OP UD 56. EL ARTE CLÁSICO: GRECIA Y ROMA.

INTRODUCCIÓN.
GRECIA

INTRODUCCIÓN.
1. EL ARTE GRIEGO.
Características generales.
Los grandes periodos.
El conocimiento del arte griego.
Los términos de lo “clásico”.

2. URBANISMO Y CONCEPCIÓN DEL ESPACIO.

2.1. CARACTERÍSTICAS.
La concepción del espacio.
Planificación de la polis.
Estructura y elementos de la polis.
2.2. EVOLUCIÓN DEL URBANISMO.
PERIODO ARCAICO.
PERIODO CLÁSICO.
PERIODO HELENÍSTICO.

3. ARQUITECTURA.
3.1. CARACTERÍSTICAS.
3.2. TEMPLO.
ÓRDENES ARQUITECTÓNICOS:
El orden como relación entre los elementos: columna y
entablamento.
La distinción entre los órdenes griegos y romanos.
Dórico.
Jónico.
Corintio.
3.3. PERIODOS.
ARCAICO (VII-VI).
Características.
Evolución.
CLÁSICO (V-IV).
Características.
Evolución:
1) Primera fase (480-450).
2) Segunda fase (450-400): la Acrópolis de Atenas.
3) Tercera fase (400-323).
HELENÍSTICO (III-I).
Características.
Evolución.

4. ESCULTURA.
4.1. CARACTERÍSTICAS.
4.2. PERIODOS.
ARCAICO (VII-VI).
Características.
Evolución:
1) Primera fase (700-600): pequeñas dimensiones.
2) Segunda fase (600-480): la gran escultura del kouros y la koré.
CLÁSICO (V-IV):
Características.
Evolución.
1) Primera fase (500-450).
2) Segunda fase (450-400): Mirón, Policleto, Fidias.
Mirón.
Policleto.
Fidias.
3) Tercera fase (400-323): Praxíteles, Scopas, Lisipo.
Praxíteles.
Scopas.
Lisipo.
HELENÍSTICO (III-I).
Características.
Evolución: las escuelas de Alejandría, Pérgamo y Rodas.
Escuela de Alejandría.
Escuela de Pérgamo.
Escuela de Rodas.

5. PINTURA.
5.1. CARACTERÍSTICAS.
5.2. PERIODOS.
PERIODO ARCAICO (VII).
PERIODO CLÁSICO (V-IV).
PERIODO HELENÍSTICO (III-I).

6. CERÁMICA.
6.1. CARACTERÍSTICAS.
6.2. PERIODOS.
PERIODO PREARCAICO (IX-VIII).
Geométrica (900-750).
Orientalizante (750-650).
PERIODO ARCAICO (VII-VI).
Fase geométrica-esquemática (650-600).
Fase de las figuras negras (600-530).
Fase de las figuras rojas (530-500).
PERIODO CLÁSICO (V-IV).
PERIODO HELENÍSTICO (III-I).
7. ARTES MENORES.

ROMA
1. EL ARTE ROMANO.
Características generales.
Las influencias de las culturas del Mediterráneo.
Los grandes periodos.

2. URBANISMO Y CONCEPCIÓN DEL ESPACIO.

2.1. CARACTERÍSTICAS.
La concepción del espacio: el espacio interior.
Evolución del urbanismo: del irregular al regular.
Planificación de la nueva ciudad regular.
Elementos de la ciudad: los foros.

3. ARQUITECTURA.
3.1. CARACTERÍSTICAS.
3.2. TIPOS.
TEMPLOS.
Templos republicanos.
Templos imperiales: el Panteón.
BASÍLICAS.
MONUMENTOS CONMEMORATIVOS.
Arcos de triunfo.
Columnas.
ARQUITECTURA FUNERARIA.
ARQUITECTURA LÚDICA.
Teatros.
Anfiteatros.
Circos.
Estadios.
Odeones.
Termas.
Calzadas, puentes, acueductos, cloacas, puertos.
ARQUITECTURA DOMÉSTICA.
Domus.
Insula.
Villas rurales.
Palacios.
4. ESCULTURA.
El influjo etrusco y griego.
4.1. CARACTERÍSTICAS.
El realismo.
4.2. TIPOS.
RETRATO.
RELIEVE HISTÓRICO.
ESCULTURA FUNERARIA.

5. PINTURA.
El influjo etrusco y griego.
5.1. CARACTERÍSTICAS.
5.2. ESTILOS.
Estilo de incrustaciones.
Estilo arquitectónico.
Estilo ornamental.
Estilo intrincado.
Estilos posteriores.

6. MOSAICO.

7. ARTES MENORES.

INTRODUCCIÓN.
El arte clásico en Grecia y Roma es un tema enormemente extenso y
complejo, porque no hay una definición universalmente válida de los límites
temporales, temáticos y conceptuales.
Puede entenderse el concepto “arte clásico” en dos dimensiones históricas.
En términos restringidos, aplicándolo a las actividades artísticas realizadas
en Grecia durante el siglo V aC, llamado también el siglo de Pericles.
Corresponde a este periodo la denominada Edad Clásica de la civilización
helénica. En términos amplios, el arte clásico sirve para calificar la vertiente
estética de toda la antigüedad grecorromana, con sus distintos periodos:
griego arcaico, griego clásico, helenístico y romano.
Nuestra opción es que el arte clásico es el de la civilización grecolatina
antigua -Grecia y Roma antiguas-, en especial sus periodos más “clásicos”,
definidos por el antropocentrismo (un arte hecho a la medida del hombre) y
la concepción racional del mundo.
Es una opción posibilista: si es necesario conocer una panorámica sobre
todo el arte de la civilización grecolatina, esto es imposible en el marco del
título de este tema y en el estrecho límite de tiempo posible, por lo que nos
centraremos en su evolución más estricta y prescindiremos de sus
antecedentes respectivos (minoico, micénico y etrusco, salvo que en el arte
romano uno fundamental es el propio arte griego).
En lugar de hacer una exposición sincrónica, de los caracteres comunes a
ambas, haremos una división diacrónica: primero Grecia y luego Roma.
Se debería introducir el tema con el marco geográfico y los fundamentos
sociales y culturales (filosofía, polis, democracia, antropocentrismo,
mitología...), pero eso corresponde mejor al tema de la civilización
grecolatina (OP UD 25) y abordarlo aquí nos impediría abordar
suficientemente los aspectos más artísticos, de modo que lo obviaremos,
salvo algunas referencias. Sería útil, sin embargo pedir a los alumnos que
revisen el tema en los textos de cursos anteriores.
Mucho más que en otras civilizaciones, la civilización grecolatina es urbana,
por lo que el urbanismo debe ser considerado como un apartado del arte,
“al lado de” y no “en” la arquitectura, por lo que la antecede y explica. Por
último, precisemos respecto a las mal llamadas “artes menores” que si en el
arte griego la cerámica es un arte de enorme importancia para nosotros
(por su valor específico y por ser la mejor fuente sobre la pintura y la
temática), en cambio su paralelo en importancia en el arte romano sería el
mosaico.

I. GRECIA
INTRODUCCIÓN.
La Grecia clásica ofrece modelos y formas en su arte y en su organización
política y métodos de investigación (en la filosofía y las ciencias físicas) que
constituyen la base de toda nuestra cultura occidental y europea. Produce
asombro la serie de figuras excepcionales que una sola ciudad, Atenas, ha
proporcionado en todos los órdenes de la cultura y el arte: historiadores
como Heródoto y Tucídides, dramaturgos como Esquilo, Sófocles y Eurípides,
filósofos como Platón y Aristóteles, oradores como Demóstenes, escultores
como Fidias. En Grecia se inicia la filosofía, la física, la historia, y se lleva a
horizontes insospechados la matemática y la creación artística. Algunas
notas peculiares del mundo griego, que veremos a continuación, pueden
explicar este despliegue de creaciones y de personalidades singulares.
Resumen.
El arte griego es un arte del hombre, medida de todas las cosas. La técnica
es excelente, basada en la repetición de modelos, constantemente
perfeccionados, que en arquitectura será el sistema adintelado, con los tres
órdenes (dórico, jónico y corintio). El concepto griego de la belleza (kalós,
bello o hermoso) se fundamenta en el antropocentrismo, la proporción, la
armonía y la simetría. Destacan los templos (el tipo fundamental de su
arquitectura), los edificios públicos de la administración y la vida pública
(buleuterion, stoas, gimnasios, estadios), la escultura de temas humanos, la
pintura (de la que nos quedan pocos restos) y la cerámica pintada. El arte
griego evolucionó desde la rigidez del arte arcaico, hasta la perfección ideal
de la época clásica y culminó con el realismo del periodo helenístico.

1. EL ARTE GRIEGO.
Características generales.
El arte griego fue elaborando a lo largo de su evolución unas características,
propias, que en su época clásica son:
- El gran tema del arte griego es el hombre, cultivando el antropomorfismo
(los dioses son arquetipos de la condición humana) en la forma y en la
medida. Protágoras dijo: *El hombre es la medida de todas las cosas+. En la
pintura y escultura la figura humana es el tema principal. En la arquitectura
siempre huyen de lo colosal e incluso los templos son de dimensiones
modestas: el mayor edificio, el Partenón, mide 69,5 x 31 m. (aunque su
función no fue nunca celebrar grandes reuniones de fieles sino ser la casa
de una diosa).
- Su ideal clásico de la belleza se fundamenta en el hombre, la proporción, la
armonía y la simetría, la naturaleza, el movimiento y la expresión. Todo esto
se intuye ya en los templos desde el principio y en las artes plásticas desde
el siglo VI, con un concepto de la belleza (kalós, bello o hermoso)
profundamente humano y armonioso, y se confirma plenamente en la época
clásica del siglo V.
- Es un arte de gran calidad técnica. Se buscaba la perfección en la
consecución de ese ideal previo, no la novedad, de modo que su evolución
de las formas fue muy lenta.

Los grandes periodos.

Hay en el arte griego cuatro grandes periodos: prearcaico, arcaico, clásico y
helenístico. Muchos autores, con un criterio biológico, reúnen los dos
primeros en uno, al que llaman arcaico, preclásico, etc., mientras que el
helenístico sería un periodo barroco.
1) Periodo prearcaico, de los “siglos oscuros” (IX-VIII), con dos fases,
geométrica (900-750) y orientalizante (750-650). El desarrollo del arte es
aún muy escaso y obedece todavía a los influjos anteriores y exteriores.
2) Periodo arcaico, siglos VI-V (650-480). En el periodo arcaico, de resultas
de los movimientos de pueblos y del comercio mediterráneo, nace el arte
griego, al relacionarse sus dos corrientes fundamentales (definidas cada una
por un orden arquitectónico): la dórica, formalista, con tendencia a lo
simbólico y abstracta en lo decorativo, que aporta un riguroso sistema
proporcional; y la jónica, más natural y sensible, que proporciona el gusto
por la riqueza ornamental de tradición oriental (seres fabulosos, plantas y
animales) y un sentido más esbelto de las proporciones.
En este periodo se perfilan las líneas generales de una progresiva evolución
desde las concepciones más primitivas y esquemáticas, propias del arte
arcaico de las civilizaciones orientales. Es un arte de transición y de cambio,
en el que se van gestando las que luego serán expresiones prototípicas del
mundo helénico. Es especialmente significativa la evolución de la escultura,
la cual, partiendo de modelos de procedencia egipcia, micénico-cretense y
mesopotámica, irá modificando las características de estos hasta lograr un
estilo enteramente innovador. Frente a la rigidez y el esquematismo de los
artes egipcio y mediooriental, en el arte griego arcaico, especialmente en su
última etapa, se van introduciendo rasgos definidores como el dinamismo,
la expresividad y la individualización.
3) Periodo clásico, siglos V-IV, con tres fases: primera (480-450), segunda
(450-400), tercera (400-323), preludio del helenismo. El arte griego alcanza
su máxima perfección y universalidad, produciéndose incluso su expansión
por el Mediterráneo occidental. Aparece aquí una corriente más grácil y
decorativa, expresa en el orden corintio. Es esencial comprender que es
entonces cuando surge la originalidad del arte griego, pues antes apenas se
distinguía del arte arcaico de las otras civilizaciones antiguas. Ahora, en el
arte clásico, encontramos las características que individualizan el arte
griego, su sentido humano y armonioso de la belleza. No es la naturalidad lo
que le distingue, pues otros también lo fueron, sino la expresividad interior
de lo humano.
Es clásico sobre todo el siglo V aC, el Siglo de Pericles, cuando confluyen las
primeras grandes manifestaciones de la filosofía y la poesía trágica, y el
establecimiento de la ciudad-estado (polis) como organización político-social
genuinamente griega. La escultura alcanza su máxima expresión, dominada
por un humanismo radical que coloca al hombre en el centro de sus
representaciones. De la mano de artistas como Mirón, Policleto o Fidias la
escultura griega corona el estilo que se proyectará, con enorme influencia,
sobre toda la tradición occidental. Las cualidades más representativas de
este estilo son: el realismo anatómico, la búsqueda de la armonía a través
del estudio de las proporciones del cuerpo humano, la plasmación de la
expresividad individual y, finalmente, la captación del movimiento de las
figuras. Estas formas realistas y dinámicas dominan también la pintura de la
época, desaparecidas hoy, pero descritas en la literatura, con las
composiciones de Polignoto o Apeles. La arquitectura da sus mejores frutos,
sea mediante la construcción de templos, sea de edificios civiles como
teatros y estadios. También se difunde ahora el urbanismo regular.
4) Periodo helenístico, siglos III-I aC. Muchos historiadores lo limitan al
periodo entre la muerte de Alejandro Magno en 323 aC y la destrucción de
la Liga Aquea a manos de Roma y la destrucción de Corinto en 146 aC,
incorporándose las ciudades derrotadas a la provincia romana de
Macedonia. Es una época de crisis y cambio. El arte helenístico, a diferencia
del anterior, ya no es estrictamente griego, sino que nace de la confusión de
los pueblos integrados en la órbita del imperio de Alejandro. Así, en el arte
helenístico observamos la simbiosis de los componentes griegos con los
egipcios, mesopotámicos o persas. Esto y otros cambios internos de la
civilización griega modifican el lenguaje artístico, en el que dominan el
expresionismo, la monumentalidad y el decorativismo. La arquitectura se
hace colosal y glorificadora. La escultura abandona los cánones de equilibrio
y armonía clásicos, derivando a un expresionismo radical.

