MÚSICA DEL RENACIMIENTO

CONTEXTO MUSICAL

Dentro del ámbito de la música se darán las siguientes características generales:

 Incremento de la cultura musical, que viene establecido por las ideas

humanistas sobre la importancia de la cultura, además de la invención de
la imprenta, ya que se empiezan a imprimir las primeras partituras.

 Desarrollo de la música profana e instrumental, también influidos por el

espíritu humanista. Cada vez se crea más música de carácter no religioso y
en detrimento de la música sacra. Recordar que la iglesia había
menospreciado la música instrumental, y ésta experimentará un gran
desarrollo.

 Profesionalización de los músicos: la música sigue creciendo en

complejidad, como ya lo había hecho en los últimos siglos de la Edad Media.
Esto obliga a los músicos a especializarse y a dedicar su vida a este arte.

Diferencias con la música Medieval

La música del Renacimiento suena distinta a la música medieval. Esto se debe a

que se van a producir una serie de cambios, de los cuales se destacan los
siguientes:

 Desarrollo de la técnica polifónica: ya en el Ars Nova la polifonía había

alcanzado una gran complejidad; en el Renacimiento el uso de grupos de
voces con diferentes timbres (simultaneidad de sonidos diferentes que
forman una armonía) y tesituras se generaliza.
  En este periodo se puede hablar ya de las cuatro voces que llegarán hasta
nuestros días (soprano, contralto, tenor y bajo).

 Dentro del ámbito polifónico destacan dos técnicas de composición, una

contrapuntística (en la que las voces se mueven de manera independiente)
y otra homofónica (en la que las voces se mueven de manera homogénea).

 Sustitución del ritmo irregular: debido a la complejidad que ha alcanzado

la polifonía, los sistemas de notación tienen que desarrollarse en cuanto a la
métrica, por ello se abandona totalmente el ritmo libre del gregoriano para
establecer una música con medidas fijas, en la que las duraciones de los
sonidos son absolutas.

 Cambios en la armonía: los compositores van a empezar a introducir en sus

obras voces a distancias de terceras superpuestas, que en la Edad Media no
eran utilizadas. Este uso de terceras será el antecedente de los acordes de
nuestro sistema tonal actual.

PERIODOS DE LA MÚSICA RENACENTISTA

El Renacimiento abarca los siglos XV y XVI, dentro de este periodo se pueden

distinguir tres etapas:

1. Primer Renacimiento: comprende la primera mitad del siglo XV. Conocido

también como el periodo franco-flamenco, ya que los duques de Borgoña
(que poseían territorios en los Países Bajos, Bélgica, de Francia y Luxemburgo)
actuaron como mecenas de un grupo de artistas que se convertirán en los
más importantes de esta época. Entre los compositores más destacados de
esta etapa se pueden nombrar a Dufay, Ockeghem y Desprès. La mayor
 parte de la música de estos autores será religiosa (misas y motetes). Durante
este Primer Renacimiento será muy frecuente la técnica compositiva
denominada contrapunto imitativo, que se basa en proyectar un tema ó
motivo repetidamente entre las distintas voces.

2. Alto Renacimiento: comprende la segunda mitad del siglo XV y primera del

XVI. Los músicos franco-flamencos se extienden por Europa, cada territorio
acoge las novedades musicales y las adapta a su estilo compositivo. Se
crean, por lo tanto, los denominados estilos nacionales. En Italia el género
que más se cultivará será el madrigal; en Alemania se desarrollará el lied
(canción) y en Francia destaca la chanson.

3. Bajo Renacimiento: se desarrolla durante la segunda mitad del siglo XVI.

Italia se convierte en el país más importante musicalmente hablando, las
innovaciones más interesantes vendrán dentro de la música profana; sin
embargo, las dos figuras más destacadas en este periodo se dedicarán a la
música religiosa, y son Giovanni Pierluigi Palestrina y el español Tomás Luis de
Victoria. Los géneros más importantes siguen siendo el motete y la misa. En
esta época también se tiene que destacar al italiano Claudio Monteverdi,
maestro indiscutible del madrigal (del cual escribió ocho tratados) y figura
decisiva en el nacimiento de la ópera, con su Orfeo de 1607.

