturalismo: Mayor tendencia al naturalismo en comparación con las
convenciones arcaicas.
• Canon de proporción: Canon de proporción más realista y ajustado al estudio
del cuerpo humano.
• Movimiento: Movimiento sugerido por el desplazamiento del peso y la
posición de la cadera.
• Giros/torsiones: Sutil torsión del torso.
• Frontalidad/Multifacialidad: Menos frontal que las esculturas arcaicas; se introduce la
multifacialidad.
• Contrapposto: Introducción del contrapposto.
• Relación con el espectador: Relación más directa y natural con el espectador, gracias
a la postura y expresión más realistas.
• Unidad del bloque/Grupo La escultura se presenta como un bloque unitario aún,
escultórico: pero con una representación naturalista del cuerpo
humano.
Descripción iconográfica
• Motivos o atributos: Sin atributos específicos, representa a un joven desnudo
objetos, símbolos: en una pose naturalista.
• Personajes representados: Figura humana idealizada de un joven (efebo),
posiblemente un atleta.
• Temas, escenas, ciclos Representación de la juventud masculina idealizada.
representados:
Datos técnicos
• Nombre de autor/a: Policleto
• Título de la obra: Doríforo (El portador de la lanza)
• Datación: 450 – 440 a.C.
• Materiales: Original en bronce, sobreviven copias en mármol
• Técnicas: Escultura en bronce (original), tallado en mármol (copias)
• Dimensiones: 2,12 m.
• Procedencia: Argos, Grecia
• Ubicación actual: Museo Arqueológico Nacional de Nápoles, Italia
Análisis formal
• Textura táctil: Superficie pulida con un tratamiento detallado de la
musculatura y las texturas anatómicas.
• Direcciones, ritmos, ejes, Eje diagonal que crea un equilibrio dinámico en la figura.
tensiones:
• Expresividad: Expresión serena y contenida, pero aún no hay
expresividad marcada.
• Proporciones/tratamiento Proporciones ideales basadas en el canon de Policleto,
anatómico: con un tratamiento anatómico detallado y naturalista.
• Posiciones y disposición de Postura contrapposto con pierna derecha soportando el
las figuras: peso y la otra; brazo derecho caído y brazo izquierdo
ligeramente levantado sosteniendo la lanza.
• Simetría: Equilibrio asimétrico logrado a través del contrapposto,
con un naturalismo que rompe con la simetría rígida
arcaica.
• Convenciones/Naturalismo: Mayor naturalismo y representación idealizada del cuerpo
humano basada en principios matemáticos y geométricos.
• Canon de proporción: Canon de Policleto, que establece proporciones ideales
para el cuerpo humano (la cabeza es 1/7 de la altura total
del cuerpo).
• Movimiento: Movimiento sugerido por el contrapposto.
• Giros/torsiones: Sutil torsión del torso y la cadera, que añade dinamismo a
la figura.
• Frontalidad/Multifacialidad: Menos frontal que las esculturas arcaicas; multifacialidad
presente.
• Contrapposto: Ejemplo clásico del uso del contrapposto, que distribuye
el peso corporal de manera realista y crea un equilibrio
armónico.
• Relación con el espectador: Relación natural con el espectador, basada en la
idealización del cuerpo humano y su perfección.
• Unidad del bloque/Grupo La escultura ya no se apega al bloque, los brazos se
escultórico: desprenden del cuerpo y las piernas amplían su
movimiento.
Descripción iconográfica
• Motivos o atributos: Originalmente portaba una lanza
objetos, símbolos:
• Personajes representados: Figura idealizada de un joven atleta o guerrero, Doríforo.
• Temas, escenas, ciclos Representación de la juventud masculina idealizada,
representados: ejemplificando el ideal clásico de belleza.
Datos técnicos
• Nombre de autor/a: Lisipo
• Título de la obra: Apoxyómeno (El limpiador de aceite)
• Datación: 330 a.C.
• Materiales: Original en bronce (las copias en mármol son las que han
sobrevivido)
• Técnicas: Escultura en bronce (original), tallado en mármol (copias)
• Dimensiones: 2,05 m.