El conocimiento del arte griego.

El conocimiento sistemático del arte griego es un hecho reciente, a pesar
del enorme interés que ha despertado desde el Renacimiento y de que haya
sido considerado el *arte perfecto+, un ideal digno de imitación. Los
primeros estudios generales fueron los de Winckelmann y entonces se
acuñaron tópicos como el de la serenidad del arte griego (realmente sólo
aceptable para el siglo V aC). Sorprendieron los frisos del Partenón a su
llegada al Museo Británico en 1816, así como el descubrimiento de que las
esculturas de mármol se policromaran con colores chillones. Apenas queda
nada de la pintura (Polignoto, Zeuxis, Apeles) y sólo se puede hacer una
idea de ella a través de la cerámica pintada y de los mosaicos. También se
han perdido las estatuas de madera y quedan pocos restos de la
arquitectura arcaica. Pero quedan los restos de grandes conjuntos: las
ciudades de Atenas, Delos o Priene, los santuarios de Olimpia, Delfos,
Epidauro, Delos y Samotracia.

Los términos de lo “clásico”.

Tres conceptos deben ser precisados: arte clásico, clásico y clasicismo. El
arte clásico es el de Grecia y Roma antigua (en especial sus periodos más
“clásicos”), definido por el antropocentrismo (una arte hecho a la medida
del hombre) y la concepción racional del mundo. El concepto de clásico es
“obra que se tiene como modelo digno de imitación”; para algunos autores,
todos los estilos tienen una época clásica, y pueden considerarse clásicos
los periodos renacentista, barroco y neoclásico. La definición más usual de
clasicismo es: “corriente estética que identifica la belleza artística con la
observancia de ciertas leyes inviolables”.
Para muchos autores el arte clásico se debería limitar a los dos periodos
llamados “clásicos” de cada una de estas culturas, es decir los siglo V-IV aC
para la griega y el siglo I dC para la romana, extendiendo algo antes y
después esos ambiguos límites. Para otros, en cambio, es clásico “todo” el
arte griego y romano, desde sus orígenes (antecedentes en los artes
minoico, micénico y etrusco) como una sustancial unidad, pues todo él ha
servido como referente clásico al arte occidental. Así, el criterio más seguido
en los autores no es interno a las dos culturas estudiadas, sino externo: el
de su impacto sobre nosotros.

2. URBANISMO Y CONCEPCIÓN DEL ESPACIO.

La concepción del espacio.
El hombre griego siente el espacio como algo exterior. Por eso proyecta sus
edificios atendiendo a sabias combinaciones de puntos de vista que le
llevan, en ocasiones, a modificar medidas y apariencias. Para él, el espacio
es el lugar en el que se encuentran sus arquitecturas, que están pensadas
desde el exterior. Se trata en realidad de un espacio escultórico. Dicho de
otra forma, el griego es creador de volúmenes antes que de espacios.
El constructor griego estudia la escala, la dimensión comunitaria del edificio,
su funcionalidad, la relación con la topografía, las perspectivas que deben
ser favorecidas por la disposición de las otras construcciones. Si un edificio
no es simplemente una agregación de piedras, una ciudad no es una
agregación de edificios. La aportación decisiva es la concepción del espacio
urbano o espacio exterior a la edificación aislada; en Grecia nace el
urbanismo, con igual claridad que la ciencia, la filosofía o la historia.
A diferencia de la cultura egipcia, todos los edificios deben estar
proporcionados a la escala del hombre. Comienza esta escala por la
utilización de un material en piezas no excesivamente grandes (sillares), ya
que éstas repercuten inmediatamente en estructuras igualmente
desmesuradas. Por otra parte, no es sólo el espacio interno lo que preocupa
a los arquitectos, sino la concepción del edificio como parte de un conjunto.
Más que arquitectura, los griegos hacen urbanismo, no buscan la creación
de espacios interiores sino los valores plásticos, externos, de los edificios
dentro de un conjunto; así los propileos —accesos a santuarios y acrópolis
— cumplen una función fundamental en la creación de recintos solemnes.
Se estudian además todas las perspectivas, la relación con la naturaleza, la
topografía. La acrópolis ateniense constituye con el santuario de Delfos uno
de los dos ejemplos más notables de esta relación entre espacio natural y
espacio construido. En esta línea se procura la multiplicidad de puntos de
vista; el ascenso en Delfos hacia el templo de Apolo permite contemplar
diversas perspectivas, están previstas con todo cuidado.

Planificación de la polis.
En la Grecia clásica la configuración política del estado-ciudad requiere la
construcción de recintos urbanos, ya que la simple yuxtaposición de casas
sin un orden deliberado no podría satisfacer las funciones múltiples que se
piden a la ciudad. En tiempos históricos tres de estas funciones son las que
influyen en el nacimiento de la polis, la militar, la económica y la estética.
La extensión de las polis por todo el Mediterráneo durante la colonización
contribuye a suscitar una planificación y a que no se deje su crecimiento al
instinto.
La estructura de la polis.
El desarrollo de la vida ciudadana en el mundo griego estuvo determinado
por dos aspectos importantes: su carácter público y su organización
democrática, y en función de ello se estructuraba la ciudad, con una
acrópolis, un ágora y los barrios residenciales.

2.2. EVOLUCIÓN DEL URBANISMO.

PERIODO ARCAICO.
El urbanismo griego arcaico se evidencia en las nuevas colonias. Es
irregular: las ciudades crecen de un modo biológico, con calles estrechas, en
líneas quebradas o curvas. Los monumentos son escasos. Las casas son
pobres y pequeñas.

PERIODO CLÁSICO.
Sigue predominando el mismo urbanismo irregular, pero aparecen las
primeras planificaciones de ciudades de planta regular (posiblemente
iniciadas por Hipodamos de Mileto), ejemplificadas en las ciudades de Mileto
(480 aC) y El Pireo.

PERIODO HELENÍSTICO.
Surge una rica arquitectura civil: ágora (plaza pública), stoa (pórtico
columnado), gimnasio (con palestra), estadio, biblioteca, buleuterion,
heroon (tumba circular)... Progresa el urbanismo con muchas nuevas
ciudades (Alejandría) de proporciones enormes y de planta regular, que
sustituye a la arcaica planta irregular. Abundan las grandes casas privadas
(como pequeños palacios) para la burguesía. Se construyen grandes
conjuntos monumentales: el santuario de Asclepio en la isla de Cos o la
Acrópolis de Pérgamo.

3. ARQUITECTURA.
3.1. CARACTERÍSTICAS.
Notas definitorias de la arquitectura griega (y que en gran parte comparte
con el arte) son las siguientes:
- Medida humana. Son edificios (incluso los templos) a escala humana.
- Proporción, armonía y simetría, de acuerdo con su ideal de belleza.
- Calidad técnica, garantizada por la repetición con ligeras variantes de unos
tipos de edificios, de modo que se transforman en modelos constantemente
perfeccionados.
Por todo ello, la arquitectura griega se centra sobre todo en un tipo de
edificio, el templo y un único sistema arquitectónico, el adintelado (también
llamado trilítico o arquitrabado, y constituido por una losa de piedra
horizontal apoyada sobre dos soportes verticales). Buscaban una regla
objetiva en cada una de las artes, análoga a las leyes de la naturaleza, y
creían que el artista debía adecuarse a esta regla, aunque tenía libertad
para variar lo no reglado.

3.2. TEMPLO.
El templo es el edificio más importante, con la función de albergar la imagen
antropomórfica de Dios, no a la reunión (la eclesia) los fieles.
Sus orígenes están en el antiguo megarón micénico, de sala central rodeada
de columnas.
Su ubicación fue generalmente exterior a la ciudad, en las acrópolis o en los
santuarios (rodeados por la muralla o peribolo, con los edificios
desordenados sin un eje de simetría, como en Olimpia, Delfos y Delos).
Los materiales en los primeros templos fueron la madera y luego la piedra
(sobre todo el mármol, como el del Pentélico o el de Paros), con sillares bien
labrados, añadiendo policromía.
Su planta es sencilla, rectangular, con una sala central (cella o naos) para la
figura del dios; precedida por un pórtico delante (pronaos), donde su
colocaba el ara, para la celebración de los ritos en presencia de los fieles
congregados ante el templo.
- Puede haber un pórtico trasero (opistodomos) no comunicado con la cella,
cerrado para guardar los tesoros.
- Pronto se desarrolló alrededor del templo un pórtico columnado (peristilo),
que en la pronaos tenía pilastras (antas) a los extremos. En este pórtico
exterior se celebraban parte de las procesiones festivas de los fieles.
- Menos frecuentes fueron los templos de planta circular (tholos) con un
anillo de columnas.
- La cubierta es plana al interior y a doble vertiente por fuera. Está hecha de
madera y recubierta de tejas.
- Las cuatro fachadas se cuidaban por igual (salvo el frontón).
- El templo se eleva sobre gradas.
La tipología es variada. Además de la clasificación en órdenes
arquitectónicos, los criterios más usados son los del lugar de las columnas y
el número de éstas.
A) Según el lugar de las columnas:
- In antis (columnas entre las antas que sobresalen de la cella).
- Próstilo (columnas en la fachada menor).
- Anfipróstilo (columnas en ambas fachadas principales).
- Períptero (todo el templo rodeado de columnas; es el tipo más frecuente).
- Pseudoperíptero (columnas adosadas al muro de la cella interior).
- Díptero (rodeado por dos filas de columnas).
B) Según el número de columnas en los frentes menores:
- Dístilos (2).
- Tetrástilos (4).
- Hexástilos (6), que son los más frecuentes.
- Octástilos (8)... Generalmente son de número par y los ejemplos impares
son escasos y arcaicos.
La evolución formal es desde los arcaicos templos estrechos y largos hasta
los templos con una armónica relación de anchura y longitud, con una
proporción clásica ideal: el número de columnas en el lado mayor debía ser
el doble más una de las del frente menor, contando dos veces la del ángulo
(así, un templo octástilo debía tener 17 columnas en cada lado). También las
columnas se fueron distanciando.