LA MÚSICA RELIGIOSA

Durante el Renacimiento, la iglesia cristiana sufre luchas internas que acabarán con
la unidad del catolicismo. En Alemania, Martín Lutero rompe con Roma en el año
1519, ya que no comparte algunas de las formas de comportamiento de la iglesia
vaticana; va a crear así el protestantismo, que se convertirá entonces y hasta
nuestros días en la religión mayoritaria de Alemania. A este hecho se le conoce
como la Reforma Protestante, ya que Lutero llevará a cabo una serie de cambios,
alguno de los cuales afectará a la música. Lutero era un gran estudioso de la teoría
musical.
Entre los cambios más importantes se destacan los siguientes:

Utilizar el alemán en las celebraciones religiosas, ya que para Lutero era

muy importante que la gente comprendiese lo que se decía en la liturgia y
que incluso pudiese participar cantando. Esto no era posible si las
celebraciones se seguían realizando en latín, debido a que era una lengua
que sólo era utilizada por la iglesia, no por el pueblo.

Evitar la polifonía compleja, desarrollando la música homofónica, ya que el

gran desarrollo al que había llegado la polifonía hacía que no se entendiese
el texto.

Lutero creará una nueva forma musical: EL CORAL, que será el género más
importante de la iglesia protestante. Esta forma suele ser una composición
sencilla, escrita normalmente a cuatro voces, que se canta en alemán y
presenta una textura homofónica.

En Inglaterra, el rey Enrique VIII también se separa de la iglesia de Roma y crea la

iglesia anglicana, de la cual se proclama máximo mandatario, y así acapara todo
el poder político y religioso de su país. A partir de este momento, la iglesia anglicana
desarrolló una nueva forma musical denominada ANTHEM, que es un motete a
cuatro voces, el cual se cantaba durante las celebraciones litúrgicas.

La iglesia católica, preocupada por estas luchas internas, decide reunirse para
tratar de arreglar los males en los que está sumergida. Desde 1545 hasta 1563 se
celebra “El Concilio de Trento”, en el que se tratan de establecer las directrices de
la nueva iglesia católica. Algunas de las novedades afectarán al terreno musical,
de las cuales destacamos las siguientes:
  Seguir utilizando el latín en sus celebraciones, ya que para ellos es un signo
de unidad cristiana. Esta norma seguirá vigente hasta el Concilio Vaticano
II.

 Evitar la polifonía compleja a la que se había llegado, ya que no era

posible entender los textos religiosos, y recordemos que la principal finalidad
de la música religiosa era la de transmitir el mensaje cristiano.

 Prohibir los cantos profanos en los templos, ya que son territorios sagrados
en los que sólo se debe interpretar música religiosa. Esta norma, en teoría,
hoy en día continúa vigente.

 Los géneros más importantes de la música religiosa católica serán el

motete y la misa (forma musical compleja resultado de la unión de todas las
piezas de la liturgia), en los que se evitará la complejidad polifónica.

 Los compositores principales de la iglesia católica son los italianos Giovanni

Pierluigi de Palestrina y Orlando di Lasso (que también realizó numerosos
madrigales), y los españoles Tomás Luis de Victoria y Cristóbal Morales.

MÚSICA PROFANA

A diferencia de la música vocal religiosa, que tiene un estilo internacional ya que

en todos los territorios se escribe bajo las mismas pautas, la música vocal profana
va a tener un estilo propio en cada país; es lo que se denomina como los “Estilos
Nacionales”.
Algunas de las características, que al comienzo del tema citábamos como
generales, se van a mantener, pero cada país desarrollará diferentes tipos de
canciones escritas en las lenguas vernáculas (propias de cada territorio) y no en
latín como sucedía en la música religiosa. A continuación, se exponen los géneros
más importantes de algunos países:
ITALIA: El género más importante es el MADRIGAL. Se trata de una forma de
polifonía compleja escrita para cuatro o cinco voces. Normalmente es música “a
capella”, aunque se le pueden añadir algunos instrumentos. Es música de carácter
descriptivo escrita en italiano. Suele constar de cinco frases en las que se intercala
un ritornello (breve estribillo). Entre los compositores más importantes destacan:
Luca Marenzio, Orlando Di Lasso y Claudio Monteverdi.