• Procedencia: Grecia
• Ubicación actual: Museos Vaticanos, Roma, Italia
Análisis formal
• Textura táctil: Superficie pulida
• Direcciones, ritmos, ejes, El contrapposto genera un eje diagonal, tensión en los
tensiones: brazos.
• Expresividad: Comienza a verse expresión, un tanto serena.
• Proporciones/tratamiento Proporciones alargadas características del estilo de
anatómico: Lisipo, con un tratamiento anatómico detallado y
naturalista.
• Posiciones y disposición de Postura natural con un brazo extendido hacia adelante,
las figuras: limpiándose con un strigil, y el otro brazo apoyado en la
cadera.
• Simetría: Equilibrio asimétrico logrado a través del contrapposto y
la disposición dinámica de los brazos.
• Convenciones/Naturalismo: Elevado nivel de naturalismo, rompiendo con algunas
convenciones clásicas y acercándose más a una
representación realista del cuerpo humano en acción.
• Canon de proporción: Lisipo introdujo un nuevo canon de proporción, más
alargado que el de Policleto, con una cabeza que es
aproximadamente 1/8 del total del cuerpo.
• Movimiento: Movimiento sugerido por la acción del atleta
limpiándose.
• Giros/torsiones: Torsión sutil del torso y los brazos.
• Frontalidad/Multifacialidad: Menos frontal que las esculturas clásicas anteriores,
multifacialidad presente.
• Contrapposto: Uso avanzado del contrapposto.
• Relación con el espectador: Relación más directa y natural con el espectador.
• Unidad del bloque/Grupo No se apega al bloque, los brazos se extienden
escultórico:
Descripción iconográfica
• Motivos o atributos: Strigil (instrumento utilizado por los atletas para
objetos, símbolos: limpiarse el aceite y la arena del cuerpo).
• Personajes representados: Figura humana idealizada de un joven atleta
humanos, animales, (apoxyómeno).
vegetales, fantásticos,
• Temas, escenas, ciclos Figura de un atleta limpiándose, juventud idealizada.
representados:
Datos técnicos
• Nombre de autor/a: Praxíteles
• Título de la obra: Apolo de Sauróctono (Apolo Lagarto-Matador)
• Datación: 350 a.C.
• Materiales: Original en bronce (las copias en mármol son las que han
sobrevivido)
• Técnicas: Escultura en bronce (original), tallado en mármol (copias)
• Dimensiones: 1.49 metros de altura
• Procedencia: Grecia
• Ubicación actual: Louvre, Paris, Francia.
Análisis formal
• Textura táctil: Superficie pulida
• Direcciones, ritmos, ejes, Postura relajada reposando el peso de su cuerpo hacia un
tensiones: árbol, con un eje diagonal creado por la inclinación del
cuerpo y la disposición de las extremidades.
• Expresividad: Expresión juvenil y tranquila, con una ligera sonrisa y
una mirada enfocada en el lagarto.
• Proporciones/tratamiento Proporciones estilizadas y alargadas características del
anatómico: estilo de Praxíteles, tratamiento anatómico detallado y
naturalista.
• Posiciones y disposición de Apolo está representado en una postura relajada, apoyado
las figuras: en un tronco de árbol, con el brazo derecho levantado y el
izquierdo extendido hacia el lagarto.
• Simetría: Asimetría.
• Convenciones/Naturalismo: Elevado nivel de naturalismo.
• Canon de proporción: 7 cabezas, estilo de Praxíteles
• Movimiento: Movimiento sugerido por la postura y la acción de Apolo,
que parece estar a punto de atacar al lagarto.
• Giros/torsiones: Torsión sutil del torso y las extremidades
• Frontalidad/Multifacialidad: Multifacialidad
• Contrapposto: Uso del contrapposto, con una pierna soportando el peso
y la otra relajada.
• Relación con el espectador: Relación más directa y natural con el espectador.
• Unidad del bloque/Grupo No se apega al bloque escultórico.
escultórico:
Descripción iconográfica
• Motivos o atributos: Apolo se muestra con un lagarto al que está a punto de
objetos, símbolos: clavar una flecha, simbolizando su papel de matador de
reptiles.
• Personajes representados: Apolo, el dios griego de la luz, la música y la profecía,
representado como un joven.