ÓRDENES ARQUITECTÓNICOS.
El orden como relación entre los elementos: columna y
entablamento.
El orden es la relación entre los distintos elementos de la arquitectura
(columna y entablamento), según normas fijas.
El orden les permite a los griegos conocer un edificio-tipo y una técnica-tipo,
de modo que sólo tienen que repetir estos elementos sin necesidad de
inventar un edificio y una técnica en cada ocasión. De acuerdo a la forma de
articularse proporcionalmente estos elementos entre sí, distinguimos en la
arquitectura griega tres órdenes arquitectónicos: el dórico, el jónico y el
corintio, los que dieron nombre a otros tantos tipos de templo.
Todo orden consta de dos partes esenciales: una sustentante, constituida
por la columna, y otra sustentada, que es el entablamento, guardándose
entre ellas una estrecha relación proporcional.
El soporte principal es la columna (stylos), que define el sistema adintelado
de vigas horizontales, sereno y estable. Su variada relación con otros
elementos define los órdenes, de modo que la columna tiene un relevante
protagonismo como elemento constructivo y como determinante de las
tipologías arquitectónicas. La columna se articula en tres elementos: basa,
fuste y capitel. A veces, hay una decoración escultórica de los fustes de las
columnas con figuras, que se llaman cariátides si son femeninas y atlantes
si son masculinas.
El entablamento se articula en tres elementos: arquitrabe, friso y cornisa. En
los tres órdenes sobre la cornisa hay un frontón triangular, con el tímpano
interior destinado para la escultura y con los vértices decorados con
acróteras, motivos vegetales, monstruos y figuras humanas. Las gárgolas
(cabezas de animales) sobre el entablamento sirven como desagües.

La distinción entre los órdenes griegos y romanos.

La influencia de los órdenes griegos en el arte posterior es extraordinaria,
comenzando por el de Roma y llegando hasta nuestros días, pasando por el
renacentista.
Pero hay significativas diferencias. Lo que distingue a los órdenes para los
griegos y para los romanos es que para los griegos el interés se centra en la
forma y para los romanos en el espacio interior, para los griegos el orden es
un medio para predeterminar la estructura y para los romanos es una
decoración exterior, para los griegos es un modelo ideal (adaptable) y para
los romanos es un modelo mecánico (fijo).

Dórico.
Es el orden más antiguo, sobrio y severo, de proporciones más robustas.
Surge de la arquitectura prehelénica en madera, conservando aquella
organización de los elementos como carpintería petrificada. Se levanta
sobre un basamento con tres escalones (el superior es el estilóbato).
La columna carece de basa. El fuste estriado está formado por tambores
superpuestos de piedra, con unas acanaladuras (estrías) de arista viva, con
un diámetro que se adelgaza verticalmente, con un ensanchamiento
(éntasis) en el centro para corregir la perspectiva y que es más pronunciado
en los templos antiguos. El capitel tiene collarino (acanalado), equino
(almohadillado) y ábaco (dado achatado).
El entablamento está formado por: un arquitrabe liso, un friso (alternando
triglifos y metopas con relieves) y decorado con mútulas y gotas, y una
cornisa volada.

Jónico.
Más esbelto y elegante, tiene su origen en Jonia, como resultado de la fusión
de elementos de tradición egea y asiática, apareciendo algo más tarde que
el dórico, en el siglo VI aC.
La columna es más esbelta que la dórica y tiene en su base una basa con
unas molduras (plinto) entre el fuste y el estilóbato. El fuste es estriado, con
un adelgazamiento sin éntasis. El capitel es más complicado, con un
collarino de perlas y un equino decorado con dos volutas laterales en
espiral, más flechas y ovas y un ábaco.
El entablamento está formado por un arquitrabe que está dividido en tres
bandas, un friso corrido con relieves y una cornisa volada decorada con
dentículos y una moldura de flechas y ovas.

Corintio.
Es el más evolucionado y posterior pues aparece en el último cuarto del
siglo IV aC y se desarrolla sobre todo ya en época helenística, para alcanzar
el rango de orden diferenciado sólo en el siglo II aC. Deriva del orden jónico.
Los griegos lo aplicaron sólo a pequeñas construcciones (Linterna de
Lisicrates), porque su finalidad era decorativa, pero en cambio es el orden
más usado en Roma. La decoración del capitel corintio sería así el modelo
más repetido en la arquitectura occidental.
Se distingue por la rica forma del capitel, con al menos dos filas de hojas de
acanto superpuestas de las que arrancan dos tallos enroscados en espiral
(caulículos), formando volutas en los ángulos bajo el ábaco. En época tardía
se añadieron más filas de hojas.

3.3. PERIODOS.
Se distinguen en arquitectura tres periodos: Arcaico (siglos VII-VI), Clásico
(siglos V-IV), Helenístico (siglos III-I aC). El Prearcaico no tiene una
representación apreciable en arquitectura.

ARCAICO (siglos VII-VI).

Características.
- Predominio del dórico, con algunos templos jónicos.
- Proporción poco definida, templos largos y estrechos, columnas muy
próximas con pronunciada éntasis.

Evolución.
Con el auge de la polis comienza el gran arte griego, en el siglo VI,
especialmente en la arquitectura. Los tiranos impulsan las construcciones,
ya consolidados los estilos dórico y jónico. El origen del templo es el
megarón micénico, pero los eslabones de su evolución han sido destruidos
por la endeblez de sus materiales: madera y adobe (hasta esa época).
Destacan los templos dóricos arcaicos (siglo VII) de Hera en Olimpia y de
Apolo en Termos, hechos en madera y barro, cuyas columnas de madera
fueron sustituidas progresivamente por otras de piedra. Ya del siglo VI son
los templos dóricos I de Hera en Paestum, de Apolo en Corinto y el enorme
templo jónico de Artemisa en Efeso.
Al final comienzan a construirse los tesoros (pequeños y sencillos templos)
en los santuarios, con pequeña cella y pórtico dístilo in antis, para servir de
ofrendas a los dioses. Destacan los Tesoros en Delfos: de los Sifnios y de los
Atenienses.

CLÁSICO (siglos V-IV).

Características.
- Es la época de apogeo del arte griego, centrado en el programa de
construcciones en la Acrópolis de la Atenas imperial de Pericles, tras la
destrucción de los templos en el 480 aC por los persas.
- La sobriedad dórica se contrapone a la riqueza jónica, aunque su
distribución no sigue pautas geográficas y así en la jónica Atenas se edifica
el dórico Partenón y el jónico Erecteion.

Evolución.
Se diferencian una primera fase (480-450), una segunda fase (450-400) y
una tercera fase (400-323).
1) Primera fase (480-450).
La primera fase es de rápidos avances, aunque nos han quedado pocas
obras debido a las destrucciones de monumentos. Fuera de Atenas destaca
el templo dórico de Afaia (isla de Egina), con cella de dos pisos.

2) Segunda fase (450-400): la Acrópolis de Atenas.

Las obras máximas son de principios de la segunda fase clásica (450-400) y
radican en Atenas.
Propileos (437-432), por Mnesicles. Eran la entrada monumental (por el
camino de las Panateneas) al recinto sagrado. Tiene un doble pórtico
rectangular (interior y externo). Los pórticos son dóricos hexástilos con seis
columnas jónicas perpendicularmente dispuestas en el centro. Con dos alas
rectangulares y dos edificios a los lados (pinacoteca y biblioteca).
Templo de Atenea Nike (420), por Calícrates. Al otro lado de la entrada, es
un templo pequeño, obra maestra del orden jónico, anfipróstilo y tetrástilo,
con excelente friso.
El Partenón (447-432), por Ictino, Calícrates y el escultor Fidias. Es una obra
cumbre de la arquitectura universal, en su monumentalidad y serenidad.
Sus dimensiones son grandes: 69,54 x 30,87 x 10,43 metros. La cella con
tres naves está rodeada de un peristilo dórico, octástilo y períptero (8 por 17
columnas). El opistodomos (para el tesoro) es un cuadrado con cuatro
columnas jónicas. Albergaba en la pronaos la estatua de Atenea Partenos.
La perspectiva era oblicua desde los Propileos por lo que se hicieron
correcciones (comba, éntasis, grosor distinto de las columnas) para evitar
las deformaciones de la vista. Cuenta con una decoración escultórica,
originalmente policromada, de Fidias, de obra maestra de la época.
El Erecteion (421-407), de Mnesicles, es un templo jónico en dos niveles,
con tres pórticos, destacando el de las Cariátides, cuyos fustes son figuras
femeninas. Hacia el E la cella de Atenea tiene un pórtico jónico hexástilo.
Hacia el Oeste hay tres cámaras (destinadas a Erecteo, Poseidón y
Cécrope). El pórtico Norte es más bajo y de estilo jónico. El pórtico Sur es el
de las Cariátides, que tiene fustes de figuras femeninas, que representan a
las hijas del mítico rey Erecteo, el primero de Atenas, que perecieron
trágicamente.
Fuera de Atenas, en esta segunda fase tenemos dos templos, el de Zeus en
Olimpia y el de Apolo en Bassae.

3) Tercera fase (400-323).

En esta fase, con el desastre de la guerra del Peloponeso acaba la
hegemonía de Atenas y nacen nuevos rasgos de la arquitectura clásica:
predominio del orden jónico, monumentalidad, menos severidad. Hay una
nueva tipología:
El tholos, un pequeño templo circular con doble anillo de distintos órdenes,
en Delfos, Epidauro, Olimpia.
El teatro, de marcado carácter didáctico, y donde el mito se hizo tragedia,
era una estructura excavada que se apoya sobre un colina, en que las
gradas aprovechan una pendiente del suelo. Tiene una vista abierta al fondo
de la scena y excelente acústica. Cuenta con una orchestra circular para el
coro, koilon (cavea o graderío) circular o elíptico escalonado para los
espectadores (dividido en pasillos verticales y uno horizontal) y scena para
los actores. Destaca el teatro de Epidauro.
Los monumentos funerarios, como el sepulcro de las Nereidas (Asia Menor,
425) y el Mausoleo de Halicarnaso (352), de unos 50 metros de altura, en el
que sobre un podio rectangular, con extraordinaria decoración escultórica,
había un templete jónico períptero coronado con una pirámide escalonada.

HELENÍSTICO (siglos III-I aC).

Características.
Colosalismo, suntuosidad, predominio del orden corintio, decorativismo,
utilitarismo, libertad y variedad formal.
El arte helenístico se difunde a nuevos centros, en Alejandría, Pérgamo,
Antioquía... La decoración adquiere autonomía respecto a los elementos y la
función de la arquitectura.

Evolución.
No puede señalarse con propiedad una evolución en fases, porque hay una
cierta homogeneidad estilística durante todo el periodo y las distinciones
son más bien locales. Pero sí se pueden señalar que aumentará un
experimentalismo que se aleja del naturalismo, junto a la progresiva ruptura
de la unidad y racionalidad clásica.
El momento inicial es la muerte de Alejandro en 323 aC y el final es incierto,
pues se confunde con el arte romano mucho después de la conquista
romana. A partir del siglo I aC no se producen novedades ni obras maestras,
aunque abunden obras helenísticas incluso en el siglo III dC. Destacan varias
obras: el templo de Olimpeion en Atenas, el templo de Apolo en Dídimo, el
altar de Zeus en Pérgamo y el Faro de Alejandría.

4. ESCULTURA.
4.1. CARACTERÍSTICAS.
La estética está dominada por el antropocentrismo (el hombre como medida
de todas las cosas). Hay una evolución desde un arte abstracto al realismo
con unos modelos ideales, en un naturalismo idealizado. Se gana
progresivamente en expresividad y dinamismo.
Se usan materiales diversos: madera, piedra y mármol, bronce con
procedimiento a la cera perdida y de fundición.
La policromía era normal (salvo bronce), aunque se ha perdido casi por
completo y la imagen que tenemos es de una escultura blanca.
Destacan seis grandes artistas: Mirón, Policleto, Fidias, Scopas, Praxíteles y
Lisipo. Los artistas firman las obras, gracias a su creciente valoración social.

4.2. PERIODOS.
ARCAICO (siglos VII-VI).
Características.
La figura humana centró el interés del artista griego desde el periodo
arcaico, y el escultor en particular atendió a sus formas anatómicas como
organismo vivo y a la relación proporcional entre sus partes como ideal y
fundamento de belleza, en busca de la expresión de un idealismo que
trasciende lo sensitivo. El kouros y la koré, prototipos escultóricos arcaicos,
son el producto de la rápida evolución experimentada por la escultura hasta
el siglo VII aC y que, sometidos aún a la ley de la frontalidad, ponen de
manifiesto la influencia oriental y egipcia.