FRANCIA: La forma más importante de este país es la CHANSON. Es

una forma polifónica normalmente con acompañamiento instrumental. También
es descriptivo. El compositor más destacado es Clement Janequin.

ESPAÑA: El género que destaca es el VILLANCICO, que es un género que en su

origen no tiene nada que ver con la Navidad. Es una forma a cuatro voces de
textura homofónica con estructura de estribillo-copla-estribillo. El compositor más
representativo de este tipo de música es Juan Del Enzina y se conservan muchas
de estas piezas en un libro que lleva por título “El cancionero de Palacio”. Junto
con el villancico en España también habrá otros géneros importantes como el
Romance o la Ensalada.

LA MÚSICA INSTRUMENTAL

Una de las características más importantes del Renacimiento fue el resurgir de la

música instrumental que hasta entonces había estado marginada. Ahora poco a
poco irá ganando prestigio y relevancia debido en gran medida a la laicización
de la música promovida por el pensamiento humanista. Por primera vez en la
historia se va a componer música instrumental pura, sin ningún otro fin que el deleite
del oído. Este tipo de música evolucionará en campo profano ya que la Iglesia
continúa con su prohibición del uso de instrumentos en los actos religiosos.
Otro aspecto importante es que con la invención de la imprenta se van a difundir
muchos libros con partituras y teoría musical, por lo que mucha gente va a poder
acercarse al mundo de la música y aprender a tocar un instrumento
Podemos hablar de cuatro apartados en los que clasificar la música del
Renacimiento:

PIEZAS ADAPTADAS DE OBRAS VOCALES: Son obras que primitivamente estaban

escritas para varias voces y que serán adaptadas para poder interpretarlas con
instrumentos polifónicos como el órgano y otros instrumentos de teclado. Destacan
en este grupo formas como el ricercare o la canzona.

PIEZAS BASADAS EN LA IMPROVISACIÓN: Estas piezas podían ser de dos tipos: o bien
se improvisaba a partir de una melodía dada o se improvisaba sin ningún tipo de
referencia, inventando todo sobre la marcha. A este tipo de música corresponden
géneros como la fantasía o la toccata.

PIEZAS BASADAS EN LA VARIACIÓN: Se trata de que el intérprete parte de un tema

sencillo que va repitiendo sucesivamente incorporando variaciones de todo tipo.
Dentro de este grupo destacan las diferencias; éste fue el nombre que recibió en
España el tema con variaciones en el cual destacó el compositor español Antonio
de Cabezón.

PIEZAS CREADAS PARA LA DANZA: Para este tipo de música vamos a crear un
apartado especial titulado la danza renacentista.

LOS INSTRUMENTOS DEL RENACIMIENTO

Algunos instrumentos de la época medieval siguieron utilizándose durante el
Renacimiento, perfeccionándose y adaptándose a las nuevas exigencias de los
compositores. Como hemos visto en el punto anterior, durante el Renacimiento se
compone mucha música instrumental, esto va a hacer que muchos instrumentos
adquieran una gran importancia.
A continuación, citamos algunos de los más importantes:
AERÓFONOS:
Flauta de pico o flauta dulce: hoy en día se usa con fines educativos; fue uno de
los instrumentos más populares de la época. También existían las flautas traveseras
de madera.
Cromorno: es un instrumento de madera, de lengüeta doble (como la dulzaina)
que termina en forma de U.
Trompetas rectas y enrolladas: Eran fabricadas en metal y se usaban con fines
militares y en desfiles.
Chirimía: instrumento formado por un tubo de madera y lengüeta doble (parecido
a los oboes, pero de mayor tamaño).
Sacabuche: es el antecedente del trombón de varas actual. es fabricado en
metal.