• Temas, escenas, ciclos Representación de Apolo en un momento de juego o caza,
representados: ejemplificando la juventud divina y la gracia del dios.
Datos técnicos
• Nombre de autor/a: Praxíteles
• Título de la obra: Afrodita de Cnido
• Datación: 360 – 330 a.C.
• Materiales: Original en mármol de Paros
• Técnicas: Escultura en mármol tallada en bulto redondo
• Dimensiones: 2.03 m.
• Procedencia: Cnido, Asia Menor (actual Turquía)
• Ubicación actual: La obra original se ha perdido; copias romanas
sobreviven en varios museos, siendo una de las más
famosas la copia en el Museo Pio-Clementino, Ciudad del
Vaticano, Roma, Italia
Análisis formal
• Textura táctil: Superficie pulida y suave, con un tratamiento detallado de
la piel y los pliegues de la ropa (en las versiones que
incluyen un paño).
• Direcciones, ritmos, ejes, La figura presenta un ritmo suave y natural, con una
tensiones: disposición del cuerpo que sugiere movimiento y una
postura relajada. Eje vertical.
• Expresividad: No hay expresividad marcada, si serenidad.
• Proporciones/tratamiento Proporciones ideales, con un tratamiento anatómico
anatómico: detallado y naturalista.
• Posiciones y disposición de Afrodita está representada con una mano cubriendo su
las figuras: pubis y la otra sosteniendo un paño o una prenda.
• Simetría: Asimetría dada por postura, rostro hacia un lado, paño a
un costado.
• Convenciones/Naturalismo: Naturalismo y representación idealizada del cuerpo
femenino.
• Canon de proporción: De 7 cabezas
• Movimiento: Movimiento sugerido por la postura y la acción de
cubrirse con las manos.
• Giros/torsiones: Sutil torsión del torso y las extremidades.
• Frontalidad/Multifacialidad: Multifacialidad
• Contrapposto: Uso del contrapposto.
• Relación con el espectador: Relación más natural con el espectador.
• Unidad del bloque/Grupo No se apega al bloque, pero si un poco más que las
escultórico: anteriores.
Descripción iconográfica
• Motivos o atributos: Afrodita está representada en el acto de cubrirse con las
objetos, símbolos: manos después del baño, simbolizando la modestia y la
sensualidad.
• Personajes representados: Afrodita, la diosa griega del amor y la belleza,
representada como una joven mujer desnuda.
• Temas, escenas, ciclos Representación de la belleza y la divinidad femeninas.
representados:
Datos técnicos
• Nombre de autor/a: Varias atribuciones, incluyendo a Scopas, Leocares,
Timoteo y Briaxis
• Título de la obra: Relieves de la Amazonomaquia
• Datación: 350 a.C.
• Materiales: Mármol tallado
• Técnicas: Alto y bajo relieve tallado en mármol
• Dimensiones: Los frisos tienen aproximadamente 1.20 m. de altura
• Procedencia: Mausoleo de Halicarnaso (actual Bodrum, Turquía)
• Ubicación actual: El Museo Británico, Londres, Inglaterra
Análisis formal
• Textura táctil: Superficie detallada con un tratamiento fino de la
musculatura, las vestimentas y las armas
• Direcciones, ritmos, ejes, Composiciones dinámicas con figuras en movimiento,
tensiones: ejes diagonales que crean tensión y dramatismo en las
escenas de combate.
• Expresividad: Gran expresividad en los rostros y posturas de las figuras,
mostrando emociones de lucha, dolor y esfuerzo.
• Proporciones/tratamiento Proporciones naturalistas y detalladas, con un tratamiento
anatómico: anatómico preciso.
• Posiciones y disposición de Figuras en diversas posiciones de combate, dinámicas,
las figuras: sugieren movimiento y acción.
• Simetría: Composiciones asimétricas que crean un sentido de
dinamismo y caos.
• Convenciones/Naturalismo: Alto nivel de naturalismo
• Canon de proporción: Canon de proporción clásica, con cuerpos idealizados.
• Movimiento: Sumamente dinámicas.
• Giros/torsiones: Uso frecuente de giros y torsiones en los cuerpos.