Evolución:
Se pueden distinguir dos fases: Primera fase (700-600). Segunda fase (600-
500).
1) Primera fase (700-600): pequeñas dimensiones.
En la primera fase la escultura es de pequeñas dimensiones, en metal,
marfil o madera. Las primeras obras (xóanas), en madera, eran exvotos con
reliquias de los héroes y sólo se conocen por la literatura. Hay varias
escuelas en Grecia, en las islas de Creta y las Cícladas.

2) Segunda fase (600-480): la gran escultura del kouros y la koré.

En la segunda fase aparece la gran escultura monumental, con materiales
de mármol o bronce, en parte para la decoración exterior de los templos. El
bronce se utilizó con la técnica de la cera perdida (la mayoría de sus piezas
se han perdido). Atenas nos ha legado la mayoría de las obras. La mayor
parte de las esculturas siguen dos modelos: el atleta desnudo (kouros) y la
muchacha vestida (koré), al principio todos de cuerpo entero, rigidez,
inmovilidad, frontalidad, desproporción, geometrización y sonrisa arcaica.
El kouros es un atleta desnudo y erguido, adelantando la pierna izquierda,
con carácter frontal, con la “sonrisa arcaica” del Kouros de Sunion. Su
madurez comienza en el 600, con los gemelos Cléobis y Bitón, del Museo de
Delfos, o los de Sunion, evolucionando hacia un mayor realismo y una
frontalidad menos rígida, con el Moscóforo (560) y el Jinete Rampin. Hacia el
500 aumenta el vigor y la elasticidad: Apolo Strangford.
El tipo de la koré es ático, con la serie del santuario de la Acrópolis,
desgraciadamente destruido por los persas en 480, pero cuyos restos
arquitectónicos y escultóricos fueron hallados enterrados en la misma
ciudadela.
El tema de los animales, poco tratado, da obras maestras desde el 600:
caballos, leones y terneros como el que porta el Moscóforo.
La escultura monumental se aplica a la arquitectura, en tímpanos, metopas
y frisos, primero poniendo figuras de distinto tamaño y luego con una
adaptación de las posturas de las figuras a la forma arquitectónica
(triangular por lo común).

PERIODO CLÁSICO (siglos V-IV).

Características.
Es la etapa de plenitud, con avances constantes hacia el naturalismo
idealizado o realista; la proporción, la armonía y la simetría; la perfección
técnica.
Se trata de plasmar la belleza ideal, con un naturalismo idealizado, sin
hieratismo. El canon es la representación ideal (sin defectos).
El tema principal es el cuerpo humano, con variantes de joven, hombre
maduro, barbudo, mujer joven, mujer madura, lo que rompe la dicotomía
prearcaica del kouros y la koré. Hay rasgos “clásicos”: la nariz prolonga la
línea de la frente, no hay retinas (se coloreaban)...
Evolución.
Hay tres fases: Primera fase (480-450), Segunda fase (450-400), Tercera
fase (400-323).
1) Primera fase (480-450).
El comienzo del siglo V (500-480) es considerado como una etapa de
transición entre el arcaico y el clásico.
Tras la victoria sobre los persas (480) hay una explosión artística, con
múltiples demandas de arte para los templos que deben ser levantados o
reconstruidos. Se produce el abandono paulatino de la rigidez primitiva en
busca de unas proporciones ideales que tomarán como módulo la cabeza,
de una flexibilidad en el movimiento y la expresión, y en los ropajes
femeninos una gran finura y transparencia de los pliegues.
De escultores anónimos de la primera mitad del siglo V son, en bronce,
el Auriga de Delfos y el Poseidón del cabo Artemision; en mármol,
los Tiranicidas y los relieves de los tronos Ludovisi y de Boston, en los que
hay aún un hieratismo solemne y sereno. Los guerreros de Riace, en bronce,
del siglo V, son de atlética perfección clásica. En el templo dórico de Afaya
en la isla de Egina, hay un conjunto de esculturas de figuras humanas en los
frontones, de un naturalismo idealizado (que será común en todo el periodo
clásico), como en los frontones del templo de Zeus en Olimpia.

2) Segunda fase (450-400): Mirón, Policleto, Fidias.

La segunda fase es la más importante, la clásica por antonomasia, también
conocida como la época de Pericles (aunque propiamente esta fue en 450-
430), en que la teoría y la práctica se conjugan a través del dinamismo, la
proporcionalidad y el idealismo. En esta fase aparecen los grandes maestros
Mirón, Policleto y Fidias.

Mirón.
Mirón es un broncista, autor del Discóbolo, conocido por infinidad de copias,
en el que capta el movimiento instantáneo, con una suprema armonía del
cuerpo humano.

Policleto.
Policleto es un broncista de Argos. Publicó el Canon, sobre la proporción
ideal del cuerpo humano (la cabeza como 1/7 del cuerpo): “La perfección
únicamente se alcanza a través de muchos números”. El Doríforo (440),
portador de lanza, es su obra maestra, en postura “clásica”
(en contrapposto, con el peso del cuerpo sobre una pierna, doblada la otra
hacia atrás, lo que da una sensación de movimiento que es novedosa),
equilibrada, austera, realista. Obra parecida es el Diadumeno (430).
Fidias.
Fidias ()480-431?) es el gran escultor de los dioses. Destaca por la serenidad
y monumentalidad, junto a la austeridad, realismo anatómico, “paños
mojados” (que muestran ceñidas por la ropa las formas del cuerpo),
movimiento, belleza extrema...
Entre sus obras destacan la extraordinaria obra escultórica del Partenón,
con 92 metopas del friso exterior con un ciclo bélico
(Gigantomaquia, Amazonomaquia, Centauromaquia y Guerra de Troya, con
dos o tres figuras en cada recuadro, valorando el vacío, con movimiento
sereno), el friso interior de la ceremonia de las Panateneas (con sensación
de profundidad), las esculturas de los frontones (oriental con el nacimiento
de Atenea y occidental con la lucha de Atenea y Poseidón por el dominio del
Ática, con composiciones adaptadas a los triángulos).
Al final de su vida trabajó en el templo de Zeus en Olimpia y también
esculpió las estatuas gigantescas de Atenea Parthénos y Atenea
Prómachos en la Acrópolis y de Zeus en Olimpia.
En Atenas también trabajan otros notables escultores, como Calamis y
Alcamenes de Atenas (las Cariátides del Erecteion), y Agoracrito de Paros,
que son discípulos de Fidias, Crésilas de Creta (Pericles), y Calímaco
(escultor y pintor, y homónimo del gran poeta).

3) Tercera fase (400-323): Praxíteles, Scopas, Lisipo.

El siglo IV es una fase de más naturalismo realista (en detrimento del
idealismo), más sensual y de proporciones más estilizadas (el canon se
estiliza), con los temas de los dioses y los atletas mostrados en la
cotidianeidad y con la aparición del desnudo femenino.

Praxíteles.
Praxíteles se define por su belleza y elegancia, un refinamiento sensual, con
la “curva praxiteliana” (mayor inclinación de la cadera), en el Hermes con
Dionisio niño de Olimpia, y, sobre todo, con el primer desnudo femenino,
la Afrodita de Cnido, que será el modelo más famoso e imitado de belleza
femenina, con formas plenas, suave modelado y curva praxiteliana. Destaca
también el melancólico rostro de Psiquis.

Scopas.
Scopas adorna el Mausoleo de Halicarnaso con esculturas de gran
movimiento y patetismo. Es un maestro del “pathos”, de la pasión, del dolor
y la melancolía (abandonando la serenidad anterior), con la cabeza
de Meleagro, la Bacante herida, plena de movimiento frenético y la Deméter
de Cnido.
Lisipo.
Lisipo es un broncista prolífico, que acentúa el naturalismo y la
cotidianeidad, siendo un puente hacia el periodo helenístico (Charbonneaux
lo clasifica como tal). Aumenta el canon a 1/8 respecto al cuerpo, más
esbelto, en el Apoxiomeno (atleta limpiándose con un estrígilo), sin
frontalidad, con un brazo en escorzo, con extraordinario verismo, “tal como
se ven” y “no como son”. Es el primer retratista conocido, con su famoso
(aunque desaparecido) retrato de Alejandro que sirvió de modelo para
muchas reproducciones.

HELENÍSTICO (siglos III-I aC).

Características.
La escultura helenística parte de la tendencia realista anterior, sobre todo
de Praxíteles y Scopas, extremándolas en un proceso experimental de
“barroquización”. Los artistas abandonan el idealismo, la unidad y
racionalidad, el sentido de la medida, la simplicidad y la serenidad clásicas.
Se busca el realismo expresionista que se inspira en la violencia, la lucha y
el drama, para lo que se acentúa el naturalismo, movimiento, patetismo,
expresividad, claroscuro, monumentalidad, la complejidad de los grupos
escultóricos.
Hay nuevos temas o son más frecuentes las representaciones de la vida
cotidiana (niños, viejos, artesanos), retratos realistas (Demóstenes, Séneca),
temas infantiles con gran encanto (Espinario, Niño de la Oca, Eros y Psiquis),
desnudos femeninos (Venus de Milo, plena de naturalidad, elegancia,
serenidad y leve movimiento).

Evolución: las escuelas de Alejandría, Pérgamo y Rodas.

Las escuelas principales son tres, con una constante relación entre ellas y
una constante tendencia a aumentar el realismo (en parte, tal vez, para
satisfacer el gusto de la clientela romana) y la expresividad. Las similitudes
hacen que a veces sea difícil concretar la escuela de una obra.

Escuela de Alejandría.
Alejandría es la escuela principal, con la dinastía de los Ptolemos. Se
producen temas de género, bronces de escenas callejeras, alegorías (el Dios
del río Nilo, personificado en un hombre maduro, barbado, recostado,
rodeado de símbolos de la fertilidad).

Escuela de Pérgamo.
La escuela de Pérgamo prospera bajo la dinastía de los Atálidas, con temas
sublimes, heroicos, en grandes conjuntos (altorrelieves de
la Gigantomaquia en el Altar de Zeus, con extrema violencia y movimiento)
y obras de patetismo y romanticismo (Galo moribundo, en la que el vencido
es ensalzado por su valor).

Escuela de Rodas.
La escuela de Rodas, en una rica república comercial, sigue las tendencias
de la escuela de Pérgamo, con características de colosalismo y un
movimiento contorsionado que expresa el dolor. Destacan la Victoria de
Samotracia y los grupos del Toro Farnesio y del Laocoonte.

5. PINTURA.
5.1. CARACTERÍSTICAS.
No tenemos prácticamente obras de la pintura griega (su material era la
tabla pintada) pero tenemos abundantes testimonios literarios y ejemplos
de su influencia (cerámica pintada, frescos de Pompeya y Herculano,
mosaicos), para conocer los temas y métodos de composición, lo que nos
permite concluir que fue el arte principal tras la arquitectura.
Se cultivó en la época clásica y helenística el naturalismo y el realismo, con
el uso de la perspectiva empírica (fines del siglo VI) hasta conseguir la
perspectiva matemática en la representación del espacio (comienzos del
siglo IV), con el dominio del claroscuro, las sombras, la pintura tonal, y una
variada iconografía mitológica, histórica y cotidiana. Influyó decisivamente
sobre la escultura griega, y en la escultura y la pintura romanas (las grandes
pinacotecas de los templos).
La gran pintura se hizo sobre caballete y se hicieron copias para los frescos,
mosaicos y la cerámica pintada.

5.2. PERIODOS.
PERIODO ARCAICO (siglo VII).
Del periodo arcaico sólo tenemos los nombres y las obras de los pintores de
la cerámica pintada, y suponemos que siguió sus mismas pautas,
evolucionando de las figuras negras a las figuras rojas.

PERIODO CLÁSICO (siglos V-IV).

En el periodo clásico las características son la policromía y el dibujo lineal, y
domina el tema humano. Se distinguen tres fases:
1) En la primera fase (480-450) destaca un grupo de pintores: Polignoto,
Panaios, Micón y Onosias.
2) En la segunda fase (450-400) los grandes pintores fueron Parrasio,
Zeuxis, Apolodoro y Calímaco.
3) En la tercera fase (400-323) hay un mayor realismo. El pintor Apeles (la
cumbre de la pintura clásica griega) retrata del natural a Alejandro,
cerrando emblemáticamente este periodo clásico, uniendo naturalismo,
movimiento y expresividad.