CORDÓFONOS:
La viola da gamba: Es un instrumento de arco que parece una mezcla de guitarra
y violonchelo. En España recibió el nombre de vihuela de arco.
La guitarra: Se estableció en España procedente de los países árabes y pronto se
extendió por toda Europa. Las primitivas tenían cuatro cuerdas.
La vihuela: Es un instrumento típico español parecido a la guitarra. Gozó de gran
prestigio en nuestro país de la mano de compositores como Luis de Narváez o Luis
de Milán, los cuales se especializaron en este instrumento.
El laúd: Es un instrumento que llega de la Edad Media, pero en el Renacimiento se
convierte en uno de los más importantes.
El clavicémbalo: Es un instrumento de teclado con cuerdas punteadas. Se
comenzó a fabricar en Italia en el siglo XVI.
Fijaros en los siguientes videos instrumentos del Renacimiento:

LA DANZA RENACENTISTA

La danza, durante el periodo del Renacimiento va a alcanzar una gran

importancia, sobre todo entre las clases más altas, ya que en todas las
celebraciones va a estar presente. Pero además de la danza cortesana, va a existir
otra danza menos refinada y mucho más alegre, que va a ser la del pueblo llano.
Las danzas cortesanas estaban destinadas a ser bailadas en grandes salones. La
danza era bailada por todos los nobles que participaban en la celebración (el
aprender los bailes era obligatorio para los nobles), que iban ataviados con sus
mejores galas. Los grandes vistidos eran los que impedían cualquier tipo de
movimiento acelerado y por tanto estos bailes van a ser siempre muy pausados y
elegantes.
Al desarrollo de este tipo de música en este periodo influyó mucho la evolución de
la música instrumental, ya que buena parte de esa música era dedicada a este
género. Otro de los factores decisivos que impulsaron las danzas fue la invención
de la imprenta, ya que a partir de este momento se van a editar los primeros libros
de coreografías.
Éstas eran algunas de las principales danzas renacentistas:

LA GALLARDA: Es una de las principales danzas de la época. Se interpretaba con

paso saltado. Es una danza en compás ternario y paso alegre. Normalmente se
interpretaba después de la pavana.

LA PAVANA: Era sin duda la danza más importante de la época. Era la que abría el
baile y normalmente sólo la bailaban los organizadores del evento. Es pausada y
refinada; es un paseo de los ricos nobles para que todo el mundo presente les
admire.

EL BRANLE: Era una danza que se bailaba en círculo. Los bailarines se agarraban e
iban oscilando a derecha y a izquierda sin romper el círculo.
* Además podemos mencionar otras muchas danzas: el ronde, la tarantela, la
zarabanda, la alemanda, el courante, el saltarelo, la calada, …

COMPOSITORES DESTACADOS

Andrea y Gionanni Gabrieli

1510-1586 y 1557-1612 Italia
Familia de célebres compositores venecianos, tío y sobrino. El primero fue Chantre
de San Marcos de Venecia y discípulo de Willaert, aunque permaneció algunos
años en Verona como organista de su Catedral. Durante el resto de su vida fue
organista en San Marcos, como segundo de Claudio Merulo y después, en
sustitución de su sobrino Giovanni. Entre otras muchas obras, compuso la música
con que su ciudad celebró la victoria de Lepanto en 1571. Escribió especialmente
música religiosa, aunque también madrigales profanos. En sus obras queda
reflejada la particular arquitectura de simetrías de la iglesia de San Marcos, que se
traduciría en coros enfrentados.
Su sobrino Giovanni fue su más ferviente admirador y siguió sus pasos, estudiando
con Roland de Lassus. En Venecia desempeñó el cargo de primer organista de San
Marcos y fue profesor de destacados alumnos italianos y extranjeros, como Grillo,
Tadei y especialmente Heinrich Schutz, desde donde su influencia se extendería
hasta Johann Sebastian Bach.
PRINCIPALES OBRAS:
Andrea Gabrieli
Canciones Sagradas – 1565
Primer libro de Misas – 1572
Madrigales a tres – 1575
Primer libro de Canciones Eclesiásticas – 1576
Salmos a David – 1583
Coros de Edipo Rey (para la inauguración del Teatro Olímpico de Vicenza) – 1585
Giovanni Gabrieli
Concerti – 1587
Sinfonía Sagrada – 1597
Sinfonías Sagradas – 1615