• Frontalidad/Multifacialidad: Relieves diseñados para ser vistos de frente, pero con un
tratamiento tridimensional que sugiere profundidad y
múltiples puntos de vista.
• Contrapposto: Uso del contrapposto en varias figuras, pero no en la
imagen analizada.
• Relación con el espectador: Relación directa y dramática con el espectador
• Unidad del bloque/Grupo Grupo escultórico dado por la variedad de personajes
escultórico: representados, al ser un alto relieve se desprenden
levemente del bloque, pero siempre apegadas a él.
Descripción iconográfica
• Motivos o atributos: Armas y armaduras típicas de los griegos y las amazonas,
objetos, símbolos: incluyendo lanzas, espadas y escudos.
• Personajes representados: Figuras de guerreros griegos y amazonas, en escenas de
combate heroico.
• Temas, escenas, ciclos Temas de batalla y heroísmo, centrados en la
representados: Amazonomaquia, que representa la mítica lucha entre los
griegos y las amazonas, simbolizando el triunfo de la
civilización griega sobre el "otro" bárbaro.
1. Evolución hacia el Naturalismo
La evolución hacia un mayor naturalismo es evidente cuando comparamos las
esculturas arcaicas con las obras clásicas. En las esculturas arcaicas como los kouroi, las
figuras eran más rígidas y simétricas, siguiendo convenciones heredadas de las
influencias orientales. Sin embargo, el Doríforo de Policleto, creado alrededor del 450-
440 a.C., muestra un avance significativo en el naturalismo y el conocimiento
anatómico. Policleto introdujo el contrapposto, una postura que imita más fielmente la
distribución del peso en el cuerpo humano, rompiendo con la rigidez frontal de las
figuras arcaicas. Este enfoque hacia una representación más exacta y natural del cuerpo
humano refleja la "preocupación por la vida" que menciona Robertson.
2. Innovación y Abandono de Convenciones
Lisipo, con su Apoxyómeno (circa 330 a.C.), llevó aún más lejos esta evolución. Lisipo
alargó las proporciones del cuerpo humano, introduciendo un canon diferente al de
Policleto, y representó figuras en movimientos más complejos y dinámicos. La figura
del Apoxyómeno muestra a un atleta en el acto de limpiarse con un strigil, una escena
cotidiana que enfatiza el naturalismo y la observación directa de la vida. Este abandono
de las convenciones heredadas y la creación de un estilo propio es exactamente lo que
Robertson describe como el impulso de los artistas griegos hacia un cambio constante.
3. Representación de la Belleza y la Vida Divina
La Afrodita de Cnido de Praxíteles (circa 360-330 a.C.) es otro ejemplo claro de este
desarrollo. Praxíteles fue pionero en representar a la diosa Afrodita desnuda, capturando
no solo la belleza idealizada, sino también un momento íntimo y humano, como el acto
de prepararse para el baño. Esta representación de la divinidad con una preocupación
por la vida y el naturalismo es un testimonio del alejamiento de las rígidas convenciones
arcaicas hacia un enfoque más realista y humanizado.
4. Dinamismo y Acción en Relieves
Los relieves de la Amazonomaquia en el Mausoleo de Halicarnaso (circa 350 a.C.)
muestran escenas de batalla entre griegos y amazonas con un dinamismo y una atención
al detalle anatómico que superan con creces las convenciones de las artes orientales. Las
figuras están representadas en medio de la acción, con torsiones y giros que crean una
composición viva y dramática. Esto refleja la "preocupación por la vida" y el interés en
representar el movimiento y la emoción humanas de manera naturalista.
Conclusión
La cita de Martin Robertson sobre la evolución del arte griego y su enfoque en la vida
es evidente en el desarrollo de la escultura griega desde la época arcaica hasta el periodo
clásico. Obras como el Doríforo de Policleto, el Apoxyómeno de Lisipo, la Afrodita de
Cnido de Praxíteles y los relieves de la Amazonomaquia del Mausoleo de Halicarnaso
ilustran este progreso hacia un mayor naturalismo, dinamismo y observación directa de
la vida. Este cambio constante y la creación de un estilo propio clásico son lo que
distinguen al arte griego de sus predecesores orientales y establecen los cimientos del
arte europeo.