PERIODO HELENÍSTICO (siglos III-I aC).

En el periodo helenístico se sufre una clara decadencia en la producción, al
preferirse el mosaico para la decoración de las casas, aunque tenemos los
ejemplos de los frescos de Pompeya y Herculano.
El tema del hombre que había dominado el periodo clásico se enriquece con
el paisaje, la decoración, el realismo, la expresividad y el ilusionismo.
Al final (150-50) casi desaparece la pintura de caballete y domina la técnica
del fresco, con copias de las grandes obras de la pintura.

6. CERÁMICA.
6.1. CARACTERÍSTICAS.
La cerámica nos interesa como arte por varios motivos estéticos: la forma,
el dibujo y el color, la temática.
Las características de la cerámica griega son:
- Numerosas formas en función de la finalidad: cántaros, cráteras, esquifos,
platos, pixis...
- Extraordinaria variedad de temas decorativos: mitos, historia, juegos
atléticos, vida cotidiana, con letreros explicativos.
- Importancia de los autores, tanto ceramistas como pintores, que
acostumbran firmar las obras.

6.2. PERIODOS.
PERIODO PREARCAICO (siglos IX-VIII).
Las invasiones dóricas rompieron con la etapa anterior, con pocos
elementos de continuidad, evidentes en la cerámica.
Primero, como enlaces con los antecedentes micénicos, minoicos y
asiáticos, hay dos etapas, datadas en Atenas: submicénica (1100 a 1050) y
protogeométrica (1050 a 900).

Geométrica (900-750).
Aparece luego la extraordinaria cerámica geométrica (900 a 750), que se
extiende por todo el mundo griego, desde Chipre a Italia. Los hallazgos del
cementerio de Dipylon en Atenas le ha dado también el nombre de cerámica
de Dipylon. Tiene una función funeraria y la técnica es excepcional, con
ánforas y cráteras de gran tamaño, hasta de 1,5 metros de altura. La
decoración pintada es de bandas horizontales en cenefas con motivos
geométricos (puntos, líneas paralelas, triángulos, círculos, rombos,
espirales...), e incluso las figuras humanas y de animales están
esquematizadas según pautas geométricas, sin perspectiva ni proporción.
La composición es rigurosa y repetitiva en serie.

Orientalizante (750-650).
Luego hay una fase orientalizante (750-650), a partir de las ciudades jónicas
de Asia Menor. Se difunde la decoración de seres exóticos y fabulosos:
esfinges, grifos y gorgonas, y de plantas: loto, papiro y frisos de palmas.
Destaca Corinto, por su calidad y por sus exportaciones, desde la fase
protocorintia (750 a 640). Se pintaron franjas horizontales con los motivos
fantásticos (en siluetas). El arte griego se extiende por Sicilia e Italia, con la
colonización y el comercio.

PERIODO ARCAICO (siglos VII-VI).

En resumen, el periodo arcaico estuvo caracterizado en el siglo VII por un
estilo geométrico y esquemático, seguido en el siglo VI de una decoración
de figuras negras sobre fondo rojo. Hacia 530 se invierten los valores
cromáticos: las figuras rojas se disponen sobre fondo negro.

Fase geométrica-esquemática (650-600).

En esta fase hay una vuelta a la composición geométrica, con motivos
esquemáticos. La producción es poco importante.

Fase de las figuras negras (600-530).

Con el auge de la polis comienza el gran periodo artístico, con el auge de la
cerámica de figuras negras con narratividad y más figuras humanas. Hay
grandes centros: Corinto, Esparta, Rodas, Caere (Etruria).
A finales del siglo VI Atenas se convierte en el gran centro, monopolizando
las exportaciones. Al principio predominaban los temas en bandas, como los
temas épicos de la Iliada en el Vaso François (570). Aparece luego un estilo
más libre con una sola escena para toda la superficie, siendo esencial la
tarea del pintor (en muchos casos con su misma firma), con temas humanos
que serán los temas únicos al final del periodo. Destaca Exekias, c. 550,
con Aquiles y Ajax jugando a los dados y Dionisos en un barco.
Fase de las figuras rojas (530-500).
La técnica de figuras rojas invierte la policromía anterior. No se pintan, salvo
el dibujo, las figuras, que tienen el color rojo de la arcilla, y se pinta de
negro el fondo. Aparece c. 530. Esta técnica permite aumentar mucho el
detallismo, naturalismo, expresividad, perspectiva y movimiento.

PERIODO CLÁSICO (siglos V-IV).

El periodo clásico, como en la pintura, se caracteriza por la policromía y el
dibujo lineal.
La cerámica policromada es cada vez más rica en colores.
El dibujo lineal tiene bellos y estrechos lekytos blancos funerarios (“Pintor de
Aquiles”), que pervivirán hasta el helenismo.
Hacia el 450 se gana en libertad formal (influjo de la pintura), hasta llegar a
grandes escenas llenas de movimiento y al expresionismo (420-380).
Pero al mismo tiempo hay una progresiva decadencia pues los mejores
pintores se dedicarán crecientemente a la pintura de caballete y abandonan
la cerámica (como hizo Polignoto, que firmó vasos antes de dedicarse a la
gran pintura hacia el 450).

PERIODO HELENÍSTICO (III-I).

Desaparece la cerámica pintada, con el final de las pinturas rojas áticas, que
se producen hasta el final del siglo IV aC. En cambio, aparece la decoración
con relieves (como las sítulas etruscas) y el hiperdecorativismo. Los grandes
centros están en Sicilia y sur de Italia.

7. ARTES MENORES.
En el periodo arcaico eran muy apreciados los marfiles (las pequeñas figuras
del templo de Artemisa en Efeso) y la orfebrería.
Del periodo clásico tenemos pocos restos, aunque sabemos que destacaron
la orfebrería, la joyería y los marfiles.
En el periodo helenístico la influencia de los botines tomados en Asia
cambia el gusto hacia las artes menores, de las que tenemos muchos restos
en este periodo. Se toman modelos orientales y se desarrollan con
extraordinario lujo la orfebrería, la joyería, la glíptica (sellos) y las pequeñas
esculturas de terracota que abundan para un público creciente en número y
riqueza, aunque es muy difícil distinguir el arte helenístico del romano en
estos casos. Los mosaicos helenísticos siguen el estilo de la pintura de la
época y dan paso al mosaico romano.

II. ROMA
INTRODUCCIÓN.
Un resumen.
El arte romano es estrictamente deudor del arte griego. Si exceptuamos la
extraordinaria capacidad de los romanos para las construcciones públicas,
tanto la arquitectura como las artes plásticas de la antigua Roma, en el
periodo republicano y en el imperial, se nutren básicamente de los
precedentes griegos, aunque hay otras influencias, como las etruscas. Hasta
el fin del imperio romano (siglo V dC), sea a través de las obras de los
artistas griegos, sea por la imitación de estos, permanece inalterada la
concepción estética, esencialmente humanista y antropomórfica,
establecida por el arte helénico.

Características generales.
- Apareció de repente, hacia los siglos III y II aC, por la rápida transformación
de la sociedad republicana y la influencia del arte helenístico, sin un proceso
interno de maduración.
- Se extendió por un inmenso territorio, sobre todo en el siglo II dC, cuando
el Imperio Romano alcanzó sus máximos límites. Esto implicó una gran
homogeneidad y una numerosa clientela, lo que explica la producción en
serie de obras de arte.
- Es un arte que sigue el modelo griego, pero sin su extraordinaria
creatividad estética.
- Es un arte funcional, que busca sobre todo la utilidad.
- Cada arte tendrá su estilo: La arquitectura es funcionalista y por ello
destaca su variedad tipológica: templos, palacios, circos, anfiteatros,
teatros, bibliotecas, termas, acueductos, arcos triunfales... La escultura es
realista (retrato). La pintura es ilusionista.
- A partir de la época republicana y, sobre todo, de la imperial, el arte
romano representa la culminación del proceso evolutivo de las culturas
urbanas mediterráneas, dando origen a un arte específicamente sincrético,
como elemento de decoro, que encuentra su marco en la ciudad.
- Está muy relacionado con la política, de modo que los cambios en la forma
de gobierno en la capital, Roma, influyen profundamente en el arte: hay una
gran diferencia entre el arte republicano (más austero y sencillo), y el arte
imperial (más lujoso y monumental).

Las influencias de las culturas del Mediterráneo.

El arte romano está muy vinculado al desarrollo de la Historia de Roma,
desde su origen hasta la expansión por Italia y el Mediterráneo, adaptando
las sucesivas influencias del arte itálico, etrusco, griego, púnico y oriental.
Fue un proceso de cambio permanente, a través de modificaciones en el
gusto artístico de las clases dominantes, al mismo tiempo que los contactos
comerciales y las conquistas militares.
En una sociedad en la que priman los objetivos militares, el arte fue
considerado al principio como ocupación impropia del ciudadano romano, en
cuanto que trabajo servil, apropiado para las poblaciones conquistadas. Se
limitó, pues, durante mucho tiempo, a la importación de obras de arte,
producto del expolio, como botín arrebatado a sus enemigos —los etruscos
del norte y los helenos de la Magna Grecia—, hasta que dominada la
península italiana, se lanzó a la conquista del Mediterráneo.
La influencia etrusca perdura hasta la última época de la República, cuando
entre la conquista de Siracusa (-212) y la de Corinto (-146) llegaron muchas
obras de arte griego y helenístico, a los templos y las colecciones de la
aristocracia, difundiendo un estilo ecléctico. Pero sería un error creer que el
arte romano es una imitación, ni siquiera una prolongación del arte griego,
como tampoco el hombre romano es una imitación del hombre griego.
Tras un período de adaptación y maduración vemos aparecer ya en el siglo I
aC un arte romano genuino.
Pero esta autonomía no será igual en todas las manifestaciones, así
mientras es muy temprana en arquitectura y pintura no lo será tanto en la
escultura, excepción hecha de los retratos.
Las causas de esta diferencia estriban en que cuando se producen
importaciones masivas de arte griego no puede hacerse de arquitecturas
completas, a no ser de fragmentos, tales como columnas o pedestales.
Tampoco pueden importarse pinturas, ya que éstas suelen estar pintadas al
fresco, es decir, sobre el propio muro. De este modo solo se llevan
esculturas, vasijas, bronces, útiles y objetos de adorno. Por otra parte la
organización urbana, social y religiosa exige nuevos planteamientos
arquitectónicos y constructivos desconocidos por los griegos. Todo ello
explica la escasa dependencia de la arquitectura latina respecto a la
helénica.

Los grandes periodos.

Distinguimos varios periodos: monárquico/etrusco, republicano, imperial,
tardorromano.
- El etrusco (siglos VIII-VI) es muy funcional, centrado en unas pocas
construcciones y en las artes menores.
- El republicano (siglos V-I aC) es austero y sencillo. Su gran momento de
expansión comienza a finales del siglo III y en el siglo II aC, cuando se vence
a Cartago y se obtienen enormes botines en el Mediterráneo. Se centra en
Roma y sus alrededores, con edificios civiles y religiosos (de los que pocos
han sobrevivido). Destaca la escultura realista.
- El imperial (I-II dC) es lujoso y monumental. Alcanza su máxima extensión,
con una gran homogeneidad de estilo. Los emperadores promueven un arte
de propaganda del nuevo poder y lo difunden por las provincias. Es el arte
“clásico”, con una gran calidad en el urbanismo, la arquitectura y el retrato
realista.
- El tardorromano (III-V dC) es de técnica decadente y crecientemente
monumental. Finalmente, la crisis del arte romano, desde c. 180 (al final del
imperio de Marco Aurelio), produce el arte tardorromano, caracterizado por
reflejar la angustia existencial de una época crítica, por el progresivo
antinaturalismo y por la convivencia de un arte plebeyo y uno cortesano
(áulico al servicio de la imagen imperial). Apenas se construyen nuevas
ciudades ni edificios monumentales; la escultura pierde su carácter realista
y se desvanece la tradición helenística. Sólo se mantiene la gran calidad del
mosaico, sobre todo en el siglo IV. Este proceso coincide con una grave crisis
política, económica, social, cultural y religiosa, dando paso al poder de las
provincias, a la civilización tardorromana y finalmente al cristianismo, con su
arte paleocristiano, el arte bizantino y el arte bárbaro.