Orlando Di Lasso
1532-1594 Bélgica-Francia
Llamado originalmente Roland de Lassus, fue el más importante compositor de
la escuela franco-flamenca del siglo XVI. Se crió en la ciudad de Hainaut, siendo
miembro del coro de la iglesia de San Nicolás. Siguió al virrey de Sicilia por sus viajes
por Europa, quedando impresionado por el arte italiano en Milán, Sicilia y Nápoles.
Después se afincaría en Munich como maestro de capilla del duque de Baviera,
realizando frecuentes viajes a Alemania e Italia, y relacionándose con los
principales personajes de la época, desde el editor Adrian Le Roy a músicos de las
cortes alemanas, recibiendo condecoraciones y gratificaciones de príncipes
extranjeros. Parece que conoció a Palestrina y tuvo varios discípulos, entre ellos
Giovanni Gabrieli. En su juventud abundan las obras sobre textos profanos, mientras
que en la madurez se vuelca hacia el estilo religioso.
PRINCIPALES OBRAS:
• Primer ciclo de motetes – 1556
• Segundo ciclo de motetes – 1562
• Bicinia – 1577
• Psalmi David i poenitentiales – 1584
• Tricinia – 1588
• Cantiones sacreae sex vocum – 1594
• Lagrime di San Pietro (edición póstuma) – 1595
• Prophetiaes Sybillarum chromatico more (edición póstuma) – 1600
• Magnum opus musicum (edición póstuma) – 1604

Giovanni Perluigi Da Palestrina

1525-1594 Italia

Compositor italiano de música sacra, género para el que compuso 102 misas, unos
300 motetes y 133 madrigales con textos profanos. Fue un brillante organista que
estudió con Mallapert y Lebel y quizás con Arcadelt, que impresionaría al cardenal
Giovanni María del Monte, luego papa Julio III, que lo contrata como maestro de
coro y a quien Palestrina dedica su primer libro de misas.

Aunque trabaja como cantor de la capilla Sixtina, debe renunciar al puesto

cuando se casa por primera vez (lo hace otra vez más y tiene hijos que serán
víctimas de la peste). En 1577 el papa Gregorio XIII le encarga (junto con Aníbal
Zoilo) la corrección del repertorio gregoriano.
Su estilo es muy característico en el tratamiento de la prosodia de los textos
(acomodación de sílabas a notas), siempre sujeto a su propiedad de cantable.
PRINCIPALES OBRAS:
• Primer libro de madrigales a cuatro voces – 1555
• Missa Papae Marcelli – 1563
• Repleatur os meum – 1570
• Primera colección de madrigales espirituales – 1581
• Cánticos de Salomón – 1583
• Stabat Mater – 1590

Tomás Luis de Victoria

1548-1611 España

Compositor español. Fue alumno de Escobedo en Segovia y luego de Morales. A

los veinte años fue enviado a Roma con una pensión de Felipe II, para ingresar
como cantor en la capilla del Colegio Germánico que los jesuitas crean para
combatir el protestantismo. En sus trece años en la ciudad trabaja como capellán
cantor y después como maestro de capilla de San Apolinar.

La viudedad de la emperatriz hace que retorne y se instale en Madrid a su servicio,

primero como maestro de capilla y luego como organista del convento de las
Descalzas Reales, gozando además de la protección del cardenal Michele Bonelli.
Su estilo sigue fielmente las pautas de la escuela romana de Palestrina, entre el
dramatismo y ascetismo. La independencia de las voces no sólo responde a
planteamientos armónicos de conjunto, sino a la propia musicalidad de la música
melódica.

PRINCIPALES OBRAS:

• Missa pro Victoria (escrita para conmemorar la batalla de San Quintín).

• Alma Redemptoris Mater.
• Missa Ave Regina coelorum.
• Missa Pange Lingua.
• magnum mysterium.
• vos omnes (motete).
• Missa Ave María Stella.
• Officium Hebdomadae Sanctae – 1585
• Oficium Defunctorum – 1605