2. URBANISMO Y CONCEPCIÓN DEL ESPACIO.

2.1. CARACTERÍSTICAS.
La concepción del espacio: el espacio interior.
Si el griego es creador de volúmenes antes que de espacios, el romano
concibe el espacio como algo interno, como algo en lo que él se siente
inmerso.

Evolución del urbanismo: del irregular al regular.

Las primeras comunidades itálicas tenían, naturalmente, carácter agrario y
por ello sus primeras ciudades se pliegan a la orografía sin un plan
determinado. Es un urbanismo irregular. En el caso de Roma se origina así
un entramado de calles que resisten mal las necesidades de una ciudad
cada vez más grande, a medida que muchos campesinos sin tierras,
comerciantes, artesanos, etc., llegan a la ciudad, atraídos por su poder y su
enorme mercado. Al mismo tiempo, los miembros de la nueva aristocracia
se enriquecen, en su mayor parte, en Oriente y se familiarizan con los
sistemas capitalistas que caracterizan el mundo helenístico. La civilización
agraria romana se convierte así en una civilización urbana que sigue un
sistema capitalista y genera el ensanchamiento de las ciudades; Roma y
otras ciudades inicialmente agrícolas como Alejandria, Antioquía, Éfeso,
Lyon... crecen sin un trazado lógico.
El mejor ejemplo es Roma, una inmensa ciudad irregular que se
monumentaliza en el Imperio, pero sin que se pueda planificar su
crecimiento ni solucionar sus enormes problemas de tráfico, ruido,
incendios, alcantarillado, residuos...
Por contra, en las ciudades nuevas se emplea el modelo regular. Los
romanos adoptan el sistema de cuadrícula que ya había impuesto
Hipodamos en Grecia en el siglo V aC, porque ofrece soluciones rápidas y
claras en las nuevas urbes. Este sistema es mucho más notorio en aquellas
ciudades originadas en un campamento militar, pues así se podían mover
con la misma celeridad en cualquier dirección. La adopción de esa
organización en las ciudades es sin duda la aportación más importante de
los romanos al urbanismo.

Planificación de la nueva ciudad regular.

En las provincias se fundan numerosas ciudades de trazado regular
(reticular), con el modelo del castrum (campamento militar, en el que se
manifiesta el carácter militar de la civilización romana). La agrupación
urbanística queda referida a dos grandes ejes, la via decumana (brazo
Este-Oeste) y el cardo (brazo Norte-Sur) que se cruzan, más otras calles
secundarias, formando una cuadrícula; en su interior se encuentra el Foro y
alrededor los templos y la basílica, el teatro, etc. Muchas de las calles
principales se adornaban monumentalmente con columnatas o soportales,
según el modelo helenístico; protegen del calor y del frio, y se multiplican
en las ciudades coloniales en donde las condiciones climáticas exigían una
mayor protección de los viandantes. Ejemplos notables son Timgad
(Argelia), León y Mérida.

Elementos de la ciudad: los foros.

El principal elemento de la ciudad son los foros, que son los conjuntos
urbanísticos que funcionan como grandes centros de la vida política,
económica y social al reunir los edificios religiosos y civiles más importantes
de la ciudad, con las tribunas de oradores, pórticos, templos, basílicas, arcos
triunfales, edificios de oficinas, mercados... Generalmente los foros se sitúan
en el centro aproximado de la ciudad; derivan del ágora griega y no deben
confundirse con el patio o plaza principal, que estaba en el foro, como un
elemento central de la reunión y la comunicación.
Destaca el Foro de Roma (un conjunto de foros), en el cual los emperadores
construyeron sus propios foros (imperiales): Julio (de César), Augusto,
Templo de la Paz (de Vespasiano), Transitorio (Nerva) y, sobre todo, el
monumental de Trajano, obra de Apolodoro de Damasco, con un eje axial
que comienza en un arco de triunfo, un patio (188 x 89 metros) con la
estatua ecuestre de Trajano, exedras a los lados, basílica al fondo y columna
conmemorativa entre dos bibliotecas (griega y romana), y al final un templo
en una plaza semicircular. Envolviendo a una exedra lateral está el inmenso
mercado, excavado en la colina del Quirinal, en forma semicircular en tres
pisos, con más de 150 comercios.
Los barrios residenciales bordean los foros, y en ellos reside la población, a
veces con pequeños núcleos en cada barrio con mercados, templos, termas,
etc. Generalmente se sitúan en las afueras o los extremos de la ciudad los
grandes edificios de espectáculos, debido a que necesitaban unos amplios
espacios. Pero hay excepciones, como el Coliseo de Roma.

3. ARQUITECTURA.
3.1. CARACTERÍSTICAS.
- Es un arte práctico, funcional y utilitario, con un rango más eminente que
las artes plásticas.
- Toma como primer modelo el arte etrusco y luego el griego, aunque
carente de su sentido religioso.
- Asume las técnicas empleadas por las culturas anteriores.
- La arquitectura romana tiene la finalidad de construir espacios interiores
(sobre todo desde la época de Nerón), mientras que la griega es racionalista
y eleva muros visibles exteriormente para los ciudadanos.
- Propone nuevos programas arquitectónicos, para satisfacer las
necesidades sociales, sin el predominio griego del templo: teatros, circos,
basílicas, palacios, termas, puentes, acueductos.
- Surge la teorización, con la obra de Vitruvio Los diez libros de la
Arquitectura, muy influyente en el Renacimiento.
- Los materiales más usados son la piedra (no sólo el mármol como en
Grecia) para los edificios más relevantes, mientras que para el resto se
usaba el ladrillo y la gran innovación del hormigón o cemento (con agua,
cal, cascotes, piedras...), muy resistente, ligero y barato, que por su aspecto
de pobreza se compensaba con estucos, frescos y mosaicos, y que les
permitía levantar en poco tiempo grandes edificios.
- La decoración es muy rica y variada: vegetales (acantos, rosetas,
palmetas, guirnaldas sobre todo), bucráneos (cráneos de buey), pintura,
frontones arquitectónicos, mosaico. Al final del Imperio la decoración se
geometriza.
- Órdenes: se cultivan los mismos órdenes griegos (sobre todo el corintio),
pero dotados de carácter propio o reinterpretados con variaciones como
dórico romano, con basa y sin éntasis; el toscano, una versión etrusca del
dórico, tan austero como este, pero con basa, fuste liso sin éntasis; y el
compuesto (denominado así en el Renacimiento), que surge en la época de
Augusto de la fusión del orden corintio (hojas y ábaco) y jónico (volutas y
equino con óvulos). Es frecuente la superposición de órdenes en una
fachada: dórico, jónico y corintio de abajo arriba.
- Sistema arquitectónico nuevo. Mientras que Grecia prefería el adintelado
(o arquitrabado), Roma utiliza básicamente tres elementos: el arco y la
bóveda, de origen etrusco, más la estructura adintelada griega.
- El arco, en forma de medio punto.
- La bóveda para las cubiertas, con variedad de formas (cañón, de arista,
cúpula...). Desde la época de Sila se aplica la técnica constructiva del
hormigón, que permite obras colosales con bóvedas, como
el Tabularium (78 aC), el archivo oficial construido para Sila.
- El dintel, tomado de los griegos, pero en novedosa combinación con el arco
(así a un arco con pilares le superponen un dintel sobre columnas). Entre el
trasdós del arco, el dintel y la columna hay una enjuta (desnuda o
decorada).

3.2. TIPOS.
TEMPLOS.
- Ya no será la tipología dominante en la arquitectura como sí lo era en
Grecia.
- Se reúne la influencia etrusca y griega (el templo de Júpiter Capitolino). Se
sigue generalmente el modelo griego, pero a menudo se toman rasgos
etruscos.
- Hay gran variedad de plantas: rectangulares, circulares, heterodoxas.
- El templo es de reducidas dimensiones.
- Se levanta sobre un alto podio, con una pequeña escalinata frontal que da
carácter principal a una fachada (el templo griego, aislado de la ciudad,
daba igualdad a las cuatro fachadas, mientras que el romano está integrado
en la ciudad y necesita una entrada principal).
- Lo rodea un peristilo (pórtico columnado) cerrado por detrás y por los lados
con intercolumnios.
- La pronaos se hace más profunda y desaparece el opistodomos (el tesoro
cerrado de los griegos).
- Se prefieren los tipos próstilo y seudoperíptero (que marcan una fachada
principal).

Templos republicanos.
Hay un evidente eclecticismo. Así en época republicana hay templos
rectangulares: de Cori, de la Fortuna Viril, de Vesta en Tívoli, y dos de Vesta
en Roma. Destaca por su composición el santuario de la Fortuna Primigenia
en Preneste, en varias terrazas adaptadas al desnivel, con rampas y
escaleras, con decoración teatral, bóvedas...

Templos imperiales: el Panteón.

Los templos imperiales (destinados al culto del emperador) se caracterizan
por la solidez y grandiosidad, como el de Augusto y Roma en Nimes (Maison
Carrée). El capitel corintio se generaliza entonces, con la variante del capitel
compuesto. Los templos tenían “tesoros”, que eran verdaderos museos de
escultura, pintura y artes menores de los mejores artistas de Roma, Grecia y
Oriente.
Destaca sobre todos el Panteón de Roma (126), de Apolodoro de Damasco,
en época de Adriano (erigido sobre un templo de Agripa). El Panteón
introduce una gran novedad de la arquitectura romana (sobre todo respecto
a la griega): la valoración del espacio interior (daba cabida a los fieles para
adorar a los dioses), además de tener monumentalidad, naturalismo y
perfecta técnica. Sus elementos principales son:
- Un podio con pórtico octástilo rematado por frontón (en el interior con dos
filas de columnas corintias en tres naves).
- Una inmensa cella circular y esférica con gruesos muros que sostienen una
gran cúpula semiesférica (de extraordinaria influjo posterior), coronada por
un óculo.
- El amplio espacio interior estaba circundado por nichos semicirculares y
rectangulares alternados para las estatuas de los dioses.
- El material es el cemento, con revestimiento de bronce, mármoles y en el
techo casetones estucados. Se emplea el ladrillo para los arcos de descarga.
Significado: El panteón era el templo del emperador, pontífice máximo de la
religión politeísta romana. Las medidas y proporciones del templo
corresponden a los rituales político-religiosos de la religión solar imperial,
que representa al emperador tocado con la corona de de rayos solares de
Helios, el dios Sol. En consecuencia, el edificio actuaba como un calendario
solar (teoría de Giulio Magli y Robert Hannah): en los equinoccios de marzo
y septiembre, al mediodía, un haz circular de luz penetra a través del óculo
superior e ilumina la entrada, donde estaría entonces el emperador,
simbolizando su elevación al reino de los dioses.

BASÍLICAS.
- La basílica es el edificio de mayor influencia posterior, sobre todo en el
templo cristiano.
- Su planta es rectangular, de amplio interior en tres naves, sistema
adintelado o de arcada, como un templo períptero al revés (muro por fuera y
peristilo por dentro), con ábside para el magistrado.
- Su origen es republicano, con el modelo de la stoa griega o las salas reales
sasánidas. Las primeras basílicas aparecen c. 184 aC, para la administración
de justicia y el comercio. Destaca la basílica de Majencio en Roma, h. 310.

MONUMENTOS CONMEMORATIVOS.
Arcos de triunfo.
Pronto aparecerá el arco de triunfo, el símbolo imperial por excelencia, por
su fuerte sentido de autoafirmación y de culto a la personalidad del
emperador y de la utilización del arte como vehículo de propaganda al
servicio del poder. Hay variantes de arco único, triple y cuádruple, de los
que hay numerosos ejemplos en Roma y las provincias.

Columnas triunfales.
Las columnas marmóreas adornadas con una serie continuada (en espiral a
lo largo del fuste) de relieves de episodios históricos con los triunfos
militares de los emperadores, como las de Trajano, Antonino Pío y Marco
Aurelio en Roma.

Aras o altares.
Augusto construyó el Ara Pacis (9 aC), austero monumento a la Paz Romana,
con excelentes relieves de figuras y adornos.

ARQUITECTURA FUNERARIA.
Adopta muchas formas, a medida que la incineración fue sustituida
paulatinamente por la inhumación: la pirámide (como la famosa de Cayo
Cestio en Roma), los túmulos turriformes, los templetes, las imitaciones de
arcos triunfales, los nichos y capillas en las catacumbas, los columbarios, y
formas simbólica (como una panadería), etc.
Destaca el modelo de tumba “imperial”, en forma de gigantesco túmulo
cilíndrico, como la Tumba de Cecilia Metela (-30), el Mausoleo del emperador
Augusto y su familia Julia, y el Mausoleo de Adriano (castillo de
Sant'Angelo).

ARQUITECTURA LÚDICA.
El pueblo romano era amante del ocio y de las diversiones, con una
arquitectura recreativa especializada en los diversos espectáculos, a una
escala monumental.

Teatros.
Se inspiran en el teatro griego, pero el teatro romano era, en comparación
con el griego, exento, más unitario y cerrado, incluso con una lona superior.
Destaca el de Marcelo en Roma, que es circular, con dos series de arcadas
superpuestas, dórica la inferior (en la forma modificada del orden toscano),
jónica la superior. El de Arlés sigue este modelo y son excepciones los de
Mérida y Orange.
Tienen tres partes: orquesta, cavea y escena.
- La orquesta es semicircular (no la circular griega).
- La cavea tiene gradas organizadas jerárquicamente y se eleva
artificialmente (aunque hay ejemplos en las provincias en los que se
aprovechó una colina como en Grecia), con puertas (vomitoria) y pasillo
abovedados.
- La escena es monumental y cerrada con una fachada, sobre una
plataforma rectangular alta, y tiene pasillos laterales abovedados (a
diferencia de Grecia).

Anfiteatros.
Tienen la forma circular o elíptica, a partir de la fusión de las formas de dos
teatros unidos por la escena. Tenían como función albergar los combates de
gladiadores y fieras, naumaquias, etc. Hay dos tipos: el republicano y el
imperial. El republicano es macizo, con grandes muros de sillería y rellenos
en los que se disponen gradas para el público; ejemplos son los de
Pompeya, Mérida y Córdoba. El imperial es un modelo basado en bóvedas y
su ejemplo máximo es el Coliseo de Roma.
Destaca el Coliseo (o Colosseum) de Roma (70-80), para 50.000 personas en
un graderío dividido en sectores (para grupos sociales), de gran planta
ovalada con arcadas (80 arcos) con superposición de tres órdenes más un
altísimo parapeto (total de 50 m); su sistema constructivo combina los
sillares de piedra escuadrada y el hormigón, el arco y la bóveda. Otros
anfiteatros importantes son los de Verona, Pompeya, Cartago, Mérida,
Tarragona, Córdoba, Arlés, Nimes y Pola.

Circos.
Tienen forma de un enorme rectángulo alargado, con extremos en
semicírculo y segmento de arco, para las carreras de carros, con una pista
de arena, una spina (eje axial) y las gradas. Hay notables en Roma (el
Máximo y el de la Piazza Navona), Mérida, Sagunto.

Estadios.
Para las competiciones deportivas, son grandes espacios abiertos,
generalmente de forma rectangular, con gradas bajas a uno o varios lados.
Había edificios anejos especializados en funciones similares: gimnasios y
palestras.

Odeones.
Para los espectáculos musicales y generalmente tienen formas parecidas al
teatro.

Termas.
Los baños públicos eran un lugar de aseo, ocio y cultura, con gimnasios,
bibliotecas, pinacotecas, jardines... Las termas imperiales eran enormes,
como las de Trajano, Caracalla y Diocleciano en Roma.
Calzadas, puentes, acueductos, cloacas, puertos.
La ingeniería romana era de gran calidad, gracias a los materiales y el
progreso matemático.
Las calzadas eran de enorme longitud y excelente técnica. Las numerosas y
bien cuidadas vías de comunicación eran vitales para la integración política
y económica del Imperio.
Los puentes eran de sólidos sillares, con pilares y arcos de medio punto, y
tajamares que cortan el agua del río. Destacan los de Mérida y Alcántara.
Los acueductos portaban el agua a las ciudades, por acequias o por
elevación, con gigantescas edificaciones de sólidos sillares, con pilares y
arcos de medio punto. Destacan los de Segovia, Pont du Gard (Provenza) y
Tarragona.
Las cloacas, como la Cloaca Máxima de Roma (de influencia etrusca).
Los grandes puertos de Claudio y de Trajano en Ostia.

ARQUITECTURA DOMÉSTICA.
La vivienda particular, como célula viva del tejido urbano, tuvo gran
importancia desde el punto de vista arquitectónico, agrupándose en barrios
en torno a los foros, generalmente por clases sociales y ocupaciones.

Domus.
Es la casa familiar urbana, con varios tipos regionales (por ejemplo la domus
pompeyana en Pompeya), generalmente con la sucesión axial de
elementos:
- Atrio, con un impluvium interior y compluvium superior.
- Tablinum, la habitación principal.
- Peristilo: un huerto (hortus) columnado.
- Habitaciones a los lados (alae) dispuestas simétricamente, en número
variable, para dormir, los esclavos, la cocina, el taller-tienda (taberna). A
menudo había dos pisos.

Insula.
Es la casa urbana plurifamiliar de varios pisos, con un patio central (Roma,
Ostia). Podía alcanzar enormes alturas y era peligrosa por su endeblez y los
incendios.

Villas rurales.
Se dedican a las actividades agrarias o a la residencia lujosa (la villa de
Piazza Armerina en Sicilia). Adoptan la estructura de la domus, pero con
mayor espacio, y elementos específicos para la agricultura como graneros,
bodegas, lagares o establos.

Palacios.
De los emperadores, como la Domus Aurea de Nerón y la Domus Flavia en
Roma, el de Villa Adriana en Tívoli y el enorme de Diocleciano en Spalato,
una de las últimas grandes obras de época pagana. Generalmente son
monumentales, con una sucesión de domus lujosas.

4. ESCULTURA.
El influjo etrusco y griego.
Hay un fuerte influjo etrusco y griego:
- Su primer antecedente es el influjo etrusco: obras de broncistas etruscos
son la Loba del Capitolio y el busto de Junio Bruto.
- Posterior es el influjo griego: pero ya en el siglo II aC es dominante, hasta
el extremo de que la mayoría de las obras griegas nos han llegado en copias
de época romana.

4.1. CARACTERÍSTICAS.
Los materiales son el bronce (su posterior reutilización nos ha privado de
miles de grandes obras de la Antigüedad), el mármol (muchas estatuas
fueron fundidas para cal o reutilizadas como material de construcción) y la
terracota.

El realismo.
Predomina el realismo en los dos grandes géneros: el retrato y el relieve
histórico. La principal preocupación fue el realismo (tan opuesto al idealismo
griego) en el retrato, en busca de la semejanza y la expresión propias del
modelo, para lo que (según muchos autores) se usaban las máscaras
funerarias en cera conservadas por las familias como objetos de recuerdo y
culto a los antepasados.

RETRATO.
El retrato presenta minuciosamente los rasgos individuales, evolucionando
progresivamente hacia el realismo, con una brillante serie de
representaciones de los nobles y sobre todo las obras maestras de la
retratística imperial, con los bustos y estatuas ecuestres de los
emperadores. El retrato femenino es más ornamental (peinado, vestido).
RELIEVE HISTÓRICO.
El relieve histórico narrativo fue muy importante, para ilustrar las hazañas
de los emperadores y héroes. Fue una innovación en el mundo clásico,
participando del gusto por el realismo, en conjunción con lo mitológico y lo
decorativo.
Destacan los relieves del Ara Pacis de Augusto en Roma (con el cortejo de la
familia imperial, retratada de modo realista), de las columnas marmóreas
adornadas con una serie continuada (en espiral a lo largo del fuste) de
relieves de episodios históricos, como las de Trajano y Marco Aurelio en
Roma y de los arcos de triunfo de Tito y Constantino.

ESCULTURA FUNERARIA.
Los sepulcros y los sarcófagos esculpidos evolucionan desde el realismo
hacia el ornamento simbólico (que predomina en el arte paleocristiano).
Los sarcófagos son de varios tipos: sencillos, con guirnaldas, con retratos en
un círculo (imago clipeata), relieve de friso continuo (o dos superpuestos),
escenas en recuadros (entre árboles o arcos). Los temas son muy variados
(cacerías, mitología, batallas como la del Trono Ludovisi, con la lucha entre
germanos y romanos).

5. PINTURA.
El influjo etrusco y griego.
- La pintura recibió al principio la influencia etrusca y luego la griega, pero
tampoco en la pintura hay una permanente dependencia de estos modelos.

5.1. CARACTERÍSTICAS.
- La estética: predomina el realismo y el decorativismo (abundaba la
decoración pictórica en las casas privadas).
- Las técnicas: sobre todo de caballete y mural.
- Los temas son: mitológicos (la mayoría copias al fresco de obras pictóricas
grecoalejandrinas), de paisaje bucólico, bodegones, escenas de género,
triunfos de los emperadores, juegos y, sobre todo, el retrato realista.

5.2. ESTILOS.
La pintura decorativa de interiores nos ha llegado en Roma, Pompeya y
Herculano, permitiendo una discutida clasificación elaborada por August
Mau hacia 1880 en cuatro estilos pompeyanos, que se datan entre 200 aC y
79 dC, con una evolución desde las formas más sencillas a las más
complejas: incrustaciones, arquitectónico, ornamental e intrincado.
Posteriormente sigue hasta el arte tardorromano, que enlaza con el
paleocristiano. En general, se imitaban los revestimientos marmóreos, con
temas arquitectónicos más o menos fantásticos.

Estilo de incrustaciones.
También llamado estructural (200 a 30 aC), con estucos pintados simulando
mármoles policromos en las paredes. Destaca la amplia gama cromática en
la Casa de Salustio.

Estilo arquitectónico.
Dura de 30 aC a 10 dC, representando falsos elementos arquitectónicos:
columnas, pilastras, arcos, frontones, para ampliar ilusoriamente el espacio
real. Se domina muy bien la perspectiva (hay apariencia de realidad).
Abundan las guirnaldas. Los temas son reproducciones de cuadros célebres.
Destacan los frescos de la Casa de Livia del Palatino y la Villa del Esquilino
en Roma (con episodios de la Odisea, de excelente calidad en los paisajes).

Estilo ornamental.
También llamado de “pared real” (10-60), deriva del anterior, con una pared
que simula abrirse a una vista de arquitectura, pero esta es irreal
(elementos arquitectónicos delgados y lineales). Sobre esta vista hay
paneles con figuras esbozadas con viveza, con manchas en vez de dibujo,
según una técnica “impresionista”. Destacan los frescos de Villa Farnesina y
el Puerto de mar de una villa en Stabia.

Estilo intrincado.
También llamado teatral, fantástico o ilusionista (c. 40 a 60-79), deriva
también del arquitectónico, con colores más intensos, con una arquitectura
aún más irreal de fantasiosas estructuras. Hay una decoración recargada de
multitud de adornos en miniatura y una escenografía teatral de cortinajes y
máscaras. Destacan los grutescos de la Domus Aúrea de Nerón.

Estilos posteriores.
Parece que hubo muchos “neoclasicismos” en la pintura romana, repetidas
modas de regresos a la austeridad y al naturalismo, a la representación
veraz de la realidad, que se interrumpieron sólo en el arte tardorromano. En
Dura-Europos (siglo III) y en Egipto hay ejemplos de la fase final de la
pintura, con temas religiosos (de las religiones orientales) y decorativos. De
la pintura helenística de época romana nos quedan notables ejemplos en la
pintura funeraria (en los sarcófagos de las momias) copta de Egipto.
6. MOSAICO.
Los mosaicos prolongan las pinturas de las paredes en los suelos. Las
características del mosaico romano son: función decorativa, técnica
perfecta, relación con el estilo de la pintura. La tipología es pavimental (en
los suelos; es el tipo más frecuente) y paramental (en los muros). Las
teselas pueden ser en blanco y negro, pero sobre todo en color.
Su momento de máximo auge llegó en el siglo II dC, cuando se generalizó el
mosaico de grandes dimensiones. Los motivos decorativos pueden ser
geométricos, de ornamento vegetal y animal, figurativo. Los temas son
generalmente narrativos de escenas mitológicas, históricas o cotidianas.
Hay ejemplos abundantes en Pompeya, Roma y África del Norte (Cartago).

7. ARTES MENORES
Las artes aplicadas son muy ricas, en cerámica, orfebrería, marfiles, vidrio,
mobiliario, tejidos.

BIBLIOGRAFÍA GRECIA-ROMA.
[Link]. en Pijoan. Historia del arte. Salvat. Barcelona. 1973. v. II. 318 pp. Arte
prehelénico, griego y romano.
González Serrano, Pilar. Grecia y Roma. 466 pp. v. II. de Junquera, Juan José;
Morales y Marín, José Luis (dirs.). Historia Universal del Arte. 12 vs. Espasa
Calpe. Madrid. 1996.
Robertson, D. S. Arquitectura Griega y Romana. Cátedra. Madrid. 1988. 357
pp.

GRECIA.
[Link]. Documental. Grandes Civilizaciones. Descubrir Europa. Maravillas de
Grecia. Director: Clive Maltby. 2004. 60 minutos. Seis partes: el palacio de
Knossos, el oráculo de Delfos, el teatro de Epidauro, el Coloso de Rodas, los
Juegos Olímpicos, la leyenda de la Atlántida y el Partenón de Atenas.
Blanco Freijeiro, A. Arte Griego. CSIC. Madrid. 1975. 396 pp.
Boardman, John. El arte griego. Destino. Barcelona. 1991 (1967). 252 pp.
Charbonneaux, Jean (escultura); Martin, Roland (arquitectura); Villard,
François (cerámica). Grecia arcaica. Col. Universo de las Formas. Aguilar.
Madrid. 1969. 438 pp.
Charbonneaux, Jean; Martin, Roland; Villard, François. Grecia clásica. Col.
Universo de las Formas. Aguilar. Madrid. 1970. 424 pp.
Charbonneaux, Jean; Martin, Roland; Villard, François. Grecia
helenística. Col. Universo de las Formas. Aguilar. Madrid. 1971. 423 pp.
Conti, Flavio. Cómo reconocer el arte griego. Médica y Técnica. Barcelona.
1980. 63 pp.
Demargne, Pierre. Nacimiento del arte griego. Col. Universo de las
Formas. Aguilar. Madrid. 1964. 449 pp.
Papaioannou, Kostas. Arte griego. Gustavo Gili. Barcelona. 1973. 531 pp.
Pijoán, José. El Arte Griego. Summa Artis IV. Espasa-Calpe. Madrid. 1982.
591 pp.
Pollitt, J.J. El arte helenístico. Nerea. Madrid. 1989. 547 pp.
Richter, Gisela. El Arte Griego. Destino. Barcelona. 1980. 430 pp.
Robertson, D. S. El Arte Griego. Alianza. Madrid. 1987. 434 pp.

ROMA.
[Link]. Documental. Grandes Civilizaciones. Descubrir Europa. Grandes
construcciones de Roma. Director: Clive Maltby. 2004. 60’. Seis partes: el
Circo Máximo, el Foro de Trajano, los acueductos, las Termas de Caracalla,
las calzadas, el Panteón y el Coliseo.
Andreae, Bernard. Arte Romano. Gustavo Gili. Barcelona. 1974. 542 pp.
Bianchi Bandinelli, Ranuccio; Giuliano, Antonio. Los etruscos y la Italia
anterior a Roma. Col. Universo de las Formas. Aguilar. Madrid. 1974. 436 pp.
Bianchi Bandinelli, Ranuccio. Roma, centro de poder. Col. Universo de las
Formas. Aguilar. Madrid. 1970. 437 pp.
Bianchi Bandinelli, Ranuccio. Roma, el fin del Arte Antiguo. Col. Universo de
las Formas. Aguilar. Madrid. 1974. 462 pp.
García Bellido, A. Arte Romano. CSIC. Madrid. 1990. 836 pp.
Picard, Gilbert-Charles (texto); Butler, Yvan (fotos). Imperio Romano. Prólogo
de Paolo Portoghesi. Trad. de Juan A. G. Larraya. Editorial Garriga. Barcelona.
1965. 192 pp. Sobre la arquitectura romana imperial.
Pijoán, José. El Arte Romano. Summa Artis V. Espasa-Calpe. Madrid. 1979.
591 pp.
Staccioli, Romolo A. Cómo reconocer el arte etrusco. Médica y Técnica.
Barcelona. 1980. 63 pp.
Tarella, Alda. Cómo reconocer el arte romano. Médica y Técnica. Barcelona.
1980. 63 pp.
Wheeler, Mortimer. El arte y la arquitectura de Roma. Destino. Barcelona.
1995 (1964). 250 pp.
PROGRAMACIÓN.
UD 56. EL ARTE CLÁSICO: GRECIA Y ROMA.
UBICACIÓN Y SECUENCIACIÓN.
BACHILLERATO, 2º curso. Historia del Arte. En las modalidades de Artes y
Humanidades y Ciencias Sociales, en 2º curso, como optativa, así como para
otras modalidades.
Bloque de contenido 3. Los estilos artísticos: evolución histórica y diversidad
espacial. Apartado: El arte clásico grecolatino: su influencia histórica.
Se secuencia al principio del curso, después de las UD de introducción al
arte y de las correspondientes a Arte de la Prehistoria y Arte de las Primeras
Civilizaciones.
RELACIÓN CON TEMAS TRANSVERSALES.
Relación con los temas de la Educación Moral y Cívica y la Educación
Ambiental, pues la contaminación es uno de los grandes peligros para la
arquitectura clásica, sobre todo en Atenas.
TEMPORALIZACIÓN.
11 sesiones. Su número es mayor de lo usual, pero es proporcional a su
importancia y complejidad en conceptos, imágenes, influencia sobre otros
estilos, etc. Incluso, si el nivel hacia la clase 10ª no es juzgado suficiente, se
debería hacer una clase extra de refuerzo antes del examen. Además, de
ser posible, se debería hacer una visita de al menos dos horas al Museo de
Mallorca (o el más adecuado en otra región), para conocer el arte romano.
1ª Documental. Diálogo, para evaluación previa. Exposición del profesor,
sobre características generales del arte griego.
2ª Exposición del profesor, sobre el urbanismo y la arquitectura griegos.
Diálogo con cuestiones.
3ª Exposición del profesor, sobre la arquitectura griega. Diálogo con
cuestiones. Actividades prácticas sobre urbanismo y arquitectura griega. La
Acrópolis de Atenas merece un estudio especial en la UD, con imágenes y
un plano de su disposición, porque su conjunto de edificios nos ofrece el
modelo griego clásico más admirado y estudiado en todas las épocas.
4ª Exposición del profesor, sobre la escultura griega. Diálogo con
cuestiones.
5ª Exposición del profesor, sobre las otras artes griegas y refuerzo de lo
anterior. Diálogo con cuestiones. Actividades prácticas sobre escultura y
otras artes.
6ª Documental. Diálogo para evaluación previa. Exposición del profesor,
sobre características generales del arte romano.
7ª Exposición del profesor sobre el urbanismo y la arquitectura romanos.
Diálogo con cuestiones. Se hará una breve introducción a los monumentos
antiguos en la ciudad de Roma y se presentará un plano de la previsible
ciudad romana de Palma (si el centro está en esa ciudad).
8ª Exposición del profesor sobre la arquitectura romana. Diálogo con
cuestiones. Actividades prácticas sobre urbanismo y arquitectura romanos.
Se da especial relevancia al Coliseo y al Panteón, cada uno con dos
diapositivas (fachada e interior) y una transparencia sobre su composición.
9ª Exposición del profesor sobre la escultura romana. Diálogo con
cuestiones.
10ª Exposición del profesor sobre las otras artes romanas y refuerzo de lo
anterior. Diálogo con cuestiones. Actividades prácticas sobre escultura y
otras artes.
11ª Examen.
OBJETIVOS.
Diferenciar los tres grandes periodos del arte griego (arcaico, clásico y
helenístico) en obras concretas.
Comprender las diferencias entre el urbanismo irregular y el irregular.
Analizar y distinguir los templos griegos y sus partes.
Clasificar e identificar los tres órdenes griegos: dórico, jónico y corintio.
Analizar los rasgos principales de la escultura griega y sus periodos.
Analizar los rasgos principales de la cerámica griega y sus periodos.
Comprender la relación entre el arte griego y el romano.
Analizar la relación entre la cultura romana y su arte.
Relacionar la arquitectura monumental romana y su sociedad.
Identificar materiales, órdenes y elementos de la arquitectura romana.
Analizar de Roma la ciudad, templo, basílica, monumentos conmemorativos,
funerarios, de ocio, las termas y las restantes obras públicas.
Reconocer el retrato y el relieve histórico romano.
Interpretar los cuatro estilos pictóricos pompeyanos y los tipos de mosaico.
CONTENIDOS.
A) CONCEPTUALES.
Arte, urbanismo, arquitectura, escultura y cerámica en Grecia. Con rasgos,
órdenes, tipología, periodos...
Arte, urbanismo, arquitectura, escultura, pintura y mosaico en Roma. Con
rasgos, órdenes, tipología, periodos...
B) PROCEDIMENTALES.
Análisis de la relación entre arte y sociedad.
Análisis de las obras de arte en diapositivas.
Análisis comparativo del lenguaje plástico y visual griego y romano.
C) ACTITUDINALES.
Rigor crítico y curiosidad científica.
Valoración y conservación del patrimonio artístico.
Valoración de la obra de arte como un producto de la sociedad en la que
aparece.
METODOLOGÍA
Expositiva y participativa. Es esencial fundir ambos métodos, el primero
porque la dificultad conceptual del tema exige que el profesor tome la
iniciativa en la enseñanza y asuma los puntos más difíciles; el segundo
porque los alumnos deben, desde el principio del curso, adoptar una actitud
participativa y activa respecto al arte, como el mejor método para que el
aprendizaje sea atractivo y gozoso.
ACTIVIDADES.
A) CON EL GRAN GRUPO.
Exposición por el profesor del tema, con proyección de imágenes y
esquemas conceptuales, mapas y planos. Se cuidará la constante
interrelación entre el arte griego y romano. Así, entre otros puntos, se
procurará mostrar las diferencias de los edificios griegos y romanos: por
ejemplo, la diferencia de concepción espacial entre los contiguos teatros en
la ladera de la Acrópolis de Atenas: el de Dionisos (siglo V aC) y el de
Herodes Ático (siglo II dC).
Visita al Museo de Mallorca, para conocer el arte romano en sus salas.
B) EN EQUIPOS DE TRABAJO.
Realización de una línea de tiempo sobre el proceso del arte griego y de otra
sobre el arte romano.
Realización de esquemas sobre los apartados de la UD: arquitectura,
escultura, pintura, cerámica...
Comentarios críticos de obras principales de cada una de las artes.
Realización por el grupo de un dibujo explicativo sobre un templo griego,
con denominación de sus partes.
Elaboración de un mapa-collage sobre la Acrópolis de Atenas y otro sobre
los monumentos antiguos de la ciudad de Roma, con comentarios de
autores, etc.
C) INDIVIDUALES.
Realización de apuntes esquemáticos sobre la UD.
Participación en las actividades grupales.
Búsqueda individual de datos en la bibliografía, en deberes fuera de clase.
Contestar cuestiones, con diálogo en grupo, pero respuesta individual en el
cuaderno.
RECURSOS.
Presentación digital.
Libros de texto, manuales.
Fotocopias de textos para comentarios.
Cuadernos de apuntes, esquemas...
Documentales.
EVALUACIÓN.
Evaluación continua. Se hará hincapié en la participación en las actividades
de grupo, la calidad de comentarios de diapositivas y el debate de los
contenidos.
Examen en la última sesión, con dos partes, con diez cuestiones breves:
1) Preguntas breves de esquema sobre características generales del arte
griego, del arte romano, principales semejanzas y diferencias entre ambos.
2) Comentarios de imágenes de arte, sobre urbanismo, arquitectura,
escultura y pintura. Tres de Grecia y tres de Roma, y una de urbanismo
romano regular hipodámico. Deben ser fácilmente reconocibles:
Partenón, Discóbolo de Mirón, una cerámica de Exekias; Coliseo o Panteón,
estatua de Augusto, mosaico en Pompeya; Timgad (en este caso se debe
indicar el nombre de la ciudad, pero no que es romana). Se valorará la
identificación de la obra y del autor, del lugar donde se halla el edificio, la
época y fase, los órdenes, las características principales del arte en
cuestión, etc.
RECUPERACIÓN.
Trabajo personalizado guiado por profesor, con bibliografía guiada y
atención de dudas. Deben realizarse esquemas, comentarios de obras y una
entrevista personal.